Mais Garorock ne se limite pas à ses concerts. Entre deux sets, le site se transforme en véritable terrain de jeu. Les festivaliers déambulent entre les nombreux stands et attractions, prennent de la hauteur dans les manèges, tentent leur chance aux différents jeux et se laissent surprendre par les animations disséminées un peu partout.

L’art de vivre un festival en quelques heures
Parmi les expériences les plus appréciées de la soirée, le stand de maquillage fluorescent, qui révèle toute sa magie une fois la nuit tombée, a rencontré un franc succès. Plus loin, une boîte de nuit cachée, baptisée Le Club, attire les plus curieux. Une parenthèse festive au cœur même du festival, où l’on danse quelques morceaux avant de repartir à la découverte du site.

Sur la scène CTRL + B, le spectacle de Michel Hubert a également marqué les esprits. Avec ses nombreux changements de costumes et sa proximité avec le public, le chanteur a offert un show décalé et généreux, transformant son concert en véritable moment de partage. Pour immortaliser cette édition particulière, les photocalls installés sur le site n’ont pas désempli. Les groupes d’amis se succèdent devant les objectifs, conscients de vivre une édition qui restera singulière dans l’histoire du festival.

Des décibels et des saveurs
L’expérience Garorock passe aussi par les saveurs. Entre les cornets de frites maison, les stands mettant à l’honneur les fruits et légumes de saison et l’incontournable bar à vin, chacun a trouvé de quoi prolonger la soirée autour de quelques découvertes gourmandes.

Puis la nuit a pris une autre dimension avec les performances de Big Flo & Oli, Last Train, Major Lazer, Mosimann et de Timmy Trumpet. Les artistes ont offert une fin de soirée résolument festive, transformant le site en immense dancefloor à ciel ouvert et rappelant, une dernière fois, la force de rassemblement de la musique.

Si cette 30e édition n’aura pas eu le déroulé espéré, elle aura tout de même prouvé une chose : il suffit parfois d’une seule soirée pour retrouver l’esprit d’un festival et repartir avec l’impression d’avoir vécu un moment à part.

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Jaap van Zweden dirigera la 5ème de Beethoven © Raphael Faux

Voyage d’hiver en été
Amateur-ice-s de Franz Schubert, cette soirée est pour vous. Le fameux Winterreise est donné en version trio, le piano d’Oliver Schnyder sera accompagné d’Andreas Janke au violon et du violoncelle de Benjamin Nyffenegger. Ensemble, ils donneront ce voyage d’hiver si typique de la mélancolie romantique, chanté par le baryton Daniel Behle. À l’image du poète Wilhelm Müller dont il s’inspire pour ses Lieder, Schubert se pense comme un artiste au destin contrarié, solitaire et maintenu dans l’ombre. Du même Müller, il empruntera d’ailleurs les écrits pour sa « schöne Müllerin ». Une soirée intime, intérieure, à apprécier le 14 août à l’église de Zweisimmen.

Boulevard des tubes
Ainsi pourrait s’appeler la soirée du 15 août, baptisée en l’occurrence Celebration. Le directeur artistique du festival Daniel Hope –un violoniste, comme Yehudi bien sûr– jouera le concerto d’Edward Elgar, avec le Gstaad Festival Orchestra, dont le début enjoué contraste avec celui dramatique du concerto pour violoncelle du même compositeur. Au pupitre, Jaap van Zweden fera résonner les premières notes mythiques de la Symphonie 5 de L.v. Beethoven. Un concert sous la tente du Festival, idéal pour les first timers !

Daniel Behle chantera le Winterreise de Schubert © Simon Pauly

Sergei & Gustav
Un début mystérieux de vents sur un lit de cordes, un finale flamboyant de cuivres ; c’est la Symphonie n°1 « Titan » de Mahler, qui s’invite au concert du 16 août. Une symphonie assez courte –est-ce seulement possible chez Gustav?– qui place déjà le vocabulaire du compositeur : cors aux airs alpins, instruments placés à distance, instants frémissants avant un bouillonnement orchestral, mélange de grâce et d’ironie mordante. Il faudra aussi laisser la place au « Rach III » ou Concerto pour piano n°3 de Sergei Rachmaninov, avec Isata Kanneh-Mason au clavier, une artiste britannique qui a notamment joué avec… Elton John ! L’interprète donnera également « Vocalise » du compositeur russe, une pièce imaginée au départ pour un ou une artiste lyrique mais sans parole, adaptée cette fois pour orchestre, en l’occurrence celui du Menuhin. Il sera dirigé par l’inspirant et espiègle IvánFischer, passé maître dans l’art de vous faire écouter autrement des œuvres tant entendues. Ça vaut bien le coup d’une promenade à Gstaad, non ?

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Une pluie de céramiques suspendues accueille les visiteurs dès le lobby. Une œuvre monumentale de Mounat Charrat qui donne immédiatement le ton : ici, l’art ne décore pas les lieux, il les habite © Park Hyatt Marrakech

À peine franchi le lobby, impossible de lever les yeux ailleurs que vers l’installation monumentale en céramique de Mounat Charrat. Une nuée suspendue qui semble flotter entre ciel et Atlas, comme si la terre marocaine avait décidé de prendre son envol. Puis le regard vagabonde. Sur la pierre de Taza. Sur les tapis tissés à la main. Sur le laiton qui attrape les derniers rayons du soleil. Sur les moucharabiehs qui jouent avec les ombres comme d’autres jouent avec les mots. Sous la direction de l’architecte Imaad Rahmouni, le patrimoine arabo-berbère cesse d’être une référence figée pour devenir un langage contemporain. Rien n’est démonstratif. Tout est juste. Le vrai luxe se niche peut-être là : dans un palace qui préfère collectionner les artistes plutôt que les effets de manche.

Entre marbre, moucharabiehs et lignes contemporaines, le lobby ouvre le bal. Plus qu’un hall d’entrée, c’est la première page d’un récit où le Maroc dévoile toute l’étendue de son savoir-faire © Park Hyatt Marrakech

Une chambre avec vue… sur l’Atlas
Ici, même les chambres semblent avoir pris des cours aux Beaux-Arts. Les 130 chambres et 69 suites prolongent le récit avec la même élégance discrète. Bois, pierre, lin, marbre, nuances ocre et œuvres originales composent un décor qui respire plus qu’il ne s’impose. Les immenses baies vitrées cadrent les montagnes de l’Atlas comme le plus beau tableau du resort, changeant de palette au fil des heures et de la lumière.

On s’y sent rapidement ailleurs. Loin du tumulte de la médina, mais jamais loin du Maroc. Chaque matière, chaque texture, chaque détail rappelle que le raffinement ne tient pas à l’accumulation, mais à la justesse. Une chambre qui ne cherche pas à voler la vedette au paysage… seulement à lui offrir son plus bel écrin.

Dormir dans une galerie ? Presque. Chaque chambre mêle artisanat, design et œuvres d’art © Park Hyatt Marrakech

Une cuisine haute en couleurs
Au Park Hyatt, la galerie ne s’arrête pas aux murs. Elle se poursuit dans les assiettes. Au TFAYA, la gastronomie marocaine revisite son patrimoine avec finesse, tandis que Le Pavillon fait dialoguer les saveurs méditerranéennes et quelques influences nikkei, face à l’Atlas. Même le tea time, servi au Living Room, ressemble davantage à une pause contemplative qu’à un simple goûter.

Comme pour l’art, la cuisine évite les effets faciles. Les produits prennent la parole, les épices savent se faire éloquentes sans hausser le ton, et chaque plat semble raconter le même Maroc : enraciné dans ses traditions, curieux du monde et profondément généreux.

À l’ombre des oliviers, la cuisine prend le soleil. Une table où le Maroc dialogue avec le monde, sans jamais perdre son accent © Park Hyatt Marrakech

Le corps, lui aussi, trouve son œuvre
Après avoir régalé les yeux et les papilles, le Park Hyatt s’occupe du reste. Mention spéciale au spa, véritable bulle de décompression où les rituels marocains invitent à lever le pied. Hammam, soins signatures, huiles parfumées… Ici, on ne court plus après le temps, on le laisse simplement fondre.

La piscine du SPA: le type de lieu où l’on ressort plus léger qu’en y entrant © Park Hyatt Marrakech

Puis il y a la piscine. Longiligne, élégante, elle semble tirer un trait d’union entre le resort et les montagnes de l’Atlas. Un miroir à ciel ouvert où l’eau reflète autant le paysage que la sérénité du lieu. Le genre de bassin qui donne soudainement envie d’oublier son téléphone… et même l’heure. Les plus actifs pourront ensuite retrouver les courts de padel, la salle de fitness ou le golf d’Al Maaden, juste à côté.

Au fond, le Park Hyatt Marrakech cultive un art devenu rare : celui de faire cohabiter l’effervescence de la création… avec le luxe de ne rien faire.

Dernier coup de pinceau
En quittant les lieux, une évidence s’impose. Le souvenir le plus précieux ne tient ni dans une photo de piscine, ni dans une suite avec vue sur l’Atlas. Il tient dans cette étrange sensation d’avoir séjourné au cœur d’une collection privée. Un endroit où l’on dort dans une galerie, où l’on dîne dans une œuvre, et où le plus beau chef-d’œuvre n’est peut-être ni une sculpture, ni un tableau…Mais l’expérience elle-même.

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Prenant comme point de départ une impression, Tanguy Bertocchi sérigraphie des compositions typographiques sur des panneaux de bois que Peter s’approprie ensuite comme matière brute. Les lettres y sont alors fragmentées, déplacées, recomposées et adaptées jusqu’à devenir structure. Le langage se métamorphose ainsi en motif, le motif en volume. De ce dialogue astucieux surgit une série de tabourets en Valchromat — panneau de fibres MDF teinté dans la masse, choisi autant pour sa densité que pour la profondeur de ses teintes — auxquels s’ajoutent des pièces textiles produites par Varylab : de grands sacs hyper pratiques, des sacoches plus modestes, des tableaux formés d’assemblages de textiles à l’instar des patchworks, le tout soigneusement cousu à la main. L’ensemble de ces pièces reprend les mêmes mots et les décline de telle sorte qu’ils deviennent motifs. Ainsi, les accessoires et les surfaces sérigraphiées sont développés selon le même protocole, comme autant de variations d’un alphabet qui ne se lit plus, mais se vit. Une construction étonnante, au croisement du mot et de l’objet, du geste artisanal et de la pensée contemporaine. Bon à savoir, l’ensemble des pièces exposées est à vendre à des prix honnêtes. Un beau projet d’art et de design, à découvrir sans tarder.

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Une exfoliation progressive pour lisser et affiner le grain de peau
Le second pilier de ce duo est l’Exfoliant Resurfaçant de Timeline. Il s’agit d’un sérum sans rinçage formulé à base d’acides végétaux, conçu pour exfolier la peau de manière progressive et non agressive. Son action vise à affiner le grain de peau, améliorer la texture cutanée et favoriser une meilleure homogénéité du teint. En parallèle, il optimise également la pénétration des soins appliqués ensuite, renforçant ainsi l’efficacité globale de la routine. Contrairement aux exfoliants traditionnels plus abrasifs, cette approche repose sur une exfoliation douce et continue, adaptée à une utilisation régulière, notamment dans une optique de préparation de la peau à l’été.

Une approche centrée sur la longévité cutanée Au-delà des résultats visibles, ce duo s’inscrit dans une philosophie plus large portée par Timeline : celle de la longévité cellulaire. L’objectif n’est pas uniquement esthétique, mais aussi fonctionnel, en soutenant les mécanismes naturels de la peau sur le long terme. Cette vision, nourrie par la recherche scientifique menée à l’École polytechnique fédérale de Lausanne, propose une approche de la skincare plus épurée, où chaque geste a une fonction précise et complémentaire. Dans un contexte estival, cette simplicité contrôlée prend tout son sens : une peau nettoyée en douceur, une texture affinée, et un éclat naturel progressivement révélé.

À l’heure où les routines beauté tendent vers plus de simplicité, ce duo illustre une tendance forte : moins de produits, mais des formules plus ciblées et plus intelligentes. Nettoyer, lisser, préparer : trois étapes implicites qui permettent à la peau d’aborder l’été dans des conditions optimales, avec une sensation de netteté, de confort et de luminosité. Une approche discrète, presque invisible, mais qui s’inscrit pleinement dans l’évolution actuelle de la skincare : celle d’une beauté plus consciente, ancrée dans la science et tournée vers le long terme.

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Imaginée avec la créatrice Fanny Blanchelande, la collection puise son inspiration dans le mandala qui compose l’emblème de la marque. Lotus, fleur de lys, cercle infini et géométrie sacrée s’entrelacent dans des créations mêlant pierres colorées, métaux précieux, céramique, titane ou encore aluminium. Trois chapitres composent cette odyssée miniature : Origin, Horizon et Odyssey, comme trois façons différentes de prendre le large sans quitter la terre ferme.

Le détail le plus intéressant reste peut-être ailleurs. Ces bijoux ne seront disponibles qu’à bord des navires Explora. Impossible de les acheter en boutique ou en ligne. Une exclusivité qui transforme les passagers en membres d’un club discret, reconnaissables entre eux comme les détenteurs d’un souvenir que l’argent seul ne suffit pas à acquérir.

Au fond, Explora ne vend pas seulement un bijou. Elle vend une appartenance. Une manière de prolonger le voyage lorsque les vagues ont disparu à l’horizon et que la valise est déjà rangée au placard.

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Palace Luzern, vers 1906 Avant les étoiles Michelin, les spas dernier cri et l’ère Mandarin Oriental, le Palace Luzern régnait déjà sur les rives du lac des Quatre-Cantons. Avec ses tourelles Belle Époque, ses façades majestueuses et les Alpes en toile de fond, l’hôtel incarnait le rêve suisse d’une clientèle venue chercher l’air pur, les panoramas grandioses et un certain art de vivre (c) Rodolf Schlatter

Face au lac des Quatre-Cantons, le Palace devient rapidement l’une des adresses les plus désirées du pays. Une sorte de paquebot Belle Époque amarré au pied des montagnes, où l’on venait autant pour être vu que pour contempler le paysage.

120 ans et pas une ride au patrimoine
Cent vingt ans plus tard, la silhouette est toujours là. Elle a vu défiler deux guerres mondiales, plusieurs krachs financiers, des têtes couronnées, des artistes, des chefs d’État et des générations de voyageurs venus chercher un peu de grandeur dans un monde devenu toujours plus pressé.

Escalier monumental, 1908 Marbre, ferronneries et courbes théâtrales : dès ses premières années, le Palace cultivait le goût de la grandeur. Plus d’un siècle plus tard, cet escalier semble toujours inviter les visiteurs à remonter le temps, à une époque où l’on voyageait avec des malles, des domestiques et beaucoup moins d’empressement (c) Rodolf Schlatter

Là où d’autres établissements ont disparu dans les plis de l’histoire, le Palace a continué de traverser les décennies avec une élégance presque insolente. Une mécanique suisse parfaitement huilée, capable d’encaisser les secousses du siècle sans jamais perdre le nord.

En 2022, après cinq années de rénovation minutieuse, le monument entre dans une nouvelle ère sous l’étendard Mandarin Oriental. Une renaissance davantage qu’une transformation. Derrière les restaurants étoilés, les suites réinventées et les clins d’œil asiatiques disséminés avec subtilité, l’âme du lieu demeure intacte.

Colonnes de marbre corail, damier d’origine et lignes contemporaines : le Palace joue les funambules entre patrimoine et modernité. Une partition à quatre mains où 1906 dialogue avec 2026 (c) MO Lucerne

Nouvelle vague de bien-être
Parmi les dernières nouveautés à souligner, l’ouverture d’un spa signé Biologique Recherche apporte une nouvelle corde à l’arc de cette institution centenaire. Une adresse où l’on vient désormais autant pour décrocher du quotidien que pour admirer le lac. Fidèle à la philosophie de la marque française, l’approche se veut pointue, personnalisée et résolument tournée vers les résultats. Une façon de rappeler qu’à 120 ans, le Palace continue d’investir dans l’avenir plutôt que de vivre sur ses souvenirs.

Service anniversaire compris
Pour célébrer cet anniversaire, l’établissement ne distribue pas des parts de gâteau mais des expériences.

Dîner ici, c’est hésiter entre regarder son assiette ou le panorama. Au sommet du Palace, le lac des Quatre-Cantons, les lumières de Lucerne et les reliefs alpins composent un spectacle qui ferait presque de l’ombre au champagne (c) MO Lucerne

L’offre « The 120th Journey » permet de profiter du palace avec jusqu’à 15 % de réduction et un crédit gastronomique de 120 francs. Une invitation à ralentir, à regarder les bateaux glisser sur le lac et à laisser le temps reprendre un rythme plus humain.

Pour ceux qui préfèrent naviguer en première classe, le forfait « Palace Riviera » déroule le grand jeu : arrivée en Rolls-Royce, suite Signature, croisière privée à bord du mythique MS Meggenhorn datant de 1926, champagne, spa et majordome personnel. La dolce vita a trouvé refuge entre les Alpes et le lac des Quatre-Cantons.

Parquet en chêne, lignes contemporaines et balcon suspendu entre lac et montagnes : au Palace Luzern, même les murs semblent avoir le sens du panorama. Le genre d’adresse où l’on ferme rarement les rideaux (c) MO Lucerne

L’art de durer
À une époque où tout s’actualise, se remplace et se consomme à vitesse accélérée, le Palace Luzern célèbre une qualité devenue presque subversive : la longévité. Cent vingt ans après son ouverture, cette grande dame Belle Époque continue de regarder les cygnes tracer leur sillage sur le lac. Le décor a changé. Le monde aussi. Mais certaines adresses possèdent ce talent rare : transformer le temps qui passe en supplément d’âme.

Depuis plus d’un siècle, cette silhouette Belle Époque contemple les eaux du lac des Quatre-Cantons et les sommets qui l’encerclent. Une vue si spectaculaire qu’elle ferait presque passer la chambre au second plan. Presque. (c) MO Lucerne

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L’aubergine fumée, sauce tomate, shatta et ail confit. Le plat qui a discrètement pris le pouvoir sur la table… et sur notre cœur (c) DR

Portée par Pamela Radealli et l’agence PR&Co, cette sixième édition voit les choses en grand. Pour la première fois, la Veggie Week s’étend sur l’ensemble du mois de juin et réunit cinq tables genevoises autour d’un même défi : démontrer que la cuisine végétale n’est ni une punition, ni un compromis, mais un formidable terrain de jeu pour les chefs.

Cette année, SACHI, L’Aparté, Ottolenghi, La Micheline et À Table chez Anou ont chacun imaginé un menu exclusif célébrant légumes de saison, créativité et gourmandise. Des influences japonaises aux inspirations ayurvédiques, en passant par la gastronomie française et la cuisine levantine, le végétal voyage, se réinvente et multiplie les personnalités.

Maxime Martin, chef d’Ottolenghi Genève et ambassadeur de la Veggie Week 2026. Une mission presque naturelle dans une maison où les légumes occupent depuis toujours le devant de la scène (C) DR

Pour prendre le pouls de cette révolution verte, c’est chez Ottolenghi, au Mandarin Oriental Genève, qu’on est allé planter notre fourchette ce midi. Fidèle à l’ADN de la maison, le chef Maxime Martin compose un menu coloré où les légumes n’ont jamais vraiment demandé la permission d’exister. Ici, les asperges grillées, relevées d’origan, de piment mariné et de dukkah, ouvrent le bal de ce menu avec panache. La burrata et ses courgettes apportent ensuite une touche de douceur avant l’arrivée du désormais incontournable shawarma de céleri-rave, véritable ambassadeur de cette cuisine qui brouille les frontières entre végétal et gourmandise.

Caramel custard, fraises, sumac, huile de basilic et amandes : une finale tout en douceur qui récolte les fruits d’un déjeuner particulièrement inspiré (c) Nicolas Bula

Mais le véritable hold-up du déjeuner porte un nom : l’aubergine fumée. Nappée d’une sauce tomate relevée de shatta et accompagnée d’ail confit, elle possède ce mélange rare de douceur, de caractère et de profondeur qui fait les plats dont on se souvient. Une aubergine qui prend tellement de place qu’elle finit par couper l’herbe sous le pied à tout le reste du menu. Notre crush du jour!

Quant au dessert, un délicat caramel custard aux fraises, sumac, huile de basilic et amandes, il vient récolter les fruits d’un déjeuner particulièrement inspiré. Une dernière note tout en équilibre qui rappelle qu’en cuisine, comme ailleurs, les meilleures surprises arrivent parfois là où on ne les attend pas.

Jusqu’au 30 juin, les légumes ont pris le pouvoir. Et contrairement à certains sommets internationaux, celui-ci débouche sur quelque chose de concret dans l’assiette.

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Au fil des années, Garorock continue de séduire les habitués comme les nouveaux venus. Parce qu’au fond, on ne vient pas seulement pour voir des artistes. On vient pour vivre l’été avant tout le monde. Et si la saison avait un point de départ, il pourrait bien se trouver ici, au cœur du Lot-et-Garonne. Garorock fête sa 30e édition.  Et nous, on a hâte d’y être.

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Les garçons du Knabenkantorei réponde aux cloches tubulaires (c) DR

Après avoir été noyées par les cuivres et percussions, les cordes et la petite harmonie prennent leur revanche dans ce deuxième mouvement qui démarre délicatement et avec lyrisme. Flûte traversière, cors et clarinettes se déploient dans ce menuet aux sonorités très « Mitteleuropa ». Ensuite, on retrouve les sommets, avec ce solo de cuivre dissimulé qui rappelle le cor des Alpes, dans une fresque de montagne entreprintemps fleuri et chant d’oiseaux, une Ode à la nature où chacun dialogue comme on se répond entre vallées. Demeure toujours une tension, suspendue, comme nos pieds sur une ligne de crête, où la chute n’est jamais très loin.

Cantatrice et petits chanteurs
Arrive l’instant « misterioso » et spirituel avec l’alto Jasmin Jorias, toute en retenue, qui pourtant s’affirme avec autorité. Elle déploie « Oh Mensch, Gibt Acht ! » (Ô homme, Prends garde!) inspiré d’Also Sprach Zarathustra avec une précision d’orfèvre et répond au hautbois délicat de Marc Lachat et au cor solo de Samuel Seidenberg, seul face à la salle, dont la maitrise exige « des nerfs d’acier » selon les mots du critique Christian Merlin. Dans cette ambiance étrange qui évoque les profondeurs, les garçons du Knabenkantorei Basel jouent leur part espiègle, joyeuse et impertinente, accompagnés par les cloches tubulaires pour le carillon (« Bimm, Bamm »).

standing ovation pour ce marathon au sommet ! © Bettina Matthiessen

Le souffle coupé à l’ascension
Dans cette partition très chargée, à l’instrumentation lourde, alternant instants aériens et frappes telluriques, la tentation est grande de céder à la froide technique. Elle est ici parfaitement maîtrisée par l’orchestre et son maestro : les cordes attaquent ensemble, les cuivres sont rutilants, les multiples percussions à l’unisson. Mais Markus Poschner sait retenir la tension, l’harmonie, la délicatesse pour la fin, offrant une méditation allant crescendo, un long effort avant la lumière, comme lorsqu’on atteint le sommet, le souffle coupé par la beauté du paysage plutôt que par l’effort. Presqu’assommé, le public n’applaudit pas tout de suite, comme pour savourer encore cette ascension. On redescend ?

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Jean-Léon Gérôme, Dance of the Almeh (vers 1863). Entre fascination, exotisme et mise en scène, le peintre français immortalise une danseuse orientale devenue l’un des motifs récurrents de l’imaginaire orientaliste du XIXe siècle. © Dayton Art Institute

C’est précisément ce grand mélange de fascination et de fiction que décortique Orientalism: Between Fact and Fantasy. Réunissant près de 180 œuvres, l’exposition confronte les célèbres peintures orientalistes aux objets, textiles, céramiques, armes et chefs-d’œuvre du monde islamique qui les ont inspirées. Une manière de quitter le royaume des fantasmes pour revenir aux sources.

Quand l’Alhambra devient influenceuse
Bien avant TikTok, l’Algorithme s’appelait Alhambra. Le palais andalou de Grenade est alors devenu un passage obligé pour artistes, architectes et voyageurs en quête d’exotisme. Ses arabesques, ses cours intérieures et ses jeux de lumière se répandent dans toute l’Europe comme une tendance avant l’heure. L’Orientalisme ne se limite plus aux tableaux : il envahit le mobilier, l’architecture, les arts décoratifs et jusqu’aux intérieurs bourgeois.

Avec At the Mosque Door, Osman Hamdi Bey reprend les codes de l’Orientalisme pour mieux les détourner. Là où tant d’artistes occidentaux regardaient l’Orient de l’extérieur, le peintre ottoman en livre une vision intime, érudite et profondément ancrée dans sa réalité © The Metropolitan Museum of Art, New York

Le grand bazar des influences
Mais réduire cette histoire à une simple appropriation serait aussi réducteur que les clichés qu’elle tente de déconstruire. Car les échanges circulaient dans plusieurs directions. Designers européens fascinés par les techniques islamiques, artisans inspirés par des motifs venus de Perse, collectionneurs avides d’objets orientaux : les influences se croisent, se répondent et parfois se confondent. Certaines créations sont même commercialisées comme « persanes » alors qu’elles n’ont jamais vu Téhéran. Le marketing avait déjà trouvé son désert avant le pétrole.

La revanche du regard intérieur
L’une des révélations de l’exposition porte le nom d’Osman Hamdi Bey. Formé en France mais profondément enraciné dans l’Empire ottoman, il observe son monde depuis l’intérieur alors que tant d’autres le contemplent depuis l’extérieur. Là où certains peintres collectionnent les fantasmes, lui collectionne les nuances. Ses œuvres rappellent que l’Orient n’était pas seulement un sujet regardé : il regardait aussi en retour.

Dans Young Woman Reading, Osman Hamdi Bey tourne le dos aux clichés orientalistes les plus tenaces. Pas de harem ni de spectacle exotique, mais une femme absorbée par la lecture. Une scène de savoir, de calme et d’émancipation qui rappelle que l’Orient réel était souvent plus riche et plus complexe que celui imaginé par les peintres occidentaux © Islamic Arts Museum Malaysia

Au fond, cette exposition raconte moins l’Orient que notre manière de fabriquer l’ailleurs. Hier avec des pinceaux, aujourd’hui avec des filtres. Les outils changent. Les projections, elles, voyagent remarquablement bien.

Forgé pour protéger, collectionné pour admirer. Ce casque ottoman des XVe et XVIe siècles rappelle que l’Orientalisme ne s’est pas nourri uniquement de fantasmes et de peintures. Armes, armures, textiles et objets précieux ont également façonné le regard occidental sur le monde islamique. Entre prouesse militaire et raffinement décoratif, cette pièce témoigne d’un savoir-faire où l’acier se faisait aussi élégant que redoutable Collection du The Walters Art Museum © Walters Art Museum

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L’arme du crime. Celle qui transforme une simple curiosité en addiction sportive. (c) David Lloyd Club

Le royaume genevois du padel
À Genève, le David Lloyd Country Club Geneva s’est imposé comme l’une des adresses de référence pour découvrir ou perfectionner sa pratique. Le club dispose de quatre terrains indoor permettant de jouer toute l’année, un luxe dans une région où les infrastructures couvertes restent relativement rares.

Mais l’atout majeur se trouve peut-être au bord du terrain. Parmi les coachs figure Kilian Jordan, numéro un suisse de la discipline, qui participe activement au développement du padel dans la région. Son constat est simple : rares sont les sports où quatre parfaits débutants peuvent prendre autant de plaisir dès leur première partie.

Le sport qui ne juge personne
Contrairement à d’autres disciplines nécessitant des années de pratique avant de ressentir ses premiers frissons, le padel offre une gratification quasi instantanée. Les échanges s’allongent rapidement, les règles s’apprennent en quelques minutes et les écarts de niveau se gomment plus facilement qu’ailleurs. Résultat : adolescents, parents, sportifs aguerris ou joueurs occasionnels partagent souvent le même terrain.

Cathédrale du rebond chez David Lloyd Club. Sous cette charpente, les vitres remplacent les murs du quotidien (c) David Lloyd Club

Cette démocratisation ne signifie pas pour autant que le sport manque d’intensité. Entre déplacements explosifs, réflexes permanents et changements de direction incessants, jambes, dos, abdominaux et bras sont sollicités à chaque point. Une séance de padel laisse rarement repartir avec la sensation d’avoir simplement tapé quelques balles. 

Bien plus qu’un sport
Ce qui explique sans doute le succès fulgurant du padel n’est pas seulement son aspect ludique. C’est aussi sa dimension sociale. Peu de disciplines favorisent autant les rencontres spontanées, les doubles improvisés et les troisièmes mi-temps qui s’éternisent autour d’un verre.

Au padel, on se serre la main avant le match, pendant le match et souvent autour d’un verre après le match (c) David Lloyd Club

Au David Lloyd Country Club Geneva, cette philosophie se traduit par une programmation régulière de tournois et d’événements destinés à fédérer une véritable communauté de joueurs. Une façon de rappeler que derrière chaque smash victorieux se cache souvent une bonne excuse pour partager un moment ensemble. 

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