Une guirlande pour décor, les canons de beauté débranchés. Kate Moss, Under Exposure, pour le Vogue britannique, 1993 Crédit : © Corinne Day Estate.

C’est cette circulation entre les disciplines que poursuit The 90s: Art and Fashion, réunissant plus de cent photographies, peintures, sculptures et vêtements, signés par près de soixante-dix artistes, photographes et créateurs. Chez Enninful, le récit vient aussi du vécu : celui d’un jeune homme noir de Ladbroke Grove, entré dans un milieu dont sa génération allait déplacer les frontières. Les clubs prolongeaient les studios ; les rencontres nocturnes nourrissaient les images du lendemain. Le réseau social avait un vestiaire et fermait au petit matin.

Cousu de nerfs
Alexander McQueen, Vivienne Westwood, John Galliano, Hussein Chalayan : sur le portant, les noms suffisent à faire monter la température. Face à eux, Damien Hirst, Sarah Lucas, Tracey Emin et les frères Chapman rappellent combien cette génération savait travailler les nerfs. Le corps traverse l’exposition, entre désir, malaise, transformation et mortalité. Une matière autrement plus inflammable que le simple souvenir d’une robe bien coupée.

 La chair presse le cadre et met les normes sous tension! Jenny Saville et Glen Luchford, Closed Contact #4, 1995–1996 © Jenny Saville and Glen Luchford. All rights reserved, DACS 2026

Réduire cette rencontre à une affaire d’influences serait pourtant lui couper les ailes. La force des années 1990 tient aussi à leurs contradictions : une fascination pour les corps qui pouvait les libérer autant que les enfermer ; une recherche d’authenticité déjà séduisante pour le commerce ; un goût de la marge dont le centre apprenait très vite à faire son miel. Même l’imperfection pouvait devenir une consigne esthétique. Le naturel avait ses directeurs artistiques. C’est précisément ce qui rend cette période passionnante. Sa créativité mérite mieux qu’une béatification au flash.

Cool Britannia, température variable
Le récit gagne en épaisseur lorsqu’il dépasse les visages consacrés. Avec notamment Yinka Shonibare, Sonia Boyce, Keith Piper ou Chris Ofili, une autre histoire britannique affleure, traversée par les questions de représentation, d’appartenance et de pouvoir. Dans No Woman, No Cry d’Ofili, l’hommage à Doreen Lawrence et à son fils Stephen, assassiné, ramène une douleur politique au cœur de la célébration culturelle. La décennie n’avait décidément pas la même couleur pour tout le monde.

L’allure s’affirme, la beauté reprend ses droits / Eileen Perrier, Untitled, Afro Hair and Beauty Show, 1998. © Eileen Perrier. All rights reserved, DACS 2026

Voilà le point sensible : à force de célébrer une époque pour son allure, on risque d’oublier ce qui la mettait en mouvement. Qui avait accès aux images ? Qui restait hors champ ? Qui pouvait transformer sa différence en carrière, et à quel prix ? Enninful revendique lui-même ces questions de visibilité et d’accès. Elles constituent sans doute la promesse la plus féconde de son exposition.

La rébellion passe au pressing
La réception critique relève toutefois un décalage entre cette ambition et son déploiement. Dans The Nerve, Ben Luke pointe des rapprochements forcés entre œuvres et images de mode, ainsi qu’un récit très londonien sous son enseigne britannique. Son exemple de Fiorucci Made Me Hardcore, le film de Mark Leckey présenté sur un petit moniteur parmi les photographies de clubbing, touche juste : raconter la nuit suppose aussi de laisser de la place à ses fantômes.

On peut défendre le dialogue entre photographie de mode et art contemporain sans accepter que leur voisinage suffise à produire du sens. Une silhouette et une sculpture peuvent partager une tension, une ligne, une inquiétude. Encore faut-il que l’accrochage donne à chacune le temps de parler. À vouloir retrouver l’effervescence, le musée risque parfois d’en fabriquer le résumé visuel. Et c’est bien parce que cette décennie fut incroyable qu’on peut se montrer exigeant. Ses images ont survécu ; leur pouvoir de dérangement mérite, lui aussi, d’être transmis. On veut la beauté, évidemment. Mais avec ses échardes.

Les années 1990 ont assez servi de moodboard. Qu’on leur rende le droit de mordre.

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Ophélie Gaillard co-directeurice du festival Poncticello ©DR

A l’affiche de cette édition placée sous le motto, « La voix est libre » de nombreux artistes échangeront dans l’auditorium Ernest Ansermet, du nom du tutélaire fondateur de l’Orchestre de la Suisse romande. Parmi la riche programmation, on peut souligner une action musicale sur des mélodies siciliennes, pour alto, percussions et voix enregistrée. C’est Naturale du célèbre Luciano Berio, avec Sarah Strohm, toute récente gagnante du Concours de Genève à l’alto (19 novembre). Le lendemain, sera donné le Quintette n°1 pour piano et cordes du genevois Ernest Bloch sur des textes de Bruno Schulz lus par Annie Dutoit-Argerich, avec Ophélie Gaillard et Cédric Pescia notamment. Le 21 novembre, place aux Dits de Peter Bornemisza de György Kurtág, œuvre originale pour la brillante soprano Borbála Szuromi, qui sera accompagnée par Cedric Pescia au clavier. Suivra une after qui fera merveille, entre le piano et électro, avec Julien Quentin qu’on ne présente plus et César… Merveille ! Dimanche oblige, c’est gueule de bois ou plutôt la journée des enfants, avec accueil matinal et collation. Il s’agira surtout d’écouter Sergei Babayan –souvent vu au Verbier festival–  pour un concert de Bach à Gershwin. Vous prendrez bien un coup d’accélérateur de culture ?

Cédric Pescia, co-directeur du festival Ponticello ©DR

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Notre réponse est simple. La base et les actifs restent séparés dans des doses hermétiques, et le Minilab crée l’émulsion en 90 secondes, au moment précis de l’application. Nous n’inventons pas de nouvel ingrédient : nous rendons aux meilleurs actifs existants tout leur potentiel. Plus de 20 brevets, une conception et une fabrication suisses. La salle de bains ne gagne pas un produit de plus. Elle gagne un produit mieux délivré.

Le Minilab et ses doses de soin : une cosmétique qui entend conjuguer fraîcheur et juste mesure © Duolab

Avec Duolab, vous défendez la cosmétique fraîche. Est-ce à dire que nos crèmes traditionnelles sont déjà périmées avant même d’avoir commencé à agir ?
Non. Une bonne crème fait un travail indispensable : hydrater, protéger, entretenir la peau au quotidien. Nous travaillons d’ailleurs main dans la main avec Dr Burgener, et nos doses viennent en complément de ses soins.

Le sujet, ce sont certains actifs très fragiles, qui supportent mal la vie en pot. Ceux-là, nous les protégeons jusqu’à la dernière seconde, pour atteindre des résultats hors de portée d’une crème traditionnelle. Duolab ne remplace pas votre routine : c’est un beauty shot qui la complète.

On personnalise tout, sauf nos soins. Pourquoi la cosmétique a-t-elle mis autant de temps à comprendre que nous sommes toutes uniques ?
Parce que personnaliser suppose d’abord de mesurer. Pendant des décennies, on a rangé les peaux dans trois cases — sèche, mixte ou grasse — et on a demandé à chacune de se reconnaître dans une description.

Chez nous, tout commence par une mesure. Le Skin Diag analyse la peau en 15 minutes avec la technologie Eve Lab, celle qu’utilise Estée Lauder. Plus de 350 diagnostics ont été réalisés au Home of Duolab depuis mars, et la plupart des personnes découvrent que leur peau est plus âgée qu’elles. Ensuite seulement vient le choix : Retinol pour démarrer, Retinol+ pour aller plus loin, Peptide, Contour des yeux. La personnalisation, ce n’est pas un prénom sur un flacon. C’est une décision fondée sur des données.

Sous le capot, la précision : base et actifs restent séparés jusqu’à la préparation du soin © Duolab

Entre prouesses scientifiques et promesses marketing, comment distinguer la véritable innovation du joli storytelling ?
C’est toute la question, et je la comprends tellement. Aujourd’hui, les histoires se multiplient : de nouvelles routines, de nouveaux actifs, de nouvelles technologies, de prétendues découvertes sur ce que nous devrions faire. Autour de nous, des personnes se tournent vers des injections de toutes sortes. Résultat : on ne sait plus qui croire ni quoi faire. On est perdus.

Ma conviction profonde, celle que j’ai appliquée dans tous mes projets, c’est de revenir à l’essentiel. C’est ce que j’aime chez Duolab : on revient à la base, à la façon dont une crème est faite. Ce sont le packaging et les conservateurs qui, peu à peu, ont poussé l’industrie à décliner nos routines de mille manières. Une vraie innovation, à mes yeux, simplifie et se mesure.

Duolab promet de préserver la puissance des actifs. Mais une crème plus fraîche est-elle nécessairement une crème plus efficace ? Où sont les preuves ?
Non, pas automatiquement. La fraîcheur seule ne suffit pas. Trois paramètres comptent : la protection de l’actif jusqu’à l’application, la précision du dosage, identique d’une dose à l’autre, et la possibilité d’associer des actifs qui ne cohabiteraient pas dans un pot.

Au Home of Duolab, la technologie suisse prend ses quartiers dans la Vieille-Ville de Genève © Duolab

Les preuves, ce sont nos études cliniques. Avec Retinol+, la profondeur des rides, mesurée en 3D sur 24 volontaires, baisse de 8,7 % en 28 jours, après 10 applications. Avec le Peptide, 86 % des volontaires constatent une peau plus lisse deux heures après l’application. Et parce qu’une preuve se renouvelle, nous mesurons aussi la peau de nos clientes et clients à l’aide du Skin Diag, avant et après leur cure.

Entre intelligence artificielle et diagnostic cutané, sommes-nous à l’aube d’une cosmétique qui nous connaîtra mieux que notre propre miroir ?
Le miroir montre une image ; le diagnostic montre une réalité. En quelques minutes, le Skin Diag mesure ce que l’œil ne voit pas encore : texture, hydratation, taches, rides.

Mais je refuse l’idée d’une machine qui saurait tout! La technologie mesure, l’expertise interprète, et c’est toujours la personne qui décide. Ce qui change vraiment, c’est le suivi : voir sa peau évoluer, mesure après mesure, au lieu de deviner. La cosmétique de demain ne vous connaîtra pas mieux que vous-même. Elle vous donnera enfin les moyens de vous connaître.

Peut-on prétendre révolutionner la beauté sans révolutionner aussi son empreinte écologique ? Comment justifiez-vous le recours aux capsules individuelles ?
Il faut regarder tout le cycle. Un pot entamé dont les actifs se sont dégradés, c’est aussi du gaspillage : de matière, d’énergie et d’argent.

Avec une dose, on utilise exactement ce dont la peau a besoin, au moment où elle en a besoin. Pas de fond de pot oublié dans le placard, pas de surconsommation : une cure Retinol, c’est 10 doses en 28 jours. Nos formules sont conçues et fabriquées en Suisse, au plus près. La réduction de notre empreinte carbone nous tient à cœur, notamment celle de nos doses, et fait partie de nos priorités.

Dans la cabine de soins du Home of Duolab, le rituel beauté rencontre la technologie © Duolab

Le naturel est devenu un argument de vente presque sacré. Mais entre naturalité, efficacité et durabilité, faut-il parfois choisir son camp ?
Le naturel, comme le bio, est devenu une tendance. Et je crois que deux sujets ne doivent pas être mélangés : l’origine d’un ingrédient et la façon dont on le conserve. Grâce à Duolab, nous pouvons revenir à l’essentiel : des formules quasiment sans conservateurs et des ingrédients moins modifiés chimiquement, que l’on utilise depuis longtemps, mais qui ne tenaient pas dans un pot.

Nos formules associent des actifs d’origine naturelle, comme l’astaxanthine issue d’une microalgue ou les peptides marins fermentés, et des actifs issus de la recherche, comme le rétinol ou les peptides biomimétiques, quand ce sont eux qui donnent le meilleur résultat. Sans parfum, sans silicones, fabriquées en Suisse. Je ne choisis pas un camp : je choisis l’efficacité prouvée, avec le moins de superflu possible. C’est aussi ça, la durabilité : un produit qui fonctionne est un produit qu’on ne remplace pas par trois autres.

À la tête de Duolab, vous dirigez une révolution technologique dans un univers obsédé par l’apparence. Quel cliché avez-vous eu le plus de plaisir à faire voler en éclats ?
Celui qui veut que prendre soin de sa peau soit une affaire de vanité. La peau est notre plus grand organe : en prendre soin relève autant de la santé que de l’apparence.

J’ai aussi pris plaisir à casser deux autres clichés. Celui du soin réservé aux femmes : nos formules sont sans parfum, pensées pour toutes les peaux, et Daniel, mon associé, en est l’un des utilisateurs les plus assidus. Et celui de la technologie : au Home of Duolab, l’équipement le plus pointu se vit dans une maison chaleureuse, au cœur de la Vieille-Ville, et non dans un cadre trop clinique.

Bois clair, pierre et lumière : un esprit maison pour accueillir la science de la peau © Duolab

Quelle est la décision la plus folle que vous ayez prise, celle où votre audace a pris le pas sur vos certitudes ?
Je ne suis pas certaine que l’audace soit le bon mot. Ce qui a motivé mes décisions les plus folles, c’est plutôt une conviction profonde : certains projets en valent la peine. Quand je vois une bonne idée ou une bonne chose à faire, je me demande pourquoi les autres ne la voient pas et ce qu’il faudrait pour y arriver. Ça me donne des ailes, et je saute.

Dans un marché saturé de promesses de jeunesse éternelle, comment imposer une marque sans vendre d’illusions ?
En vendant une mesure plutôt qu’une promesse. Nous ne promettons pas la jeunesse éternelle : nous aidons à mieux vieillir. Votre peau ne sera jamais aussi jeune qu’elle l’est aujourd’hui. C’est donc maintenant que les bonnes décisions se prennent.

Les mots comptent aussi : vous ne nous entendrez jamais dire « rajeunir », « effacer » ou « transformer ». Duolab ne transforme pas une peau ; il l’aide à donner le meilleur d’elle-même, à tout âge. Enfin, une marque s’impose par celles et ceux qui l’utilisent : une note de 5,0 sur Google, avec 37 avis en deux mois. Le bouche-à-oreille est le meilleur marketing, justement parce qu’il ne s’achète pas.

Genève accueille le Home of Duolab. Pourquoi Genève ? Et qu’est-ce que cette ville possède que les autres capitales de la beauté n’ont pas ?
Genève est une ville de précision. L’horlogerie, la recherche, la diplomatie : on y attend des preuves, pas des slogans. C’est exactement notre philosophie. C’est aussi une ville internationale et exigeante, qui connaît le luxe et ne s’en laisse pas conter, et où la santé et le bien-vieillir sont des sujets naturels.

C’est un cadre parfait pour commencer. Et c’est tout simplement la ville où je vis, celle où j’ai envie de construire cette nouvelle aventure.

La beauté à la minute : le Minilab Duolab prépare une émulsion fraîche en 90 secondes © Duolab

La beauté de demain sera-t-elle une affaire de peau, de science ou de pouvoir ?
Des trois, mais pas au sens habituel. La peau, parce qu’elle reste le point de départ et le juge final. La science, parce qu’elle seule distingue ce qui fonctionne de ce qui se raconte.

Et le pouvoir, oui : celui des consommatrices et des consommateurs. Le vrai pouvoir, demain, c’est de savoir. Connaître ses propres mesures, comprendre ce qu’on applique, exiger des preuves. La connaissance, c’est le pouvoir, y compris face à son miroir.

Si vous pouviez effacer une seule idée reçue de l’industrie cosmétique, laquelle passerait sous votre gomme ?Que « plus » veut dire « mieux ». Plus de produits, plus d’étapes, plus de pots sur l’étagère. On finit par être complètement perdus face à tout ce que l’industrie nous raconte et nous propose. La peau n’a pas besoin de plus, elle a besoin de mieux : les bons actifs, intacts, au bon dosage, au bon moment.

Et si la plus grande révolution de la beauté consistait finalement à nous réconcilier avec le temps plutôt qu’à lui déclarer la guerre ?
C’est exactement notre conviction! On ne gagne pas une guerre contre le temps ; on peut en revanche choisir comment on vieillit. Notre gamme s’appelle Empower Ageing pour cette raison : il ne s’agit pas de combattre l’âge, mais de lui donner de la force.

La beauté, ce n’est pas d’avoir 30 ans à 50 ans. C’est d’être au meilleur de soi à chaque âge. Et quand on mesure, on découvre que l’âge de la peau n’est pas une fatalité : il bouge. La plupart des peaux que nous mesurons sont plus âgées que leurs propriétaires ; la mienne est aujourd’hui plus jeune que mon âge réel. Et ce n’est que le début.

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Le Comptoir Woodward change de Rive, mais garde le cap esthétique © Comptoir Woodward

Ici, l’ambition du Comptoir est autrement plus terre à terre : faire descendre la haute gastronomie de son piédestal sans lui faire perdre une miette de son exigence. Un luxe qui se croque sur le pouce, s’emporte sous le bras ou s’invite à table. Ici, le raffinement ne se mesure pas à la longueur des nappes, mais à la précision d’un geste, à l’équilibre d’une saveur et à cette capacité de transformer une petite faim en grand moment. La haute cuisine prend ses quartiers dans le quotidien. Sans chichi, mais certainement pas sans savoir-faire.

Titouan Claudet, la crème de la crème
Aux commandes du registre sucré? Titouan Claudet qui n’a pas attendu que son nom soit sur toutes les lèvres pour faire parler ses créations. Sacré Pâtissier de l’année 2025 par GaultMillau Suisse et Talent Pâtissier de l’année 2025 par La Liste 1000, le chef pâtissier de The Woodward ne manque ni de distinctions ni de matière grise. Et encore moins de matière grasse, quand l’art l’exige. Sous sa houlette, petits et grands gâteaux, viennoiseries et créations saisonnières composent une partition où chaque bouchée doit tomber juste. Un exercice de haute voltige pâtissière dans lequel la précision ne vient jamais couper l’appétit à la créativité.

La Tarte Mont-Blanc, en coupe: la châtaigne prend de la hauteur, la myrtille donne du relief et la vanille adoucit l’ascension. Un Mont-Blanc sans gluten qui se gravit à la petite cuillère © Guillaume Cottancin

Mais le chef n’entend pas se reposer sur ses lauriers, encore moins sur une pâte feuilletée. Parmi les nouveautés, une gamme de pâtisseries sans gluten vient élargir son répertoire. De quoi faire mentir ceux qui pensent que sans farine, la fête manque de levain. Ici, les restrictions alimentaires ne sont pas une raison de mettre le plaisir au régime. À cela s’ajoutent des pièces cocktail pensées pour les réceptions et les événements, histoire de rappeler que les grandes occasions tiennent parfois en une seule bouchée.

Côté salé, Olivier Jean, chef exécutif de L’Atelier Robuchon, du Jardinier et du Bar 37 au Woodward, entre dans la danse. Un tandem qui a du goût et du répondant. L’un cultive l’art de faire fondre, l’autre celui de relever. Deux univers qui se donnent la réplique sans se voler la vedette. Une rencontre entre haute gastronomie et plaisirs du quotidien, où l’excellence ne se prend pas pour le nombril de l’assiette.

Les anciens ont encore du chocolat sur la planche
La nouveauté n’a pas effacé la mémoire. Et c’est peut-être là que cette seconde adresse trouve une partie de sa saveur. Car derrière les créations contemporaines se cachent deux vieilles connaissances du patrimoine gourmand genevois : Castrischer et Stettler. Deux maisons qui ont traversé les décennies sans se laisser dévorer par les modes. Fondée en 1964, Castrischer fait figure de monument local. Sa Forêt-Noire, devenue institution, traverse les générations sans prendre une ride, ou presque. Une douceur qui, contrairement à son nom, n’a jamais eu les idées sombres. Avec ses différentes déclinaisons proposées à Rive, elle rappelle que la tradition n’est pas condamnée à prendre la poussière. Encore moins le cacao.

Les Carrés Woodward: quand le logo de l’hôtel passe à la moulinette de l’impression 3D pour finir sous la dent ! Framboise ou caramel-gianduja, deux sablés sans gluten signés Titouan Claudet. Une identité à croquer, au sens propre © Guillaume Cottancin

Quant à Stettler, fondée en 1947, elle continue de faire fondre les cœurs avec ses chocolats grands crus et ses incontournables Pavés de Genève. Des pavés qu’on préfère avoir sur la langue que dans les chaussures. Tablettes, pâtes à tartiner et bonbons enrobés complètent cet inventaire du bonheur chocolaté. Autant de petites tentations qui prouvent que la mémoire d’une ville se transmet aussi par le palais.

Du bon, du beau et du sens
Reste une question qui ne devrait plus être servie en supplément : celle de la provenance. Le Comptoir Woodward revendique un approvisionnement privilégiant le local et les partenaires engagés. Jus de fruits valaisans produits grâce à l’énergie solaire, légumes biologiques genevois, farines labellisées Suisse Garantie et emballages éco-responsables composent une démarche qui entend ne pas laisser la planète payer l’addition.

Une volonté bienvenue, à condition que les engagements tiennent aussi bien dans la durée que les bonnes recettes. Car le goût du bon ne dispense jamais du sens des responsabilités. Et la gourmandise peut parfaitement avoir les pieds sur terre, même lorsqu’elle vise des sommets. Avec cette seconde adresse, Le Comptoir Woodward ne se contente donc pas de multiplier les vitrines. Il poursuit une idée séduisante : celle d’une gastronomie qui quitte les grandes occasions pour s’inviter dans les petites habitudes. Du savoir-faire sans savoir-être guindé, de la haute pâtisserie sans prendre les gens de haut et des traditions qu’on ne conserve pas sous cloche.

À Genève, on connaissait déjà la Rive gauche. Désormais, elle a aussi son côté sucré. Et pour une fois, cette nouvelle dérive mérite qu’on s’y abandonne.

Sous sa robe immaculée, le citron donne le ton, l’orange apporte son zeste et le yaourt joue les entremetteurs. Une création sans gluten signée Titouan Claudet, tout en fraîcheur et en finesse ©Guillaume Cottancin

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L’indépendance a de l’or entre les mains ! Sacré de l’Aiguille d’Or 2026 pour son Chronographe Flyback, Rexhep Rexhepi rappelle que le génie horloger ne se mesure pas à la taille d’une manufacture. © GPHG

À l’heure où les grands groupes horlogers rivalisent de moyens, l’artisan impose sa propre mesure. Celle d’une horlogerie qui préfère la force du geste à la puissance du logo. Son Chronographe Flyback ne se contente pas de compter les secondes : il leur donne de l’allure, de la profondeur, presque une âme. Chaque finition raconte une exigence, chaque composant une obsession, chaque mouvement cette étrange volonté humaine de dompter l’insaisissable. Et le symbole est savoureux. Car derrière les vitrines rutilantes et les campagnes à plusieurs zéros, l’excellence conserve parfois l’adresse d’un atelier, la patience d’une main et l’entêtement d’un homme. Rexhepi ne court pas après son temps. Il lui taille un costume sur mesure.

Les grandes maisons ont encore du ressort
Qu’on ne s’y trompe pas : les géants n’ont pas rendu les aiguilles. Ils ont même montré qu’ils avaient encore quelques tours dans leur mouvement. Audemars Piguet s’offre un doublé qui ne manque pas de panache. Sa Royal Oak « Jumbo » RD#5, imaginée pour le 150e anniversaire de la maison, décroche le Prix de la Montre Iconique. La preuve qu’une icône peut prendre de l’âge sans prendre une ride. À ses côtés, la 150 Heritage remporte le Prix de la Montre Calendrier et Astronomie. Une manière de rappeler que lorsqu’on maîtrise les heures, on peut aussi se permettre de flirter avec les astres.

Chopard, de son côté, joue les équilibristes entre sobriété et extravagance. La L.U.C 1860 remporte le prix « Time Only », tandis que la Mystery Nut s’impose dans la catégorie Joaillerie. Deux tempéraments, une même signature. D’un côté, la retenue comme ultime raffinement. De l’autre, l’éclat assumé. Comme quoi, le luxe peut aussi bien murmurer que faire tourner les têtes. Chez Ferdinand Berthoud, la précision n’est pas une option, c’est une religion mécanique. La maison repart avec deux distinctions : le Prix de la Chronométrie pour Naissance d’une Montre 3 et celui du Tourbillon pour le Chronomètre FB 2TV. Un doublé qui rappelle que le véritable exploit n’est pas toujours de compliquer le temps, mais de parvenir à le mesurer avec une rigueur presque insolente.

Quand la haute joaillerie a le temps dans la peau. Avec sa Mystery Nut, Chopard transforme une noix précieuse en trésor horloger et décroche le Prix de la Montre Joaillerie du GPHG 2026. © Chopard

Blancpain fait également résonner son savoir-faire avec la Grande Double Sonnerie, distinguée par le Prix de l’Exception Mécanique. Une pièce où l’horlogerie se fait instrument, où les heures ne se lisent plus seulement, mais s’écoutent. Quant à Louis Vuitton, sa Tambour Taiko Arty Automata décroche le Prix de la Montre Métiers d’Art. Ici, la mécanique devient théâtre, le cadran se transforme en scène et la virtuosité technique s’offre un supplément de poésie. Car à force de vouloir donner l’heure, ces maisons finissent par donner le spectacle.

Les francs-tireurs prennent leur quart d’heure
Le plus réjouissant dans ce millésime ? Les aiguilles ne tournent pas toutes dans le même sens. Et tant mieux. L’horlogerie aurait bien mauvaise mine si elle se contentait de reproduire éternellement ses propres succès. Konstantin Chaykin l’a parfaitement compris. Avec sa ThinKing Mystery, l’horloger décroche le Prix de l’Audace. Un trophée presque tautologique pour cet esprit libre qui préfère secouer les conventions plutôt que les saluer bien sagement. Chez lui, le temps ne se contente pas d’avancer : il prend un malin plaisir à dérouter les regards.

Autre surprise, Dominique Renaud remporte le Prix Révélation Horlogère avec sa Pulse60 Titanium Black. Une distinction délicieusement paradoxale pour un maître horloger déjà riche d’une longue carrière. Comme quoi, on peut avoir plusieurs décennies de métier au compteur et conserver une insolente capacité à surprendre. Le génie n’a décidément pas de date de péremption. La collaboration SpaceOne x Baltic se distingue, elle, avec la Seconde Majeure, récompensée par le Prix Challenge. Une rencontre entre deux univers qui ose déplacer les lignes de l’horlogerie contemporaine et rappeler que l’innovation n’est pas nécessairement réservée aux maisons centenaires.

Deux maisons, une même envie de bousculer les codes. La Seconde Majeure, fruit de la collaboration entre SpaceOne et Baltic, décroche le Prix Challenge. La preuve que l’audace n’a pas besoin de siècles d’histoire pour marquer son époque. © SpaceOne x Baltic

Et du côté du Japon, Otsuka Lotec fait parler sa singularité avec la No.8, lauréate du Prix de la Petite Aiguille. Une création qui cultive son propre langage mécanique et esthétique, loin des recettes toutes faites. Ces distinctions ont le mérite de secouer un petit paradoxe horloger : une industrie qui célèbre volontiers l’innovation, mais dont une partie du prestige repose sur la fidélité aux traditions. L’équilibre est subtil. Trop d’héritage, et le temps se fige. Trop d’effets de nouveauté, et la prouesse risque de devenir un simple numéro de cirque. L’audace, la vraie, ne consiste pas à faire différent. Elle consiste à faire avancer les choses.

Du patrimoine, pas du temps momifié
Le GPHG ne se contente pas de sacrer les plus belles montres de l’année. Il défend également une idée plus vaste : l’horlogerie n’est pas seulement une industrie de précision, c’est un patrimoine vivant, une intelligence de la main, une mémoire en mouvement. La présence du directeur général de l’UNESCO lors de cette 26e cérémonie donne d’ailleurs une résonance particulière à cette dimension culturelle.

Dans cette perspective, le Prix Spécial du Jury décerné à Patek Philippe pour sa Watch Art Grand Exhibition prend tout son sens. Une distinction qui ne récompense pas une seule pièce, mais un travail de transmission et de valorisation de l’art horloger. Car un savoir-faire ne survit pas parce qu’on l’admire derrière une vitrine. Il survit parce qu’on le transmet, qu’on le questionne, qu’on ose parfois le contredire. Reste une question qui mérite davantage qu’une réponse bien huilée : à qui s’adresse aujourd’hui cette virtuosité ?

À mesure que les prix s’envolent et que les éditions limitées se font plus exclusives, le risque existe de voir l’horlogerie d’exception devenir un langage réservé à quelques poignets fortunés. Un cercle si fermé qu’il finirait par ne plus laisser entrer l’air du temps. Le défi ne consiste donc pas uniquement à préserver les métiers d’art, mais aussi à nourrir la curiosité de celles et ceux qui n’auront peut-être jamais les moyens de posséder ces pièces. Expliquer la beauté d’un mouvement, raconter les mains qui le façonnent, rendre intelligible ce qui paraît inaccessible. Parce que le temps appartient à tout le monde. Même lorsque les montres, elles, n’appartiennent qu’à quelques-uns.

Vingt distinctions, mille façons de défier le temps. Les lauréats de la 26e édition du Grand Prix d’Horlogerie de Genève réunis pour une photo de famille où chaque trophée raconte une histoire de précision, de passion et d’audace. © GPHG

Genève, capitale des heures supplémentaires
Après avoir fait escale à Mumbai et Bangkok, les 84 garde-temps présélectionnés par l’Académie ont posé leurs aiguilles au Musée d’Art et d’Histoire de Genève, où ils resteront exposés jusqu’au 15 novembre. Les pièces primées prendront ensuite la direction de Londres, du 18 au 23 novembre, chez Watches of Switzerland à Knightsbridge. Une occasion de s’approcher de ces petits univers où les secondes deviennent des prouesses et les rouages, des œuvres à part entière. Car derrière chaque montre se cache bien davantage qu’une indication horaire : des années de recherche, des gestes répétés jusqu’à l’obsession, des échecs parfois et cette formidable obstination à vouloir faire mieux que la veille.

Depuis sa création en 2001, le Grand Prix d’Horlogerie de Genève s’attache à faire rayonner cet art à travers le monde. Plus d’un quart de siècle à célébrer celles et ceux qui refusent de laisser les aiguilles décider seules de la marche à suivre. Cette édition 2026 aura surtout démontré que l’horlogerie possède encore de beaux jours devant elle, à condition de ne pas confondre tradition et immobilisme, exclusivité et excellence, prouesse et progrès.

Rexhep Rexhepi et les autres lauréats ont rappelé une évidence trop souvent oubliée : les plus belles créations ne sont pas nécessairement celles qui cherchent à arrêter le temps, mais celles qui parviennent à lui donner un sens. Car les montres nous donnent l’heure. Mais les grands horlogers, eux, donnent une autre dimension au temps.

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Martine Rose cultive le pas de côté, avec Londres dans les veines et l’indiscipline au bout des doigts ©DR

L’arrivée de Martine Rose mérite pourtant mieux qu’un commentaire sur les chaises musicales. La Londonienne possède cette qualité précieuse : un regard reconnaissable avant même qu’une étiquette ne vienne le signer. Ses vêtements ont du caractère, des contradictions, parfois l’air de rentrer trop tard. Ils ne cherchent pas tous à se tenir correctement. C’est précisément ce qui les tient debout.

Londres à même la peau
Fondée en 2007, sa marque s’est construite au contact des cultures qui font battre Londres : musique, football, nuits de club et vestiaires du quotidien. Son héritage britannico-jamaïcain nourrit cet univers où les appartenances se croisent sans se confondre. Reggae, rave, rébellion : chez Rose, le rythme travaille la coupe.

Les épaules débordent, les volumes dévient, le costume perd un peu de sa superbe pour gagner beaucoup de présence. Elle sait faire vaciller une silhouette avec une proportion. Glisser du trouble dans une tenue familière. Donner au banal une drôle de dégaine. Ses vêtements semblent avoir fréquenté des gens avant de fréquenter des podiums.

Du rose qui déborde et des proportions qui déboussolent : chez Martine Rose, le vestiaire fait les quatre cents plis ©DR

Voilà ce qui rend sa mode attachante : elle laisse entrer la vie avec ses plis. Le beau n’y exige pas que tout soit repassé, rectifié, rendu présentable. Une allure peut être gauche et gracieuse, sensuelle et saugrenue. Le désir aussi aime sortir du rang.

Retour par la grande porte
Balenciaga connaît déjà cette écriture. Entre 2015 et 2018, Martine Rose a travaillé auprès de Demna comme consultante pour le vestiaire masculin, participant aux proportions et aux silhouettes qui ont marqué ses débuts dans la maison. Son arrivée possède donc quelque chose d’un retour, avec un changement décisif dans la distribution : celle qui contribuait en coulisses prend désormais la direction de la création.

Gare, toutefois, au raccourci qui ferait d’elle un simple rappel de l’ère Demna. Rose a son propre alphabet. Son travail sur les masculinités, les codes sociaux du vêtement et les identités dépasse largement la formule du costume XXL. Elle observe ce qu’une tenue raconte de celui qui la porte, puis déplace un détail pour dérégler toute la conversation. Une épaule suffit parfois à hausser le ton.

Balenciaga : le quotidien se noue des ambitions de couture. Une image de l’héritage que Martine Rose s’apprête à réinterpréter © DR

Du volume, du vécu
Le rapprochement avec Balenciaga devient particulièrement intéressant dès qu’on regarde les formes. Cristóbal a bouleversé la couture en réinventant la construction du vêtement ; Rose aime, elle aussi, contrarier les évidences de la silhouette. Des époques différentes, des sensibilités distinctes, mais une même possibilité : faire du volume un vocabulaire.

Reste à découvrir ce que cette rencontre produira dans les collections homme, femme et couture dont elle prend la responsabilité. Comment son œil, aiguisé par le quotidien, travaillera-t-il avec les moyens et les savoir-faire de la maison ? Comment conserver les aspérités qui font son charme lorsqu’on dispose d’une machine capable de tout polir ? Le défi tient là, dans cet équilibre entre puissance et présence.

Nike x Martine Rose : une rencontre qui prend les codes du sport à contre-pied © DR

Le revers de la Rose
Reste un pli à examiner. En choisissant une créatrice qui a contribué au vestiaire masculin de l’ère Demna, Balenciaga ouvre-t-il une nouvelle voie ou reprend-il une route familière ? Martine Rose possède assez de personnalité pour déjouer la répétition. Encore faudra-t-il que la maison lui en laisse la latitude. Autre tension : lorsque l’underground monte en gamme, conserve-t-il ses aspérités ou devient-il un supplément d’âme sur l’étiquette ? Le défi sera de faire vivre les cultures qui nourrissent ses vêtements sans les réduire à des signes de reconnaissance pour initiés fortunés. Et de prouver, jusque dans la couture, que sa grammaire peut produire davantage qu’une signature. Une Rose peut prendre racine. Elle peut aussi finir sous cloche.

Laisser pousser
La nomination donne envie. Elle ne dispense pas d’attendre les vêtements. Au moment de l’annonce, la date de sa première collection n’avait pas été précisée : inutile, donc, d’applaudir un défilé encore invisible. On peut, en revanche, souhaiter à Martine Rose ce que l’industrie semble distribuer avec davantage de parcimonie que les communiqués : du temps. Du temps pour essayer, déplacer, déplaire peut-être. Pour faire grandir une idée au-delà de son effet d’annonce. Balenciaga a choisi une Rose. Qu’on lui laisse ses épines.

Épaules au large, taille sous contrôle : Martine Rose donne du fil à retordre au costume ©DR

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À Furna, petit village des Grisons, les habitants choisissent une femme pour les guider spirituellement. Mais les autorités de l’Église ne l’entendent pas de cette oreille. Qu’est-ce qui dérangeait tant dans cette pasteure qui refusait de rentrer dans le rang ?
Les normes de genre étaient encore très rigides : l’idée qu’une femme puisse occuper une position de pouvoir était inimaginable. À l’époque, le pasteur était une autorité importante dans les villages. Il y avait aussi des réticences religieuses : on citait le mot de l’Apôtre Paul « que la femme se taise dans l’église ». Mais surtout, les hommes craignaient la concurrence. Ce sont d’abord d’autres pasteurs qui luttaient contre l’arrivée des femmes dans leur métier. On a vu la même chose chez les juristes et les médecins : les hommes défendaient leurs privilèges. Ils utilisaient des arguments tels que « la femme a sa place au foyer et auprès des enfants ». Ma grand-mère a démasqué ces arguments dans un article de presse : « Je n’ai encore jamais lu un seul article de presse hostile au travail des boulangères, des bouchères, des vendeuses ou des agricultrices, alors que l’on y trouve indéniablement un vaste champ d’activité pour l’aide sociale, laquelle devrait se faire un devoir d’aider les travailleuses qui mènent une vie très dure à disposer de plus de temps, d’énergie et de sérénité au profit de leurs familles. »

Derrière la pionnière se cache aussi une épouse, une mère de six enfants et une femme pleine de contradictions. En écrivant ce livre, avez-vous découvert une grand-mère différente de celle que vous pensiez connaître ?
Oui, tout à fait. Enfant, je passais parfois les vacances chez elle à Furna. Je me la rappelle comme une femme assez sévère avec ses yeux de hibou et ses cheveux grisonnants qu’elle rassemblait toujours en chignon très serré. Tous les soirs, elle libérait ses longues mèches, prenait sa brosse et comptait jusqu’à cent. Assise à côté d’elle, je la regardais, fascinée. Sa cuisine ne nous plaisait pas toujours, à nous, les enfants – mais il n’était pas question de laisser quelque chose dans nos assiettes.

Dans ses lettres et journaux intimes, j’ai découvert une jeune fille pleine d’espoirs et d’ambitions, mais aussi de doutes et de questions. J’ai connu une femme qui luttait presque toute sa vie – ce qui laissait des traces sur sa personnalité et expliquait en partie sa sévérité. J’ai réalisé que ses témoignages dépassaient largement sa lutte pour le pastorat et couvraient presque tout le XXe siècle, de la Première Guerre mondiale aux années 1990.

Pour reconstituer sa vie, vous avez plongé dans ses lettres, ses journaux intimes et les souvenirs de ceux qui l’ont côtoyée. Y a-t-il une découverte qui vous a particulièrement bouleversée ou fait sourire ?
Il y en a plein… Son ouverture aux questions sexuelles par exemple déjà dans les années 1930 : elle en parlait avec sa mère comme avec les femmes dans les paroisses. Elle revendique l’orgasme féminin et parle du clitoris dans les années 1950 lors de conférences publiques… D’autre part, les expériences négatives l’ont menée à une spiritualité plus pieuse et étroite que j’ai du mal à comprendre. Et après avoir souffert d’une dépression post-partum (comme on dirait aujourd’hui) lors de la naissance de son sixième enfant, elle a écrit un article dans lequel elle recommandait aux jeunes femmes de choisir entre la maternité et la profession. C’était une opinion et une tonalité complètement différentes de celles d’un quart de siècle auparavant, en 1931, quand elle était pasteure à Furna avec un bébé !

Près d’un siècle après les premiers combats de Greti, son histoire résonne encore avec les questions d’égalité et de liberté. Qu’est-ce que cette femme des années 1930 a, selon vous, à raconter aux femmes de 2026 ?
Dans ses lettres et journaux intimes, Greti aborde des thèmes qui nous intéressent fortement encore aujourd’hui : comment concilier profession, amour, sexualité et famille ? Comment vivre une relation amoureuse sur un pied d’égalité ? Dans quelle mesure suivons-nous les prescriptions de la société et comment trouver notre propre voie ? Et quel est le prix de la résistance ?

Et si Greti pouvait pousser la porte d’un café aujourd’hui, s’asseoir face à vous et commander quelque chose à boire… quelle serait la toute première question que vous lui poseriez ?
Regardant le monde d’aujourd’hui : Qu’en penses-tu ? Que penses-tu de la vie que je mène ? En tant que mère dans une famille arc-en-ciel – ma fille a deux papas – je me considère, à ton image, comme une femme qui cherche sa propre voie, au-delà des conventions sociales…

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Le temps à cœur ouvert. La Code 11.59 Quantième Perpétuel Squelette dévoile les rouages de son Calibre 7139. Une mécanique qui embrasse les siècles sans perdre une seconde © Audemars Piguet

Au cœur de cette architecture aérienne bat le Calibre 7139, mouvement automatique de seulement 4,1 mm d’épaisseur. Jours, mois, années bissextiles, phases de Lune : toute une chorégraphie céleste orchestrée dans quelques millimètres. Et cette fois, une seule couronne suffit à corriger les différentes indications du calendrier. Une petite révolution ergonomique pour une complication traditionnellement peu docile. Le mouvement, également introduit dans une Royal Oak, ne réinvente donc pas à lui seul le quantième perpétuel. Sa véritable audace consiste à rendre moins compliqué l’usage d’une mécanique qui, elle, ne l’est pas moins.

La transparence a ses exigences
Mais à trop dévoiler ses entrailles, une montre ne risque-t-elle pas de perdre l’essentiel de vue : l’heure ? Le squelettage est un art du paradoxe. Retirer de la matière sans fragiliser le mouvement, révéler sans brouiller, alléger sans appauvrir. Audemars Piguet cultive cette discipline depuis les années 1930, et cette nouvelle création en pousse les exigences esthétiques autant que techniques. Le cadran en saphir et l’organisation des indications cherchent précisément à réconcilier spectacle mécanique et lisibilité.

Reste qu’une telle transparence ne séduira pas tous les regards. À force de faire du mouvement un paysage, la lecture du temps peut exiger un peu plus d’attention. Un compromis qui participe au charme de l’objet autant qu’il en rappelle les limites.Derrière cette architecture, des heures de finitions manuelles, de polissage et d’ajourage. Car si la technique calcule au micron près, la main conserve cette intelligence du détail qui échappe aux équations. Le comble du squelette ? Avoir autant de corps. Et peut-être est-ce là le véritable luxe : non pas montrer tout ce que l’on sait faire, mais savoir exactement ce qu’il faut laisser apparaître.

Quand les heures donnent de la voix. La Code 11.59 Répétition Minutes Supersonnerie transforme la précision en partition. Ici, le temps ne passe plus en silence © Audemars Piguet

Supersonnerie : les heures ont du coffre
Changement de partition. Après avoir mis le temps à nu, Audemars Piguet lui donne de la voix. Et les aiguilles ont manifestement l’oreille musicale. Avec la Code 11.59 Répétition Minutes Supersonnerie, la manufacture transforme les heures en harmonies, les quarts en accords et les minutes en mélodies. Sous son cadran en saphir fumé, le Calibre 2953 dévoile une architecture mécanique aussi sophistiquée que sonore, logée dans un boîtier de 41 mm en or gris 18 carats.

Ici, ni électronique ni artifices numériques. Des marteaux frappent des timbres, tandis que la technologie Supersonnerie, née de recherches menées notamment avec l’EPFL, favorise la propagation et la richesse du son. Une mécanique qui emprunte à l’acoustique ses lois et à la musique ses émotions. À l’heure où le monde fait grand bruit pour ne rien dire, Audemars Piguet donne une voix au silence. Et cette complication n’est pas une simple démonstration de virtuosité. Elle rappelle une époque où l’on écoutait l’heure faute de pouvoir la lire dans l’obscurité. Une fonction devenue art, un besoin devenu plaisir, une nécessité métamorphosée en poésie. Une bien jolie manière de faire sonner le passé au présent, sans jamais jouer les vieilles rengaines.

Le temps entre de bonnes mains. Dans les ateliers d’Audemars Piguet, la virtuosité horlogère prend corps entre les doigts de ceux qui donnent une âme à la mécanique © Audemars Piguet

Obsidienne : le feu sous les aiguilles
Après le chant des heures, place au grondement de la Terre. Ou plutôt à son souvenir. Avec sa Code 11.59 Automatique de 38 mm en or jaune 18 carats, Audemars Piguet invite l’obsidienne dorée à prendre possession du cadran. Une pierre née du feu volcanique, lorsque la lave refroidit si rapidement qu’elle se fige en verre naturel. Une colère géologique devenue matière à contemplation. Sous le motif soleillé, les inclusions minérales dorées captent la lumière et font danser les reflets. Chaque variation raconte une histoire que ni l’homme ni la machine ne peuvent reproduire à l’identique. La nature signe ici le premier geste, l’artisan apporte le dernier.

Sous cette surface incandescente bat le Calibre automatique 5909, offrant 60 heures de réserve de marche. Pas de surenchère mécanique cette fois, mais une recherche de beauté dans sa forme la plus élémentaire : la matière, la lumière et le mouvement. Le volcan s’est éteint. Mais son cœur continue de battre au poignet. Une création qui rappelle qu’en Haute Horlogerie, l’extraordinaire ne tient pas toujours au nombre de complications. Parfois, il suffit d’une pierre et de quelques aiguilles pour faire jaillir des étincelles.

La complication n’est plus celle qu’on croit
Trois créations, trois tempéraments, une même obsession : réinventer notre rapport au temps. La première le dévoile, la deuxième le fait chanter, la troisième lui prête la mémoire des entrailles terrestres. Mais derrière ces démonstrations de savoir-faire se dessine une question moins mécanique qu’il n’y paraît : la Haute Horlogerie doit-elle encore multiplier les complications pour impressionner, ou sa véritable modernité consiste-t-elle à les rendre plus simples, plus sensibles, plus humaines ?

Avec son quantième perpétuel réglable par la couronne, sa sonnerie qui transforme l’acoustique en émotion et son obsidienne qui laisse la nature dicter ses nuances, Audemars Piguet apporte trois réponses distinctes. Toutes ne séduiront pas les mêmes poignets, ni les mêmes regards. Et c’est peut-être tant mieux. Car une montre peut multiplier les prouesses, collectionner les carats et tutoyer la perfection. Sans supplément d’âme, elle ne fera jamais que donner l’heure.

L’éternité au bout des doigts
Avec ces nouvelles Code 11.59, la manufacture poursuit un dialogue vieux de plus de 150 ans entre héritage et invention, entre la précision des machines et la poésie des mains. Des rouages qui embrassent les cycles du calendrier, des timbres qui font vibrer les secondes, une pierre volcanique qui transforme des millénaires en instants. Trois façons d’écrire le temps sans jamais se contenter de le compter.

Car à quoi bon connaître l’heure jusqu’au prochain siècle si l’on ne prend plus le temps d’admirer l’instant ?À 11.59, le monde attend minuit. Audemars Piguet, elle, nous invite à regarder entre les aiguilles.

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Avec leur nouvelle collaboration, STABILO et KIKO Milano brouillent les lignes entre deux univers et signent une rencontre aussi surprenante qu’évidente. D’un côté, une marque dont les surligneurs ont accompagné des générations d’écoliers, d’étudiants et de rêveurs. De l’autre, une maison italienne de cosmétiques qui cultive le plaisir d’expérimenter avec le maquillage. Leur point commun ? Cette conviction que la couleur n’est jamais anodine. Qu’elle peut attirer le regard, traduire une humeur, affirmer une personnalité et parfois même raconter ce que les mots n’osent pas dire.

De la trousse d’école à la trousse de beauté
Au cœur de cette rencontre se trouve le STABILO x KIKO Milano Lip Mark(er), un produit pour les lèvres en édition limitée dont le design reprend la silhouette reconnaissable du STABILO BOSS MINI. Un petit clin d’œil à nos années d’école, devenu accessoire de beauté à part entière. Mais derrière son allure ludique, le Lip Mark(er) cache un véritable produit de maquillage. Sa texture, décrite par KIKO Milano comme légère et confortable, dépose sur les lèvres un voile de couleur au fini mat et velouté. L’intensité se construit au fil des passages, d’une nuance discrète à un résultat plus affirmé.

Sa pointe biseautée permet deux gestes complémentaires : sa surface plate colore les lèvres uniformément, tandis que son bord plus fin en dessine les contours avec précision. Une manière de conjuguer créativité et simplicité, sans multiplier les accessoires. Comme un feutre qui épouse les mouvements de la main, il invite à jouer avec les nuances, à dépasser les contours habituels de sa routine et à faire du maquillage un petit territoire de liberté.

Cinq nuances, mille façons de se raconter
La collection se décline en cinq teintes, chacune portant un nom inspiré de l’écriture et de l’expression personnelle. Fine Print, un brun délicat ; Afterthought, un mauve tout en douceur ; Don’t Quote Me, un orange audacieux ; On My Radar, un rouge qui ne passe pas inaperçu ; et Pink(er), un rose fuchsia plein d’assurance. Cinq couleurs comme cinq façons de prendre la parole sans prononcer un mot. Il y a les jours où l’on préfère murmurer, ceux où l’on souhaite se faire remarquer. Les matins teintés de douceur et les soirs où l’on ose davantage. Rien n’est figé, pas même notre manière de nous maquiller.

C’est peut-être là que cette collaboration trouve tout son charme : elle ne nous invite pas seulement à porter de la couleur, mais à nous l’approprier. À choisir ce qui nous ressemble aujourd’hui, quitte à changer d’avis demain.

Quand la nostalgie devient un terrain de jeu
À l’heure où les frontières entre mode, beauté et objets du quotidien deviennent de plus en plus poreuses, cette rencontre rappelle qu’une bonne idée peut naître des associations les plus inattendues. Le surligneur, autrefois destiné à mettre en évidence les passages essentiels d’un texte, devient ici un instrument d’expression de soi. La métaphore est jolie : après avoir passé tant d’années à souligner les mots des autres, il serait peut-être temps de se mettre soi-même en lumière.

Pour prolonger le plaisir, les deux marques proposent également un coffret collector réunissant trois Lip Mark(er). Une idée cadeau qui joue pleinement la carte de la nostalgie, à glisser sous le sapin ou à s’offrir sans attendre de grande occasion. Avec cette édition limitée, KIKO Milano et STABILO ne réinventent pas seulement un objet familier. Ils réveillent un souvenir, le colorent d’une touche de modernité et lui offrent une nouvelle histoire.

Et finalement, il y a quelque chose d’assez tendre dans cette idée : nous avons grandi, nos habitudes ont changé, mais nous aimons toujours autant les couleurs qui débordent un peu. Alors, pour une fois, oublions les phrases à retenir. Et surlignons simplement ce qui nous rend uniques.

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Quand les voix s’élèvent, les frontières s’effacent. L’ensemble Alkymia fait souffler un vent de métissage musical sur Compesières avec Viva la Gracia!, une traversée des traditions boliviennes à découvrir le dimanche 8 novembre @copyright Christoph Renaud

Samedi 7 novembre à 20h, le trompettiste Romain Leleu et son sextet feront scintiller les cuivres dans une Nuit Fantastique. De Mozart à Dizzy Gillespie, le programme traverse les siècles et les styles sans demander de passeport aux partitions. Une échappée où la trompette se joue des étiquettes et où les cordes tirent le fil d’un dialogue aussi audacieux qu’harmonieux.

Dimanche 8 novembre à 17h, changement de latitude avec l’ensemble Alkymia, dirigé par Mariana Delgadillo Espinoza. Son programme Viva la Gracia! explore les héritages musicaux de la Bolivie, entre traditions, métissages et mémoire collective. Une traversée sonore où les répertoires anciens retrouvent un souffle contemporain.

Deux concerts, deux univers, une même volonté d’ouvrir grand les oreilles. Voilà vingt ans que Claire Haugrel cultive cette liberté musicale, convaincue que l’émotion n’a pas besoin d’un cadre intimidant pour se faire entendre.

À Compesières, même les pierres ont l’oreille musicale. Sous les ors de l’automne, l’église Saint-Sylvestre célèbre vingt ans de Musicales et s’apprête à faire vibrer ses voûtes au rythme de nouveaux horizons sonores @copyright Christoph Renaud

Quinze ans à défier les silences
Mais derrière ces vingt années de Musicales, une autre partition s’écrivait en sourdine. Depuis 2011, Claire Haugrel poursuivait un rêve : offrir à l’église Saint-Sylvestre un orgue capable d’accompagner ses ambitions musicales et de faire résonner un répertoire plus vaste. L’ancien instrument, installé en 1922, montrait ses limites. Ses possibilités techniques ne permettaient plus d’aborder pleinement certaines grandes œuvres du répertoire organistique. Pour une église accueillant depuis deux décennies des concerts, le décalage devenait difficile à ignorer. Claire décide alors de changer de registre. Et pas qu’un peu.

Quinze années seront nécessaires pour faire passer ce projet du papier aux tuyaux, entre études, recherches de partenaires, choix techniques et discussions parfois délicates. Le temps a ses caprices. Claire, sa constance.

Claire Haugrel, vingt ans de Musicales et toujours le cœur à l’ouvrage, l’âme à l’orgue. À la tête des Musicales de Compesières, cette infatigable passeuse d’émotions a fait de son village natal une terre de rencontres musicales. Quinze ans de ténacité plus tard, son rêve d’un nouvel orgue a pris voix @copyright Christoph Renaud

Quand les anges donnent le la
Pour trouver la voix idéale, six manufactures européennes sont consultées. Deux restent en lice : la suisse Kuhn et l’allemande Eule. À ses côtés, Diego Innocenzi, organiste et spécialiste de l’instrument, accompagne les réflexions et les choix. Au fil de ses découvertes des orgues Eule, une impression s’impose à lui : celle de « parler avec les anges ». Une formule qui touche Claire au cœur. « Je voulais un orgue qui allait nous permettre de parler avec les anges », confie-t-elle. Le ciel venait de trouver son facteur d’orgues.

À Bautzen, en Allemagne, la manufacture Eule façonne un instrument inspiré de l’esthétique romantique allemande du XIXe siècle, notamment de l’univers sonore de Friedrich Ladegast. Avec ses 38 registres, ses 2’349 tuyaux et ses deux consoles, l’une mécanique à la tribune et l’autre électronique dans le chœur, le nouvel orgue conjugue tradition artisanale et possibilités contemporaines. Un instrument capable de murmurer autant que de tonner, de faire dialoguer les siècles et de donner au silence des accents insoupçonnés. Inauguré le 18 octobre 2026, il conserve également un lien matériel avec son prédécesseur : la façade de l’orgue de 1922 a été préservée. Une manière de faire place à l’avenir sans effacer les traces du passé.

Une Rolls-Royce dans le bénitier ?
Mais avant de faire chanter les anges, encore fallait-il convaincre les terriens. À Compesières, l’ambition de Claire n’a pas immédiatement fait l’unanimité. Les réticences se sont invitées dans la partition, parfois avec une délicatesse toute relative. Une comparaison l’a particulièrement marquée : celle d’une « Rolls-Royce à une famille pauvre qui n’en veut pas ». Une sortie de route plutôt cocasse pour un projet destiné à élever les âmes.

Quand les tuyaux tutoient les cieux. Sous le plafond héraldique de Saint-Sylvestre, le nouvel orgue Eule fait dialoguer splendeur artisanale, mémoire des pierres et souffle musical @copyright Christoph Renaud

Derrière cette formule, des interrogations sur l’ampleur du projet, son coût et son utilité pour la paroisse. Pourtant, grâce aux donateurs et aux partenaires mobilisés, le nouvel instrument a pu être offert à celle-ci sans qu’elle ait à financer son acquisition. Dix années d’entretien sont également prises en charge. Claire aurait pu hausser le ton. Elle préfère tenir la note. « Je suis une pacifiste et moi, je ne sors jamais les griffes. Je fais le dos rond et si je suis convaincue de ce que je fais, je continue mon chemin. »

Tout est là. Une détermination sans démonstration de force. Pas de grands coups de cymbales, mais une patience qui résiste aux dissonances. Au moment de l’inauguration, Claire reçoit même les félicitations de personnes qui avaient exprimé leurs réserves. Comme quoi, les convictions les plus figées peuvent elles aussi changer de refrain.

Une enfance en clé de mémoire
Derrière cette épopée musicale se cache une histoire autrement plus intime. Claire Haugrel est une enfant de Compesières. Cette église, elle ne l’a pas découverte dans un dossier patrimonial. Elle y a grandi. Elle en connaît les pierres, les silences, les résonances et les souvenirs. Parmi eux, celui de Bernard Gaud, l’ancien organiste de la paroisse, dont elle évoque avec tendresse les « gros doigts de paysans » courant sur les claviers. L’image a quelque chose d’infiniment touchant. Des mains façonnées par la terre qui faisaient monter la musique vers le ciel.

Bien avant les mécènes, les manufactures et les prouesses techniques, l’orgue avait déjà trouvé une place dans la mémoire d’une enfant. Et si toute cette aventure avait commencé là, entre deux notes, dans le silence émerveillé d’une petite fille ? Le nouvel instrument prend alors une autre dimension. Il ne s’agit plus seulement d’enrichir un patrimoine musical, mais aussi de prolonger une émotion. De faire dialoguer les générations, les souvenirs et les lendemains.

Les grandes cathédrales prennent la clé des champs
À peine inauguré, le nouvel orgue de Compesières s’apprête déjà à dévoiler toute l’étendue de sa voix. Les 21 et 22 novembre, un week-end lui sera consacré, avec notamment la venue de l’organiste allemand Martin Schmeding. Des rencontres, des démonstrations et des moments de transmission permettront au public de découvrir les multiples facettes de l’instrument. Les organistes Vincent Thévenaz et Machi Tonaka ainsi que de jeunes musiciens du Conservatoire participeront également à cette découverte. Et ce n’est qu’un prélude !

Dès février 2027, Claire Haugrel ouvrira une nouvelle partition avec Les Grandes Cathédrales de France, une saison de concerts d’orgue organisée à Compesières, distincte de la programmation habituelle des Musicales. De Reims à Notre-Dame de Paris, en passant par Strasbourg, Dijon, Albi et Bordeaux, six organistes venus de grandes cathédrales françaises feront vibrer les voûtes de Saint-Sylvestre. Pierre Méa, Pascal Reber, Thierry Escaich, Frédéric Mayeur, Frédéric Deschamps et Jean-Baptiste Dupont se succéderont au fil de l’année.

Un clocher, vingt ans d’accords et pas une ride dans la partition ! Au cœur de la campagne genevoise, l’église Saint-Sylvestre abrite les Musicales de Compesières, où patrimoine et musique font résonner les siècles à l’unisson © Jacques Philippet

Compesières n’a peut-être pas de cathédrale. Mais elle en aura les grandes voix.
L’ambition dépasse les seuls concerts. Faire découvrir l’orgue aux plus jeunes, ouvrir ses mécanismes à la curiosité, transmettre le goût d’un instrument souvent méconnu : autant de perspectives qui prolongent le travail engagé par Claire depuis vingt ans. Quant aux Musicales, elles poursuivront leur saison les 5 et 6 décembre avec deux rendez-vous consacrés à Noël, avant de retrouver le public en avril 2027. Le 12 juin, une célébration du vingtième anniversaire réunira musique, neurosciences et humour autour de L’Odyssée musicale du cerveau. Une programmation qui refuse de s’endormir sur ses partitions.

Le souffle après le silence
Mais derrière cette effervescence musicale, les envolées virtuoses et les ambitions à faire pâlir les clochers, Claire Haugrel poursuit une partition bien plus intime. Car si les notes voyagent, leur véritable destination reste le cœur. « La musique touche le cœur plus directement que les mots », confie-t-elle. Une conviction qui donne tout son sens à cette aventure : faire de l’église un lieu où le sacré rencontre le sensible, où les croyants croisent les mélomanes, où la musique rassemble sans demander de profession de foi.

Quinze ans après les premières réflexions, le nouvel orgue de Compesières ne marque donc pas seulement l’aboutissement d’un projet. Il ouvre de nouvelles possibilités musicales, tout en prolongeant une histoire profondément ancrée dans la mémoire du lieu. Celle d’une femme qui, depuis vingt ans, fait de sa fidélité à Compesières une formidable force de création. Claire Haugrel voulait parler aux anges. Elle a offert aux vivants une raison supplémentaire de lever les yeux au ciel.

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Collection DM du diplôme de Zakarie Boubekeur

Bachelor : les premières griffes s’affirment
Du côté des Bachelor, la créativité sort les griffes et les identités s’affirment sans demander la permission. Sarah Bouamoud, avec OUELOU – y’a plus rien à gratter, fait dialoguer streetwear et vestiaire traditionnel marocain. En réhabilitant la passementerie artisanale et l’héritage beldi, elle interroge une industrie qui emprunte volontiers aux cultures populaires sans toujours rendre hommage à celles et ceux qui les font vivre. Une manière de rappeler que la mode peut avoir de la mémoire, et surtout qu’elle ferait bien de ne pas la perdre.

Arthur Jeandat, lui, s’attaque aux carcans de la virilité avec I LOVE BEING A GROS DUR, une collection qui met les injonctions masculines à l’épreuve d’une féminité volontairement exacerbée. Une masculinité mise à nu, dont les muscles semblent soudain moins solides que les préjugés. Quant à Zakarie Boubekeur, il arpente les marges urbaines avec Straycore, un vestiaire nourri de ses déambulations photographiques et des silhouettes anonymes croisées au hasard des rues. La mode quitte son piédestal pour battre le pavé. Trois démarches, trois sensibilités, une même volonté : ne pas se laisser tailler un avenir sur mesure par les conventions.

Master : la mode prend position
Chez les diplômés Master, les propositions poussent plus loin encore l’expérimentation, entre détournement des matières, récits intimes et questionnements sociaux. Chloë Fournier fait des chutes de papier et des matériaux récupérés la matière première d’Artificières, où recyclage, hyperféminité et souvenirs adolescents se rencontrent dans une joyeuse collision esthétique. La preuve que le mauvais goût peut avoir sacrément bon goût lorsqu’il est revendiqué.

Collection du diplôme DMA de Elouan Tschumi

Elouan Tschumi, avec Couture failure, revisite Cendrillon et les codes de la haute couture pour faire de l’échec une échappatoire aux modèles imposés. Ici, pas question d’attendre le prince charmant : on préfère retailler le conte à sa mesure. Plus politique, Catarina Santos Moreira donne du poids à l’invisible avec OVERWORKED: bags to share the load. Ses sacs interrogent la surcharge de travail, notamment celle des femmes précaires et immigrées. L’accessoire devient réflexion sociale : porter un sac, oui, mais pourquoi faudrait-il toujours porter le poids du monde ?

Enfin, Hippolyte Laporte invite à un bal surréaliste avec Anamorphoses, où les règles du dîner bourgeois finissent par voler en éclats au profit du déguisement, de la métamorphose et de la liberté d’être. Quand les bonnes manières deviennent matière à déconstruction, même l’étiquette finit par perdre le fil.

Collection du diplôme DMA de Hippolyte Laporte

Du Bachelor au Master, ces sept univers ne prétendent pas dessiner une seule et même vision de la mode. Ils en revendiquent au contraire toute la pluralité. À la HEAD, le vêtement devient langage, la silhouette prend position et le podium se transforme en tribune. Une génération moins préoccupée par le prochain it-bag que par les idées qu’elle entend défendre. Et qui ne cherche pas seulement à être dans l’air du temps, mais à lui donner un nouveau souffle.

Le cube monte le volume
Les silhouettes auront leur terrain de jeu : une scénographie imaginée par les étudiants en Design Installation lors d’un workshop dirigé par la sacrée agitatrice de formes: Matali Crasset. Figure incontournable du design français, passée par l’univers de Philippe Starck avant de tracer sa propre trajectoire, cette exploratrice de l’ordinaire cultive depuis plus de trente ans l’art de faire dérailler les conventions. Du mobilier à l’architecture, des espaces publics aux installations artistiques, ses créations, présentes jusque dans les collections du MoMA et du Centre Pompidou, interrogent nos habitudes pour mieux les réinventer. Son credo ? Un design vivant, ludique, social, qui ne se contente pas d’habiller le monde, mais cherche à le faire évoluer. Enseignante à la HEAD depuis 2010, elle a accompagné les étudiants en Design Installation dans la conception de la scénographie de cette édition.

Côté bande-son, Romano Bianchi x Village Pipo signeront une composition réalisée avec l’Orchestre de Chambre de Genève. De quoi tendre l’oreille autant que le regard. La couture aura de la compagnie, et le podium, du répondant.

Caudalie, la beauté à fleur de création
La mode fait peau neuve, la beauté lui emboîte le pas. Caudalie rejoint les partenaires officiels du Défilé HEAD 2026, scellant une rencontre entre deux univers qui cultivent l’art de se réinventer. Née au cœur des vignobles bordelais, la maison française de cosmétiques a fait des vertus de la vigne et du raisin sa signature, conjuguant recherche scientifique, naturalité et innovation. Un ADN qui résonne avec celui de la HEAD, où la créativité ne connaît ni saison ni date de péremption. Entre les audaces textiles de la jeune garde et les formules de la marque, une même envie d’explorer la matière, de repousser les conventions et de cultiver la différence. Une alliance qui rappelle que la beauté ne se résume pas à une question de surface, pas plus que la mode à une affaire d’apparence. Car si Caudalie prend soin des peaux, la HEAD, elle, donne une seconde peau aux idées. Et lorsqu’il s’agit de faire éclore les talents, voilà un partenariat qui ne manque pas de raisin d’être !

Collection DM du diplôme de Loris Cedolin

Un jury qui ne manque pas d’étoffe
Et pour départager cette relève qui n’a pas froid aux idées, la HEAD sort le grand jeu! Parmi les regards affûtés du jury international, Kris Van Assche, créateur belge passé par l’école d’Anvers, qui a régné onze ans sur la direction artistique de Dior Homme avant de prendre les rênes de Berluti. Un maître du tailoring contemporain, capable de faire dialoguer rigueur sartoriale et culture de la rue sans jamais perdre le fil de son élégance.

À ses côtés, Craig Green, enfant terrible de la mode britannique, diplômé de Central Saint Martins, dont les silhouettes architecturales et les expérimentations textiles transforment le vêtement en terrain d’exploration, entre armure, uniforme et sculpture portable. Sans oublier Tim Blanks, plume redoutée et respectée de la critique internationale, aujourd’hui Editor-at-Large de The Business of Fashion, qui ausculte depuis quatre décennies les podiums et leurs révolutions avec un regard aussi érudit qu’incisif. Un casting auquel s’ajoutent notamment des représentants de Louis Vuitton, Kering et Richemont, dessinant une passerelle précieuse entre la liberté des ateliers et les réalités de l’industrie.

À l’issue du second défilé, plusieurs distinctions viendront récompenser les talents émergents. Mais derrière les trophées et les applaudissements, l’enjeu dépasse largement le cérémonial : faire passer une idée de l’ombre d’un atelier à la lumière des grandes maisons. Car au-delà des prix, des projecteurs et des applaudissements, c’est bien l’avenir de la mode qui se dessine sur ce podium. Une génération qui ose découdre les conventions, retailler les certitudes et donner du fil à retordre aux codes établis. La HEAD ne se contente pas de faire défiler des silhouettes, elle propulse des visions. Et si les grandes maisons écrivent encore les règles du jeu, la relève pourrait bien en réinventer les coutures. Après tout, les grands noms de demain ont bien dû commencer par un premier défilé.

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Car derrière cette distinction se joue bien davantage qu’une démonstration de virtuosité culinaire. C’est tout un héritage qu’il faut faire vivre sans le figer, une brigade à porter vers les sommets, une exigence à renouveler chaque jour. Le prestige peut se transmettre, jamais les étoiles. Une constance d’autant plus remarquable que le cercle des trois-étoiles suisses ne compte que cinq établissements.

Au sommet des Alpes, The Japanese Restaurant du Chedi Andermatt prend une nouvelle altitude gastronomique. Trois étoiles Michelin pour une cuisine d’inspiration japonaise qui tutoie désormais les sommets, au propre comme au figuré © DR

Cette année, The Japanese Restaurant du Chedi Andermatt rejoint le club. Aux commandes, Fabio Toffolon et Dominik Sato font dialoguer précision japonaise et techniques classiques. Une troisième étoile qui consacre leur ascension et installe un peu plus Andermatt sur la carte des grandes destinations gastronomiques. Là où Andermatt écrit une nouvelle page, Crissier prouve que les plus grandes histoires sont celles qui résistent au temps.

Genève : la constance n’a rien d’un plat réchauffé
Pas de nouvelle étoile au bout du lac cette année. Et alors ? À l’heure où la nouveauté se consomme parfois plus vite qu’un menu dégustation, Genève rappelle qu’en gastronomie, durer est une discipline à part entière. L’Atelier Robuchon conserve ses deux étoiles, confirmant son appartenance à cette élite où la maîtrise technique doit toujours laisser une place à l’émotion. Car la perfection d’une assiette ne se mesure pas uniquement au millimètre de sa composition, mais aussi au souvenir qu’elle laisse.

À l’Atelier Robuchon, les deux étoiles ne sont pas un acquis, mais une conquête quotidienne. Entre haute précision et virtuosité culinaire, Genève cultive l’art de viser juste, sans jamais baisser la garde © DR

Autour de cette adresse, Genève cultive une remarquable diversité de signatures. Bayview by Danny Khezzar, F.P.Journe Le Restaurant, Il Lago, Tosca, La Micheline et L’Aparté défendent chacun leur identité. Au-delà du centre-ville, le Domaine de Châteauvieux à Satigny, Le Cigalon à Thônex et La Chaumière à Troinex rappellent que la haute gastronomie genevoise ne s’arrête pas aux quais du Léman.

Une pluralité d’approches qui fait la richesse du paysage culinaire local : cuisines d’auteur, influences méditerranéennes, héritages classiques et interprétations contemporaines se côtoient sans nécessairement se ressembler. Derrière chaque étoile conservée, une réalité moins photogénique que les assiettes : le recrutement, la transmission, la régularité, la pression économique et cette obligation de convaincre encore des inspecteurs anonymes. L’étoile n’est pas une rente. C’est une remise en question permanente.

Lausanne et la romandie : tenir le cap, sans perdre le goût du risque
Lausanne confirme également son rang parmi les places fortes de la gastronomie suisse. La Table du Lausanne Palace et Pic Beau-Rivage Palace conservent leurs deux étoiles, tandis que Le Berceau des Sens poursuit sa trajectoire avec une étoile. Plus loin, la Maison Wenger au Noirmont et Gilles Varone à Savièse maintiennent leurs deux distinctions. Deux maisons qui rappellent que l’excellence n’est ni une affaire de code postal ni l’apanage des palaces.

De Stéphane Décotterd à Montreux au Pont de Brent, de Njørden à Aubonne à la Table de Mary à Cheseaux-Noréaz, la scène vaudoise révèle une géographie gastronomique bien plus vaste que ses grandes institutions. Et cette année, c’est en Valais que la nouveauté s’invite à table. À Zermatt, ad lib décroche sa première étoile tandis que Nicole Sawyere reçoit le prix Michelin du service. Une double distinction qui remet l’humain au cœur de l’expérience. Car si la cuisine donne le ton, le service en compose souvent la plus belle résonance. L’accueil n’est pas un supplément d’âme. Il fait partie intégrante du repas.

Dans l’écrin architectural de Mario Botta, Le Pérolles fait rimer héritage et modernité. Une étoile solidement accrochée au firmament fribourgeois, où la tradition se réinvente sans perdre le fil de son histoire © Aurelio Rodriguez

À Fribourg, Le Pérolles conjugue héritage et renouveau sous l’impulsion de Julien Ayer et de Victor Moriez. Passé par les cuisines triplement étoilées de Crissier, La Table du Valrose à Rougemont et The Alpina Gstaad, le chef reprend le flambeau de Pierrot Ayer sans laisser la tradition prendre la poussière. Dans l’écrin architectural signé Mario Botta, la relève compose une partition audacieuse, entre précision, terroir et créativité. Une étoile bien accrochée, mais loin d’être figée : ici, la tradition ne se repose pas sur ses lauriers, elle aiguise ses couteaux.

Moins d’étoiles, davantage de questions
Le millésime 2026 présente un paradoxe intéressant. La Suisse gagne un cinquième trois-étoiles, mais voit le nombre total de ses tables étoilées reculer de 145 à 133. Les restaurants deux-étoiles passent de 27 à 22 et les une-étoile de 114 à 106. Le sommet s’élargit pendant que la constellation se resserre. Faut-il y voir le signe d’une sélection plus exigeante, les conséquences des mouvements de chefs et des fermetures, ou simplement les fluctuations naturelles d’un secteur en perpétuelle mutation ? Les chiffres seuls ne permettent pas de trancher. Ils rappellent néanmoins une réalité : aucune distinction n’est définitivement acquise.

À Berne, MYLE décroche sa première étoile et le prix de l’ouverture de l’année. À Lucerne, Pietro Catalano, ancien mécanicien automobile et trompettiste, rejoint lui aussi le cercle étoilé. Des parcours qui prouvent que la gastronomie sait encore bousculer les trajectoires et déplacer les lignes. Mais le Michelin ne raconte pas à lui seul toute la vitalité d’une scène culinaire. Les 92 Bib Gourmand distingués cette année rappellent qu’une cuisine remarquable peut également s’affranchir du cérémonial et des additions astronomiques.

À Berne, MYLE entre dans la cour des étoilés. Une première étoile et le prix de l’ouverture de l’année pour cette adresse où la gastronomie voyage en première classe, sans jamais perdre le nord © DR

Car le véritable luxe gastronomique ne réside pas uniquement dans la rareté, mais dans la justesse de l’expérience. Et si cette édition 2026 devait nous laisser une leçon, ce serait celle-ci : décrocher une étoile est une consécration. La garder est une conquête quotidienne. Quant à faire vibrer les papilles, cela reste un art qui dépasse heureusement toutes les classifications. Les étoiles indiquent les grandes tables. Elles ne remplacent jamais le goût de les découvrir.

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