Yinka Ilori dans son élément : un monde où les couleurs claquent, les imprimés sourient et le design ressemble enfin à une conversation joyeuse avec l’été (c) Veuve Clicquot

Le clou du spectacle ? Le Sun Holder. Une réinterprétation ultra pop du seau à champagne traditionnel, inspirée de la calebasse et pensée comme un compagnon nomade pour épicuriens en cavale. Léger, tricoté en 3D à partir de matériaux recyclés, il garde les bouteilles fraîches pendant 90 minutes. En gros : une armure solaire pour champagne vagabond. Mention spéciale aussi aux Sun Totems, véritables sculptures portables qui donnent l’impression qu’un totem africain et une boule disco auraient eu un enfant scandaleusement stylé.

Posé entre ciel et pierre, le Sun Holder ressemble à un petit fétiche hédoniste imaginé pour garder le champagne au frais… et les étés éternellement brûlants (C) Veuve Clicquot

Même la mythique flèche Clicquot passe sous stéroïdes chromatiques. Réinventée avec des motifs flamboyants, elle transforme un simple coffret cadeau en boussole pop pour voyageurs hédonistes. Oui, même indiquer une direction peut devenir sexy quand Veuve Clicquot s’en mêle.

Londres, Madrid, New York… Chez Veuve Clicquot, même les panneaux de direction donnent envie de partir boire du champagne quelque part entre un rayon de soleil et une sieste colorée (c) Veuve Clicquot

Mais derrière les couleurs qui claquent et les objets qui paradent, “Chasing the Sun” raconte surtout quelque chose de plus tendre : cette idée que la joie se cultive. Qu’elle se partage. Qu’elle s’arrose parfois de champagne, certes, mais surtout de moments suspendus, de tablées improvisées, de chaleur humaine et de lumière intérieure. Une philosophie qui colle parfaitement à Madame Clicquot, pionnière absolue qui avait déjà compris au XIXe siècle qu’un peu d’audace pouvait illuminer une époque entière.

Au fond, cette collection ressemble à un rappel élégant : certains passent leur vie à poursuivre le soleil. D’autres finissent par comprendre qu’ils peuvent eux-mêmes devenir une source de lumière.

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De la Royal Oak de Gérald Genta suspendue comme un talisman de milliardaire discret… à sa descendante pop sous dopamine chromatique. Même octogone culte, même ADN horloger — mais manifestement pas la même soirée (C) DR

Et franchement, voir la montre préférée des banquiers privés se transformer soudainement en objet pop sous overdose de couleurs a quelque chose de délicieusement irrévérencieux.

Le plus fort ? Derrière cette crise d’adolescence visuelle, les codes historiques restent intacts : lunette octogonale, motif Petite Tapisserie, huit vis hexagonales, références obsessionnelles au chiffre huit.  Sauf qu’ici, tout semble avoir été plongé dans un bain de dopamine pop et de bubble-gum cosmique.

La montre la plus statutaire de Suisse vient officiellement de lécher un stabilo fluo (c) Swatch

Certaines versions ressemblent à des jouets de luxe dessinés par Warhol après une nuit blanche à Tokyo. D’autres évoquent des gadgets futuristes qu’aurait porté un DJ sous espresso martini dans une rave milanaise de 1998.

Mention spéciale au modèle HUIT BLANC et ses vis multicolores : probablement la première Royal Oak qui donne envie de manger des Dragibus en écoutant du Daft Punk. 

HUIT BLANC : probablement ce qui se passe quand la Royal Oak découvre le pop art, les Dragibus et les néons roses… le tout sans perdre une seule de ses huit vis sacrées (c) AP

Mais sous le carnaval chromatique, Swatch n’a pas oublié la mécanique. Mouvement SISTEM51 manuel, 90 heures de réserve de marche, spiral Nivachron™, fond transparent…  Comme quoi, même transformée en bijou pop pour adultes hyperactifs, la Royal Oak continue de battre avec un vrai cœur horloger.

Et quelque part, c’est peut-être ça le plus punk dans cette histoire : voir une icône du luxe accepter de rire un peu d’elle-même.

Parce qu’au fond, Royal Pop ne cherche pas à être sage. Elle cherche à remettre un peu de disco dans un univers qui sentait parfois un peu trop le cigare froid et la naphtaline suisse.

BLAUE ACHT : une Royal Oak qui semble avoir été trempée dans un sorbet citron sous lumière de rave. Fraîche, fluo, presque innocemment psychédélique (c) Swatch

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Genève représente évidemment quelque chose de symbolique. Quand on vous invite ici, au cœur de la culture horlogère mondiale, cela veut dire que votre travail commence à être observé différemment. Mais nous venons surtout pour apprendre, observer, écouter les réactions.

Pendant longtemps, l’horlogerie indienne était regardée comme fonctionnelle. Aujourd’hui, vous arrivez avec des pièces à plusieurs milliers de dollars et des propositions mécaniques ambitieuses. Qu’est-ce qui a changé dans le regard et surtout dans le désir des consommateurs indiens ?
Le marché indien a profondément évolué. Il y a dix ans, beaucoup de consommateurs cherchaient surtout des montres entre 300 et 500 dollars. Aujourd’hui, ils veulent davantage. Depuis la pandémie notamment, nous avons vu une explosion de l’intérêt pour les montres automatiques et les pièces plus techniques.

Prenez par exemple la Stellar Wandering Hour : cette pièce mécanique à complication, proposée autour de 2’000–2’500 dollars, symbolise parfaitement cette nouvelle ambition horlogère. Nos plongeuses dépassent parfois les 1’000 dollars. Notre modèle mécanique ultra-fin de 2,2 mm atteindra environ 4’000 dollars. Et malgré cela, la demande existe.

C’est important de comprendre que nous ne créons pas ces produits pour Genève. Nous les créons d’abord pour les consommateurs indiens. Genève devient ensuite une plateforme de visibilité internationale. L’Inde mérite sa place dans la conversation horlogère.

Vous sentez une forme de fierté nationale autour de cette présence genevoise ?
Oui, énormément. Beaucoup d’Indiens sont venus nous voir ici et nous ont dit qu’ils étaient fiers de voir une marque indienne présentée dans ce contexte. Pendant longtemps, l’horlogerie haut de gamme semblait réservée à certains pays ou certaines cultures. Aujourd’hui, l’Inde développe aussi sa propre confiance créative.

Nous sommes un pays de plus d’un 1 milliard d’habitants. Une immense classe moyenne et supérieure émerge. D’ici 2040, l’Inde sera probablement l’un des marchés du luxe les plus importants au monde. Ignorer cela serait une erreur stratégique pour l’industrie.

Vous parlez souvent d’“accessible luxury”. Qu’est-ce que cela signifie pour vous ?
Il existe plusieurs niveaux dans le luxe. Vous avez l’ultra-luxe exclusif. Puis le luxe aspirationnel. Et ensuite ce que nous appelons l’accessible luxury : des produits très bien conçus, avec une vraie qualité de fabrication, mais qui restent atteignables.

C’est là que nous voulons jouer. Beaucoup de collectionneurs possèdent des pièces extrêmement coûteuses qu’ils portent rarement… mais ils cherchent aussi des montres plaisir, des “daily watches”, des objets bien dessinés, bien finis, intéressants techniquement, sans forcément entrer dans des prix délirants.

Ce qui surprend chez Titan, c’est cette obsession du détail même sur des pièces accessibles : pierres, textures, céramique, finesse… Comme si vous refusiez que le design devienne tiède sous prétexte de prix plus doux…
Parce que le design ne devrait jamais être paresseux, peu importe le prix. Nous essayons d’apporter des éléments qu’on ne voit pas forcément dans cette gamme-là : céramique, pierres naturelles, aventurine, finitions particulières, travail sur les textures ou les affichages.

Même sur une montre à 600 dollars, nous voulons créer une émotion visuelle. Une personnalité.

Edge, Nebula, Apex… On a presque l’impression que chaque marque parle une langue émotionnelle différente. Est-ce votre manière de construire plusieurs visages de l’Inde contemporaine ?
Parce qu’une seule marque ne peut pas tout raconter. Titan est une maison très large. Mais chaque sous-marque possède une philosophie spécifique.

Edge représente la finesse et l’innovation minimaliste. Nebula parle davantage d’artisanat, d’or, de richesse décorative. Zaylaa est plus sportive. Et maintenant Apex arrive comme une marque dédiée à l’excellence horlogère pure.

Nous avions besoin d’un espace capable d’exprimer le savoir-faire mécanique plus sérieusement.

Votre modèle mécanique ultra-fin de 2,2 mm n’a pas seulement fait réagir pour son esthétique, mais parce qu’il semblait envoyer un message : “nous aussi, nous pouvons jouer sur le terrain de la haute technicité.” C’était important pour vous ?
Parce qu’il représente un défi technique réel! Réduire autant l’épaisseur d’une montre mécanique demande énormément de travail, de précision et d’ingénierie. Ce n’est pas simplement esthétique.

Quand nous l’avons montré au Dubai Watch Week, les collectionneurs et journalistes ont réagi très fortement. Cela nous a encouragés à aller plus loin.

Ce qui frappe chez vous, c’est ce calme. Beaucoup de marques arrivent avec un ego énorme. Vous, on sent davantage une logique d’endurance que de démonstration immédiate…
Parce que nous savons exactement où nous en sommes. Dans l’horlogerie, il existe plusieurs niveaux de finition, de complication, de maîtrise. Nous progressons. Certaines de nos montres atteignent aujourd’hui des standards très élevés. Mais nous avons encore du chemin. Et c’est précisément ce qui rend l’aventure intéressante.

Finalement, le plus difficile aujourd’hui pour Titan, ce n’est peut-être plus de fabriquer de bonnes montres… mais de changer le regard du monde sur ce qu’une maison indienne peut produire horlogèrement. Quel est votre plus grand défi?
Je dirai transformer une réussite locale en crédibilité mondiale. Être leader dans son pays est une chose. Être reconnu internationalement en est une autre! Il faut du temps. Il faut construire une culture produit solide. Continuer à améliorer les mouvements, les finitions, les designs. Accepter les critiques aussi. Mais nous avançons sereinement. Avec discipline. Et surtout avec une conviction : l’horlogerie ne doit plus parler avec un seul accent.

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Portrait de Isao Takahata © Kishin Shinoyama

Le parcours navigue ainsi entre Heidi, Le Tombeau des lucioles, Pompoko, Mes voisins les Yamada ou encore Le Conte de la princesse Kaguya, dernier vertige aquarellé d’un cinéaste qui n’aura cessé de déconstruire les codes visuels traditionnels de l’animation.  Chez lui, même le trait paraît vivant. Même l’imperfection devient chorégraphie. Là où beaucoup d’animations cherchent la fluidité parfaite, Takahata préférait laisser respirer le vide, les textures et le souffle du dessin.

Heidi © Studio 100 International

Mais ce qui rend cette exposition particulièrement passionnante, c’est son angle inédit : les liens profonds que le réalisateur entretenait avec l’Occident — et notamment avec la Suisse. Car derrière Heidi, monument absolu de l’enfance télévisuelle, se cache presque une démarche ethnographique. Takahata observait les paysages alpins, les habitudes, les vêtements, les gestes du quotidien avec une précision quasi documentaire.  Résultat : une Suisse vue par le Japon… qui finit parfois par sembler plus tendre que la vraie.

L’exposition revient aussi sur son amour du réalisme poétique français, sa fascination pour Prévert et Paul Grimault, ainsi que sur les échanges artistiques qu’il entretenait avec plusieurs créateurs occidentaux. Takahata apparaît alors moins comme un simple maître japonais que comme un immense passeur culturel. Un homme capable de faire dialoguer les Alpes et les cerisiers en fleurs sans jamais tomber dans l’exotisme de carte postale.

Le Tombeau des lucioles © Akiyuki Nosaka/Shinchosha, 1988

Et puis il y a Le Tombeau des lucioles. Impossible de parler de Takahata sans évoquer ce film-là. Une œuvre qui continue de briser des générations entières avec une douceur presque insupportable. Là où d’autres parlent de guerre avec fracas, lui choisissait les silences, les ventres vides et les regards fatigués. Chez Takahata, la tragédie ne hurle jamais. Elle s’assoit discrètement à côté de vous.

En parallèle de l’exposition, le mudac déploie tout un programme entre projections, concerts dessinés, ateliers manga, origami et même une Fête de la Musique spéciale Japon.  Une manière de prolonger cet univers où l’animation devient moins un genre qu’une façon de regarder le monde autrement.

Le Tombeau des lucioles © Akiyuki Nosaka/Shinchosha, 1988

Au fond, Takahata aura passé sa vie à prouver une chose très simple : le dessin animé n’est pas un territoire réservé aux enfants. C’est parfois l’endroit où les adultes viennent récupérer les morceaux oubliés de leur sensibilité.
Une luciole qui refuse obstinément de s’éteindre.

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Des jambes disco-ball, un hoodie cosmique et cette allure de créature échappée d’un rêve Y2K sous adrénaline. Stella ne fait pas du comeback : elle rallume carrément la boule à facettes (c) DR

Ce qui frappe surtout, c’est cette manière qu’a Stella de rendre la nostalgie portable sans la transformer en costume d’époque. Ici, les références Y2K flirtent avec des volumes contemporains, les chaînes Falabella s’invitent sur des robes et des mocassins comme des bijoux rebelles, tandis qu’un t-shirt “Rock Royalty” débarque avec l’arrogance délicieuse d’un backstage des années 2000.

Foulards cerises, licorne galactique, chaînes XXL et mocassins qui ont l’air de connaître les meilleures afters de Londres : la collection joue au grand mélange des fantasmes Stella McCartney (c) DR

Mais derrière les paillettes et les épaules bien coupées, Stella continue aussi son vieux bras de fer avec l’industrie. Matières recyclées, coton organique, laine certifiée RWS, huiles végétales recyclées et dérivés de maïs industriel : la collection tente de prouver qu’on peut faire du désir sans transformer la planète en dommage collatéral. Et dans un paysage où beaucoup de marques confondent encore “conscience” et “greenwashing sous filtre beige”, ça mérite d’être souligné.

Ann-Sofie Johansson, directrice du design femme chez H&M, et Stella McCartney (c) DR

La campagne, shootée à Londres par Sam Rock avec Reneé Rapp, Angelina Kendall et Adwoa Aboah, pousse encore cette idée de transmission pop et intergénérationnelle. Une mode qui regarde dans le rétroviseur… mais avec les deux mains sur le volant.

Le plus intéressant finalement ? Ce n’est peut-être pas la collection elle-même. C’est ce qu’elle raconte de notre époque. En 2005, collaborer avec H&M relevait presque du scandale chic pour une créatrice de luxe. Aujourd’hui, les frontières ont fondu comme un gloss oublié au soleil. Le prestige veut être accessible. Le mainstream veut du sens. Et Stella, elle, continue de marcher entre les deux avec ce mélange rare de militantisme poli et de glamour qui refuse de s’excuser.

La collection sera lancée le 7 mai. Et il y a fort à parier qu’une partie du monde mode replongera dedans comme on rouvre une vieille playlist : pour la nostalgie, oui… mais surtout pour retrouver cette sensation précise d’avoir été cool avant tout le monde. 

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À Genève, ses images reviennent aujourd’hui comme des braises encore chaudes. Et ce qui frappe immédiatement dans l’exposition – The Other, un hommage en images – proposée au Centre des arts de l’École internationale de Genève, c’est l’absence totale de misérabilisme. Chez Leïla Alaoui, même l’exil garde la tête haute. Même la fatigue possède une noblesse. Même le silence parle fort.

Les Marocains (c) Leila Alaoui

La série Les Marocains, probablement la plus emblématique, agit comme une galerie de majestés anonymes. Photographiés sur fond noir dans les villages du Rif, de l’Atlas ou d’Essaouira, ses sujets semblent surgir d’un théâtre intérieur. Chaque ride devient territoire. Chaque étoffe raconte une mémoire. Chaque regard désarme. Elle transformait les places de marché en studio de cinéma existentiel, avec cette capacité rare à faire d’un portrait une déclaration politique sans jamais tomber dans le slogan. 

Natreen (2013) (c) Leila Alaoui

Plus loin, Natreen et Crossings déplacent le regard vers les routes migratoires. Mais là encore, Alaoui refuse la statistique froide. Elle photographie des individus là où le monde ne voit souvent que des flux. Des familles syriennes déplacées au Liban, des migrants subsahariens suspendus entre deux continents, entre deux langues, entre deux vies. Son œuvre ne documente pas l’exil : elle lui redonne un prénom.

Et puis il y a ces images inédites, montrées pour la première fois à Genève, issues des séries My Body My Rights et My Fair Home. Des photographies qui continuent d’interroger la place des femmes, des travailleuses invisibles, des corps politiques aussi. Comme si Leïla Alaoui avait compris avant beaucoup d’autres que la photographie pouvait être un refuge autant qu’un miroir.

Awa Ouedraogo, My Body My Rights de Leila Alaoui

Ce qui bouleverse surtout, c’est cette tension constante entre esthétique et engagement. Ses images sont sublimes — au sens presque pictural du terme — mais elles ne cherchent jamais à séduire gratuitement. Elles regardent. Elles insistent. Elles dérangent parfois. Chez elle, la beauté n’est pas un filtre Instagram : c’est une manière de rendre justice.

(c) Leila Alaoui

L’exposition rappelle aussi combien Genève était un écrin logique pour accueillir cet hommage. Ville des droits humains, des dialogues internationaux et des frontières mouvantes, elle résonne naturellement avec une œuvre traversée par les thèmes de la migration, de la dignité et de l’identité culturelle. 

(c) Leila Alaoui

Et comme si son histoire refusait de s’éteindre, un film inspiré de sa vie est actuellement en préparation : Leïla et la Nuit, réalisé par Fellipe Barbosa, avec Roschdy Zem et Marina Foïs notamment au casting. La preuve que certaines lumières continuent d’éclairer même après la nuit.

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UV, pollution, stress, inflammation : la vie moderne joue au marteau-piqueur avec notre capital beauté. Formettā répond avec une approche quasi chirurgicale, basée sur les fameux douze mécanismes biologiques du vieillissement identifiés par la science. Autrement dit : ici, la longévité ne se résume pas à “avoir bonne mine”. Elle devient une stratégie intérieure.

Beauty Collagen Formulation : le glow prend du galon
Premier lancement : The Beauty Collagen Formulation. Une poudre qui ressemble moins à un supplément qu’à une équipe de reconstruction cellulaire. À l’intérieur ? Des peptides de collagène bioactifs, de la kératine biodisponible et un complexe antioxydant dopé notamment à l’extrait de pépins de raisin français, vitamine C et zinc.

Traduction : la peau retrouve du rebond, les cheveux arrêtent leur carrière dramatique dans la chute libre et les ongles cessent enfin de se casser à la moindre contrariété existentielle.

En quelques semaines, le teint gagne en éclat, l’élasticité reprend du terrain et le visage semble avoir dormi huit heures… même quand ce n’est clairement pas le cas.

Disponible en version vanille (notre préférée) ou neutre, la formule joue la carte du luxe silencieux : pas de poudre de licorne, pas de sucre inutile, juste des actifs qui bossent pendant que vous vivez votre vie.

Ultimate Anti-Ageing Formulation : mettre le temps en veilleuse
Puis arrive The Ultimate Anti-Ageing Formulation. Et là, Formettā ne parle plus seulement beauté : la marque attaque carrément la chronologie.

Cette capsule végane cible les mécanismes profonds du vieillissement grâce à une combinaison d’ingrédients cliniquement étudiés comme l’astaxanthine, les phytocéramides ou encore la curcumine avancée.

Le but ? Réduire le stress oxydatif, soutenir le renouvellement cellulaire et remettre un peu d’ordre dans ce chaos biologique qu’on appelle fatigue moderne. Ce n’est pas une promesse d’éternelle jeunesse — heureusement, personne n’a envie de redevenir adolescent. C’est plutôt une façon élégante de ralentir la casse.

Le luxe ultime ? Une beauté qui tient debout sans artifices
Fondée par la scientifique Dr. Vanessa Craig et dirigée par Vanessa Truetsch, Formettā appartient à cette nouvelle génération de marques qui préfèrent les preuves aux slogans.

Derrière le glow millimétré de Formettā, Vanessa Trütsch orchestre une beauté qui préfère les laboratoires aux filtres Instagram (c) Formetta

Fabriquées en Suisse, sans additifs inutiles ni sucres ajoutés, ses formulations misent sur la transparence et la précision plutôt que sur le bruit. Une philosophie résumée par leur credo : “Glow is an inside job.” Et pour une fois, la formule n’a rien d’un slogan vide.

Parce qu’au fond, la vraie révolution beauté n’est peut-être plus dans ce qu’on applique sur la peau… mais dans ce qu’on lui donne pour résister au temps sans perdre sa lumière.

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Et c’est précisément là que le spectacle devient fascinant. Parce qu’au lieu de cacher les failles, il les expose comme des bijoux mal polis. Le décor semble improvisé, bricolé à partir de ce qui traîne, récupéré sur place, assemblé comme une pensée qui se construit en direct sous les yeux du public. Les artistes arrivent littéralement “les mains nues” pour fabriquer l’immédiat avec ce que le théâtre leur offre.  Le résultat ? Une scène qui ressemble parfois à un chantier mental après une tempête existentielle. Et pourtant, au milieu du chaos, quelque chose tient debout. Fragilement. Magnifiquement.

Dans ce spectacle, même les échelles semblent traverser une crise existentielle (c) DR

Ce Focus Circus imaginé par la Comédie ouvre justement un territoire où le cirque cesse d’être une simple démonstration de virtuosité pour devenir une matière vivante, hybride, presque philosophique.  Ici, l’exploit ne réside plus dans le contrôle absolu, mais dans la capacité à danser avec l’imprévisible sans chercher à le dompter. Une époque entière résumée en mouvement, finalement.

Dans « », les objets semblent avoir leur propre volonté. Les corps négocient avec la gravité comme on négocie avec ses propres fissures intérieures. Ça tombe, ça glisse, ça résiste, ça recommence. Comme la vie un lundi matin. Mais avec plus de poésie et nettement moins de mails.

Et c’est peut-être ça, le vrai vertige du spectacle : réussir à transformer l’instabilité en langage. Faire du désordre une partition. De l’échec une élégance. Une déclaration d’amour à tout ce qui vacille encore.

Parce qu’au fond, le cirque de Boitel et Bernard ne cherche pas à impressionner. Il cherche plutôt à rappeler que les plus belles choses tiennent parfois à deux millimètres du chaos. Et que l’équilibre parfait est souvent beaucoup moins intéressant qu’une chute bien habitée.

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Dans un autre registre, Pegah Ahangarani (Rehearsals for a Revolution) et Christophe Dimitri Réveille (Les survivants du Che) s’inscrivent dans une zone plus politique, où l’histoire ne se referme jamais totalement. Elle se rejoue, se déplace, se contredit parfois.

Premiers gestes, premières secousses
Il y a dans cette sélection une place importante laissée aux débuts, à ce qui n’est pas encore totalement fixé. Printemps de Rostislav Kirpičenko, « Le Triangle d’or » d’Hélène Rosselet-Ruiz, ou encore « Tangles » de Leah Nelson (film d’animation) portent cette fragilité particulière des premiers films : celle d’un cinéma qui cherche encore sa propre langue.

Corps, territoires, fissures
Diego Luna propose avec « Ceniza en la boca » une matière plus intime, presque brûlée de l’intérieur. Joshua et Rebecca Tickell, avec Groundswell, ferment ce paysage en mouvement avec une sensation plus large, presque environnementale, comme si le cinéma regardait aussi les rythmes du monde.

Films qu’on attend déjà
Au-delà des titres déjà très commentés, la sélection réserve d’autres propositions qui attisent la curiosité.

Les Matins merveilleux – Avril Besson
Un titre qui évoque une lumière fragile, comme si le film cherchait à capter ce moment précis entre nuit et jour, entre doute et commencement.

Richard Avedon – Ron Howard
Au-delà du portrait, c’est peut-être une réflexion sur ce que la photographie fait au temps : comment elle fige, mais aussi comment elle révèle.

L’Affaire Marie Claire – Lauriane Escaffre & Yvo Muller
Un récit qui semble s’inscrire dans une tension entre réalité et reconstruction, entre faits et perception.

Rehearsals for a Revolution – Pegah Ahangarani
Déjà très attendu pour sa manière d’aborder la politique comme un mouvement permanent, jamais totalement figé.

Groundswell – Joshua et Rebecca Tickell
Un film qui laisse imaginer un rapport presque organique au monde, entre forces naturelles et récits humains.

Une sélection qui ne cherche pas à conclure
Les Séances spéciales de Cannes 2026 ne racontent pas un monde uni. Elles montrent des fragments, des hésitations, des lignes qui ne se rejoignent pas toujours. Mais c’est précisément dans cette dispersion que quelque chose se dessine : un cinéma qui ne cherche pas à fermer les récits, mais à les laisser respirer.

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Couleurs qui claquent, textures qui s’annoncent…
ALMA transforme le dîner en odyssée colorée (c) ALMA

Le décor : du ciel à la braise
Ici, pas de révolution tapageuse. L’architecte Patrick Csajko a préféré jouer la carte du glissement plutôt que du grand saut : on quitte le bleu céleste pour plonger dans des rouges terre cuite, des matières minérales, une chaleur presque tactile.

Résultat ? Un lieu plus enveloppant, presque charnel. ALMA ne vous accueille plus — il vous absorbe. Mention spéciale à la cevicheria, repositionnée comme une scène ouverte dès l’entrée : ça donne le ton, ça aiguise l’appétit, ça annonce la couleur (littéralement). 

Acidité millimétrée, fraîcheur insolente : la mer version uppercut (c) ALMA

Dans l’assiette : Lima flirte avec Tokyo (et vous aussi)
En cuisine, le chef Cesar Ortiz ne change pas de cap : il affine sa trajectoire. Formé entre la Colombie, le Pérou et des brigades étoilées, il joue les équilibristes entre tradition et liberté.

Le ceviche claque comme une vague fraîche, le lomo saltado réconforte avec une précision presque affective, et le shitomi gohan fait des infidélités assumées au Japon. Ici, la fusion n’est pas un gadget, c’est un langage. Et chaque assiette raconte une histoire, sans jamais tomber dans le folklore.

Derrière le rideau
Aux manettes, Uniq Project insuffle une vision : faire du restaurant un lieu de vie, pas juste une table. Traduction ? On ne vient pas seulement dîner, on vient habiter l’endroit — le temps d’une soirée (ou plus si affinités).

Cela dit, soyons honnêtes : à force de vouloir créer “l’expérience globale parfaite”, certains lieux finissent par lisser leur spontanéité. ALMA flirte avec cette ligne — mais pour l’instant, il garde ce petit grain d’imprévu qui fait la différence.

Verdict? Fidèle… mais plus audacieux! ALMA ne renie rien : il intensifie. Plus chaud, plus incarné, plus maîtrisé aussi. Peut-être un peu moins brut qu’avant, mais clairement plus affirmé.

Et au fond, c’est ça qu’on attend d’une adresse qui grandit : qu’elle ose évoluer sans devenir une copie d’elle-même.

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La foire de design Alcova a investi une villa privée achevée en 1938 par Franco Albini (c) Luigi Fiano

Chez Interni Venosta, les pièces semblent avoir toujours été là — illusion parfaite. Plus loin, Alcova investit la villa Albini : brutalisme feutré, escaliers dramatiques, designers en liberté. Ici, le design ne crie pas. Il habite.

Crin, cuir, métal : le vase Hermès en clair-obscur, entre discipline et frisson (c) Hermès

La matière comme langage : Hermès en tête-à-tête
Chez Hermès, la matière n’habille pas : elle raconte. Un cuir qui respire. Un crin qui frissonne. Un marbre qui s’ébroue presque. Tout est tension douce entre rigueur et sensualité. Les objets deviennent phrases : patchworks de cachemire, boîtes marquetées comme des partitions, vases gainés de mémoire animale. Notre crush? Le vase, silhouette sculpturale, ceinturé de crin noir et de veau Swift, bordé de lézard — écho au sac Toupet!  Le métal capte la lumière, le crin l’absorbe. Chapeau bas au clair-obscur maîtrisé!

HEAD Genève — Quand l’animal redessine l’espace
La HEAD signe l’un des gestes les plus sensibles de cette édition. Présentée à Alcova, No One Sees Them Like We Do ne met pas en scène l’animal — elle lui rend sa place!

Ici, chiens, rats, colombes ou grenouilles ne sont ni motifs ni métaphores, mais des présences actives, capables de faire vaciller notre centralité bien installée. À travers six récits spatiaux, le projet glisse du design vers l’attention : gestes de soin, coexistences discrètes, architectures presque invisibles. Le foyer devient terrain de négociation. Le détail, un manifeste. Et soudain, habiter ne signifie plus posséder — mais coexister.

Le retour des années 90 avec IKEA
Les années 90 reviennent… gonflées à bloc! Chez IKEA, on a flashé sur le fauteuil IKEA PS 2026 qui fait pop! Une bulle bien dessinée, héritée des 90’s, remise au goût du jour avec du style et zéro prise de tête. Ici, le design décompresse. Il prend l’air.

À découvrir lors des Democratic Design Days à Älmhult (13 mai 2026), avant de débarquer en Suisse le 15 mai.

Assise rebondie, lignes sous tension : le confort chez IKEA prend du volume, sans jamais perdre la ligne (c) IKEA

Pro Helvetia — le design en partage
À Milan, Pro Helvetia ne signe pas une exposition — elle orchestre une conversation. Shared Matter, pensée avec Presence Switzerland, réunit une nouvelle génération de designers suisses autour d’un même fil : créer à plusieurs, penser plus loin.

Un instrument né entre Athènes et Lausanne, une ampoule consciente dessinée à l’échelle européenne, des tuiles qui capturent la neige entre Japon et Suisse, une lampe sculpturale, un verre en papier qui fait oublier le plastique, un tapis nomade tissé entre cultures… Ici, les objets voyagent autant que les idées. Dans la scénographie immersive de SPAZIOVENTO, le design ne se contente plus d’exister : il relie. Les pratiques s’entrelacent, les savoir-faire circulent, les frontières s’effacent.

Le design devient un terrain commun. Une matière partagée.

Miele — la cuisine se replie, le quotidien s’étire
Dans des villes qui se contractent, Miele fait l’inverse : elle déploie. Avec Compact Living : Kitchen Unit powered by Hettich, la cuisine devient un système caméléon — compact en surface, expansif en usages.

Un seul bloc, mille vies : plan de travail à l’aube, cuisine à midi, table le soir. Les fonctions s’imbriquent, glissent, disparaissent presque, portées par des mécanismes intelligents et un électroménager intégré qui pense avec vous. La cuisine n’est plus une pièce — c’est un rythme.

Pensé avec Hettich, le concept répond à une évidence : habiter moins grand, mais vivre plus fluide. Technologie connectée, modularité radicale, intelligence discrète — tout converge vers un espace qui s’adapte au quotidien plutôt que l’inverse. Moins de mètres carrés. Plus de scénarios.

Cuisine caméléon signée Miele : un seul module, mille usages — cuisiner, travailler, recevoir… tout tient dans le geste (c) Miele

SMEG — la cuisine devient manifeste
Chez SMEG, l’électroménager quitte le rang pour monter sur scène. Avec Musa (signée  BorromeodeSilva), la cuisine devient rythme visuel. Avec Isola (par Stefano Boeri Interiors), elle se fait sculpture. Et la ligne Portofino, revisitée en mat profond, ajoute une texture presque tactile à la couleur. Ici, cuisiner devient un geste architectural.

Objets hybrides, récits métissés
Le reste de la ville vibre à l’unisson. Dozie Kanu signe pour Knoll des tables frangées comme des tambours africains. Mutina revisite Josef Albers en céramiques vibrantes. Baccarat orchestre un futur rétro avec Bethan Laura Wood. Hannes Peer sculpte le marbre comme une mémoire solide. Partout, les disciplines fusionnent. Les références s’entrechoquent. Le design devient un langage hybride — entre archive et projection.

L’éditeur américain Knoll continue de twister son répertoire avec de nouvelles signatures. Pendant Il Salone Mobile, l’enseigne dévoile les tables frangées de Dozie Kanu. Ses tables s’inspirent des tambours africains et des tenues cérémonielles
 (c) Knoll

Milan, chambre d’échos
À Milan, cette année, le design n’était pas une démonstration. C’était une conversation. Avec le passé, avec le vivant, avec la matière. Avec nous. Et dans ce murmure collectif, une certitude : l’objet n’est plus un objet. C’est une présence.

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La lumière alpine glisse sur les tables, le lac se fait miroir, et Genève prend des airs de haïku panoramique. Ici, le printemps ne se contente pas d’exister, il s’orchestre! Sous la houlette du génial chef Toshikazu Kato, la cuisine Nikkei devient langage hybride : précision japonaise, accents sud-américains, et cette élégance qui ne cherche jamais à séduire — mais qui séduit quand même.

Hanami : la beauté qui ne dure que le temps d’un frisson
Jusqu’au 30 avril 2026, les privilégiés savourent le menu Hanami où les assiettes capturent l’instant où la fleur de cerisier hésite entre éclore et tomber. Tartare de daurade, tataki de saumon, sériole en transparence — une trilogie crue comme un murmure. Puis le nigiri au sakura, délicatement parfumé, presque fantomatique mais à la saveur extatique. Le crescendo arrive sans bruit : crevette croustillante au lotus, daurade rôtie au sakura nappée d’un yuzu-truffe qui flirte avec l’obsession. Et enfin, ce kamameshi tiède, rassurant, comme un souvenir d’enfance que l’on n’a jamais vécu. On ne mange pas vraiment. On assiste à la chute lente d’un pétale et c’est envoûtant.

À boire : le Japon en clair-obscur
Parce que chaque printemps mérite son vertige, Izumi décline un programme de cocktails au whisky japonais — Nihon no Uisukī — et un saké infusé au sakura, pensé comme un dernier salut à l’éphémère, tout au long de la saison printemps–été 2026. Un verre, et le paysage bascule. Deux, et vous êtes ailleurs.

Dans l’écrin de bois, le saké se choisit comme un bijou rare — geste précis, rituel discret, ivresse presque silencieuse (C) FS Geneva

Du déjeuner d’affaires aux heures qui s’étirent
À midi, le Business Lunch joue la partition d’une précision chirurgicale — renouvelé toutes les deux semaines dès avril 2026. Puis viennent les heures longues, celles où le temps se dilate : dès mai et jusqu’à mi-septembre 2026, service continu, DJ en filigrane, cocktails en suspens. Le rooftop devient territoire flou — entre déjeuner tardif, apéritif qui s’attarde et dîner qui commence sans prévenir. Chez Izumi, on ne réserve pas une table — on s’abandonne à un moment qui déborde, comme une saison trop belle pour tenir en place.

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