Les Nana Benz du Togo (c) Arnold Anani

Vingt ans plus tard, près de 900 films ont traversé les écrans lausannois. Pas mal pour ce qui était au départ une histoire de passionnés décidés à ouvrir une fenêtre là où le paysage culturel avait curieusement laissé un mur.

Car le problème commence peut-être avec ce fameux singulier : « l’Afrique ». Un mot immense dans lequel on voudrait parfois faire tenir 54 pays, des milliers de langues, des mémoires, des diasporas et quelques milliards de nuances. Le FCAL préfère le pluriel. Celui des regards, des territoires, des esthétiques et surtout des histoires.

Son Panorama aligne cette année 43 œuvres récentes venues de 27 pays : fiction, documentaire, animation, expérimental… aucun genre n’obtient le monopole du bon goût. Le seul videur à l’entrée s’appelle qualité.

Prière de laisser les clichés au vestiaire
Ici, pas d’Afrique-safari sous filtre sépia. Pas de continent transformé en éternel dossier humanitaire. Encore moins de jolies cases « diversité » cochées au stabilo pour se donner bonne conscience.

Le cinéma reprend quelque chose de beaucoup plus précieux : le droit au hors-champ. Celui d’être drôle sans devoir être folklorique. Politique sans devenir démonstratif. Tendre, chaotique, queer, violent, amoureux, urbain, ancestral, ultra-contemporain. Bref, humain. Le Festival défend depuis vingt ans cette multiplicité des récits et refuse les représentations réductrices qui ont longtemps enfermé le continent dans des scénarios écrits ailleurs. Et pour cette édition anniversaire, le voyage est particulièrement bien monté.

Mawu-Sika plonge dans l’univers des Nana Benz du Togo, entre héritage familial et pouvoir économique féminin (c) DR

Le Togo prend le premier rôle avec un focus réunissant notamment Mawu-Sika, Cent Douze et Abalo & Afi. Le Burkina Faso, lui, rembobine plusieurs décennies d’histoire avec Traversée du cinéma Burkinabé : mémoire, résistance et modernité. Pas une rétrospective poussiéreuse sous naphtaline : plutôt une façon de rappeler combien le pays occupe une place centrale dans l’histoire du cinéma africain. 

Alger voit la vie en violet
Et puis il y a Alea Jacarandas. Forcément, celui-là nous cueille un peu plus près du cœur. Hassen Ferhani filme Alger dans le sillage de son père, Ameziane, écrivain habité par ces fameux arbres violets. Au fil de cette chasse aux jacarandas, la ville effeuille ses souvenirs : un quartier, une rue, une présence, une absence. La caméra se glisse entre filiation, transmission et amour, jusqu’à faire de la beauté bien plus qu’un joli plan : une forme douce de résistance.

Hassen Ferhani parcourt Alger sur les traces de son père dans Alea Jacarandas (c) DR

La mémoire ressemble finalement beaucoup aux jacarandas : elle perd parfois ses fleurs, jamais vraiment ses racines.

Le générique finit, la fête commence
Parce que rester sagement vissé à son fauteuil pendant quatre jours manquerait sérieusement de mouvement, le FCAL fait joyeusement déborder le cinéma hors de l’écran.

Le 14 août, Nana Benz du Togo monte le son avant que Spice & Curls ne récupère les platines. Le lendemain, Christian Mukuna débarque avec Et si c’était le dernier ?, présenté pour la première fois à Lausanne, précédé de Mamari. DJ sets, tables rondes, studio photo et séances jeune public viennent joyeusement déranger l’idée selon laquelle un festival de cinéma devrait obligatoirement parler à voix basse. 

Et puis il y a cette affiche. Une simple chaise rouge en plastique. Celle du café, de la cour, du mariage, du salon improvisé sur le trottoir. Celle qu’on tire pour quelqu’un en disant : assieds-toi.

Créée par Antoine Brack du Studio LA, elle symbolise l’hospitalité et le partage. Difficile d’imaginer meilleur générique pour ces vingt années. Une chaise. Un écran. Des histoires. Et enfin, ceux qui les vivent derrière la caméra.

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Des épaules qui prennent de la hauteur, des coupes qui gardent les pieds sur terre. Le tailoring selon WARDROBE.NYC : précis, calme… et redoutablement efficace (c) H&M

WARDROBE.NYC n’habille pas l’ego. Elle habille le lendemain. Et le surlendemain aussi. Depuis 2017, Christine Centenera et Josh Goot construisent leur vestiaire comme un chef étoilé compose un bouillon : on retire, on réduit, on affine, jusqu’à ce qu’il ne reste que l’essentiel. Chaque pièce mérite sa place. Les autres restent à la porte.

Le résultat ? Vingt-neuf vêtements qui donnent l’impression d’avoir toujours existé. Des manteaux qui tiennent la ligne comme un majordome britannique, des blazers capables de remettre une réunion au garde-à-vous, un denim qui vieillit avec autant d’élégance qu’un grand cru, des hoodies qui flirtent avec le tailoring et des robes qui prouvent que la discrétion sait aussi voler la vedette.

La palette, elle, refuse les feux d’artifice. Noir, blanc, gris, quelques respirations bleutées… comme si la couleur avait décidé de parler à voix basse. Et c’est précisément là que tout devient intéressant. Parce que lorsque rien ne cherche à impressionner, tout finit par séduire.

Cette capsule ressemble à ces personnes qui entrent dans une pièce sans faire de bruit… avant que tout le monde ne réalise qu’elles en sont déjà le centre de gravité.

À l’heure où les tendances ont une durée de vie comparable à celle d’une story Instagram, H&M et WARDROBE.NYC proposent un antidote. Des vêtements qui ne demandent pas : « Est-ce que je serai encore à la mode l’année prochaine ? » Ils répondent simplement : « Pourquoi je ne le serais plus ? » Une collaboration qui ne suit pas la mode. Elle lui rappelle qu’avant d’être un sprint, elle était d’abord une allure.

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Le meilleur tour de magie de cette glacière ? Faire disparaître son encombrement sans jamais faire fondre ses performances (c) DR

Les glacières ont longtemps entretenu une drôle de relation avec l’espace. Exemplaires lorsqu’il s’agissait de garder les boissons au frais, beaucoup moins lorsqu’elles décidaient de prendre leurs quartiers d’hiver au fond d’une cave ou d’un garage. Une fois les merguez remisées et les pique-niques rangés au rayon des souvenirs, elles continuaient pourtant d’occuper le terrain comme si l’été n’avait jamais rendu les clés. Avec SNAP ‘N GO, Coleman met enfin ce vieux feuilleton au congélateur. Une glacière qui comprend qu’un bon invité sait aussi partir au bon moment. Elle rafraîchit les journées, puis se plie en quelques secondes pour laisser respirer le coffre, le camping-car ou la cave. Une disparition qui relève presque de la prestidigitation.
Le plus savoureux dans l’histoire, c’est qu’elle ne sacrifie rien sur l’autel du gain de place. Derrière son tour de passe-passe se cache une vraie bête de compétition : une structure robuste, une isolation capable de préserver le froid jusqu’à 54 heures selon le modèle, trois formats pour s’adapter aussi bien aux pique-niques improvisés qu’aux expéditions en camping, le tout couronné d’un Red Dot Design Award 2026. Une glacière qui maîtrise aussi bien l’art de rafraîchir les boissons que celui de disparaître du décor une fois les glaçons fondus. À croire que Marie Kondo s’est associée à un ours polaire pour redessiner les vacances.

Quand les glaçons prennent leurs quartiers d’été et que les boissons comprennent enfin ce que « garder son sang-froid » veut vraiment dire (c) DR

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(c) Nicolas Brodard

Virtuosité orchestrale
« Less is more » ? Connaît pas. Gustav Mahler n’aurait sans doute pas suivi le célèbre motto de Mies van der Rohe. Et sa Symphonie n°6 montre son amour des effectifs larges avec de nombreux musicien-ne-s et pupitres (12 premiers violons, 6 contrebasses et autant de cors). Un monument pour Gianandrea Noseda, célèbre chef italien qui a notamment été directeur musical de l’Opernhaus Zürich et du Teatro Regio de Turin et actuellement à la tête du National Symphony Orchestra au Trump Kennedy Center. Dans les Combins, le maestro dirige un Verbier Festival Orchestra à très grand format avec sa gestuelle très saccadée, de bas en haut, assez particulière, donnant de sa personne et rapidement en sueur. Les jeunes musiciens venus du monde entier (de la Nouvelle-Zélande aux Etats-Unis en passant par la Corée du Sud et le Vénézuéla) semblent apprécier leur capitaine et jouent avec une rare cohérence cette symphonie « Tragique ».

Les attaques énergiques des cordes, aux coups d’archet totalement synchrones, donnent tout de suite le ton du premier mouvement aux allures de marche. Suivent les phrasée plus fluides, puis les entrées des cuivres, notamment l’élégant solo de la trompette (João Pedro Moreira Fernandes). Les battues des premiers violons répondent aux seconds, puis le charmantcor solo (Simon Kandel) dialogue avec l’élégiaque Joohye Lee au violon, avant d’être repris par les vibrantes contrebasses. On passe sans attendre au 2ème mouvement, Scherzo, alors que d’autres versions placent l’Andante moderato en seconde position. Avec ses appels et échos de tous côtés, il rappelle par beaucoup le 2ème mouvement de la 9ème Symphonie du même compositeur, entre cadences rythmées et lignes mélodiques. Par moments, cuivres et bois se montrent narquois, aigre-doux, dans des sonorités typiquement mahlériennes. Scherzone veut-il pas dire « plaisanterie » en italien ?  Arrive la respiration bienvenue de l’Andante, avant l’énergique finale. Les débuts se font légers, les bois dialoguent en douceur, notamment la clarinette basse (Mathias Landeau), la flûte traversière (Julin Cheung) et le hautbois si raffiné (Pedro Pais Capelao). Leurs murmures sont une pure délicatesse. Les cordes et cuivres reviennent par grandes ondes émouvantes. On atterrit tout simplement, dans une fin qui évoque les derniers mots de Victor Hugo dans son poème Éclaircie : « Tout est doux calme, heureux, apaisé ». Le maestro reprend son souffle.

(c) Nicolas Brodard

Le destin frappe à la porte
Un mouvement aussi long qu’une symphonie des premiers romantiques, l’Allegro Moderato demande énormément d’énergie et de cohésion des musiciens du VFO, et ils y parviennent amplement sous l’énergique direction de Noseda. Mention spéciale aux trombones qui s’affirment crânement. Les percussions s’en donnent à cœur joie : grosse caisse, timbales, célesta, glockenspiel, cloches de vache (si si), cymbales, cloches tubulaires, triangle, mais surtout cet énorme maillet en bois, spécialement prévu pour La Tragique de Mahler. Cet instrument doit marquer le destin implacable qui frappe la vie, et par trois fois, reflet d’une existence qui s’annonce difficile et d’une philosophie pessimiste typiquement mahlérienne. Le compositeur sait jouer d’ailleurs avec les nerfs, car après le premier coup assené, on sent un espoir revenir, on croit que le pire est passé. Mais non, le destin comme le marteau reviennent, implacables. Reste donc la résignation, apaisée, source de plénitude, comme la fin de cette symphonie mammouth, marquée par une toute simple corde pincée, ensemble.

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Avant de dresser une assiette, Andreas Caminada met parfois un disque sur la platine. Comme quoi, les plus belles harmonies ne se servent pas toujours dans une assiette (c) DR

Pour moi, un plat est réussi lorsqu’il exprime exactement ce que je souhaite raconter. La création d’un nouveau plat est toujours un travail d’équipe entre mon chef exécutif, Marcel Skibba, et moi-même. Nous avançons avec une grande liberté, en laissant les idées évoluer sans leur imposer de limites inutiles. Nous passons par d’innombrables versions, tout en restant guidés par notre intuition. Un plat ne doit jamais donner l’impression d’avoir été surconstruit. Au final, chaque élément doit trouver sa juste place. C’est seulement à ce moment-là que nous savons qu’il est prêt. Et lorsqu’il rejoint la carte, nous le défendons pleinement : à nos yeux, chaque plat servi est un plat réussi. 

On oppose souvent les fourneaux aux partitions. Pourtant, cuisine et musique semblent jouer sur la même gamme. Où se cachent, selon vous, le rythme, les silences et les fausses notes qui font toute la beauté d’une assiette ?
À première vue, cuisine et musique semblent appartenir à deux mondes distincts. Pourtant, elles reposent sur les mêmes fondations. Toutes deux se construisent par couches, exigent un véritable travail collectif et possèdent une dimension de spectacle. Surtout, ce sont deux formes d’art capables de susciter des émotions. Le rythme, l’équilibre et la tension y sont essentiels. En musique, ils façonnent une composition. En cuisine, ils dessinent l’évolution d’un plat en bouche. Dans les deux cas, il s’agit de créer une harmonie tout en sachant précisément quand surprendre ou créer le contraste.

Entre les reliefs des Grisons et ceux d’une partition, le chef prête l’oreille à son terroir. La nature reste sa plus fidèle bande-son (c) DR

Existe-t-il un son capable, à lui seul, de vous servir votre enfance sur un plateau ?
Absolument. What’s Up des 4 Non Blondes. C’est la bande-son de ma jeunesse.

Dans une cuisine étoilée, le vacarme est-il un ingrédient indispensable ou le silence reste-t-il le plus beau des assaisonnements ?
La concentration est essentielle dans ma cuisine, mais cela ne signifie pas qu’elle doive être silencieuse. Un restaurant est, par nature, un lieu vivant et animé. Cette énergie fait partie de sa magie. Le silence qui compte vraiment, je le trouve ensuite, à table : cet instant où un convive prend sa première bouchée, se laisse totalement absorber par le plat et oublie tout ce qui l’entoure. Pour moi, ce bref moment d’attention absolue est la plus belle des formes de silence.

Si l’un de vos plats devait aujourd’hui monter sur scène, quelle bande-son lui offririez-vous… ou préférez-vous que toute votre cuisine compose la même mélodie ?
Je n’ai jamais vraiment aimé l’idée d’un plat signature. À mes yeux, chaque plat porte déjà notre signature. Elle se retrouve dans notre technique, notre philosophie et dans le terroir qui nous entoure, de notre potager jusqu’aux paysages de Schloss Schauenstein.

Quand la haute gastronomie fait une pause, le son prend le relais. Une autre façon de nourrir l’inspiration… sans quitter le fauteuil (c) DR

Plutôt que d’associer une musique à un plat précis, je choisirais un morceau porté par un groove chaleureux et positif. Une musique qui fait simplement du bien. C’est ce sentiment de joie et de légèreté que j’espère voir accompagner nos invités tout au long du repas.

Cette collaboration avec Sony vous a-t-elle fait tendre l’oreille autrement ? Le son est-il finalement un ingrédient que l’on goûte sans toujours en avoir conscience ?
L’expérience proposée à Schloss Schauenstein a toujours cherché à solliciter tous les sens. Le son en a toujours fait partie, même si nous ne l’avions jamais pensé comme un élément à part entière de l’expérience.

Cette collaboration m’a permis de mesurer son importance sous un angle nouveau. J’ai trouvé fascinant de voir comment Christian est parvenu à traduire notre savoir-faire dans sa composition originale, The Sound of Craft. Cela a révélé une nouvelle dimension de l’expérience au restaurant et montré à quel point le son peut influencer notre manière de vivre un instant. 

Si Schloss Schauenstein devenait une playlist, quel serait son tempo ? Plutôt symphonie, jazz, rock… ou une partition impossible à classer?
Sans hésiter, une ambiance jazz, riche en couches et en nuances. 

Trois étoiles Michelin plus tard, quel est ce minuscule détail qui continue de vous faire perdre le sommeil comme un artisan obsédé par la perfection ?
Tout! 

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Allongée entre le sel et la lumière, l’été ressemble soudain à une matière que l’on pourrait enfiler (c) Saint Laurent

Le mot signifie « respiration » en italien. Impossible de trouver un titre plus juste. Cette campagne ne crie jamais. Elle inspire. Elle expire. Elle laisse de l’espace entre les images comme on laisse de l’espace entre deux vagues. Pour une maison qui a bâti son histoire sur le noir, la tension et le désir, Saint Laurent signe peut-être ici son exercice le plus lumineux.

Sous l’objectif d’Henrik Purienne, l’été cesse d’être une saison pour devenir une texture. On entend presque les galets rouler sous les pieds, le vent froisser une chemise ouverte, la mer déposer une fine pellicule de sel sur la peau. Les photographies possèdent ce grain légèrement imparfait des appareils photo jetables que l’on glissait autrefois dans une valise. Ceux que l’on retrouvait au retour, avec des clichés parfois flous, souvent bancals, mais toujours infiniment plus vrais que n’importe quel filtre.

Entre ombre et lumière, Saint Laurent rappelle que le plus beau reflet n’est pas toujours celui du miroir, mais celui d’un instant qui suspend le temps (c) Saint Laurent

Et c’est précisément là que Respiro frappe fort. La campagne ne donne pas l’impression d’avoir été produite. Elle semble avoir été retrouvée. Comme une boîte remplie de souvenirs oubliés dans un grenier de la Riviera. Chaque image ressemble à une réminiscence plutôt qu’à une publicité. On ne regarde plus des mannequins ; on espionne des fragments de vacances qui auraient pu être les nôtres.

Anthony Vaccarello ne dessine plus seulement des silhouettes. Il orchestre des atmosphères. Les vêtements dialoguent avec le paysage au lieu de lui voler la vedette. Une robe glisse comme une vague sur la peau. Un débardeur blanc devient aussi iconique qu’un bronzage de fin août. Le cuir, signature historique de la Maison, perd toute rigidité et semble lui aussi avoir pris quelques jours de congé. Même les sacs Loulou et Panier, revisités en raphia et matières naturelles, paraissent avoir troqué les pavés parisiens contre les criques méditerranéennes.

Le soleil, les galets et deux silhouettes qui prouvent qu’un été bien habillé n’a jamais besoin d’en faire trop (c) Saint Laurent

Le plus brillant reste sans doute cette capacité à vendre une émotion avant de vendre un produit. On ne se surprend pas à vouloir absolument cette robe, ce sac ou ces lunettes. On rêve plutôt de cette lumière de fin de journée, de cette peau chauffée par le soleil, de ce temps qui ralentit enfin. Les vêtements deviennent presque secondaires. Ils ne sont plus les héros de l’histoire ; ils en sont la bande-son silencieuse.

Au fond, Anthony Vaccarello ne vend pas une collection printemps-été 2027. Il remet le sable à l’heure, le vent au centre de la conversation et la lenteur sur le devant de la scène. Et dans un monde qui court après chaque seconde, cette campagne accomplit peut-être le geste le plus subversif de la saison : elle nous donne envie de poser notre téléphone… pour regarder la mer.

Les talons prennent le guidon. La dolce vita, elle, s’occupe du reste (c) Saint Laurent

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Quelques pas suffisent pour quitter Genève. Derrière ce portail de bois, Namura ouvre une parenthèse où les bambous, l’eau et le silence parlent couramment japonais (c) DR

En reprenant cette institution genevoise, le Groupe Kakinuma (Kakinuma, Temaki Bar, Sando et Saoko) ne débarque pas comme un shogun venu planter son drapeau. Il retire simplement ses chaussures avant d’entrer. Toute la différence est là.

Depuis près de vingt ans, Kakinuma défend une certaine idée de la cuisine japonaise, de celle qui ne cherche jamais à impressionner mais à émouvoir. Où le produit parle avant le cuisinier. Où les saisons dictent le menu avec davantage d’autorité qu’un directeur marketing. Où l’omotenashi, cet art japonais de recevoir, transforme un dîner en attention délicatement chorégraphiée.

Au charbon de bois, le feu cesse d’être un simple mode de cuisson. Il devient un ingrédient à part entière, celui qui apporte aux grillades leurs plus belles notes fumées (c) DR

En découvrant Namura, les frères Kakinuma ne tombent pas sur un restaurant. Ils reconnaissent un membre éloigné de la même famille. Même obsession du geste juste. Même amour des produits. Même conviction que l’élégance fait toujours moins de bruit que l’esbroufe. Le décor raconte cette philosophie avant même l’arrivée des assiettes.

Un portail en bois agit comme un poste-frontière invisible. Quelques mètres plus loin, Genève disparaît dans le rétroviseur. Les bambous filtrent le vacarme. Les carpes koï dessinent des haïkus aquatiques. Les lanternes suspendent le temps. Les estampes accrochent les siècles aux murs. Quant aux tables horigotatsu, elles réussissent un tour de magie typiquement japonais : faire croire que s’asseoir au sol est soudain devenu le plus grand des luxes.

Puis arrive la cuisine. Ou plutôt la précision. Car ici, rien ne cherche l’effet spécial. Le spectacle se niche dans un couteau parfaitement aiguisé, dans une cuisson qui tombe juste, dans un poisson dont la fraîcheur n’a pas besoin de superlatifs pour convaincre. Les sushis jouent la carte de la sobriété. Les grillades au charbon rappellent que le feu reste le plus vieux des assaisonnements. Les fondues sukiyaki prennent leur temps. Le wagyu et les tempuras poursuivent la conversation avec cette élégance tranquille qui caractérise les grandes maisons.Et la plus belle nouvelle n’est peut-être même pas dans l’assiette. Elle est humaine.

Quand le sashimi n’a rien à cacher, il n’a besoin que d’un couteau d’exception, d’un poisson irréprochable… et d’un peu de wasabi pour signer son œuvre (c) DR

Le chef Kiyomi Sasaki reste aux commandes. La mémoire gustative demeure intacte. En salle, Grégoire Deschamps rejoint l’aventure, épaulé par Tadashi Mimura et Kohei Kakinuma. Personne n’efface personne. Chacun ajoute un trait à une calligraphie déjà commencée. À une époque où tant d’adresses changent de visage plus vite qu’un algorithme ne change ses tendances, Namura choisit une autre temporalité. Celle des maisons qui vieillissent comme les meilleurs sakés. Sans bruit. Sans précipitation. Avec une profondeur qui ne s’achète pas.

Parce qu’au fond, les plus belles reprises ne ressemblent jamais à une prise de pouvoir. Elles ressemblent à une révérence…

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Puis Erborian est entré dans les négociations. Et, pour une fois, aucun sommet international n’a été nécessaire. Quelques gouttes du Water Serum ont suffi à rétablir les relations diplomatiques. Ici, l’eau ne traverse pas la frontière clandestinement.

Le Water Serum lève l’embargo sur l’hydratation. Les cellules peuvent enfin rouvrir leurs frontières (c) Erborian

Elle arrive escortée par quatre formes d’acide hyaluronique et le Snow Mushroom, véritable réservoir stratégique capable de retenir jusqu’à 500 fois son poids en eau. Un plan Marshall pour les peaux assoiffées. Les sanctions tombent. Les ridules battent en retraite. Le teint reprend le contrôle de son territoire et l’éclat reconquiert chaque centimètre carré du visage.

La Glow Moisturizer signe le traité de paix. Sa mission ? Installer durablement le fameux glass skin coréen sans occupation grasse du terrain. La lumière circule librement, la peau rayonne et le sébum perd les élections. Pour les peaux mixtes, la Matte Moisturizer joue les Casques bleus. Elle désamorce les zones de tension, calme les débordements de sébum et stabilise les régions les plus sensibles sans imposer de régime sec.

Glow Moisturizer signe un traité de paix avec les peaux assoiffées. Résultat ? Le glow circule enfin sans visa (c) Erborian

Et puis il y a la CC Crème. Treize ans au pouvoir sans révolution cosmétique. Les pigments encapsulés prennent les commandes avec une discrétion toute diplomatique : ils unifient, corrigent et illuminent sans jamais truquer le scrutin du teint. Notre alliée depuis des années!  

La géopolitique ne sauvera peut-être pas le monde. Mais celle de votre skincare peut déjà sauver votre peau.

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Cinéma plein air jusqu’au 29 août
Chaque été, la magie opère dans la cour historique de la ville avec le retour du cinéma en plein air de la Cinémathèque de Toulouse. Pendant 8 semaines, 44 films sont projetés sous les étoiles : classiques, films d’auteur, comédies ou pépites plus confidentielles. On s’installe dans la cour fraîchement embellie, on profite de l’ambiance nocturne, ou on choisit le confort des salles climatisées pour les séances de rattrapage. Un rendez-vous culturel où l’éclectisme rencontre la convivialité, et où Toulouse célèbre le cinéma dans une atmosphère unique.

Balade à vélo : du vert toulousain jusqu’à Blagnac
Pour une journée slow et nature, rien de mieux qu’une balade à vélo. On démarre au Jardin des Plantes de Toulouse : entre jeux, zones ombragées, musée dans le parc, glacier, bar et manèges pour enfants, c’est un vrai lieu de vie. Puis direction Blagnac en longeant la Garonne via la voie verte. La balade est fluide, bordée de nature et de lumière. Arrivée idéale pour une pause barbecue dans les espaces prévus du côté de Blagnac, parfait pour terminer la journée entre amis.

Baignade nature à Lacroix-Falgarde
Envie de fraîcheur ? Direction Lacroix-Falgarde. Stationne près de la Villa Clapotis, puis descends à pied vers les terrains de foot. De là, l’accès mène à la rivière Ariège, où la baignade devient un vrai moment d’évasion naturelle. Attention, baignade non surveillée.   C’est simple, sauvage, et parfait pour couper avec le rythme urbain. Pour prolonger la journée, cap vers la Villa Clapotis, l’ambiance change : place aux verres partagés, aux rencontres et aux événements réguliers. Des soirées organisées par Sunsept ou Mind Family rythment les nuits d’été, entre musique et ambiance détendue.

Le Rose Festival : le grand final de l’été
Pour clôturer la saison en beauté, rendez-vous au Rose Festival les 27, 28 et 29 août. Un événement devenu incontournable, mêlant musique, énergie et ambiance estivale intense. Cet événement est un grand festival de musique créé par les rappeurs toulousains Bigflo & Oli. Il se déroule chaque année à Toulouse. On retrouve notamment dans la programmation de cette année des artistes comme Macklemore, Charlotte Cardin, Ino Casablanca, Aya Nakamura, DJ Snake, Kungs, Josman et Iliona, qui représentent la diversité musicale du festival entre rap, pop et électro. C’est le moment où toute la ville se retrouve pour célébrer la fin de l’été ensemble.

Toulouse en été, c’est un mélange parfait entre nature, culture et convivialité. Une ville qui se vit dehors, au rythme des guinguettes, des vélos, des baignades improvisées et des nuits musicales.

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La mandarine a trouvé son chat… et le ronronnement son parfum (c) DR

Roger & Gallet embrasse cette révolution miniature avec quatre eaux de parfum en format nomade : Café Roger, Cherry Marmelade, Jasmin Lollipop et Mandarine Doudou. Des sillages qui tiennent dans la paume de la main mais savent voyager loin dans les souvenirs.

La surprise ne se cache pas seulement dans le format. Elle se glisse aussi dans la formule. Sans alcool, enrichies à 80 % d’huile d’amande douce, ces eaux de parfum glissent sur la peau comme une caresse sans jamais brusquer le nez. 

Et puis il y a cette façon de raconter les fragrances. Ici, les notes ne se contentent plus d’aligner jasmin ou santal. Elles convoquent un berlingot acidulé, un café latte, une gelée de framboise, un praliné, une invitation à chiller… Des accords qui ressemblent davantage à des souvenirs qu’à une pyramide olfactive.

Une gelée de souvenirs nappée de cerise griotte, de framboise et d’un soupçon de praliné (c) DR

Le parfum redevient alors ce qu’il n’aurait jamais dû cesser d’être : une ponctuation. Un murmure sur la peau. Une signature qui ne cherche pas à entrer avant vous dans une pièce, mais qui choisit d’y rester longtemps après votre départ.

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Alors ils prennent une décision aussi simple qu’audacieuse : puisque ce gâteau refuse obstinément de se laisser retrouver, ils vont lui offrir une seconde naissance. À Genève. Avec l’accent du terroir.

Le beurre a ses raisons…
On sous-estime toujours un fondant. Jusqu’à essayer d’en créer un. Là, les grammes prennent le pouvoir, le four joue les arbitres et la cuisson décide, certains jours, de faire grève. Chez les Vinçon, la gourmandise devient presque une discipline olympique. On fouette les idées autant que les œufs. On tamise les doutes. On pèse les convictions. On recommence. Encore. Puis encore. Parce qu’entre un gâteau qui se mange et un gâteau qui se raconte, il y a tout un monde… et quelques fournées de différence.

Inspiré d’une recette des années 1930 revisitée, le Fondant Genevois prend vie avec la complicité des maisons Caromela et Chocolat Villars. Une alliance qui met le chocolat suisse au premier plan et donne naissance à une gourmandise qui revendique fièrement son ADN 100 % helvétique.

Le fondant prend la clé des champs
Le reste appartient aux papilles. De petits gâteaux ronds, si fondants qu’ils semblent avoir signé un pacte avec la gravité. Des gâteaux de voyage où le chocolat suisse tient le premier rôle, pensés pour passer d’une main à l’autre, d’une ville à l’autre, d’une envie à l’autre. Les formats changent, les étuis et les boîtes aussi, mais le scénario reste le même : en offrir un… et regretter presque aussitôt de ne pas l’avoir gardé !

Et parce qu’une bonne histoire mérite parfois une suite, le fondant s’autorise désormais deux nouveaux rebondissements : la pistache et la framboise. De quoi rappeler qu’on peut avoir plus d’un tour dans son moule !

Drôle de destin pour un gâteau né d’un oubli. Il fallait bien qu’un jour, ce qui manquait aux Vinçon finisse par manquer à tout le monde. Comme quoi, les plus beaux héritages ne tiennent parfois ni dans un coffre-fort, ni dans un arbre généalogique. Juste dans un moule bien beurré.

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C’est votre troisième année au Verbier Festival. Vous avez très vite apporté de nouvelles idées avec une vraie présence en station, des conférences et une expérience spectateur renouvelée. Quels sont les retours ?
Très positifs ! Cela était attendu depuis quelques années. On n’a pas fait la révolution, mais procédé par une mise à jour, assez rapidement et facilement. C’est le cumul de petites touches qui donne une belle image d’ensemble. Il s’agissait de traduire plus concrètement l’ADN du festival, par exemple en rendant plus concrets les nombreux enregistrements de concerts sur plateforme. Ainsi, on an mis en place cette année le juke-box, où le public peut se rendre et vivre la musique physiquement incarnée. Plus largement, une journée à Verbier, c’est juste génial, avec une randonnée accompagnée d’artistes, une conférence avec des professionnels, des concerts en salle et des improvisations dans des lieux inédits. On an mis deux ans pour mettre tout ceci en musique, cela coûte un peu, mais le résultat est là, et on a atteint le niveau souhaité. D’ailleurs, en 2025, les ventes ont augmenté de 25 %.

Le Verbier festival © SilviaLaurent

Parlons des artistes : beaucoup de célébrités viennent depuis longtemps au Festival. Quels jeunes artistes sont votre coup de cœur cette année ?
Au concert d’ouverture, la violoniste Amira Abouzahra a fait sensation. C’est un véritable talent qu’on a envie de voir continuer. D’ailleurs, je remarque que beaucoup de jeunes pianistes émergent, pas mais assez de violonistes. Je profite aussi pour saluer ici le rôle de l’Academy, qui a constitué avec les années une véritable famille de talents. Je citerais par exemple Kirill Gerstein, Timothy Ridout, Adèle Charvet.

Un projet de Centre Culturel a été dévoilé l’année dernière, dessiné par Kengo Kuma. Il prévoit pour 2031 une salle de 800 places au cœur de la station. Où en est le processus ?
On va franchir une grosse étape, avec la mise à l’enquête publique début octobre. La commune Val de Bagnes a proposé un superbe terrain pour ce projet qui prévoit une salle de concert, de studios de pratique mais aussi de galerie d’art et de site pour les congrès. On parle d’ici d’un site majeur qui serait ouvert toute l’année. Au terme du processus, la population sera sûrement appelée à se prononcer. D’ici là, on rencontre les acteurs de la région et on essaie de comprendre les attentespour mieux y répondre. Parallèlement, des recours sont évidemment possibles. Mais vous savez, un tel projet servirait plusieurs générations, donc si ça prend du temps, ce n’est pas si grave. Quoiqu’il en soit, je sens un très grand enthousiasme de la population, qui vit ici à l’année et se réjouit du projet. Si on voulait résumer, on pourrait dire que c’est un peu l’histoire de la poule et de l’œuf : aux personnes sceptiques, je dirais qu’un tel centre créerait une offre très attirante à même d’attirer une nouvelle demande pour Verbier.

Le Verbier Festival est parti cette année à Shenzen en Chine. En lien avec ce projet, vous avez déclaré dans 24 Heures (28.11.2025) que « la Chine le Japon et la Corée sont les marchés sont plus ouverts ». Qu’entendez-vous par là ?
Le Japon a développé la musique classique depuis plus de 50 ans, avec des formations comme l’orchestre de la radio-télévision publique nationale NHK. Plusieurs artistes européens sont venus dès les débuts, par exemple Maurice André. On sent dans le public une culture déjà bien implantée. En Chine et au Corée du Sud, cela est plus récent, moins de 40 ans, et cela s’en ressent. Cette musique touche les jeunes générations, touchées par ce répertoire. On pourrait parler d’un simple décalage temporel finalement. La Chine a construit beaucoup d’infrastructures et de salles, mais il reste à mettre sur pied des orchestres. Vous savez, ce pays est très en avance en termes de technologie, mais témoigne d’un grand respect pour l’art classique occidental. Notre démarche consiste donc à aller les voir, faire connaissance, et leur proposer quelque chose. Il s’agit d’un vrai dialogue, puisque des artistes et des publics viennent ensuite à Verbier pour la musique, peut-être aussi pour nos paysages de montagne [sourire].

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