Christian Marclay (1955, États-Unis) Untitled (Crying) 2020

Labyrinthe captivant 

C’est la première fois depuis 2007 que l’œuvre de ce chasseur de son est largement présentée dans un solo show à Paris. Pensé comme un labyrinthe, sans parcours chronologique, mais selon un réseau d’affinités et d’échos son travail pluridisciplinaire mêle dès le départ, détournements et métamorphoses. Ici, le tracé artistique se déroule sans bornes et sans ordres, permettant au visiteur de déambuler librement entre ces quelques murs déployant toute l’étendue d’une production aussi variée dans les thèmes que dans les médiums explorés par l’artiste. L’artiste à la démarche sonique pointue explique qu’il souhaitait « construire dans l’esprit des gens une architecture dans laquelle se perdre ». On commence l’exposition avec l’une de ses toutes premières vidéos datant de 1982, «Fast Music», dans laquelle le l’artiste multimédia dévore des vinyles!  Puis ses fameux Body Mix, remix visuels composés de plusieurs pochettes de vinyles pour réaliser des sortes de cadavres exquis. Accrochés aux murs de la scénographie aérée de l’expo Marclay, on y croise entre autre Michael Jackson dans une pose glamour, en petite culotte transparente, le faciès de Debbie Harry y fusionne aussi avec celui de Prince tandis que la tête de Grace Jones s’y dresse sur un corps encore plus musclé que d’ordinaire.

© DR

Œuvres interactives

Plus original et surprenant, l’artiste multitask peu enclin aux réseaux sociaux, a tissé une collaboration avec Snapchat d’où découle son oeuvre « All together ». Approché par l’application, ce dernier lui a mis à disposition ses ingénieurs. L’idée? Nous faire réaliser que les sujets des vidéos sont les mêmes, sur toute la planète où seul le son fait la différence. Ainsi, on découvre une installation à base de dix smartphones débitant de courtes vidéos. La façade de la bâtisse du Centre Pompidou s’est également transformée en un instrument de musique à travers une collaboration entre l’artiste et des techniciens de Snap AR. Les visiteurs peuvent tester Playing Pompidou, une expérience en réalité augmentée, audio et visuelle, depuis le parvis du centre.

Assemblages virtuoses
Parmi les vidéos et installations, on découvre le génial montage produit spécialement pour l’exposition intitulé Doors: une collection d’une centaine d’extraits de films ultra ingénieuse composée de scènes cinématographiques de passages de portes ! Ici on découvre des personnages entrer par une porte, traverser un espace et ouvrir une autre porte en vue de sortir. La porte constitue le point de coupe et grâce au raccord image, c’est un autre acteur qui entre alors dans le champ dans un mouvement ultra fluide. Un montage virtuose et hypnotique!
Il y également Telephones, la première vidéo dans laquelle ce cinéphile a manifesté son amour fou du cinéma. Entre saluts et adieux rapides, les voix disparates des combinés téléphoniques sont tissées dans une tapisserie de causettes familières façonnant une comédie humaine sans queue ni tête! Le montage dure sept minutes et présente des acteurs de films hollywoodiens à l’instar de Katharine Hepburn, Whoopi Goldberg, Cary Grant ou Humphrey Bogart – qu’on voit composer, raccrocher, se diriger vers une cabine téléphonique, écraser un récepteur ou regarder avec envie celui qui ne sonne pas!

Téléphones, 1995, installation vidéo

Partenaire arty 

La banque genevoise Mirabaud toujours très impliquée dans son soutien à l’art annonce à travers cette exposition, son partenariat pluriannuel avec le centre Pompidou.« Les artistes contemporains nous invitent à garder les yeux et l’esprit ouverts et à être prêts à être surpris et émerveillés par les aspects toujours changeants de la vie. C’est pourquoi Mirabaud s’intéresse particulièrement à l’art contemporain qui, associé aux oeuvres des siècles passés, jette un pont entre tradition et modernité. Cette approche reflète également la vision engagée et à long terme du Groupe dans ses activités de gestion » confie Lionel Aeschlimann, associé gérant de la banque. Et d’ajouter: « L’art nous connecte à nos émotions et à la capacité de nous faire réfléchir plus profondément sur l’humanité et le monde »! Ainsi, Mirabaud rejoint la communauté des plus de 800 mécènes, qui, depuis 120 ans, contribue à l’enrichissement et au rayonnement des collections du Centre Pompidou.

Le Centre Pompidou compte désormais un mécène genevois: la banque Mirabaud

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Venue de Belgique, la tendance esthétique est alors à l’Art déco. Une mode qui triomphe notamment à Paris, avant de susciter une coqueluche planétaire, du Portugal à l’Afrique du Nord, de l’Inde aux Philippines en passant par le Vietnam. Après les volutes de l’Art nouveau, on revient à la rigueur classique: ordre, symétrie, design inspiré de la géométrisation cubiste. Les architectes attelés à la reconstruction de Napier s’imprègnent de ce courant partout où cela est possible: dans les immeubles industriels, commerciaux, ou pour les simples particuliers qui en ont les moyens. Quelque 140 bâtiments édifiés entre 1931 et 1940 – aujourd’hui soigneusement restaurés, ripolinés comme chez Disney – font de cette ville un véritable conservatoire de cette période effervescente.

Un air de Gatsby

A l’entrée de l’avenue principale – proche d’un petit musée qui évoque le tremblement de terre – une délirante boutique fait commerce d’objets, parures, chromos et autres curiosités ramenant à la période de l’Entre-deux guerres. Des voitures d’époque sont parquées alentour. On s’attendrait presque à en voir sortir Al Capone ou Buster Keaton. Arborant la tenue rétro de circonstance – pour les hommes: chapeau, élégants gilet, nœud papillon et boutons de manchettes – des guides bénévoles témoignent de leur engouement pour les années 30:  

« Savez-vous qu’à la fin de la décennie – soit à la veille de la Seconde Guerre mondiale – Napier était la ville la plus récente du monde ? », relève Harry, avant de désigner l’hôtel considéré comme le plus moderne de son époque. Sa loggia du premier étage accueillit Elizabeth II et le prince Philip pour saluer la foule lors de leur tournée royale de 1954. Le hall dispose de cheminées d’origine, de boiseries chaleureuses et d’une étonnante moquette à rayures multicolores, montant l’escalier.

Capitale viticole 

Napier est aussi un centre privilégié de dégustation de bons vins et de crus locaux. Plus de 70 exploitations sont installées dans le secteur de la baie d’Hawke. La plupart proposent des dégustations directement dans les chais. Un tour sportif des vignobles est conseillé aux touristes, à vélo ou en tandem. L’actualité du mois, c’est le festival annuel Art déco, qui n’a pas pu avoir lieu ces deux dernières années à cause de la pandémie, mais qui se déroule du 15 au 19 février.

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Une rencontre étonnante entre classique et électro, avec une programmation qui promet des compositions inédites du batteur suisse, mais aussi des morceaux célèbres du répertoire classique. Au programme notamment, Debussy, Steve Reich et Lutoslawski, avec à la direction le chef Marc Leroy-Calatayud. Au son, s’ajoute ensuite le geste. Les danseurs du Grand Théâtre, dirigés par leur nouveau directeur de ballet Sidi Larbi Cherkaoui, se prêtent au jeu de la chorégraphie pour cette soirée aux univers changeants. Une aventure exaltante qui invitera le public à se mêler à la danse et à découvrir les solistes de l’OCG dans un cadre inédit, où la musique classique n’est pas attendue, et pourtant semble avoir toujours mérité une place. Electrofaunes c’est une parenthèse inclassable, un projet osé qui paye, une virée dans un monde où l’interdisciplinarité trouve ses lettres, ou plutôt ses notes, de noblesse. Qui a osé dire que la musique classique appartenait au passé ? Venez à l’Usine, on vous fera mentir.

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Créée en 2021, La Machine dans la forêt naît d’un monologue intime venu à Alexandre Doublet durant le confinement. L’histoire est simple. « Une personne entre quelque part, s’installe, commence son récit et raconte, par la force d’un rêve vécu, un retour imaginaire dans la maison de son enfance », confie l’auteur. Sur scène, cinq interprètes (Arianna Camilli, Christian Cordonnier, Pierre-Isaïe Duc, Dominique Favre Bulle, Anne Sée), se passent le relais pour « donner corps à ce moment de consolation lumineux où l’esprit répond positivement à notre besoin de voyage d’idéal. Une échappée belle. », affirme le théâtre Genevois. Des images projetées, un accompagnement musical. Tout est mis en place pour faire vagabonder les pensées du public convié. « Des états de lumière, des saturations, des décalages, des variations de formats et de rythmes, des mouvements. Projeter ce film d’images comme on se projette une maison d’enfance sur les ruines de notre mémoire », explique Alexandre Doublet. Ce spectacle devient alors un  livre que l’on projette sur le corps de son interprète.

Pour réaliser toute cette mise en scène, nombreux sont ceux qui ont inspiré l’artiste. Il s’agit des maisons sociales les jours meilleurs conceptualisés par l’architecte Jean Prouvé, Le jardin en mouvement de Gilles Clément, La joie spacieuse de Jean-Louis Chrétien, Écrire de Marguerite Duras, Des espaces autres de Michel Foucault, de sa vie et de la vie des autres. Toutes ces références ont permis à l’auteur de donner naissance à « La Machine dans la forêt » durant la pandémie mondiale. Cette pièce s’appuie sur une technique accessible lui permettant d’être joué toute la saison dans les lieux ordinaires comme des loges ou des locaux techniques appartenant au théâtre. 

La machine s’invite également dans vos salons

Bien qu’il paraisse presque impossible de voir une pièce dans un autre lieu qu’un théâtre, La Machine dans la forêt d’Alexandre Doublet vous le permet. Dans votre jardin, votre salon, dans une salle commune, tout est réalisable avec cette représentation. Une nouveauté originale qui la rend accessible à tous. « Oui ! Vous souhaitez accueillir ce spectacle chez vous pour une soirée inédite ? Inviter dix convives ou accueillir dix inconnus ? La Machine dans la forêt n’a besoin que d’une prise électrique pour trouver sa place dans votre « chez-vous », affirme la programmation.  Ce spectacle promet à son public, quel qu’il soit, un moment inédit et pourquoi pas une reconnexion à son âme d’enfant.

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C’est un nom qui résonne comme familier pour beaucoup, mais Isamu Noguchi, en Europe, n’est pas la star qu’il fut et est encore aux Etats-Unis. L’exposition consacrée au designer artiste n’en n’est pas à sa première étape, et atterrit à Berne après un passage au Barbican de Londres, avant de quitter la Suisse pour Lille et Cologne. Une tournée des musées qui vient mettre en lumière le regain d’intérêt pour le créateur dont les lampes emblématiques et le mobilier organique sont aujourd’hui plus que jamais convoités. Un succès qui commence aux Etats-Unis pour ce fils d’auteurs. Né d’une mère américaine écrivaine et d’un père poète d’origine japonaise, il voit le jour à Los Angeles avant de partir avec son père au Japon. Ce n’est qu’après son onzième anniversaire qu’il retrouve les Etats-Unis, mais dès lors la double culture est inscrite en lui, et ses deux influences se retrouveront tout au long de sa carrière. Enfant déjà, il décide de devenir sculpteur, un choix de jeunesse qui allait bel et bien se réaliser pour celui né dans une famille d’artistes, dont la demi-sœur allait devenir danseuse. Une histoire familiale impossible à détacher de son travail où les influences artistiques, les philosophies du design, de ses deux nations se mêlent, où la poésie est omniprésente, et l’art de la scène tient une place de choix. Nomade par nature, il voyage à travers l’Europe, l’Asie et l’Amérique, se formant à Paris auprès de Brancusi, passant par la Suisse après la Seconde Guerre Mondiale, mais sa notoriété se développe dans ses deux pays d’origine, où aujourd’hui encore il reste l’une des figures majeures du design et de la sculpture. 

Isamu Noguchi Play Sculpture, ca. 1965, fabriqué en 2017 Acier et couleur Photo: Nicholas Knight The Noguchi Museum Archives © INFGM / 2021, ProLitteris, Zurich

Le maître de l’interdisciplinarité 

Cette exposition est la première d’une telle ampleur à prendre place sur le territoire suisse. Rassemblant une importante sélection d’œuvres, elle couvre la totalité de la carrière de l’artiste, de ses débuts dans les années 1920 démontrant déjà sa maîtrise de la technique de sculpture, à ses travaux les plus récents où l’opposition des matière occupe une place de choix dans ses créations. Lors de sa formation parisienne auprès de Constantin Brancusi, il apprend des techniques de sculpture nouvelle, mais également à appréhender l’objet dans l’espace. Un trait de sa création qui allait le suivre tout au long de sa carrière, et mener à des objets et œuvres d’art ayant pour objectif de créer un effet sur l’espace dans lequel ils sont présentés. Ses nombreux voyages ont également largement influencé sa création, notamment celui qu’il réalisa en Arizona dans les années 1940. Il est alors fasciné par le désert et l’effet de la lumière sur le paysage. Après de nombreuses expérimentations où Noguchi tente de transposer cet effet en objet plastique, il aboutit dans les années 1950 aux lampes en papier Akari, signifiant en japonais la lumière dans le sens de la conscience, et la légèreté dans le sens de l’essence. Le Zentrum Paul Klee propose dans son exposition une importante sélection de ces objets lumineux, flottant dans l’espace et dont la lumière vient subtilement modifier l’environnement qu’elle éclaire. Des objets emblématiques à la fois sculpturaux et fruits d’une importante expérimentation dans le domaine du design. 

Noguchi teste Slide Mantra dans le cadre de Isamu Noguchi: What is Sculpture?, pavillon des États-Unis, Biennale de Venise, 1986 Photo: Michio Noguchi The Noguchi Museum Archives, 144398 © INFGM / 2021, ProLitteris, Zurich

Le mobilier et les luminaires représentent une partie importante de la production de l’artiste américano-japonais, et constituent aujourd’hui des classiques du design. Le ZPK nous propose ainsi de découvrir différentes pièces de mobilier où le travail de la matière se fait central, l’objet en soi conservant une forme organique et épurée. Là aussi ce sont ses voyages qui l’ont inspiré, notamment sa découverte des carrières de marbre en Italie et en Grèce le poussant à rechercher de nouvelles formes pour mettre en valeur ce matériau. Le travail de la forme allait lui aussi occuper une importante partie de sa carrière, et se manifester dans des objets de plus petite taille, mais aussi à des échelles bien plus grandes. Noguchi a en effet créé des décors de théâtre et de ballets, appliquant son travail sur l’espace sur la scène. Fasciné par le jeu sous toutes ses formes, il est aussi à l’origine de pièces dédiées à être installées dans des aires de jeux, dont l’une d’entre elles est présentée au ZPK, et est bel et bien un toboggan malgré ses airs de sculptures. Encore une fois, les pistes sont brouillées et les limites entre les disciplines effacées. Une exposition vaste qui parvient à rassembler en un lieu unique les différents aspects d’une carrière riche et complète, sans cesse influencée par les voyages de ce nomade dont la curiosité était un bien beau défaut.

Isamu Noguchi Globular, 1928 Laiton, base de marbre                                                                                                       The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York The Noguchi Museum Archives © INFGM / 2021, ProLitteris, Zurich

Un musée meublé

La scénographie proposée par Fabienne Eggelhöfer, commissaire de l’exposition au ZPK, innove par la liberté qu’elle propose aux visiteurs. Si les commissaires de l’exposition ont bien défini dix thématiques intitulées par exemple « Lumière et légèreté » ou encore « Nature brute et perfection », la halle du musée laisse libre cours à nos déambulations. Nous passons d’un thème à l’autre en contournant les meubles et sculptures, nous baladant non plus dans un musée, mais dans un appartement géant, sans cloisons, meublé par Noguchi. Ici la curiosité du créateur déteint sur nous, et c’est ainsi par une lumière, par une forme, par une texture que nous sommes attirés, hésitant sans cesse entre ces deux termes : art et design. Une césure qui en réalité n’a pas lieu d’être, tout simplement refusée par Noguchi. Sculpture ou table basse, Akari ou aire de jeu, il ne distinguait pas l’art de l’art appliqué, mettant l’accent avant tout sur l’impact de l’objet sur l’espace. Effaçant d’un coup de gomme les murailles bâties entre les disciplines, cet esprit créatif redéfinit l’art et le design à travers des œuvres nous obligeant à accepter que les séparer ne fait aucun sens. 

Isamu Noguchi Globular, 1928 Laiton, base de marbre The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York The Noguchi Museum Archives © INFGM / 2021, ProLitteris, Zurich

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Retour vers le futur
Tout droit issue des archives, cette collection voit le retour des poudre à laver – showder – emblématiques de LUSH, réinventés ici dans des emballages inspirés des boîtes de détergent à lessive: une poudre de bain effervescente qui génère une mousse savonneuse dont le parfum nous a enivré!  Les showders se déclinent dans une édition lavande « Sleepy » aux côtés d’une version « Intergalactic » de bois de cèdre musqué et de menthe poivrée. On découvre également un nouveau parfum sous la forme d’un spray corporel. Original! Et la nouveauté pour LUSH, c’est son incursion dans le monde de la mode avec une série de huit pièces lifestyle, dotée des pyjamas, des débarbouillettes, des essuie-mains, un drap de bain et d’une trousse de toilette, le tout à partir de coton 100% biologique. De quoi prendre soin de soi du moment où vous entrez dans le bain à celui où vous enfilez votre pyjama et vous vous parfumez! 

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Cela fait plus de 25 ans que je suis dans le domaine artistique et culturel. À l’origine, j’ai une formation qui n’a rien à voir. J’ai appris le chinois durant mes études de lettres. Toutefois, j’avais déjà un attrait particulier pour l’art. Je faisais de la photographie et de l’histoire de l’art à côté. Très vite tout s’est enchaîné naturellement. Je me suis rapidement retrouvée comme organisatrice de manifestations, et curatrice également. Petit à petit, j’ai monté mon entreprise avec laquelle j’ai pu organiser plusieurs évènements pour la région; je pense notamment aux trois Nouvel An de la ville de Genève, ainsi que des évènements privés en tout genre. J’ai ensuite pris la direction artistique du MAD à Genève pour atterrir au Centre des arts à l’ouverture, en 2014.

Comment est né ce lieu artistique ? 

Le Centre des arts est né d’une volonté première de pouvoir accueillir les départements d’art. Avant cette création, il n’y avait pas de bâtiments dédiés à cela à l’Ecole Internationale. Ce projet a pris de nombreuses années et a été dessiné par l’architecte Jean-Michel Wilmotte. Actuellement, nous avons les départements d’arts visuels, de théâtre, de musique et de danse qui ont lieu dans le bâtiment ; et ouvrons aussi notre centre ainsi que ses salles de spectacles au public genevois. Cet endroit représente aussi un lien entre le grand Genève et la Genève internationale.

Isabelle Muller, directrice du Centre des arts de l’Ecole internationale de Genève (ECOLINT)

De quelle manière composez-vous la programmation ? 

Le but de ce centre est d’en faire profiter aussi bien les élèves que des personnes extérieures. Très vite, on a dû créer une mission qui n’existait pas encore. Nous nous sommes attardés sur comment mêler les deux univers et créer un impact important. L’Ecole Internationale est une fondation qui porte des valeurs humaines et environnementales très fortes. Le curriculum académique qui est décerné aux élèves reprend toutes ces valeurs. Ils sont les futurs leaders porteurs de notre monde, et nous souhaitons ainsi leur léguer les outils nécessaires pour les conduire vers un monde meilleur. Transmission, esprit critique, ouverture d’esprit, réflexion, sont au cœur de nos démarches. Nous avons réalisé que mêler le professionnel artistique au pédagogique est unique, et représente une valeur ajoutée extraordinaire. Nos élèves sont en permanence en interaction avec les artistes que l’on invite, ils peuvent échanger tous ensemble. Récemment, on a organisé un concert avec le célèbre groupe Amadou et Mariam. Ces deux chanteurs ont pu partager leurs expériences avec les élèves et le staff. Nous faisons aussi intervenir des artistes dans les classes afin qu’ils puissent exposer leur parcours. Parfois, ils interviennent lors d’ateliers collaboratifs. Par exemple, nous travaillons avec un festival de danse par le biais duquel nous organisons des masters classes. Les élèves peuvent bénéficier de la présence du chorégraphe. Dernièrement, nous avons reçu une soliste de République Dominicaine à l’occasion d’un concert au Victoria Hall, qui a donné un master class à deux élèves du Centre. Nous souhaitons renforcer la théorie et la pratique de nos élèves grâce aux divers parcours de ces artistes. La programmation proposée permet le partage de moments privilégiés entre élèves et artistes.

Qu’est-il prévu pour les mois à venir ?

Concernant le mois de janvier et ceux à venir, nous avons programmé une grande exposition avec Noële Baker. Cette dernière a travaillé sur un poirier qui a été découvert après l’effondrement des tours jumelles à New York. Ainsi, elle nous propose toute une installation sur la vie, la renaissance, la résilience à travers cet arbre, symbole d’espoir. En parallèle, Viviane Skynazy nous proposera des sculptures avec son exposition « Les gardiens de nos songes ». Également, on y parle de résilience, de renouveau, de recommencement, de compréhension de cet univers mystique que l’on ne comprend pas toujours. Une représentation des 3 Mousquetaires jouée par l’école moyenne est aussi prévue au Centre des arts. Avec notre expertise, on les aide à monter un véritable spectacle professionnel. On invite vivement la communauté à voir ce que les élèves font.

Avez-vous une prédilection pour la collaboration locale ?

La collaboration locale est très importante. C’est une école internationale, l’ouverture est nécessaire. Il y a des pépites et découvertes artistiques qui se dévoilent chaque année, à Genève. Il faut se lancer et oser, ce n’est pas parce que l’on n’est pas connu que l’on n’a pas sa chance. J’aime me dire que ce centre soit aussi une porte à cela.  Je tiens à souligner que nous avons cette volonté d’être ouvert à tous et à toutes. On pousse à aller dans ce sens-là  en proposant des événements à thèmes complexes. L’année précédente, nous avons réalisé une grande exposition sur le genre intitulée « What is Gender ».

Pouvez-vous dire que le Centre est socialement engagé ?

J’aime dire que nous composons une programmation socialement engagée en fonction des valeurs de la Fondation. Je pense notamment au développement humain et à l’environnement. Le but est que nos intervenants aient un impact positif et constructif pour nos élèves.  Personnellement, je pense que le monde a besoin de ces artistes-là. Chaque année, on détermine un thème global concernant la programmation. Cette année, c’est la citoyenneté mondiale, « Global Citizenship ». On a ainsi choisi des artistes en fonction du programme pédagogique, en collaborant avec les professeurs et les écoles. En ce moment et ce jusqu’à Noël, nous accueillons le dessinateur de presse Hani Abbas. À travers le dessin, l’artiste évoque avec les classes de l’école moyenne et secondaire des sujets fondamentaux qui peuvent être incompris. Le résultat est assez impressionnant. Les enfants deviennent eux-mêmes activistes engagés dans ces moments-là.

Ancienne directrice artistique du MAD Genève, vous avez gardé certains vestiges…

Oui forcément, ce sont des années d’expériences supplémentaires. C’est tout de même complétement différent et beaucoup plus alternatif. C’était un univers plus « grunge » au MAD Genève. Cependant, on était déjà dans quelque chose de pluriculturel. On faisait une programmation artistique ainsi que proposions des cours, du cinéma, des activités diverses en journée. Lorsque l’aventure du MAD Genève s’est arrêtée, l’opportunité de travailler au Centre des arts s’est ouverte à moi.

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Un Palace pénétré d’histoire
Cette pépite hôtelière a ouvert ses portes en 1906, pendant l’âge d’argent de l’alpinisme, une époque ayant attiré aventuriers et alpinistes vers les sommets, les pentes et les lacs cristallins de la Suisse. Il est resté sous la propriété des fondateurs de la famille Bucher pendant près de 100 ans, résistant à deux guerres mondiales et quatre krachs de Wall Street avant que les pressions financières de la crise économique mondiale de 2008 ne forcent sa vente quelques années plus tard. En 2022, après une rénovation méticuleuse de cinq ans, il réapparaît en tant que Mandarin Oriental, allié au nom de Palace en hommage au passé historique de l’hôtel.

Une entrée en beauté
L’expérience d’arrivée a été entièrement repensée. Un couloir axial voûté forme une arcade au magnétisme indéniable. Ce dernier relie l’entrée de l’hôtel directement à la promenade bordée d’arbres jouxtant le lac. À l’intérieur du hall spacieux où loge la réception, un sculptural canapé incurvé, des menuiseries en noyer et des sols en terrazzo. De subtiles références aux origines asiatiques du Mandarin Oriental ornent tous les espaces publics de l’hôtel, en harmonie avec le thème méditerranéen de la propriété. Au rez-de-chaussée, le sol en damier de marbre noir et blanc d’origine contraste parfaitement avec les colonnes romaines en scagliola de corail. Mention spéciale au tapis de l’enseigne suisse Kramis ayant réalisé des créations en photographiant en close-up des détails de peintures à l’huile de l’époque romantique de l’hôtel en les reproduisant avec un zoom pixelisé.

La réception de l’hôtel

Dormir dans les bras de MO-rphée
Les designers ont puisé leur inspiration dans le paysage environnant pour habiller habilement les 136 chambres toutes uniques. Ainsi conçues pour parfaire le paysage extérieur extraordinaire, elles sont composées d’une palette intérieure entrelacée de chêne naturel, de tonalité corail et de nuances de vert et bleu. Le dialogue entre l’ancien et le nouveau se dévoile fluide mariant subtilement un lustre orbital en laiton aux côtés de murs lambrissés blanc ivoire, des parquets en chêne suisse à du mobilier italien sur mesure Molteni et des moulures de plafond traditionnellement façonnées. Les détails patrimoniaux à l’image des cadres de fenêtre restaurés avec dextérité contrastent à merveille avec un mobilier siglé Molteni. Un parquet en chêne de caractère est associé à des tapis Tisca tissés en Suisse, apportant chaleur et texture à nos pieds. La majorité des chambres disposent d’un balcon privé avec une vue épique sur le lac des Quatre-Cantons et les majestueux fragments du mont Pilatus.

Suites uniques
L’hôtel abrite 48 des plus grandes suites de Lucerne, mais le joyau de la couronne est sans nul doute la suite présidentielle lovée à l’intérieur du dernier étage de la tourelle sous le dôme en cuivre du palais, habillé habilement d’indigos et d’or, on adore! L’eau, les oiseaux et la nature abondante ont inspiré les détails qui ornent cette suite spéciale. La forme ovale unique du salon a été créée comme pièce maîtresse de cette espace, avec tous les éléments décoratifs découlant de cette géométrie : murs en bois cannelés, sol en mosaïque de bois contemporain et une rosace de plafond en plâtre moderne qui fait écho au clapotis de l’eau. Un lustre déconstruit, réalisé dans un délicat tourbillon de verre soufflé à la bouche, s’inspire des feuilles flottantes et des volées d’oiseaux. Le thème se poursuit dans le tapis tufté à la main qui imite le motif de plumes denses sur l’aile d’un cygne. Deuxième option? La suite panoramique sur le toit pour sa terrasse éblouissante et ses panoramas à 360 degrés, vertigineux!

La suite présidentielle du MO Lucerne

4 restaurants pour une cuisine de haute-voltige
Avec quatre concepts culinaires, le MO satisfera les estomacs les plus délicats. C’est le chef exécutif israélien Gilad Peled – ancien élève du Cordon Bleu London, avec des passages au Gavroche de Michele Roux et au Presser d’Argent de Gordon Ramsay – qui a le défi de remporter trois étoiles Michelin en 2023! Un véritable challenge pour deux des restaurants qui n’ouvriront qu’en début d’année prochaine: le Minamo, salle à manger japonaise kaiseki de six places et la Colonnade qui se concentrera sur la haute cuisine française préparée avec des ingrédients suisses frais et associés à une impressionnante collection de vins provenant du monde entier. Jusque-là, il y a le restaurant méditerranéen Quai 10, qui déborde sur la terrasse et invoque l’élégance des restaurants de la Riviera des années 1920 et proposant des plats italiens, des plats de viande et de poisson grillés. On a surtout testé la brasserie MOzern – le cœur vif de l’hôtel – ouverte toute la journée et pour le dîner. La fusion asiatique est au menu – bao de poitrine de porc cuit à la vapeur (petits pains), salade arc-en-ciel avec vinaigrette au sésame et côtes de bœuf à la mongole. Tout y est délicieux. On a également succombé pour le mémorable petit-déjeuner composé de bols de granola aux noisettes préparés par une équipe de huit femmes à Zurich, des yaourts Höhn produits à l’énergie solaire, des coings et des confitures transmis par cinq générations d’une famille de Hünenberg. Du local, en veux-tu, en voilà!

La la brasserie MOzern, le cœur vif de l’hôtel

Éco-effort
Une vraie démarche environnementale a été mise en place par le groupe Mandarin Oriental qui a éliminé tous les plastiques à usage unique depuis décembre 2021. Ici, les articles de toilette Diptique sont présentés dans des tubes métalliques chics et l’eau provient du lac tout comme celle des robinets. La climatisation et l’électricité sont également alimentées par le lac et la nourriture est principalement d’origine locale! Du luxe conscient comme on aime. Chapeau bas. 

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Le Winter Village du Chedi Andermatt ©DR

Village nordique magique
Pour cette nouvelle saison hivernale, ce joyau hôtelier y déploie sa créativité en offrant un nouveau concept : le Winter Village. Ici. Il transforme sa cour extérieure en un très beau village d’hiver doté de sentiers enneigés et orné de sapins. Après seulement quelques pas de la bâtisse principale, on plonge dans un monde complètement différent. On y découvre la petite place du village, décorée de bottes de paille et de peaux, avec son stand de marché, est conçue comme une clairière constituant le centre de The Winter Village. On s’y retrouve et on y reprend des forces avec des boissons chaudes, une coupe de champagne et des encas raffinés. Les visiteurs épicuriens pourront aller à la rencontre des producteurs et artisans locaux et même fabriquer leur propre meule dans la fromagerie locale. Des crêpes sucrées et des galettes salées, préparées exclusivement avec des ingrédients régionaux, sont proposées. La farine provient de Realp et les œufs d’Altdorf. Bänz Simmen, entre autres, qui connaît la vallée de l’Urseren comme sa poche, racontera des histoires passionnantes sur Andermatt et ses multiples herbes de montagne, apportées sous la forme de sa propre tisane. En intégrant la population locale et ses produits, The Chedi Andermatt souhaite faire découvrir à ses hôtes les particularités de la région. Il propose également le restaurant pop-up d’hiver The Chalet. Au menu? Des spécialités typiquement suisses telles que raclette et fondue, charcuterie ou cornettes à la viande hachée. Pour une escapade gastronomique plus intimiste, la cabane des sorcières The Kota est parfaite. Dans cette cabane en bois typiquement scandinave, avec un barbecue au charbon de bois placé au centre, jusqu’à 16 personnes maximum peuvent célébrer des moments gourmands exclusifs. Au-delà de ces instants culinaires, un sauna tonneau finlandais et un hot tub complètent ce mini-village. Si le SPA de l’hôtel vaut à lui seul le détour à Andermatt (doté de six piscines différentes, un hammam et un sauna, une salle de sport et des cours de fitness gratuits), vous craquerez pour ces nouveaux lieux de relaxation et le bien-être en extérieur! Parfait pour sauter dans la neige directement après une séance de sauna. Une escapade rafraîchissante garantie! 

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Né en Tchécoslovaquie en 1938, Josef Koudelka ne semblait pas destiné à la photographie. Sa carrière, il la construit en tant qu’ingénieur aéronautique, mais rapidement sa passion pour la prise d’images se développe et vient occuper tout son temps libre. Dès 1962, il part alors à la rencontre des communautés gitanes qu’il commence à photographier, les immortalisant comme des acteurs de théâtre sur scène, nous raconte le commissaire de l’exposition Lars Willumeit. Mais c’est un événement politique qui va changer la donne. En 1968 Prague est envahi par l’armée soviétique, une invasion que Koudelka immortalise avec des clichés aujourd’hui devenus emblématiques de cet événement. C’est sous le pseudonyme P. P. (Prague Photographer) qu’il divulgue ses images, restant dans l’anonymat. Mais cette prise d’action dans l’ombre se fait remarquer, et en 1969 l’Overseas Press Club lui décerne à titre anonyme l’une des plus hautes distinctions dans ce domaine, la médaille d’or Robert Capa. L’invasion soviétique en Tchécoslovaquie le pousse à quitter sa terre natale en 1970 et à trouver l’asile en Europe Occidentale, où il rejoint peu de temps après la célèbre agence Magnum, en 1974. Un parcours déjà légendaire en lui-même, avec ce photographe de l’ombre recevant un prix pour sa capacité à capturer une époque, un événement, mais avant tout la manière dont le peuple allait le vivre. Sur les murs de Photo Elysée nous retrouvons nombre de ses clichés de l’époque, des négatifs qu’il a conservé, et qui encore aujourd’hui sont emblématiques du travail de ce photographe nomade à l’œil et à l’objectif aiguisés.  

JOSEF KOUDELKA, CZECHOSLOVAKIA, 1967 © JOSEF KOUDELKA:MAGNUM PHOTOS, COURTESY OF THE JOSEF KOUDELKA FOUNDATION

Le nomade collectionneur

L’exposition « Ikonar – Constellations d’archives » propose aux visiteurs de se plonger dans les archives de ce photographe qui allait voyager de part le monde et immortaliser les grands moments de l’Histoire. En 2020, peu après avoir réalisé sa série Ruines venant fixer dans l’objectif les vestiges des sites archéologiques sur tout le pourtour méditerranéen, il déclarait déjà alors dans un entretien,  « J’ai toujours photographié des choses en train de disparaître ». Un adage difficile à contredire en observant les images accrochées au mur du musée. Les photographies clés de sa carrière se mêlent alors à des clichés plus confidentiels, endormis dans les archives du photographe accumulant 30 000 planches contact entre 1960 et 2012. « Ikonar comprend également une installation entièrement dédiée à ses archives qui s’attache à analyser leur place dans le parcours personnel et artistique d’un des acteurs principaux de la photographie du XXème siècle » confie Lars Willumeit, commissaire de l’exposition. Dans ces clichés couvrant plus de cinquante années de travail, deux leitmotivs se démarquent : l’exil et la vie en marge de la société. D’une certaine façon, Koudelka semble n’avoir jamais quitté ses premières photographies. Aux communautés de Roms se succèdent les marginaux de la société, les exilés, qui comme lui se sont transformés en nomades malgré eux. Mais au-delà de ces clichés inédits et des sujets qu’ils représentent, l’exposition de Photo Elysée nous ouvre également une fenêtre sur la pratique du photographe. Nous découvrons alors les différents choix de cadrage propres à ses créations, son editing par séquences de prises de vue, mais aussi des clichés immortalisant ses notes, des plaques portant le nom de rues qu’il souhaite ne pas laisser échapper à sa mémoire, des métadonnées encadrant son travail qu’il fait également passer par la photographie et conserve depuis tant d’années. 

JOSEF KOUDELKA, CZECHOSLOVAKIA. KLADNO, 1966 © JOSEF KOUDELKA, MAGNUM PHOTOS, COURTESY OF THE JOSEF KOUDELKA FOUNDATION

Koudelka, icône

Le titre de l’exposition ne doit rien au hasard explique le commissaire Lars Willumeit, « Il a noué des liens avec ces communautés Roms durant plusieurs décennies. L’une d’elles lui a d’ailleurs donné le surnom d’Ikonar – faiseur d’icônes – car elle utilisait ses photos dans des lieux de prière ». Un nom, un titre, qui entre en parfaite adéquation avec le travail de Josef Koudelka, qui, au cours de ces quelques cinq décennies de travail rassemblées à Photo Elysée fut à l’origine de bien plus d’une image iconique. Sur les murs de l’institution de Plateforme 10, nous retrouvons le cliché de cet homme dont on ne voit que le bras, la montre au poignet, devant une rue de Prague désertée pendant l’invasion soviétique, ou encore un gitan avec son cheval, les deux protagonistes s’observant, puis des hommes aux allures de révolutionnaires dans les rues de Prague, le portrait d’un couple durant l’occupation. Toutes réalisées en noir et blanc, ces photographies n’ont pas besoin de faire appel à la couleur pour nous plonger dans le moment passé. Face à ces clichés, ce sont à des temps forts historiques que nous sommes confrontés, vestiges d’une époque disparue, mais preuve de son existence que l’on ne doit pas, ni que l’on ne peut, oublier. Enfin, lors du vernissage de son exposition lausannoise, Josef Koudelka avait ces mots, « Une bonne photographie entre dans la mémoire, on ne peut alors plus l’oublier ». Quelques temps après avoir découvert Ikonar – Constellations d’archives, nous n’avons toujours pas réussi à nous sortir ces images de l’esprit.

Josef Koudelka Invasion Prague, 1968
©Josef Koudelka Magnum Photos, courtesy of the Josef Koudelka Foundation

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Caviar Acipentris® Tsar Impérial®, close-up

Acipenser nudiventris, une espèce d’exception
La dernière nouveauté de la Maison Petrossian – Acipenser nudiventris – résume à merveille la complexité du travail réalisé par l’enseigne fondée en 1920 à Paris. Il honore le savoir-faire artisanal centenaire de cette marque fondée par deux frères arméniens et qu’on ne présente plus. Non élevé jusqu’à très récemment, cet espèce d’esturgeon inconnu du grand public a été réintroduit en élevage sous l’impulsion du créateur de caviars. Ce dernier soucieux de maintenir la diversité et la richesse du grain noir participe à la préservation de l’espèce. Ce caviar rare aux reflets gris se caractérise par des grains à la texture ferme, puis fondante, proche de l’Ossetra, et par une palette aromatique ample et complexe, concentrée et crémeuse, dont la finale développe une puissance iodée marquée. Des grains fermes qui roulent sur le palais comme une deuxième langue! 

Caviar Acipentris® Tsar Impérial®

Mariage culinaire
Certes, en général le caviar se suffit à lui-même, mais il permet aussi une kyrielle d’accords. Les blinis, les pommes de terre, la crème fraîche ou le chocolat sont des compagnons de choix. Pour l’Acipentris on peut également le marier avec un tartare de bœuf assaisonné d’huile de noisette. Côté boisson, on opte clairement pour la vodka. Et cela tombe bien puisque la Maison Petrossian propose deux nouvelles vodkas pur grain au blé français.
La première est une version aux 6 épices, créée avec le célèbre mélange d’épices de l’enseigne parisienne, usé pour le saumon et la poutargue. Un mariage qui apporte un côté floral et une fraîcheur en bouche très originale. Puis, la vodka infusée au poivre de Sichuan qui offre des notes intenses, relevées et citronnées, caractéristiques de cette épice chinoise. Pour les fêtes, on a personnellement succombé pour le coffret Artiste : le duo caviar & vodka. Édition collector de l’iconique coffret Latour-Maubourg, elle est ici présentée dans une très belle boîte signée par l’artiste Marie Doazan. À l’intérieur? On y découvre une boîte de caviar de 125g ou 250g au choix, une vodka Petrossian 50 cl  et un guide du caviar. De quoi ravir n’importe quel gourmet ayant du goût! 

Coffret artiste, Petrossian

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On est tombé ivre d’amour avec le coffret coloré de Drunk Elephant, la marque qui propose de créer votre propre crème selon vos besoins. Comment ça marche ? Le coffret est composé d’une crème hydratation de base à laquelle vous allez pouvoir ajouter, à sa surface, la dose de sérum lissant, d’hydratation ou de crème fouettée. Si comme nous vous n’avez aucune idée des produits à utiliser, le quiz Smoothie Finder vous guidera. Il suffit d’énoncer les caractéristiques de votre peau, et vous saurez exactement quoi utiliser. Pour le dosage, toutes les instructions se trouvent dans le kit. Important de le mentionner, la marque de Tiffany Masterson est LA marque par excellence qui s’engage à n’utiliser que des ingrédients bénéfiques pour la santé de la peau. 

Drunk Elephant: 119.90 CHF

Coffret Drunk Elephant

Perfect hair

Exposés à toutes sortes de tortures – lisseur, sèche-cheveux, boucleur, colorations – nos cheveux sont mis à rude épreuve au quotidien!  Ajoutez le soleil et la pollution, c’est un vrai calvaire d’être un cheveu en 2022. Avec le coffret Olaplex, on a déniché les outils capillaires nécessaires pour traiter nos cheveux à la hauteur de ce qu’ils méritent, qu’ils soient bouclés, ondulés, crépus ou lisses. Nos préférés sont le n°0 qui agit comme un accélérateur de réparation intensive lorsqu’il est associé au N° 3 pour réparer le cheveu en profondeur. Le résultat ? 68% de réparation en plus, et des cheveux 3 fois plus résistants. Vous pouvez continuer à torturer votre crinière sans culpabiliser!

Coffret Olaplex 79.90 CHF.

Loving is caring

Dans la kyrielle de coffrets proposés par Sephora, on a sélectionné ceux qu’on aimerait dérober! On débute avec les soins visage avec le set hydratant et adoucissant de chez Dr. Jart+ – les experts coréens en dermatologie qui font un tabac avec leur crème Cicapair à l’herbe de tigre dont on est totalement fans. Dans leur coffret? Un sérum Re.Pair, la crème Ceramidin et le masque Dermask Vital Hydra Solution apaisant et neutralisant les rougeurs pour un teint unifié. Idéal pour les peaux déshydratées en manque de douceur et de souplesse! Parfait aussi pour votre cousine fan des conseils de Kim K. qui ne se démaquille jamais avant de dormir, le coffret de soins visage Laneige, composé de produits nettoyants et hydratants. A combiner au duo magique Lip Glowy Balm & Lip Sleeping Mask du kit Kiss me day & night qui galbe, lisse, et pulpe les lèvres.

Soft Glam Deluxe Trio – Anastasia Beverly Hills

Et pour vos beaux yeux, le Soft Glam Deluxe Trio de chez Anastasia Beverly Hills se démarque avec sa palette aux 14 teintes à la texture crémeuse et aux couleurs ultras pigmentées. Mais aussi le kit Xmas 22 Jolly Brown Bunch 3 de chez Benefits, qui a tout pour sublimer les sourcils. Pour votre amie qui ne sort pas de chez elle sans sculpter ses yeux d’un trait d’eye-liner et d’un coup de mascara, le coffret de Perfect Strokes Eye Essentials, de Rare beauty signé Selena Gomez, est idéal. La précision du stylo Perfect Strokes est telle qu’elle pourra tenter tous les styles, que ce soit l’actuel double-winged liner ou le fameux trait à la Amy Whinehouse. En plus, il ne s’estompe pas, ne s’efface pas et ne s’écaille pas. Pourquoi se contenter d’une seule ration quand on peut avoir une double ? Le duo two faced comprend justement deux mascaras Better than sex (en format classique – oui la taille compte) pour un volume voluptueux qui dure, dure et dure…

Xmas 22 Jolly Brown Bunch 3 – Benefits

Autres stars de cette Christmas Edition, le Shape Tape™ Contour Concealer, best-seller de l’enseigne Tarte, et chouchous des maquilleurs Tik-Tok, qui s’est refait une beauté pour les fêtes de fin d’année avec un look pailleté. Dans le coffret Shape Tape, il est accompagné du fabuleux baume à lèvre vegan Maracuja Juicy Rose et du Mini Mascara Meater. Il y a aussi le Soft Pinch Liquid Blush Set de chez Rare Beauty avec le blush liquide devenu culte en trois nuances de rose. Sa formule et se travaille sans effort pour un doux flush de couleur…Deux essentiels à glisser dans les chaussettes de Noël. 

Sephora Collection

Du maquillage aux soins, du capillaire au parfum, du bain aux compléments alimentaires, Sephora Collection, clôture l’année avec une centaine de produits à (s) offrie! On est tombé sous le charme du Glow Boost Set avec ses masques dopants à base de vitamine C. On a également craqué pour le Premium Brush Set pour ses pinceaux indispensables et son adorable pochette en velours et enfin le Mini Quartz Face Roller à utiliser pour appliquer les crèmes et sérum du Kit essentiels visage. Et vu que Sephora pense à tout, même au post-holidays blues, le Calendrier de l’Après vous donnera le sentiment d’un doux mois de janvier au prix mini de 32.90 CHF. Beaucoup moins cher qu’une cérémonie d’ayahuasca!

Sephora

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