La Nuit des Musées en 2022, devant le MEG @Nathalie Mastail-Hirosawa

Une édition qui éveille la sensorialité

Goûter, sentir, voir, entendre ou toucher : pour cette nouvelle édition de la Nuit des musées, ce sont les 5 sens qui ont servi de fil rouge à l’élaboration de la programmation, proposée par les 24 institutions partenaires de la manifestation. Une édition qui va éveiller votre sensorialité par des activités immersives et insolites. La Nuit des musées a pour objectif d’offrir une manière différente de découvrir des savoirs, des objets et des œuvres, des animaux et des plantes. Explication des caméras thermiques, fabriquer des images avec une intelligence artificielle ou encore « œil pour œil » un site archéologique. Cet évènement follement palpitant réveillera l’aventurier qui est en vous pour une toute nouvelle quête. Il ne reste plus qu’à savoir qui sera prêt à relever le défi. 

Durant la soirée du 13 mai, chacun des lieux sélectionné va s’employer à surprendre son public, à susciter son intérêt mais pas seulement. Rapport à la thématique choisie, chaque élément viendra titiller et réveiller votre peau, votre nez, vos papilles, vos yeux et vos oreilles : vos sens. Lors de la Nuit des Musées le regard change. Les musées, centres d’art et associations déploient des trésors de créativité et font montre d’une énergie sans bornes afin de mettre sur pied une programmation exceptionnelle. En famille, entre amis ou même solo, chacun pourra trouver son compte et ressortir des étoiles plein les yeux. 

La Nuit des Musées en 2022 @Nathalie Mastail-Hirosawa

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Tout a commencé pour moi quand j’ai étudié l’histoire de l’art dans mon pays natal, la Russie, où je me suis spécialisée en art suisse. Puis, je suis arrivée en Suisse, et j’ai enseigné cette discipline à l’Université de Genève, vivant désormais dans les paysages que j’avais d’abord rencontrés grâce à Hodler et à Vallotton. Par la suite, mon parcours m’a amenée à travailler dans des musées, sans jamais laisser la recherche et l’enseignement de côté. Concernant la HEAD, pour être complètement honnête avec vous, j’ai eu un temps d’hésitation avant de postuler. Non pas que je ne croyais pas en ma capacité de mener cette institution, mais parce que l’école était un bastion exclusivement masculin jusqu’ici, dirigée par des hommes depuis sa création il y a 275 ans,  en 1748 !!!   C’est aussi ce délai de réflexion qui m’a permis d’avoir l’élan nécessaire je pense, un élan décisif puisque j’ai obtenu ce poste très convoité après un processus de candidature long et difficile, qui m’a finalement permis de remporter l’adhésion du jury de recrutement à l’unanimité.   

Je viens d’une famille où les femmes ont toutes occupé des postes extraordinaires. Mon arrière-grand-mère dirigeait la maison d’haute couture, ma grand-mère était une grande scientifique, ma mère une directrice de musée spécialisée dans l’histoire de l’opéra. J’ai donc été éduquée avec cette idée que les femmes peuvent occuper des postes importants, pourtant il est évident qu’en 2023 encore, les femmes ne se sentent pas toujours légitimes d’occuper des emplois où elles ont une vraie carte à jouer.  

Mes deux sœurs et moi-même avons grandi dans une double croyance : que pour être heureuse nous devions être passionnées par notre métier, et que la culture était une échappatoire vitale au quotidien. Moi j’ai deux passions, la culture au sens large ainsi que le désir de la partager avec le plus grand nombre, et la recherche couplée à l’enseignement. Ce poste était donc celui de mes rêves d’une certaine manière, et je suis aujourd’hui très heureuse d’avoir eu confiance en moi et d’avoir postulé.  

La HEAD a pour ambition de former les créatifs de demain. Comment abordez-vous cette mission, quelques mois après votre arrivée à la tête de l’institution ?  

Beaucoup de gens pensent que pour diriger une école d’art il faut être artiste ou un designer. Je crois que les collègues et les étudiants ont avant tout besoin d’une personne sachant parler leur langue et qui, d’une manière ou d’une autre dans sa carrière, a déjà touché aux différents domaines enseignés dans l’école. Chez nous, la transmission du savoir et le développement de compétences s’acquiert grâce à un corps enseignant d’une exceptionnelle qualité, qui bénéficie d’un plus non négligeable :connaître la réalité du terrain . Tous enseignent à temps partiel, et ont pour obligation de continuer à exercer à côté leur activité de designers, architectes, cinéastes, graphistes, etc. Je pense que ce pré-requis démontre bien l’une des valeurs de l’institution dans laquelle je me retrouve totalement : il faut être inscrit dans le présent, dans le concret, pour former les créatifs de demain. Au-delà de cet enseignement de très haute qualité qui va continuer à se développer en s’étoffant de nombreux intervenants externes, j’ai pour objectif de développer les relations de la HEAD à l’international. Tant pour faciliter les échanges des étudiants, que pour établir des projets culturels ensemble. La HEAD bénéficie d’une réputation qui ne fait que grandir, et nous sommes aujourd’hui en mesure d’entrer en dialogue avec les meilleures écoles à travers le monde.  

Vous avez confié l’an dernier vouloir changer l’image de la HEAD. Qu’entendez-vous par ceci ?  

Il est clair qu’encore aujourd’hui la HEAD, à l’image de nombreuses écoles d’art et d’arts appliqués en Europe, souffre parfois de points-de-vue simplistes de la part du public ne la connaissant pas bien et la jugeant de ce fait « élitiste, intimidante, usine à chômeurs …», on entend vraiment tout et n’importe quoi. Cela démontre une incompréhension à l’égard de ce que nous faisons réellement, c’est-à-dire former des esprits créatifs très précieux, qui constituent en réalité les forces vives parmi les plus polyvalentes de tous les diplômés sortant des grandes écoles. Pour changer notre image vis-à-vis du grand public, je pense qu’il est important de communiquer plus et mieux sur ce que nous faisons au sein de l’école, et de proposer des événements accessibles à tous, en dehors de nos murs. Mais au-delà de cela, j’ai pour souhait de créer des cours occasionnels pour les enfants donnés par nos étudiants, dans le domaine créatif au sens large. Pour moi, ils sont le pont qui peut faire comprendre aux adultes ce que nous faisons réellement, mais aussi l’importance de la créativité et de la culture dans notre société. Ce projet de changer l’image de la HEAD s’inscrit dans quelque chose de plus grand : changer le regard de la société sur le monde de la culture. On peut me reprocher que c’est un projet démesuré, qu’une école ne changera pas la société, mais je crois qu’il est important d’essayer et que nous avons toute la légitimité et pour enclencher ce changement.  

Dans le cadre de l’école en elle-même, quels autres projets souhaitez-vous développer au sein de la HEAD ?  

L’équipe et moi-même avons de nombreuses idées, à l’image de l’expansion d’une programmation culturelle déjà dense, de l’accueil continuel d’intervenants extérieurs, qui atteint déjà les 1000 par an à l’heure actuelle. Parmi les projets qui me tiennent particulièrement à cœur, je peux mentionner le développement du master en cinéma. Nous travaillons en collaboration étroite avec l’ECAL dans le cadre de ce programme, en ayant une ambition de créer une « école nationale de cinéma » en Suisse romande. En nous associant aux autres écoles romandes, en réunissant nos compétences, mais également en travaillant avec les autres départements de la HEAD à l’image de l’architecture d’intérieur et de la mode, nous pourrons créer un enseignement d’excellence dans ce domaine. 

Je suis arrivée avec beaucoup d’idées, et l’équipe de passionnés qui m’entoure fourmille elle aussi de propositions. La Suisse est un territoire d’une grande richesse culturelle, avec de nombreux musées, des écoles de renom en nombre qui collaborent entre elles et offrent des propositions variées menant à une multitude de possibilités pour les créatifs qui étudient en Suisse. Depuis toujours, c’est un pays qui a vu naître de nombreux esprits brillants qui se sont démarqués dans le monde de l’art et du design, même si cela n’est pas toujours connu de tous. Et nous espérons bien ici à la HEAD continuer de cultiver un terreau fertile pour les futures générations qui permette à la Suisse de bouillonner de propositions culturelles, aujourd’hui, et demain.  

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Marcel Nu avec Jeanne Videau & Frédéric Naud, le 11 mai prochain à la Julienne

Quand le conte se met en scène
On a l’habitude des histoires au coin de la cheminée ou sous nos draps la tête sur l’oreiller. Et si le conte s’emparait de la scène… De la même manière qu’à la maison, La Cour des Contes invite une palette d’artistes à narrer des histoires devant un large public. Des  représentations qui surprennent par un récit de vie réel, un pays imaginaire, un mythe revisité, un humour décalé, une mélodie envoûtante ou une tendre poésie. « Tout simplement, laissez-vous conter ! », confie Xavier Magnin, Conseiller administratif délégué à la culture. En bonus, cette année, une  programmation  généreuse et des talents qui feront rêver petits et grands avec entre autres Moby Dick, La rêveuse d’oies, Poucet, Le Baobab à plumes et Contes des 4 coins du monde. Il y en a pour tous les goûts et chacun a ses préférences ! « S’il ne fallait choisir qu’un spectacle, se serait « Une nuit à travers la neige », d’après Victor Hugo, interprété par Ariane Pawin, lauréate du tremplin des jeunes conteur·e·s en 2018, organisé par l’association Parole et La Cour des Contes. Ainsi, une belle relève se dessine pour l’avenir de la discipline et le festival aura toujours les oreilles grandes ouvertes pour dénicher les artistes de demain », confie Pascal Mabut, programmateur et co-responsable du service culturel de Plan-les-Ouates. 

Moby Dick avec Elodie Mora, le 6 mai prochain à la Julienne

Le festival régional est très attendu, notamment par les professionnels du conte. C’est un projet de grande envergure qui inscrit les arts du récit sur la liste des disciplines artistiques des arts vivants en Suisse. Une manière d’encourager les transversalités culturelles francophones avec les conteurs et artistes Genevois et d’ailleurs. Ici, il s’agit d’ouvrir des scènes au niveau régional aux conteuses et conteurs qui sont par ailleurs de plus en plus sollicités dans les institutions culturelles et éducatives. Une proposition culturelle avec une visibilité sur la scène romande. Les paroles de conteurs transportent dans le fantastique, l’illusion, l’irréel, l’inconscient pour vous donner le temps d’écouter, de voyager.

Pour subjectiviser toutes les affirmations quotidiennes qui paraissent aller de soi, raconter des histoires permet de jeter un pont entre ce qui est établi et ce qui est possible, entre le passé et le futur. De quoi se laisser tenter par ce merveilleux voyage que nous offre La Cour des Contes. Beaucoup d’aventures poétiques, drôles et initiatiques qui pourront vous faire rêver… Fin.

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SaloneSatellite © Photographie: Ludovica Mangini

SaloneSatellite, la relève au premier plan
Au Salone, la lumière éclaire le passé, le présent, mais aussi le futur. L’espace SaloneSatellite est devenu un incontournable pour décrypter l’avenir du design, se consacrant aux jeunes créateurs de moins de 35 ans qui deviendront les grands noms du design de demain. Pour célébrer ces talents naissants, les organisateurs ont décidé de mettre en avant cette année les écoles et universités de design à travers le monde. Une thématique aux saveurs d’hommage qui vient démontrer l’importance de ces institutions dans la création actuelle et à venir. Au total, ce sont 27 écoles qui seront présentes du 18 au 23 avril  dans le cadre d’une large réflexion sur le rôle de la formation, et la façon dont elle peut donner forme à l’avenir du design. Un questionnement qui se retrouve dans la thématique imposée aux travaux des élèves : Design : Où vas-tu ? Un thème vaste qui promet des réponses à l’importante variation, la raison même de ce choix par le salon. « Grâce à la contribution de chaque institution il sera possible de dégager un plan collectif idéal des visions du design, à partir duquel nous pourrons comprendre les prochains défis qui nous attendent et savoir comment réagir » expliquent les organisateurs. Tant de raisonnements à enclencher alors que le design fait face à des problématiques de plus en plus ancrées, à l’image des changements économiques, sociaux, et environnementaux que connaît le monde aujourd’hui.

Else, A Tribute to Valentine Schlegel by Chiara Kocis & Chirine Samii, MA students in Space and Communication, HEAD – Genève © Photographie: Raphaël Lugassy

La HEAD se démarque
Là aussi nous parlons d’une école, mais c’est dans la House of Switzerland qu’elle pose ses valises le temps du salon. La HEAD, dont la renommée n’est plus à faire, est présente une nouvelle fois cette année avec une exposition réalisée par les étudiants du Master Espace et Communication. Gravitant autour du verre comme matériau, les élèves présentent une série de sept objets en verre soufflé, chacun d’entre eux portant une identité visuelle différente et représentant un nouveau cocktail imaginé pour l’occasion. Pour les créateurs de la scène de demain, rien n’a été laissé de côté. En effet, chacun des cocktails porte le nom d’une femme designer, oubliée, ignorée par l’histoire de l’art. Quelques sept noms parmi les centaines qui furent négligés malgré leur importance dans l’histoire de la discipline. Un hommage est alors rendu à celles qui ont marqué leur époque et inspirent encore aujourd’hui, à l’image de Daisy Ginsberg, Anab Jain ou encore Valentine Schlegel. La scénographie quant à elle fait écho aux paysages idylliques de la Suisse, la montagne comme toile de fond, un train transportant les créations entre l’espace d’exposition, et un monde secret, tel un bar clandestin dans lequel on s’aventure. Enfin, comment ne pas mentionner le coup de génie du titre du projet, Spirits – Excellent for the head.

Au-delà du design, un événement pluridisciplinaire
Avant tout salon du design et du mobilier, Il Salone a depuis longtemps enclenché une mutation faisant de l’événement un rendez-vous culturel pluridisciplinaire des plus emblématiques. Si le design tient toujours une place de choix dans les nombreux pavillons et la riche programmation de la foire – Salon International du Meuble, Workplace3.0, SaloneSatellite –  l’art dans tous ses autres états n’est en rien oublié. « Nous avons travaillé avec une approche pluridisciplinaire : le design est déjà présent au Salone del Mobile, dans notre programme nous avions donc pour ambition d’amener l’art, l’architecture, la photographie, au coeur de la foire » explique Beppe Finessi, directeur des contenus culturels interdisciplinaires pour le salon. L’architecture se trouve elle avec évidence sur l’événement dont la structure architecturale définit l’entièreté du salon, comme mentionné précédemment. Autour des pavillons dédiés au design, s’articule une programmation culturelle d’une grande richesse qui gravite elle aussi autour de la thématique 2023, la lumière. Ainsi, une exposition viendra présenter les luminaires conçus par les « designers-astronomes » avec notamment Aurores colorées créées par le studio From outer Space. La photographie, art de la lumière par excellence, tiendra un rôle central dans la programmation culturelle avec notamment une exposition consacrée aux images d’architecture intérieure faisant appel à la lumière artificielle, mais également un accrochage consacré à Hélène Binet. Parmi les figures les plus importantes de la photographie contemporaine, elle présente ici des séries d’images mettant en avant l’impact de la lumière naturelle sur l’architecture. La culture au Salone c’est également une librairie éphémère imaginée par Formafantasma qui rassemble la crème des ouvrages consacrés au design et aux arts, avec de nombreux objets littéraires se focalisant sur la lumière, véritable fil d’Ariane nous guidant d’un bout à l’autre du vaste monde qu’est le Salone.

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MAC BY RICHARD QUINN
Chaque collaboration annoncée par MAC Cosmetics fait l’effet d’une bombe. Après les sublimes collaborations imaginées avec les stylistes Isabel Toledo en 2015, Jeremy Scott en 2018 et bien d’autres, la marque s’associe une nouvelle fois à un designer de renom pour une collection extraordinaire. Ce printemps, c’est avec l’anglais Richard Quinn que la marque de cosmétique a collaboré pour concevoir une collection inédite à l’esthétique florale et pop. Dans leurs délicieux écrins aux motifs printaniers de petits points et de délicates fleurs multicolores, typiques de l’esthétique de Richard Quinn, cette collection remarquable propose des produits exclusifs et audacieux comme une palette aux teintes pastelles inédites, des crayons eye-liner aux couleurs étonnantes (blanc, vert et lavande), un highlighter cuivré éclatant, un duo blush-bronzer et quatre nouveaux rouges à lèvres rosés. De surcroît, quelques produits phares de la marque – le Macstack Mascara, le fixateur et les teintes iconiques de rouge à lèvres Mehr et Lady Danger – ont aussi eu le droit à un relooking by Richard Quinn. Une collection printanière à se procurer absolument avant la rupture de stock !

Richard Quinn / Matte Lipstick ; Prep + Prime Fix ; Extra Dimension Skinfinish ; Powder Blush Duo: Sunset Boulevard ; Quinning Eye Shadow Palette ; Colour Excess Gel Pencil Eye Liner ; Macstack Mascara

Les collection de Richard Quinn

MAC HYPER REAL
Leader mondial du maquillage professionnel depuis plus de trois décennies, la marque américaine propose des produits ultra qualitatifs, extravagants et enchanteurs connus de tous les professionnels et amateurs du make-up à travers le monde. Cependant, jusqu’ici la marque ne proposait pas de véritables soins pour le visage : il fallait donc se tourner vers d’autres marques pour chouchouter sa peau avant d’appliquer le maquillage. Cette année, MAC Cosmetics a décidé de combler cette lacune en dévoilant une nouvelle gamme de soins pour le visage sur mesure : HYPER REAL. Fidèle à leur slogan « all sexes, all races, all ages », leur gamme de soin a été pensée pour convenir parfaitement à tous les types de peau. Constituée de quatre produits indispensables à une peau saine et forte, dont un pinceau soyeux pour un effet spa et massage, la marque promet de sublimer notre peau tout en la préservant des agressions quotidiennes grâce à des formules enrichies en extraits de pivoine japonaise, connue pour ses bienfaits. On valide l’effet bonne mine immédiat !

Sérum hydratant & unifiant Hyper Real Serumizer ; Huile démaquillante Hyper Real ; Crème hydratante Hyper Real Skincanvas Balm ; Pinceau 001.

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Près de 60 ans plus tôt
Tout commence en 1964, lors de l’Exposition nationale. Dans le cadre de cet événement un immense pavillon dédié à la culture est construit, incluant ce qui est aujourd’hui le Théâtre de Vidy. C’est sous la direction de l’architecte et designer élève du Bauhaus Max Bill que le projet prend vie, et grâce à la volonté de Charles Apothéloz qu’il subsiste alors que sa durée d’existence ne devait se limiter qu’à six mois. Ardemment défendu dans sa conservation, il continue d’occuper sa fonction originelle : celle d’un théâtre, faisant la part belle à la création originale. En 1972 son destin bascule à nouveau quand il devient propriété de la Ville de Lausanne. En quelques années le lieu s’affirme comme un haut lieu du théâtre en Suisse romande, mais également un véritable pôle de création reconnu à l’échelle européenne. Épicentre culturel, l’architecture du théâtre subit cependant les affres du temps. N’ayant pas été construit pour durer, sa fragilité s’affiche rapidement, et les travaux de rénovations et de remaniements se multiplient. Les dix dernières années font également état d’une obsolescence technique désormais impossible à ignorer, tout comme les carences en question de sécurité et d’énergie. Mais les besoins de Vidy ont eux aussi évolués. Centre de création reconnu à l’échelle européenne, le théâtre nécessitait la construction d’une salle de répétition, aujourd’hui ajoutée à la composition des lieux dans le respect de l’esthétique du bâti référent. La remise aux normes du bâtiment ne peut plus être repoussée, et est alors lancée la délicate opération de son remaniement, assurant à celui qui était voué à l’éphémère une pérennité incalculable.

Héritage identitaire
Si au fil des ans les bâtiments additionnels se sont multipliés au sein du théâtre, ici toute l’attention est portée au pavillon bâti par Max Bill auquel vient s’ajouter une nouvelle salle de répétition. Un défi majeur qui doit répondre à deux enjeux : respecter et conserver au maximum le patrimoine architectural des lieux, et réaliser des changements qui ancreront le théâtre dans les besoins de son époque. Pour les architectes de PONT12 une question se pose : comment rénover/restaurer l’existant et comment le prolonger par le nouveau volume de la salle de répétition? Les décennies précédentes ont été le théâtre de nombreux travaux qui ont modifié les lieux. Les façades ont été remplacées, l’espace divisé, mais pour les architectes de PONT12 le plus important est là : la base.

On retrouve dans la structure la géométrie nette et presque tranchante de l’espace sous la main de Max Bill et les influences de son école. Une identité visuelle très forte qui elle n’a pas disparu, et permet aux architectes de cette rénovation de marcher dans ses pas. Au centre de leur préoccupation, on retrouve l’identité visuelle du théâtre qui ne doit pas être perdue au prix de la modernisation. « Dans l’esprit de Max Bill, les interventions sont nettes, simples, répétitives et apparentes, pensées et réalisées avec le minimum de moyens » expliquent les architectes en charge du projet. Il s’agit en effet ici d’un patrimoine rare, le dernier témoin de l’intervention de l’architecte et designer sur la ville des rives du Léman, mais aussi l’un de ses projets les plus importants et persistant dans le domaine public, avec l’École de design de Ulm. Le plus grand défi pour les architectes de PONT12 vit cependant dans l’extérieur des lieux. Dans chacun de ses projets, Max Bill vouait une attention toute particulière au contexte et aux aménagements extérieurs. Adepte d’une approche rationnelle et raisonnée, le travail de l’architecte tend vers une sensibilité empruntée à sa passion pour le Japon  et ses jardins. Dans sa nouvelle version, le théâtre accentue cette relation à l’extérieur avec une composition offrant une ouverture sur le lac et les jardins. Dans le parc, le Théâtre de Vidy se détache alors sur le vert de la végétation environnante comme une œuvre d’art à part entière à qui auraient été rendue ses lettres de noblesse. Si le métal reluisant de l’acier inoxydable porte avant tout en lui la réalisation des normes énergétiques et acoustiques, difficile de ne pas admirer cette façade géométrique miroitante comme une sculpture. Une nouvelle peau qui vient également accueillir la création d’une œuvre d’art imaginée pour l’espace. 

Rencontres sous le regard de l’art
C’est une œuvre d’Augustin Rebetez qui vient mettre un point final à cette rénovation et annoncer la réouverture du théâtre en janvier dernier. S’inscrivant dans le cadre du Pour-cent culturel, cette commande à l’artiste n’est pas anodine. En effet, Augustin Rebetez a souvent été accueilli à Vidy dans le cadre de sa pratique, et cette contribution au nouveau théâtre tombe sous le sens. Il imagine et réalise alors un projet répondant aux deux lignes directrices de la commande : une œuvre visible de loin, et reliant les différents bâtiments du théâtre entre eux. Pour se faire, l’artiste fait le choix de deux interventions distinctes. La première réalisée en néon représente deux visages se faisant face, et symbolisant les Rencontres possibles que l’on peut réaliser dans le cadre de l’institution culturelle. « On peut y voir une relation amoureuse, un débat d’idées, un échange, quelque chose de circulaire, en mouvement. Et aussi quelque chose qui grandit, menaçant, et se tourne vers nous » explique l’artiste. La seconde partie de l’installation sera elle réalisée prochainement aux alentours du théâtre et viendra parer d’un décor peint son sol. Ces peintures figuratives viendront ainsi jouer le rôle d’une œuvre d’art, mais également guider le public vers les différentes entrées de Vidy, chacune d’entre elles dévoilant un nouveau monde à découvrir.

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Pouvez-vous nous en dire plus sur leur rôle des femmes dans cette industrie, et la manière dont vous choisissez les productrices avec qui vous travaillez ?
Les femmes sont largement invisibilisées dans l’industrie du café. Elles participent pourtant à la production du café que nous buvons : elles taillent les caféiers, cueillent et trient les cerises de café ; mais ce travail n’est que rarement rémunéré, car souvent considéré comme faisant partie des tâches ménagères. Pourtant, les études montrent que lorsque les femmes sont indépendantes financièrement, l’impact sur le niveau de nutrition, d’éducation, de santé est nettement amélioré au sein de leur communauté.  Cela crée un cercle vertueux de croissance et prospérité à long terme pour les terres du café, dans une perspective de durabilité.

Chez DONA, je choisis les productrices qui collaborent avec l’organisation International Women’s Coffee Alliance (IWCA) à laquelle je suis associée. Je suis également attentive à la taille des structures et choisis généralement celles de plus petite ampleur où les femmes sont impliquées dans tout le processus, incluant également le transport et la logistique lorsque cela est possible. Lorsque je veux collaborer avec une caféicultrice et que les échanges passent par un homme, j’arrête tout de suite toute collaboration.

Qui est derrière les illustrations que l’on retrouve sur les paquets de café DONA ?
Il s’agit de l’artiste bâloise Patrizia Stalder, que j’ai choisie pour son flair pour les représentations versatiles et son amour de l’abstraction graphique. Pour le design que l’on retrouve sur les paquets, elle s’est inspirée de chaque femme ou coopérative de femmes cultivant du café avec qui nous travaillons. Ce que je trouve vraiment formidable dans le travail de Patrizia c’est sa capacité à représenter ces femmes, à refléter leur personnalité, et à également à y associer le caractère de nos cafés DONA. 

Pour vous, qu’est-ce qui fait un bon café ?
Le café, c’est comme le vin, et selon moi, cela reste assez subjectif. Tout dépend des régions, de l’altitude, de l’aridité, mais aussi de la torréfaction. Si de nombreux facteurs entrent en compte, celui-ci est certainement l’un des plus importants car il va déterminer la saveur du café. Le goût va également être impacté par le choix du mode de transport, et de l’emballage. En réalité, le café est un produit qui est sujet à de nombreuses modifications durant tout son processus de production, les choix que nous réalisons visant à améliorer le goût au maximum. Chez DONA, le café est lentement torréfié, en petits lots, à Genève. Avec l’aide de l’expertise d’Ennio Cantergiani, formateur de la Specialty Coffee Association (SCA), nous avons sélectionné cinq variétés dont quatre pures origines, et un assemblage 100% arabica et classé de spécialité. Comme je vous disais tout à l’heure, le café et son goût sont subjectifs selon moi, mais à mes yeux ce qui fait un bon café reste le parfait équilibre entre acidité et amertume.

Lequel parmi les café DONA est votre préféré ? 
Le Power 3 est celui qui plait au plus grand nombre. Il réunit trois productrices respectivement installées au Brésil, au Rwanda et sur l’île de Sumatra en Indonésie. Étant donné qu’il s’agit d’un assemblage, le goût est plus équilibré ce qui le rend d’une certaine manière plus universel gustativement. Mais personnellement j’adore le Congo pour son intensité et ses notes de chocolats, mais aussi pour son histoire. ll est produit par Marceline, une caféicultrice qui m’a beaucoup touché par son parcours. Après avoir obtenu son diplôme d’Agronome en 2015, elle a fondé Rebuild Women’s Hope (RWH), une association qui autonomise les femmes productrices de café de l’Ile d’Idjwi en proposant des formations, des prêts, et une infrastructure. J’ai beaucoup de chance de rencontrer toutes ces femmes tellement inspirantes. Grâce à elles, je sais que je suis sur la bonne voie.

Vous êtes plutôt café en capsule ou café en grain ?
Sans hésitation en grain. Je recommande toujours à mes clients de commander les cafés en grains pour une expérience plus complète des sens : de la mouture à la dégustation. Le goût est plus pur et l’odeur plus présente. Pour celui de Colombie, en revanche, je conseille de le préparer avec le French Press. Son origine des sols volcaniques indigènes est idéale pour une méthode d’extraction douce.

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Swatch X MoMA à New York: « Rêverie » et « Girl »

On débute par la collaboration entre Swatch et le MoMA à New York dévoilant  « Rêverie » et « Girl » de l’incontournable Roy Lichtenstein au style vif inspiré de la bande dessinée. Sur cette pièce, la bulle de dialogue est traduite en une boucle de sangle, un jeu artistique intelligent. Ce drop MoMA x Swatch sert d’ode à l’artiste pop qui aurait franchi le cap des 100 ans cette année. Ensuite, c’est direction le musée Magritte que Swatch nous embarque pour une collection naturellement centrée sur les œuvres de l’artiste surréaliste belge René Magritte, connu pour incorporer des symboles et des autoportraits dans son esthétique onirique. Ici, l’hommage est dédié à « The Son of Man » et « Treachery of Images » (la peinture avec la pipe). 

Swatch X le Louvre Abu Dhabi

Puis, on découvre la collaboration avec le Louvre Abu Dhabi, combinant le meilleur de deux mondes dans une montre d’inspiration nautique. À la fois l’œuvre d’art japonaise emblématique de Katsushika Hokusai et l’artefact Astrolabe de Muhammad ibn Ahmad al-Battûtî sont présentés ici dans un échange culturel unique. La « Grande Vague de Kanagawa » du japonais couvre d’un mur d’eau intégralement l’ensemble du garde-temps, Astrolabe prend possession du dessous de la montre avec une projection à plat d’un ciel nocturne aidant ainsi à calculer la position des étoiles tout en déterminant l’heure exacte de la journée.

Swatch X la Galerie Degli Uffizi

Une quatrième et dernière série nous transporte à la Galerie Degli Uffizi, un musée d’art connu pour ses riches archives de peintures de la Renaissance. Deux chefs-d’œuvre fascinants de l’artiste de l’époque Sandro Botticelli figurent ici, à commencer par la joyeuse « Allégorie du printemps ». Le peintre italien dépeint Flore, déesse des fleurs, parée de sa robe de bleuets, violettes, myrte… tandis que Cupidon et d’autres figures mythologiques font leur apparition dans cette ode à la nature. On termine en beauté avec  « La naissance de Vénus », où les dieux des vents, Zéphyr et la brise, Aura, embrassent le cadran tandis que Vénus se fond sur le bracelet du garde-temps. 

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©Silvie Defraoui

Divisé en diverses thématiques, l’espace d’exposition du MUDAC revient ainsi sur près de trois décennies de travail. Si on constate une grande variété des interrogations, des réponses qu’elle y apporte, mais aussi des médiums employés, des points communs se démarquent dans l’accrochage où l’on retrouve de nombreux collages. Superposant les objets et symboles, récoltant les images et les mots, son importante production artistique ici représentée par la quarantaine d’oeuvres sélectionnées vient ainsi nous parler d’histoires, de poèmes, ou encore d’ombres portées. Classées en dix catégories, les collages, productions visuelles et photographies semblent alors nous inviter à une réflexion totale sur l’expérience qu’est la vie. Une thématique plurielle, remplie de possibles, qui témoigne à la perfection de la production de Silvie Defraoui, n’imposant aucune limite à son travail ni à son esprit. Une vision inspirante qui nous invite à notre tour à regarder notre vie autrement. 

L’exposition de Silvie Defraoui, Le Tremblement des certitudes, à découvrir au MCBA 

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Une symphonie pour rassembler
Manifeste de la fraternité et de l’amour universel, la Neuvième Symphonie est devenue au cours du temps un puissant symbole de liberté. Dans les années 80, le finale du quatrième et dernier mouvement de la symphonie de Beethoven, Ode à la joie —appelée également Hymne à la joie est choisi comme hymne européen et, en 2001, la partition manuscrite de la Symphonie est inscrite sur le Registre international « Mémoire du Monde » de l’UNESCO.  À savoir, il s’agit du poème de Friedrich von Schiller. Une chose est sûre, ce chant a pour effet de  rassembler et de célébrer des valeurs communes. Au Victoria Hall et au Rosey Concert Hall, cette représentation s’annonce spectaculaire. Le public, les musiciens, entretiendront une relation intime pendant 1 heure, sans entracte.

Quand on écoute Beethoven, on a un sentiment de réjouissance et de transcendance. On a des phénomènes de plaisir intense, parfois même des frissons. Cela peut expliquer pourquoi sa musique nous parle encore aujourd’hui. Les musiciens de l’OSR en savent quelque chose et mettront tout en œuvre pour faire passer à ses spectateurs, un moment mémorable. Un bel hommage à ce compositeur intemporel. Jonathan Nott, les musiciens de l’Orchestre et la Zürcher Sing-Akademie avaient déjà donné ce concert en 2020 dans un dispositif des plus atypiques lors de la pandémie. Après ces deux ans complètement flou, ils se réjouissent de jouer cette fois-ci devant leur fidèle public. 

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