Artgenève 2020, David Shrigley, Œuvres d’une collection privée genevoise – Photographie: Julien Gremaud

Comme chaque année depuis plusieurs éditions, une thématique sera mise à l’honneur. Après les arts vidéos et arts décoratifs, 2022 voit double avec deux plateformes spécialisées. La première intitulée Chamber Music sera consacrée comme son nom l’indique aux installations et œuvres musicales plaçant le son en leur centre. L’espace consacré à ce thème a été pensé de manière à permettre aux visiteurs de vivre pleinement cette expérience auditive, et de découvrir les œuvres dans leurs moindres détails sonores. Le second focus se fera sur la photographie, avec des clichés qui seront présentés dans un labyrinthe présentant 12 galeries nouvelles sur le salon et mettant ce médium à l’honneur, dont Air de Paris et Ermes Ermes. 

Depuis toujours, ArtGenève mêle galeries et institutions muséales avec équilibre. Après près de deux années difficiles pour l’univers de la culture et les institutions du monde entier, la foire a décidé de mettre à l’honneur plusieurs musées. Encore une fois dans cette partie de la foire, la Suisse se mélange au reste de l’Europe avec notamment le MAMCO qui côtoiera la Serpentine Gallery de Londres, ou encore Plateforme 10 à Lausanne et le KW Institute for Contemporary Art de Berlin. Une programmation résolument ouverte sur le monde qui reflète cette dernière décennie. 

Capitain Petzel d’Andrea Bowers

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Dans la mesure de l’impossible ©Magali Dougados

L’équipe mêlant quatre acteurs – Natacha Kouchoumov, Adrien Barazzone, Beatriz Brás, Baptiste Coustenoble – et un batteur – Gabriel Ferrandini – se fait alors la voix de ces héros inconnus. De leur rencontre, ils ont écouté leurs expériences, absorbant leurs paroles, percevant leurs émotions, pour ensuite les retransmettre au public. 

Mais « Dans la mesure de l’impossible » est bien plus qu’un entremêlement de récits. C’est la volonté du metteur en scène de partager des histoires oui, mais avant tout un regard sur le monde. Celui de ces humanitaires qui sont les témoins au quotidien de la souffrance de notre époque, sans en faire réellement partie. C’est aussi ce paradoxe qui se raconte, cette proximité avec la peur, la violence, et ce retour dans un pays autre, où ces sentiments s’ils ne sont pas absents ne sont pas omniprésents. Ces allers-retours leur confèrent alors un regard différent sur notre époque, notre société, notre humanité. « Les humanitaires ont accès à des moments et des lieux de l’histoire qui leur donnent un regard sur le monde qui nous manque. La proximité de la souffrance, du danger et de la violence, mais aussi de la dignité et de la résilience humaine, leur donne accès à une lecture du monde dont nous sommes incapables. » confiait Tiago Rodrigues. Le résultat ? Une pièce bouleversante qui nous ouvre les yeux sur un monde que nous ne connaissons en réalité pas si bien et qui mérite pourtant toute notre attention. 

Dans la mesure de l’impossible ©Magali Dougados

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La Fabrique de Dante se visite à travers un filtre : celui de la lecture de son oeuvre. Car comment lit-on Dante aujourd’hui, au 21ème siècle ? C’est la question que posent les commissaires de l’exposition en nous invitant à découvrir ses lecteurs historiques, à l’image de Jose Louis Borges et Lord Byron qui affectionnaient ses mots, mais aussi l’influence qu’ils ont eu sur la littérature alors à venir. Pour mieux comprendre ce mystérieux poète, la Fondation nous invite à plonger dans son univers avec des pièces d’une grande rareté : des manuscrits originaux des oeuvres majeures de l’auteur, mais aussi des éditions reliées d’une beauté captivante. Son héritage se dévoile également dans les livres de ses successeurs à travers l’Europe, avec par exemple des publications de T. S. Elliot, quant à son visage il se dévoile sous la main de Sandro Botticelli, qui réalisa le portrait du poète en 1495. Une exposition hommage des plus précieuses.

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Purple is the new Black

Ce n’est pas la première année qu’une nuance violacée s’impose comme tendance. Après le violet soutenu « Blue Iris » en 2008, le plus délicat « Serenity » en 2016 et le radical « Ultraviolet » en 2018 : « Very Peri » s’érige comme le violet le plus ambivalent d’entre tous. Sa teinte d’apparence froide mais affinée de sous-tons chauds peut tantôt apporter caractère ou douceur, selon les couleurs auxquelles on l’associe. C’est pourquoi la directrice exécutive du Pantone Color Institute, Leatrice Eiseman, considère que la tonalité allie « la fidélité et la constance du bleu à l’énergie et à l’excitation du rouge », telle une ode à la « créativité » et à une « attitude vive et joyeuse ».

Teinte futuriste

Au-delà de sa dualité tant engageante qu’inventive, « Very Peri » est une couleur à l’image du monde, à l’image de l’atmosphère ambiante, à notre image. À savoir une couleur empreinte de son lot d’incertitudes. Après une année 2021 en demi-teinte et un futur encore nébuleux, « PANTONE 17-3938 Very Peri est un symbole de l’air du temps global du moment et de la transition que nous traversons », précise l’experte Pantone. « Avec les tendances du jeu, la popularité croissante du métaverse et la communauté artistique croissante dans l’espace numérique, PANTONE 17-3938 Very Peri illustre la fusion de la vie moderne et la façon dont les tendances de couleurs dans le monde numérique se manifestent dans le monde physique, et vice versa. » Cette explication répond sans aucun doute à la complexité de ce nouveau violet tendance — tantôt confiant et insouciant, tantôt curieux et audacieux, tantôt à la frontière de la réalité et du virtuel.

Dans l’œil des créateurs

Véritable caméléon, « Very Peri » s’est déjà illustré dans les plus grands défilés de Maisons de luxe pour la saison Printemps-Été 2022. En monochrome floral chez Fendi et Brandon Maxwell, il évoque le ciel bleu qui émerge au printemps et l’éclosion d’une fleur pervenche. Associé à un vert ou un orange vif chez Richard Quinn et Christian Dior, il révèle sa facette pop. Lamé chez Alice + Olivia ou glitter chez David Koma, il devient plus effronté. De son aspect du plus sage au plus intrépide, en passant par la possibilité de jouer de ses variations par un simple amalgame de textures : « Very Peri » s’apprête à nous en faire voir de toutes les couleurs.

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Ce qui nous empêchera d’oublier Virgil Abloh c’est son habilité à brouiller les pistes et à rendre ses armes à la mode. Le designer, ou le « créateur », comme il s’appelait, cet homme touche à tout, réalisant des projets dans le monde de la mode, de l’architecture, du design d’intérieur, et DJ jusqu’aux petites heures du matin, a fait plus qu’imaginer des objets. Il a influencé la culture de notre époque, et a créé des liens désormais impossibles à défaire entre la culture avec un grand C et la mode. Il ne faisait rien comme les autres, et même s’il est parti trop tôt, il laissera une marque indélébile sur l’histoire d’une discipline, d’une culture, d’une époque. 

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À son arrivée à la direction artistique de Bottega Veneta, Daniel Lee était pour ainsi dire un inconnu. À 35 ans il avait déjà travaillé dans l’ombre de noms aujourd’hui déjà légendaires, telle que Phoebe Philo, mais jamais le devant de la scène ne lui avait été accordé. Et pourtant le groupe Kering, détenteur de la maison italienne, lui faisait confiance en le plaçant à la direction artistique de la marque. Coup de génie ? Sur le moment personne ne s’en doutait, mais les trois petites années que Daniel Lee aura passé à la tête de Bottega Veneta nous prouvent sans effort que le pari fut réussi. Le départ de Daniel Lee choque alors. Personne ne semblait l’avoir prévu, et la sphère mode semble encore, plusieurs semaines après l’annonce, avoir du mal à s’en remettre. Si le groupe a déclaré que cette séparation s’était réalisée d’un commun accord, aucune des nombreuses rumeurs qui circulent ne semble se confirmer. Mais pour certains, c’est l’annonce de la création de la maison Phoebe Philo qui l’aurait poussé à quitter le navire – est-ce mal de se réjouir de cette rumeur et d’espérer qu’elle se confirme ? En tous les cas, c’en est fini du flegme britannique dans la maison italienne. Et pourtant, pendant ces trois ans de règne, Daniel Lee a pour ainsi dire redonner vie à une marque en grand besoin de dépoussiérage. On pari volontiers que le hashtag #OldBottega devrait succéder au #OldCéline, tandis que les accessoires déjà mythiques ne tarderont sûrement pas à s’arracher à des prix exorbitants sur les sites de seconde main. 

Trois ans pour un nouveau visage

Trois courtes années auront suffi à Daniel Lee pour convaincre. Alors que Bottega Veneta était pour ainsi dire devenue une marque qu’on rayait de la liste des noms IN, le designer britannique est parvenu à conserver l’héritage emblématique tout en lui donnant un sérieux coup de fouet. Le résultat ? Des accessoires devenus tout simplement mythiques – même s’ils n’ont pas conquis tous les cœurs – mettant en valeur sous un nouveau jour le fameux tressage Bottega. Comment oublier les escarpins tressés à bouts carrés, ou encore les sacs et pochettes reprenant le motif de la maison mais à travers des designs résolument contemporains ? Le président du groupe de luxe Kering le disait lui-même à la suite à l’annonce du départ de Lee, « Sa vision singulière a permis à l’héritage de la marque de rester d’actualité et l’a replacée au centre de la sphère mode. (…) Il a écrit un chapitre unique pour Bottega Veneta ». La messe est dite. Un chapitre unique qui a convaincu les générations les plus jeunes grâce à un regard résolument neuf et des défilés toujours plus contemporains. Comment oublier également le célèbre épisode, qui restera certainement gravé dans les mémoires de mode, du vert Bottega ? Cette couleur fluo, un citron vert sous acide, est devenue emblématique pour ainsi dire du jour au lendemain. Pour le rouge Louboutin ou le bleu Tiffany il aura fallu des années, mais pour Daniel Lee un défilé aura suffi. Le succès du règne Lee se tient alors dans sa capacité à créer une nouvelle identité à la marque, et de la rendre ainsi tout simplement incontournable.

Des questions nous hantent alors. Où part-il ? Qui va donc le remplacer ? Bottega Veneta va-t-elle conserver sa nouvelle aura ? Pour une fois, personne ne semble avoir les réponses.

Daniel Lee

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Toujours à l’écoute des avancées des techniques de médecine esthétique, Filorga, nous révèle l’automne dernier sa nouvelle gamme:  Skin-Unify Radiance. Au menu de cette nouveauté ? Un cœur de formule triple action unique qui s’inspire de 3 techniques de médecine esthétique – laser-peeling-medical strobing. L’objectif? Restaurer un teint uniforme, effacer les irrégularités pigmentaires gênent considérablement de nombreuses femmes et obtenir une apparence radieuse. Ainsi, la gamme est enrichie en acide hyaluronique encapsulé, qui comble et lisse la peau, pour mettre en valeur les points saillants du visage, et permettre à la peau de mieux refléter la lumière. Ce produit contient également des particules réfléchissant la lumière de nacre irisée, qui ajoutent instantanément un bel éclat à la peau et contribuent à un éclat éblouissant.

Filorga Skin-Unify Radiance

Pour créer cette ligne, l’enseigne française s’est associée au Dr. Fréderic Braccini, un chirurgien plasticien du visage et pionnier de la technique médicale du strobing qui a inspiré cette gamme. Filorga a également ajouté des ingrédients, inspirés des techniques de laser et de peeling, où une combinaison d’extraits de vitamine C, de glabridine et d’algues corrige le teint et réduit les taches pigmentaires, tandis que l’extrait d’achillée millefeuille a un effet rajeunissant pour la peau.

Comment l’appliquer? On étale Filorga Skin-Unify Radiance sur les points du visage qui reflètent le mieux la lumière : sur les pommettes, l’arête du nez, l’arc de Cupidon, le menton et sur l’arcade sourcilière, pour sublimer ces zones. On peut choisir d’appliquer le produit avant le maquillage, pour un éclat léger et naturel, ou sur le maquillage pour un effet plus visible.

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C’est un chalet contemporain qui prend racine dans la tradition. Alors que dans nos montagnes les constructions modernes se font de plus en plus nombreuses, et sont d’ailleurs parfois largement critiquées, bâtir un chalet contemporain est un défi tant au niveau de son caractère unique que de son acceptation des locaux. Le chalet Anzère réalisé par le bureau d’architectes SeARCH parvient cependant à relever le défi en imaginant une bâtisse respectant les codes traditionnels tout en les détournant au profit de la modernité. Le bois se fait alors central, coquille de ce cocon douillet. Mais déjà ici, l’originalité pointe. Si les bardeaux de bois sont placés de manière horizontale sur la façade donnant sur la rue, l’arrière du chalet se joue du matériau pour donner une profondeur au bâtiment, et permettant de dissimuler les larges baies vitrées. L’architecture traditionnelle de montagne a tendance à limiter ces ouvertures vers l’extérieur, mais ici on inverse la tendance sans trop perturber le visuel. Placées en profondeur, à l’abri des bardeaux de bois, les fenêtres font entrer la lumière sans éblouir, ouvrent sur l’extérieur sans dévoiler l’intimité de l’espace intérieur. On retrouve également un autre élément de l’architecture typique : les balcons. S’ils servaient autrefois à protéger le bois stocké pour l’hiver, mais aussi les habitants des maisons qui travaillaient en extérieur à l’abri, ici le balcon se fait décor. La rambarde court du sol au dernier étage, ajoutant un caractère résolument géométrique à la façade. Encore une fois, la tradition se modernise sans se briser. De l’extérieur, le chalet Anzère se fond alors dans le décor des maisons traditionnelles, mais aussi des constructions plus récentes abritant des appartements. Cependant, en entrant, nous laissons la tradition à la porte et pénétrons dans un écrin contemporain à couper le souffle. 

©Ossip Van Duivenbode

Surprise contemporaine

En entrant dans la chalet Anzère, la tradition architecturale locale semble s’évaporer. Oubliez les intérieurs en bois, sombres et chargés, les pièces étriquées pensées pour garder la chaleur, les petites fenêtres protégeant de la lumière. Ici, l’espace et la fluidité sont les maîtres mots. Le béton est omniprésent, nous plongeant tout de suite dans l’univers moderne désiré par les propriétaires. Brossé, ou laissé à nu, il nous fait presque oublier que nous sommes bien dans un chalet. Les rappels de bois se font par les fenêtres, et quelques détails, notamment dans la cuisine, comme un souvenir de tradition. Les grandes fenêtres offrent une vue d’exception sur la vallée, mais protègent à la fois du vis-à-vis et du soleil brûlant des sommets grâce au renfoncement offert par les balcons et l’avancement des contours de la façade. La cheminée, point d’ancrage de tout chalet, garde son rôle ici. Mais oubliez les âtres traditionnels, ici il est flottant, tel un OVNI au milieu du salon, résolument moderne. Le chalet Anzère c’est alors un cocon niché au milieu des montagnes, mais qui a décidé de vivre avec son temps. Une conjugaison parfaite entre passé et présent qui nous rappelle que le respect des traditions et d’une architecture locale ne sont pas contraires à la création d’une nouvelle identité architecturale au plus près des sommets. 

©Ossip Van Duivenbode

©Ossip Van Duivenbode

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Un rouge à lèvres et un objet d’art

Cette année, l’enseigne beauté s’associe à Keith Haring. Un duo plus qu’approprié, car MAC Cosmetics et le street-artiste pop étaient tous deux acteurs des sous-cultures artistiques de New York dans les années 80 et 90. Haring disparaitra en 1990 suite aux complications dû au sida, son travail quant à lui perdura entre autres avec cette collection composée de trois rouges à lèvres en édition spéciale. Dotés d’un emballage ultra pop, ces trois lipsticks se dévoilent autant comme des nouveaux produit de beauté que des objets de collection. 

On mélange le bleu et le rouge pour un ton violet

Quant à la palette de couleurs primaires, elle permet de s’improviser en chimiste cosmétique. On mélange le bleu au jaune pour obtenir une teinte verte ou le bleu et le rouge pour un ton violet. Ici au-delà d’un look audacieux et glam, on contribue à soutenir une cause. Tous les bénéfices des ventes de cette collection sont reversés à des organisations qui soutiennent les femmes et les filles, les communautés LGBTQA+ ou les personnes vivant avec ou affectées par le VIH ou le SIDA.

MAC VIVA GLAM X Keith Haring

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Elles sont omniprésentes dans l’actualité, faisant régulièrement la Une des médias. Les photographies humanitaires racontent en images depuis maintenant 160 ans les histoires d’un monde en souffrance. Cet outil allait alors devenir capital pour le Comité International de la Croix-Rouge, qui dès 1863, à l’aube de la photographie, voit cette invention comme la méthode idéale pour montrer au grand public la réalité du terrain et les drames qui s’y jouent. La photographie se fait alors primordiale, servant à communiquer sur l’urgence de situations à l’étranger, se servant de la capacité à choquer du média visuel. 

Alep. Destructions.

L’exposition rassemble nombre de ses célèbres photographies qui ont marqué l’histoire de la Croix Rouge, mais aussi les mémoires de tous ceux qui les ont croisés. Si les photographies de l’agence Magnum sont nombreuses dans l’exposition, les commissaires ont ajouté à ces clichés inoubliables des images plus confidentielles, sortant du cadre, offrant un regard différent sur une situation unique. Nous découvrons alors des photos prises par des anonymes, au cœur des conflits, des famines, des catastrophes, des drames qui ont jalonné les décennies passées. La situation est tout à coup différente, dévoilée sous un autre jour. Peut-être aussi vécue à travers une autre sensibilité : celle d’un homme, d’une femme, pris au piège dans une situation, ne se préparant pas à vendre son cliché, mais immortalisant simplement une réalité qui est alors la sienne. À ces images se mêlent des photographies n’ayant jamais été rendues publiques, mais uniquement communiquées en interne au sein des organisations de la Croix Rouge. Des images qui choquent, témoignant d’une réalité parfois trop réelle pour être montrée au grand public. Des outils de travail, pour guérir ce monde. 

« Un monde à guérir – 160 ans de photographie à travers les collections de la Croix Rouge » s’offre alors comme un kaléidoscope de l’histoire humanitaire, vue à travers différents regards, du reporter à la victime, en passant par les acteurs de la Croix Rouge. Un mélange équilibré qui donne à cet accrochage tout son caractère, nous plongeant au cœur d’une réalité qui devient presque plurielle, dans le cadre, hors du cadre. 

Lesbos, camp de régugiés de Moria. Un père afghan et son enfant devant leur tente improvisée.

Apprendre à regarder

Pour les commissaires, il fallait cependant aller plus loin. Si l’exposition retrace 160 ans d’histoire à travers 600 images, elle fait également la lumière sur des situations trop souvent présentées sous un angle choisi. Car si les photographies de la Croix Rouge ont pour objectif de sensibiliser à des situations, de montrer l’horreur, de faire réagir, de mobiliser, ces objectifs sont remplis grâce à des choix photographiques réfléchis. Il faut savoir quoi montrer, immortaliser le médecin en pleine action, cadrer la souffrance, mais sans viser trop d’horreur dans l’objectif. Le photographe ajuste, sélectionne, cadre la misère, la détresse. Le musée le dit dans son exposition, la photographie fut dès le départ un outil de communication idéal, à la visée des plus nobles oui, mais un outil qui a poussé à choisir. Les commissaires derrière ce projet invitent alors le visiteur à apprendre à regarder. Grâce à des clés de lecture qui vous seront dévoilées, analysez les clichés et interrogez vous : que veut nous montrer le photographe, comment l’image a-t-elle été prise, que se passe-t-il hors du cadre ? Une invitation à porter un regard critique, et ainsi à mieux comprendre l’histoire de l’humanitaire, dans un monde qui reste encore aujourd’hui à guérir.

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Le Ski Club : LSC 004

– Gio Dallas : 2000
La fonte express de la neige est en partie due à la sortie d’un des projets rap les plus ardents de l’année : « 2000 » de Gio Dallas. Ayant éclos en même temps que les premiers bourgeons, le disque se mue en 11 titres à la croisée des genres. L’artiste de Lancy affiche une versatilité musicale certaine, oscillant entre morceaux purement rap (Séance) et titres introspectifs planants (Anesthésie) avec toujours la même finesse d’écriture. Quasi-omniprésentes, les sonorités propres à la guitare confèrent une véritable aura à l’album. Un choix acoustique guère surprenant de la part du Genevois, bercé par les compositions de son père, guitariste chevronné. À seulement 21 printemps, Gio Dallas prouve qu’il est assurément un artiste helvétique à suivre de très près.

Gio Dallas : 2000

– Tsilla : Intuition
À la belle saison, il n’y a pas que les oiseaux qui chantent, il y a aussi Tsilla. Avec son dernier EP intitulé « Intuition », la jeune chanteuse à la voix voluptueuse irradie le panorama musical genevois d’une vague de douceur. À travers cinq morceaux lumineux aux sonorités néo-soul envoûtantes, celle qui n’hésite pas à fredonner à ses détracteurs « F*ck you hihi » dévoile sa prose lyrique aux accents incisifs et se livre le cœur entre deux rives. Artiste solaire et sensible, celle qui a commencé par enregistrer timidement des covers avant d’émerger tel un papillon et de composer ses propres chansons ne cesse de développer et de perfectionner son univers musical depuis maintenant plus de cinq ans. Avec « Intuition », la jeune femme s’impose comme une véritable artiste dont la floraison n’en est qu’à ses débuts.

Tsilla : Intuition

– Bandit Voyage : Amour sur le disque Partie 1 & 2
Solaire et orageux, le duo de troubadours des temps modernes Bandit Voyage revient en dévoilant une ode à l’amour en deux actes. Avec l’EP « Amour sur le disque », dont la première partie est sortie en juin et la seconde en octobre, Anissa Cadelli et Robin Girod signent un disque audacieux mêlant les genres les plus divers avec une liberté déconcertante. Entre rock indé, basse funk, rythmes orientaux et variété française, le tout parfois délicieusement parfumé d’autotune, le groupe mûrit son univers flamboyant et décapant au fil du temps. Intenses et sensibles, les musiciens fauves rugissent une poésie hardie qui déclame l’amour sous un nouveau jour avec une verve lyrique brute et terriblement sincère.

– Chien Bleu : Papillon
Un peu à la manière d’un lépidoptère, la métamorphose artistique de Chien Bleu se prolonge au fil de ses projets. Dernier en date, le bien nommé « Papillon », EP singulier sorti en octobre dernier. Fort d’une carrière de plusieurs années au sein du groupe punk Sergent Papou, le Genevois décide de se lancer dans le rap en 2018. Deux premiers disques chrysalides verront le jour suite à ce changement de registre, confirmant l’aptitude de l’artiste à s’approprier différents genres musicaux. « Papillon » donc, est une expérience intimiste, immersion dans l’esprit de Chien Bleu, avec son spleen (En capitale), ses questionnements (On pourrait) ou encore sa marginalité (Jamais), le tout enveloppé d’instrumentaux léchés. Force est de constater qu’en l’espace de 3 ans, celui-ci a peu à peu ouvert son cocon et grandement étoffé son univers.

Chien Bleu : Papillon

– Kenzy : Paradox II
En hibernation artistique depuis son très bon premier projet « Paradox », Kenzy revient en force avec un second opus maîtrisé. Fier représentant de sa ville, ce dernier rend d’ailleurs hommage à la cité de Calvin avec le titre Genève, plus d’une décennie après le morceau éponyme de Marekage Streetz dont il reprend la production. Loin d’être frileux, le rappeur des Avanchets s’acclimate tout autant au Boom Bap qu’au Cloud Rap. Et parce que les grands esprits se rencontrent, Makala est présent en featuring sur la dernière piste, Guestlist. Avec « Paradox II », Kenzy confirme les espoirs placés en lui, et pourrait même devenir le nouveau porte étendard du rap genevois tant ses qualités ne cessent d’impressionner.

Kenzy : Paradox II

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Marcel Duchamp signant les labels EAU & GAZ A TOUS LES ETAGES, aux bureaux de Trianon Presse, Paris, 23 septembre 1958 © Association Marcel Duchamp/ProLitteris, Zurich, 2021. Avec l’aimable autorisation de Hauser & Wirth Publishers

Depuis 2018, Hauser & Wirth Publishers travaille aux côtés de Lebel et de l’Association Marcel Duchamp pour réaliser la réédition 2021. Recréer un titre fabriqué il y a plus de 60 ans nécessitait des spécialistes à l’image des experts du livre Axel Heil et Margrit Brehmt. Ces derniers ont recréé les polices de caractères originales sous forme de polices numériques, plaçant chaque lettre et image exactement là où elles se trouvaient dans l’original. Des restaurateurs de papier et des imprimeurs ont été consultés, et ensemble, l’équipe collaborative a travaillé pour produire un ouvrage qui correspond à l’édition que Duchamp a personnellement signée en 1959, tout en travaillant avec des outils d’impression contemporains.

Cette réédition rapproche les lecteurs de l’expérience vécue et du processus créatif de l’un des artistes les plus influents du XXe siècle. Depuis la mort de Duchamp en 1968, son héritage et son influence n’ont cessé de croître et d’inspirer de nouvelles générations d’artistes. Le supplément présente une liste de textes qui explorent et questionnent la relation entre Duchamp et Robert Lebel, compte tenu de la réception critique du livre et prolongeant le récit de la communauté, de la vie et du travail de Duchamp qui débute dans la monographie. Un très bel ouvrage qu’on imagine à merveille sous le sapin de Noël pour tout amateur d’art. 

Marcel Duchamp, 2 volumes, Hauser & Wirth Publishers (en anglais)

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