Depuis, ce petit nom familial accueille un grand mélange : street art, skate, ski freestyle, rap, tatouage. Tout ce qui anime Grégory rejoint l’aventure, devenue collective. Aucun scénario de sauveur venu arracher l’art à ses cimaises. « L’art est très bien dans ses adresses habituelles. Moi, c’est juste une autre proposition. » Le moteur tourne à l’envie. Et les passions passent les vitesses.

Les souvenirs font du score
À Balexert, Papajosette enclenche la marche arrière pour mieux réveiller le présent. Destination : les années 1980 et 1990, quand les posters tapissaient les chambres et les bornes d’arcade engloutissaient la monnaie. Cette fois, les parties seront gratuites. La revanche sur les pièces de poche peut commencer.

Une DeLorean exposée et les chaussures de Marty McFly feront vibrer la fibre cinéphile. À quelques pas, une « magazine box » permettra de se photographier en couverture d’un magazine façon Star Club. L’idole punaisée au mur ? Pour une fois, ce sera vous. De quoi offrir à son adolescence une petite séance de rattrapage.

Du poster dans la chambre à la une du magazine : avec la poster box, les idoles peuvent aller se rhabiller. La star, c’est vous! ©DR

Films, séries, dessins animés et musique composent cette bande originale des souvenirs. Durant la première semaine, un artiste peindra chaque jour une référence des années 1980. Le 24 octobre, cosplayers et ateliers pour enfants prendront le relais. Les générations se passent la manette ; personne n’a besoin d’avoir connu le magnétoscope pour entrer dans la partie.

Arrêt sur geste
Le meilleur effet spécial reste pourtant humain. Un artiste travaille, un passant ralentit. On venait chercher du pain, on reste pour le peintre. Entre deux courses, le regard fait un détour. Voir une œuvre se construire permet d’en découvrir les coulisses : une technique, une intention, le sens inattendu de deux personnages réunis. Ce qui paraissait obscur trouve parfois sa lumière dans une simple conversation. Pour Grégory, ces échanges se nouent naturellement. La peinture attire l’œil ; la rencontre retient le visiteur.

Pas question, pour autant, de distribuer des émotions sur ordonnance. Lui demander quelle œuvre conseiller à quelqu’un qui pense ne pas aimer l’art le fait rire : « On est tous différents. » Un tableau, un geste ou une performance touchera chacun à sa manière. Le coup de cœur n’a pas de mode d’emploi. Même à l’époque des notices de magnétoscope.

Petites mains, grandes échappées : avec les ateliers du 24 octobre, la relève prend des couleurs et l’imagination sort du cadre. ©DR

Carte blanche, traits libres
Pour laisser cette rencontre se produire, encore faut-il accepter quelques débordements. Grégory insiste sur la confiance de Balexert, qu’il tient à remercier : le centre lui laisse carte blanche, y compris pour accueillir des cultures et des artistes dont les messages ne caressent pas toujours dans le sens du passage. Une direction artistique donne le cap, puis les créateurs gardent leur liberté. Le street art peut conserver ses angles, le skate ses écarts. Dans un lieu où tant de choses sont alignées, cette latitude ouvre une perspective différente. Balexert accepte que le trait dépasse ; Papajosette y trouve l’espace pour dessiner autre chose.

Et les artistes ne sont pas rémunérés en applaudissements : chacun reçoit un cachet pour sa prestation. Leurs œuvres peuvent ensuite être mises en avant à la galerie papajosette ou à La Citadelle. Sur place, les contacts circulent et des commandes peuvent naître. Derrière le spectacle, le travail continue.

La scène hors rayon
La Citadelle prolonge cette complicité. Ce projet, que l’équipe préparait depuis quelque temps, a pu prendre forme grâce au soutien de Balexert. Artistes et créateurs, notamment locaux, y trouvent une place aux côtés d’une mini-rampe de skate. Les week-ends s’animent au rythme du rap, du breakdance et des rencontres. L’ambition de Grégory : donner à découvrir d’autres univers, au-delà des marques et des franchises que l’on retrouve partout. Faire circuler les talents autant que les visiteurs. Et laisser une trace qui ne s’efface pas au démontage.

Car le souvenir qu’il espère provoquer tient moins du grand frisson que du petit déclic : avoir échangé, appris, ressenti quelque chose. Reconnaître, un an plus tard, cette énergie croisée par hasard. La DeLorean reste garée. Le regard, lui, a changé de vitesse.

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Atelier Magic House en collaboration avec La Ville de Carouge, Le Musée de Carouge et Caran d’Ache, l’artiste Lauren Thiel a conçu sa Magic House dans le cadre de son Master en Media Design à la HEAD — Genève ©DR

Au programme, treize sessions compétitives et une conviction qui dépasse des marges : quelques minutes peuvent suffire à déplacer des montagnes intérieures. La création suisse côtoie les découvertes internationales, le laboratoire des formes dialogue avec le documentaire. Même les petits prennent les grandes décisions : dans les programmes adaptés de 3 à 16 ans, les jeunes spectateurs votent pour leur film préféré. Le discernement n’attend pas le permis de conduire.

Des merveilles et des morsures
L’animation sait aussi appuyer là où le monde fait mal. Seize courts métrages composent la compétition documentaire, traversée par la guerre, les troubles mentaux et la liberté de la presse. Le trait délie ce que les mots nouent. Il donne une forme au vertige, un contour au silence, une voix à ce qui reste coincé dans la gorge. Sous les pigments, les sentiments. Sous la douceur apparente, la secousse. Le dessin autorise ce paradoxe précieux : s’éloigner des apparences pour approcher une vérité. Le réel passe par l’imaginaire et revient, parfois, plus difficile à esquiver.

Souris sous surveillance
Avec Decorado, Alberto Vázquez met un rongeur dans l’engrenage. Sa souris sans emploi soupçonne le monde ultralibéral et ultraconnecté qui l’entoure de n’être qu’un vaste décor. Le doute grignote, la façade se fendille. The Truman Show prend du poil de la bête, et la crise existentielle des airs de piège à fromage. À découvrir en avant-première genevoise au Cinéma Bio.

Decorado d’Alberto Vázquez ©DR

Dans la famille des empêcheurs de rêver en rond, Autour de Minuit fête ses 25 ans avec deux cartes blanches, pour enfants et adultes, présentées par son fondateur Nicolas Schmerkin. Daniel Šuljić, qui a dirigé Animafest Zagreb pendant seize éditions, apporte aussi ses Daniel’s Bangers : deux sélections où poésie et provocation se passent les allumettes. De quoi éclairer quelques zones d’ombre. Ou mettre le feu aux idées fixes!

Noir de rire
Phil Mulloy, lui, taillait ses crayons comme on aiguise une objection. Disparu en 2025, le réalisateur britannique fait l’objet d’un hommage en onze courts métrages au Grütli. Mythes virils, conformisme, autorité, peur de l’autre : ses silhouettes rudimentaires déshabillent des mécanismes autrement sophistiqués.

Arco de Ugo Bienvenu ©DR

Le trait paraît simple. L’attaque porte juste. Sous le grotesque, un miroir ; dans le rire, une écharde. Un cinéma qui gratte le vernis jusqu’à faire apparaître les petites lâchetés bien propres sur elles. Les bonnes manières peuvent patienter dehors.

Totoro, tendre rempart
Après les griffes, la fourrure. Mon voisin Totoro, introduit par le spécialiste de l’animation japonaise Ilan Nguyen, rejoint une réflexion autour du soin, en écho à l’exposition de la Bibliothèque de la Cité Bonjour, ça va ? Petites histoires pour créer du lien. Cette question qu’on lance souvent sans attendre la réponse retrouve soudain sa profondeur. Écouter, accueillir, consoler : la tendresse a du travail.

Mon voisin Totoro ©DR

Avec Arco, Ugo Bienvenu ouvre une autre fenêtre. En 2075, Iris voit tomber du ciel un garçon venu du futur. Sous sa combinaison arc-en-ciel, une aventure où l’écologie rencontre la poésie, où demain garde une chance de ne pas déchanter. Mary Anning, de Marcel Barelli, regarde pour sa part vers une pionnière de la paléontologie longtemps laissée dans l’ombre. Les fossiles remontent à la surface, les préjugés accusent leur âge.

L’imagination déménage
Le festival ouvre aussi la boîte à malices. Pierre-Luc Granjon partage avec le jeune public ses procédés artisanaux, dont le rarissime écran d’épingles : piquer la curiosité devient presque littéral. Au Musée de Carouge, la Magic House de Lauren Thiel transforme les dessins réalisés au sol en images animées. Les idées courent sur le papier avant de prendre leurs jambes à leur cou.

À l’Alhambra, quatre œuvres en réalité virtuelle invitent les spectateurs dès 12 ans à franchir le cadre. Et pour achever de décoiffer les rétines, WTF OFF promet une clôture mordante et délirante. Dix jours de traits libres et d’esprits frondeurs. À Genève, les dessins s’animent. Les idées arrêtées feraient bien d’en faire autant!

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Des fenêtres sur la ville, des portes sur l’imprévu : Concorde conjugue les arts au pluriel ©DR

Porté par la fondation pour le développement des arts et de la culture et la Ville de Vernier, codirigé par Eve-Anouk Jebejian et Frédéric Steinbrüchel, Concorde installe à Châtelaine une ambition à hauteur de quartier : faire cohabiter la création et la vie courante. Que l’une dérange délicieusement l’autre. Que le voisinage devienne un commencement.

Faire chambre commune
Deux salles de spectacle, dix studios de danse, douze salles de musique et un studio d’enregistrement : derrière le rideau, toute une fabrique s’active. Les gestes se cherchent, les partitions se frottent, les œuvres prennent corps. Au restaurant La Noisette, la saison passe aussi dans l’assiette. À l’hôtel Les Loges, les quarante-six chambres permettent même de dormir sur place. De quoi prendre l’expression « habiter la culture » au pied de la lettre. 

L’Orchestre de Chambre de Genève, la filière danse contemporaine du CFP Arts et la Bibliothèque de Châtelaine comptent parmi les résidents. Musiciens au travail, danseurs en devenir, lecteurs de passage : autant de rythmes qui partagent désormais une adresse. La présence du Collectif d’Associations pour l’Urgence Sociale et de la Fondation Officielle de la Jeunesse élargit encore la partition. La pluralité se joue aussi là, dans les personnes auxquelles un lieu fait de la place.

Hôtel Les Loges: du lever de rideau au tomber de sommeil, la culture fait chambre commune avec les rêves ©Concorde

Accords indociles
Pour sa première saison, Concorde annonce quarante-sept propositions et près de cent représentations. Théâtre, danse, musique, cirque contemporain, magie nouvelle : les disciplines ont la bougeotte, et le programme cultive le goût des traversées. Une partition plurielle, avec assez de changements de tempo pour donner des fourmis aux habitudes.

Dès le 3 octobre, ISHA et Limsa d’Aulnay font rouler les syllabes de Bitume Caviar vol. 2. Du grain dans la voix, du bitume dans les vers : le rap ouvre le bal. Les 10 et 11 octobre, Les Indes galantes – De la voix des âmes réunissent notamment Leonardo García-Alarcón, Bintou Dembélé et Cappella Mediterranea. La musique baroque et la danse se donnent rendez-vous, les siècles se rapprochent, les répertoires prennent l’air. À Concorde, passer du flow aux voix lyriques tient déjà de la déclaration d’intention.

Avec Bitume Caviar, ISHA et Limsa d’Aulnay taillent des perles dans le pavé © DR

Les 16 et 17 octobre, le théâtre entre dans la conversation avec La politique du pire d’Adrien Barazzone. Puis les corps reprennent la parole : le 27 octobre, AS WE ARE : Joséphine / Bantu inscrit à l’affiche Germaine Acogny et Gregory Maqoma. Le 31, Pillowgraphies, de La BaZooka, ouvre une parenthèse chorégraphique destinée au jeune public. Une façon d’aiguiser la curiosité dès les premières sorties, lorsque le spectacle est encore ce grand mystère dont on rentre avec les yeux plus grands.

Novembre multiplie les accords et les écarts. Le 80e Concours de Genève s’invite les 7 et 8, avant la performance documentaire Une introduction (revisitée) d’Olga de Soto, les 10 et 11. Le 14, Azur et Asmar rencontre les instruments de l’Orchestre de Chambre de Genève en ciné-concert : les images trouvent un souffle au présent, l’écran une compagnie bien vivante. Le 20, place à CARCAÇA de Marco da Silva Ferreira ; le 25, au jazz de Flore Benguigui & The Sensible Notes ; le 28, à Black Lights de Mathilde Monnier. De la fosse imaginaire à la pulsation des corps, l’automne change de peau sans perdre le rythme. 

CARCAÇA — Marco da Silva Ferreira Les corps s’empoignent, les élans s’emmêlent : CARCAÇA fait du pluriel une force de frappe ©DR

Décembre garde quelques échappées dans sa manche. Le 3, la danse poursuit son mouvement avec Time of my life / Echos, une soirée réunissant les noms de Kiyan Khoshoie, Frank Fannar Pedersen, Javier Rodríguez Cobos et la Tanzkompanie St.Gallen. Les 9 et 10, le Galactik Ensemble investit la piste du cirque contemporain avec Optraken. Les 15 et 16, Étienne Saglio entraîne la programmation du côté de la magie nouvelle avec Les Limbes. Puis Alliance Créative prête ses voix au Doublage improvisé, le 17, avant le rendez-vous hip-hop et rap JUMP X Concorde, le 19. Jusqu’au bout de l’année, les genres jouent à saute-frontières. Une saison à conjuguer à plusieurs temps, plusieurs voix, plusieurs élans et autant de raisons de laisser son agenda prendre des libertés.

Laisser le temps au trouble
Une création demande aussi du temps hors lumière. Celui de tenter, de rater, de reprendre. Concorde engage ainsi une complicité sur trois saisons avec Alliance Créative, le Collectif du Feu de dieu, Kiyan Khoshoie et Pekodjinn. Improvisation, danse, clown, composition musicale : quatre présences pour nourrir le lieu dans la durée. Neuf artistes ou compagnies sont également accueillis en résidence de création ou de recherche durant cette première saison. L’enjeu : offrir aux idées l’espace nécessaire pour devenir des œuvres, et au public des occasions d’en approcher la naissance. 

Avant les rappels, les reprises : entre ces murs, la musique cherche sa voix ©DR

C’est peut-être là que Concorde trouve sa note la plus juste. Dans cette possibilité de fréquenter l’art avant qu’il soit prêt, après les applaudissements, entre deux rendez-vous. D’entrer pour quelque chose et de repartir avec quelqu’un, une question, une envie imprévue. À Genève, une nouvelle scène s’allume. Le plus beau serait qu’elle éclaire aussi ce qui se passe autour.

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Béchir Boussandel devant sa nuée : un oiseau par jour, comme un rituel pour prendre le large ©DR

À Bizerte, les toits plats deviennent atelier à ciel ouvert. Boussandel y déploie ses toiles, travaille avec l’eau et laisse soleil, chaleur et air provoquer leur propre alchimie. Le climat n’est plus seulement autour de l’œuvre : il entre dedans. Le territoire cesse d’être décor pour devenir co-auteur. Pendant longtemps, les toiles commencent ainsi leur existence en Tunisie avant d’être roulées et emportées jusqu’à Paris, où l’artiste les reprend à l’huile. Elles voyagent donc avant même de parler du voyage. Bizerte dans leurs fibres, Paris dans leurs pigments, et entre les deux cette traversée qui imprègne déjà la matière. Aujourd’hui, Boussandel vit davantage à Tunis et y accomplit l’ensemble du processus. Mais ce mouvement initial demeure comme une mémoire enfouie sous la peinture.

Se perdre pour mieux peindre
Le toit n’est pourtant que le premier souffle de l’œuvre. « Cette partie me donne vraiment le dessin, la dynamique du tableau », précise-t-il. Une fois revenu à l’atelier, il reprend la toile, intensifie les couleurs, en change parfois totalement la tonalité. Puis apparaissent les personnages, les objets, les soleils. Et enfin l’ombre. Elle est ce fil sombre qui recoud ses deux langages, celui de l’abstraction et celui de la figuration. Une couture entre ce que l’on reconnaît et ce que l’on ressent.

Quand l’abstraction prend de la hauteur, le paysage perd ses frontières ©DR Claire de lune huile et acrilyque sur toile 100X130 CM

Reste l’éternelle question du peintre : quand s’arrêter ? Boussandel n’a pas vraiment de réponse. Et c’est peut-être précisément là que commence sa recherche. Il aime que l’œuvre lui échappe suffisamment pour encore pouvoir le surprendre. Dans ses bas-reliefs aussi, la couleur dicte progressivement le pli, la courbe, le mouvement, sans qu’il sache exactement quelle forme apparaîtra. « Pour un artiste, c’est vraiment intéressant de ne pas savoir », glisse-t-il. Une profession de foi presque. Chez Boussandel, perdre le nord n’empêche jamais de trouver sa voie.

Quand le soleil fait de l’ombre
Même le titre de l’exposition chez Tribe joue à désorienter : L’ombre du soleil. Un paradoxe que l’artiste savoure puisque, rappelle-t-il, « le soleil n’a pas d’ombre. C’est nous qui avons une ombre grâce à lui ». Mais derrière la pirouette poétique se cache une vraie problématique picturale. Boussandel a fait disparaître la ligne d’horizon. Ses territoires sont vus d’en haut. Sans horizon, plus de ciel. Et sans ciel, où placer le soleil ? Plutôt que résoudre l’équation, il dérègle les astres. Dans certaines œuvres, deux soleils cohabitent. Les ombres s’élancent dans des directions contradictoires comme si plusieurs heures, plusieurs lieux et plusieurs lumières s’étaient glissés dans le même instant. Une sorte de décalage horaire pictural, qui résonne forcément avec la trajectoire d’un artiste partagé entre plusieurs géographies.

Deux toiles, plusieurs soleils : chez Boussandel, même les ombres perdent le nord et l’orient ©DR

Mais « partagé » serait presque le mauvais mot. Car Boussandel ne vit pas cette pluralité comme une fracture. Lorsqu’il évoque ses appartenances, il parle plutôt de « sédiments », de quelque chose « qui s’accumule », une richesse qu’il considère comme « une chance et une force ». Pas de moitié française contre une moitié tunisienne, donc. Des couches qui s’ajoutent jusqu’à fabriquer un territoire nouveau.

Prendre de la hauteur, perdre les frontières
Cette géographie intime explique peut-être pourquoi ses territoires semblent ne jamais vouloir finir. Les silhouettes humaines y sont minuscules, presque avalées par la couleur. Non pour raconter l’insignifiance de l’homme, mais pour donner davantage d’espace au mouvement, à la matière et à cette étrange quiétude que recherche l’artiste. Boussandel bouleverse surtout notre position de spectateur. Formé à une tradition occidentale où le paysage se construit à hauteur d’homme, il retire la ligne d’horizon et nous fait symboliquement décoller. À vol d’oiseau, la perspective change. Et les frontières avec elle.

Lors d’un vol entre Tunis et Alger, raconte-t-il, rien dans le paysage ne permet de savoir précisément où finit la Tunisie et où commence l’Algérie. Les reliefs demeurent, la terre continue, mais la ligne politique s’évapore. Vue du ciel, la géographie subsiste. La frontière, elle, perd pied. Ses tableaux obéissent au même principe. Ils pourraient se prolonger au-delà de leur cadre puisque, comme il le dit joliment, « la seule chose qui les arrête, c’est le bord du tableau ». Et lorsqu’on lui demande ce qui demeure après avoir supprimé horizon et frontières, Boussandel revient à l’essentiel : « La peinture. La couleur et la peinture. »

La couleur prend forme, se plie, se déploie : la peinture sort du cadre ©DR

La Méditerranée pour territoire
Entre l’Afrique et l’Europe coule pourtant une mer que l’on s’obstine à regarder tantôt comme une séparation, tantôt comme un passage. Pour Boussandel, la question est presque plus simple : « La Méditerranée, c’est vraiment mon territoire. » Une mer pour maison. Plusieurs rives pour racines.

Cette fascination cartographique déborde désormais du tableau. À partir de briques rouges semblables à celles que l’on retrouve en Tunisie, l’artiste recompose des cartes. Après avoir travaillé sur les pays africains, il imagine aujourd’hui la Méditerranée. Avec une petite subversion chromatique : lui retirer son bleu. Privée de la couleur par laquelle nous avons appris à l’identifier, la mer devient soudain une forme familière et pourtant étrangère. L’œil reconnaît une carte sans immédiatement savoir ce qu’il regarde. Changer la couleur pour brouiller la carte. Brouiller la carte pour déplacer nos certitudes.

Adossés au vide
Ce déplacement se retrouve jusque dans ses sculptures. Des silhouettes adoptent la posture familière de celui qui s’appuie contre un mur. Sauf qu’il n’y a plus de mur. Boussandel l’a retiré. Ne reste que le corps, suspendu dans son attente. Une temporalité qui l’obsède depuis longtemps. Étudiant, il travaillait déjà autour des cages d’escalier et des arrêts de bus, ces lieux conçus pour passer mais que l’on détourne parfois pour rester. Il observe ces jeunes qui s’installent dans un abribus sans attendre le moindre bus. À Marrakech, lors d’une résidence, c’est un vieil homme accroupi pendant des heures au même endroit qui capte son attention. Une manière, dit-il, de « faire partie du monde sans en faire partie ». En supprimant le mur de ses sculptures, il pousse l’idée plus loin encore. Plus d’architecture à laquelle appartenir, plus de maison pour assigner le corps à une adresse. Le lieu devient simplement celui où l’on se trouve. Un homme, du vide et toute la place du monde.

Adossé au vide : quand le mur disparaît, l’attente devient territoire ©DR

Mille oiseaux pour prendre le large
Puis soudain, sur le mur de TRIBE Gallery, le territoire prend des ailes. Près d’une centaine d’oiseaux s’y déploient. Une fraction seulement d’une nuée commencée il y a environ deux ans et demi, lorsqu’une résidence ne permet pas à Boussandel de peindre comme il en a l’habitude. Il s’impose alors un rituel : un oiseau par jour, au minimum. Depuis, à la sortie de sa chambre à Tunis, une table et quelques aquarelles l’attendent chaque matin. Avant le café, avant les appels, parfois même avant d’avoir complètement atterri de la veille, il peint son oiseau. Certains jours en voient naître quatre ou cinq. Plus d’un millier auraient aujourd’hui pris leur envol.

Tous sont datés. Certains légers et délicats, d’autres plus nerveux. Des sortes de météos intérieures dont l’artiste ne découvre parfois le climat qu’après coup. Mais derrière la poésie du rituel affleure encore cette obsession des territoires. La série naît précisément au moment où Boussandel travaille sur les frontières de la Méditerranée. L’oiseau devient alors un délicieux contrebandier géographique. Il traverse. Sans visa. Sans douane. Sans demander à quelle rive il appartient. Une diaspora de papier, une migration à l’aquarelle.

Une diaspora de papier : des oiseaux sans visa, sans douane, sans frontière ©DR

Politique en sourdine, poésie en pleine lumière
Il serait facile de lire tout cela comme un manifeste politique. Migration, identité, territoire, frontières : le vocabulaire est là. Mais Boussandel préfère déplacer plutôt que dénoncer, suggérer plutôt qu’asséner. « Je suis plutôt du côté de la poésie que du côté de la politique », insiste-t-il. Et c’est peut-être précisément ce qui rend son œuvre politique malgré elle. Rien n’y est martelé. Les idées circulent sous la surface, comme les courants sous la Méditerranée.

À Genève, pour sa première exposition suisse, cette géographie mouvante trouve un écho presque malicieusement approprié. Ville internationale, diplomatique, bardée de frontières symboliques autant qu’administratives, elle accueille un artiste qui passe son temps à les dissoudre. Lui retient surtout autre chose du vernissage : la diversité des visiteurs et la manière dont des personnes venues d’horizons différents ont projeté leur propre histoire sur ses œuvres. Plus ses territoires deviennent anonymes, plus ils deviennent universels.

Un jour, un oiseau, une émotion : Boussandel donne des ailes à ses humeurs ©DR

L’ombre lui va si bien
Reste une dernière frontière à soumettre à Béchir Boussandel. S’il pouvait en effacer une ? Cette fois, pas d’abstraction : « Celle entre l’Afrique et l’Europe, c’est sûr. » Et entre l’ombre et le soleil, où se situe-t-il lui-même ? L’artiste se dit plutôt homme de l’ombre. Ironie lumineuse : il a choisi un métier qui l’oblige à s’exposer. Alors il cherche l’entre-deux. Cet endroit où semblent également vivre ses œuvres, quelque part entre abstraction et figuration, France et Tunisie, départ et attente, maîtrise et hasard, ombre et lumière.

Béchir Boussandel ne peint finalement peut-être ni un pays ni un paysage. Il peint ce qui demeure lorsque les lignes s’effacent : des mémoires qui se sédimentent, des couleurs qui dérivent, des origines qui se mêlent sans jamais se renier. Un monde où appartenir ne signifie plus choisir, où l’ailleurs peut aussi être chez soi, où l’horizon disparaît pour mieux laisser l’infini entrer dans la toile. Car les frontières sont peut-être moins des lignes qui séparent les terres que celles que les hommes dessinent dans leurs têtes. Et tandis que nous persistons à découper le monde pour tenter de le posséder, ses oiseaux nous rappellent, d’un battement d’ailes que certaines frontières n’existent finalement que parce que nous avons décidé d’y croire.

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Rue Henri-Blanvalet, Kakinuma sait parler cette langue-là. Celle du détail qui compte, du plaisir qui prend son temps, de l’attention qui n’attend pas d’applaudissements. Une adresse inscrite dans ce carnet très court des tables auxquelles on confie ses envies les yeux fermés et la bouche béante. On pousse la porte à Genève. Quelque chose, déjà, est rentré au Japon.

Un sourire de porcelaine, quelques pétales : le Japon habite aussi les détails © Kakinuma

De père en repères
En 2006, Shinya Kakinuma quitte son poste de chef sushi chez Uchino, à Versoix, pour reprendre le Yamakawa avec son épouse Sho. Le couple y installe son nom, ses convictions, son quotidien. Une maison se construit ainsi : à force de journées entières consacrées à quelques heures de bonheur pour les autres.

Leurs fils, Yosuke et Kohei, grandissent entre les tables avant de se former à l’École hôtelière de Lausanne. Aujourd’hui, ils prolongent l’histoire familiale. L’enfance a changé de place, passant de la salle aux responsabilités ; le fil, lui, ne s’est pas rompu. À quatre mains hier, à plusieurs aujourd’hui, les Kakinuma donnent à la transmission une saveur bien vivante.

Shinya et Sho, entourés de leurs fils Yosuke et Kohei : deux générations, vingt ans, le même goût de transmettre © Kakinuma

De soie et de feu
Le voyage commence à petites bouchées. Thon rouge et poireaux à la sauce sumiso ouvrent la conversation ; l’escabèche de poisson à la japonaise lui donne du relief. Des entrées qui aiguisent l’appétit et la curiosité, jusqu’à cette délicieuse indécision : prolonger la bouchée ou découvrir la suivante ? Puis le chaud prend la relève. L’agedashi rejoint les fidèles du cœur, le chawanmushi, flan d’œuf salé à la japonaise, invite à ralentir. La cuillère entre en scène, les baguettes prennent une pause. Côté grillades, le feu écrit la suite. Le black cod, mariné à la lie de saké puis grillé, dialogue avec le filet de bœuf Wagyu, cuit au charbon de bois. Deux façons de faire monter la gourmandise d’un ton, sans couvrir la voix du produit. La braise signe, la saveur persiste.

Le bonheur tient à un grain
Viennent les nigiri. Le thon gras, le saumon aburi (passé au chalumeau), la crevette cuite, le loup de mer, la palourde japonaise et cette manière de ramener tout le plaisir à une bouchée. Quelques grains de riz portent soudain beaucoup plus qu’eux-mêmes : une envie ancienne, un souvenir de voyage, la promesse très concrète d’en reprendre un.

L’unagi garde une place à part dans cette géographie gourmande. Un de ces goûts que l’on retrouve comme une chanson dont on connaît chaque détour, et qui fait pourtant son effet à chaque fois. À table, la fidélité a parfois du bon : elle permet de mesurer combien un plaisir familier peut rester intact.

Un pan de tissu, un pays tout entier. Aux Eaux-Vives, le Japon se trouve à un seuil d’ici © Kakinuma

Une maison, des horizons
Avec le Temaki Bar, Sando & Saoko et la reprise de Namura, la famille a ouvert d’autres chapitres. Rue Henri-Blanvalet, la maison historique demeure le point d’attache. C’est autour d’elle que les forces se sont resserrées pendant la pandémie, avec une offre à emporter lancée dès le premier jour du confinement. Une adresse pour tenir, puis pour repartir.

Vingt ans se lisent ainsi dans les liens autant que dans les assiettes. Des enfants devenus passeurs, des clients devenus habitués, des envies devenues rendez-vous. Et ce privilège discret : pouvoir retrouver, au détour d’une rue genevoise, un pays que l’on croyait avoir quitté. Ainsi, Kakinuma garde ce don rare : faire du lointain un lieu familier. Le Japon au bout des baguettes, et l’envie de revenir avant même de repartir.

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Trop, c’est précisément le concept
Pendant plusieurs saisons, la mode nous avait habitués à chuchoter. Du beige, des coupes parfaites, des logos invisibles et un quiet luxury transformé en véritable art de vivre. Avec le whimsy, changement radical d’ambiance : on ressort les bijoux fantaisie, les textures irisées, les maquillages colorés et tout ce qui pourrait vaguement réfléchir la lumière.

La tendance s’inscrit dans un mouvement plus large de retour vers une mode joyeuse et décomplexée. Sur scène, certaines pop stars en ont déjà fait leur terrain de prédilection. Zara Larsson multiplie les silhouettes scintillantes et les maquillages hauts en couleur, tandis que Sabrina Carpenter cultive depuis plusieurs saisons cette allure de princesse glamour, quelque part entre pin-up, poupée et héroïne de comédie romantique. Une esthétique aux antipodes du minimalisme clinique qui a longtemps dominé Instagram. 

Le principe du whimsy est finalement assez simple : partir d’un objet parfaitement banal et lui offrir une deuxième vie, beaucoup moins raisonnable. Un miroir ? On lui colle des cristaux. Une paire de lunettes ? Quelques charms. Une manucure ? Des perles, des étoiles et des strass, évidemment. Même le gobelet du café du matin peut devenir un petit objet de collection. C’est excessif, parfois franchement kitsch, mais c’est justement ce qui fait tout son charme. Là où le minimalisme cherche l’équilibre parfait, le whimsy préfère l’accumulation. Il n’essaie pas vraiment d’être chic. Il essaie surtout d’être fun.

Sur TikTok, cette envie de tout customiser est devenue suffisamment importante pour transformer le whimsy en véritable micro-tendance. Vogue relevait en août que le hashtag comptabilisait déjà plus de 600 000 vidéos. Une esthétique facile à adopter, puisqu’elle ne demande finalement qu’un peu de colle, quelques strass et une bonne dose de lâcher-prise.

Retour vers 2005
Difficile également de parler de whimsy sans évoquer la gigantesque machine à nostalgie qu’est devenue la mode ces dernières années. Après les jeans taille basse, les ballerines, les charms de téléphone ou encore le retour improbable des feuilles Diddl, la Gen Z continue de fouiller dans les souvenirs des années 2000. Le whimsy touche peut-être justement quelque chose de plus intime que la simple tendance mode. Il rappelle les trousses couvertes de stickers, les carnets décorés au gel pailleté, les ateliers scrapbooking et toutes ces heures passées à personnaliser absolument tout ce qui pouvait l’être.

Une forme de DIY sentimental, en somme
Car derrière les strass se cache aussi une envie très contemporaine : retrouver des objets qui ne ressemblent pas à ceux de tout le monde. À l’heure où les mêmes vêtements, les mêmes cafés et les mêmes intérieurs circulent en boucle sur nos feeds, personnaliser devient presque une petite manière de reprendre le contrôle.La règle non officielle pourrait tenir en une phrase : si quelque chose peut être décoré, alors pourquoi le laisser tranquille ? Le téléphone, le sac, le miroir de poche et même les écouteurs deviennent alors de minuscules supports d’expression. Pas besoin de révolutionner son dressing : parfois, cinq strass et une breloque en forme de cerise suffisent.

Une tendance qui refuse de grandir
Il y a aussi quelque chose de délicieusement enfantin dans cette obsession du brillant. Et ce n’est probablement pas un hasard. La Gen Z entretient depuis plusieurs années une relation très libre avec les codes de l’enfance : peluches accrochées aux sacs, bijoux en plastique, barrettes colorées, figurines à collectionner ou accessoires dignes d’un coffre à jouets. Le bon goût traditionnel laisse progressivement la place à quelque chose de beaucoup plus affectif. Un objet peut être absurde, inutile ou légèrement ridicule et malgré tout devenir désirable simplement parce qu’il provoque une émotion.

Le whimsy fonctionne exactement comme cela. Il autorise à aimer quelque chose uniquement parce que c’est joli, drôle ou réconfortant. Pas besoin de discours très sérieux sur l’élégance intemporelle. Et finalement, il y a peut-être quelque chose d’assez libérateur dans cette manière de remettre la fantaisie au centre. Après plusieurs années dominées par le minimalisme, le clean girl look et les dressings parfaitement coordonnés, la tendance semble dire qu’on peut aussi avoir envie d’être un peu trop. Trop brillante, trop rose, trop chargée. Et alors ?

Mettre des paillettes dans son mardi
Le véritable succès du whimsy tient peut-être là : il ne transforme pas seulement notre manière de nous habiller, mais surtout notre manière de regarder les petites choses. Mettre des strass sur son gobelet ne changera probablement pas le monde. Mais cela peut rendre le café de 8 h 12 légèrement plus amusant. Ajouter trois étoiles sur son maquillage ne résoudra aucun problème existentiel, mais fera peut-être sourire dans le miroir avant de sortir. Et dans une époque où tout semble devoir être utile, rentable, esthétique et parfaitement optimisé, faire quelque chose simplement parce que cela nous amuse paraît presque subversif.

Alors oui, le whimsy est kitsch. Oui, il rappelle parfois le rayon loisirs créatifs d’une papeterie en 2006. Et oui, certaines créations mériteraient probablement d’être vues uniquement avec des lunettes de soleil. Mais c’est précisément pour ça qu’on l’aime.

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Green Flash : trois flacons, mille façons de sortir les griffes © Manucurist

Gaëlle décide de changer la donne, formule après formule. Green ouvre le bal en 2017 avec des vernis biosourcés. Green Flash prend le relais : un semi-permanent LED dont la dépose se fait à la maison, sans acétone. En 2024, Active glisse le soin sous la couleur pour les jours où l’on veut briller à voix basse. Manucurist transforme ainsi un geste de beauté en terrain de jeu : assez de tenue pour en profiter, assez de liberté pour changer d’idée.

Matcha mania
Dix ans plus tard, les flacons voyagent dans plus de 40 pays et la marque revendique plus d’1,5 million d’utilisatrices. Une belle récolte pour une histoire née autour d’une table de manucure. Mais cet anniversaire se raconte mieux en couleur qu’en chiffres.

Milky Matcha : un latte dans la main, son vert au bout des doigts ©Manucurist

Voici donc Milky Matcha. Un vert laiteux emprunté au matcha latte, tendre au premier regard, plus audacieux une fois posé. La nuance se décline en édition limitée en Green et Green Flash. Elle apporte au bout des doigts ce petit grain de fantaisie qui change l’allure d’un geste, sans faire de bruit. De la mère à la fille, du salon au monde entier, Manucurist a gardé le même fil : une main tendue vers la suivante. Dix ans de couleurs plus tard, l’histoire continue de s’écrire à même les ongles. Et manifestement, Gaëlle n’a pas fini d’en tourner les pages.

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De cet héritage germe Belle Luce. La fondatrice se forme à la cosmétologie naturelle, approfondit ses connaissances auprès d’herboristes, de distillateurs et d’horticulteurs, puis s’entoure de compétences scientifiques. Le jardin nourrit l’intuition ; le laboratoire précise la formulation. Entre terre et éprouvette, la marque cherche le point de rencontre entre savoir transmis et savoir acquis. Une botanique qui a de la suite dans les idées.

Une étoile dans le viseur
L’edelweiss aurait pu rester une fleur de carte postale. Chez Belle Luce, elle quitte le paysage pour entrer dans la composition. Son intérêt tient notamment à ses composés antioxydants, dont l’acide léontopodique. Derrière le duvet délicat, une chimie de la résistance : les plantes alpines développent des moyens de défense face aux contraintes de leur environnement, notamment à l’exposition aux UV. Des mécanismes que la recherche explore pour la cosmétique.

Toute la démarche consiste à passer de la fleur à la formule. Car mettre une montagne sur une étiquette est une chose ; travailler ses ressources en est une autre. Belle Luce collabore avec des producteurs valaisans et des spécialistes des plantes alpines pour élaborer ses extraits et ses soins. Le terroir devient matière à recherche, autant que matière à récit.

Droit dans les yeux
C’est l’Élixir Contour des Yeux à l’edelweiss qui a fait l’objet du test à la rédaction. Quinze millilitres pour déplacer le regard vers cette petite maison suisse. Dans sa formule, l’extrait d’edelweiss biologique rencontre un complexe bio-technologique d’origine naturelle breveté. La marque annonce 99,7 % de naturalité et une fabrication suisse, avec une attention portée aux peaux sensibles.

Son ambition cosmétique : apporter du confort et aider à atténuer l’apparence des rides. Belle Luce décrit une texture fluide, non collante, à appliquer en quelques gouttes, matin et soir, par un massage délicat. Le geste tient en peu de mots, et presque aussi peu de mouvements. Une parenthèse au bord des cils, là où les journées déposent parfois leurs points de suspension.

L’œil du jury
Ce petit flacon a aussi attiré d’autres regards. Après deux ans et demi de développement, l’élixir a reçu un prix d’excellence aux European Natural Beauty Awards 2025. Une reconnaissance qui donne de la visibilité à une marque encore discrète, dans un secteur où les grandes promesses occupent volontiers tout le champ de vision.

De son jardin valaisan à cette distinction européenne, Belle Luce trace un chemin à sa mesure. Celui d’une fondatrice qui a changé de vie pour regarder de plus près ce qui poussait près d’elle. Et rappeler, au passage, qu’à force de chercher la beauté à perte de vue, on oublie parfois de baisser les yeux.

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Ici, l’électrique ne fait pas de la figuration. Il tient le premier rôle. Le thermique joue plutôt la doublure expérimentée : discret tant qu’on n’a pas besoin de lui, indispensable lorsque le scénario se complique. Batterie chargée, la consommation peut descendre autour de 2,5 à 3 l/100 km selon les conditions d’utilisation. Et lorsque les électrons ont quitté la salle, notre consommation urbaine n’a jamais dépassé environ 5,3 l/100 km. Et surtout, la Seal 6 DM-i sait faire disparaître complètement le thermique du générique. Un mode dédié permet de rouler exclusivement à l’électricité et, lors de notre essai, d’approcher les 100 kilomètres réels sans réveiller le moteur essence. Pas besoin de DeLorean pour entrevoir le futur : il ressemble peut-être simplement à une voiture assez intelligente pour ne pas mettre tous ses électrons dans le même panier.

Road movie sans suspense. Près de 100 km en électrique au quotidien, plus de 1 200 km d’autonomie cumulée pour voir défiler le générique très loin de la maison © BYD

Mad Max peut attendre
Car le nerf de la guerre reste l’autonomie. La révolution électrique a engendré son propre genre cinématographique : le road movie avec planificateur d’itinéraire. On ne se demande plus seulement où déjeuner ou dormir. On étudie les bornes, leur puissance, leur disponibilité, leur opérateur et parfois leur humeur. Un simple départ en vacances peut prendre des airs de mission préparée par Ethan Hunt. La Seal 6 DM-i coupe court au suspense.

En ville et sur les trajets quotidiens, l’électrique assure l’essentiel du spectacle. Lorsque la batterie s’épuise ou que l’autoroute commence à dérouler son interminable travelling, le thermique entre en scène sans rupture de rythme. Avec batterie et réservoir pleins, l’autonomie cumulée peut dépasser les 1 200 kilomètres, selon la version et les conditions de conduite. Pas de détour absurde pour récupérer quelques pourcents. Pas de déjeuner imposé sur une aire d’autoroute parce qu’une borne annoncée « rapide » pratique soudain le cinéma d’auteur. On recharge quand on peut. On roule quand on veut. Dans l’automobile électrifiée contemporaine, cette liberté commence presque à ressembler à un luxe.

Cinémascope à bord
Avec ses proportions généreuses, la Seal 6 DM-i préfère clairement le Cinémascope au format de poche. Et contrairement à certaines voitures dont les centimètres supplémentaires semblent principalement destinés à compliquer les créneaux, son gabarit profite réellement à l’habitabilité. L’empattement généreux libère beaucoup d’espace à bord. À l’avant comme à l’arrière, les passagers voyagent confortablement, les jambes s’allongent et personne n’est relégué au rang de figurant.

Sur longue distance, cette sensation d’espace prend tout son sens. La Seal 6 DM-i ne se contente pas d’être une hybride efficace pour le quotidien : elle possède les attributs d’une véritable routière. Une voiture capable de jouer les scènes urbaines en semaine et de passer au road movie le week-end sans changer de casting.

Cinémascope à bord. Habitacle généreux, confort au premier rang comme au second © BYD

Fast, mais pas Furious
L’hybridation n’a pas seulement vocation à faire baisser les chiffres affichés à la pompe. Elle se ressent aussi sous le pied droit. Le couple instantané délivré par les moteurs électriques donne à la Seal 6 DM-i des reprises franches. Lorsqu’il faut s’insérer, relancer ou dépasser, la réponse arrive immédiatement.

Cut. Accélérateur. Action.
Pas de réunion diplomatique interminable entre thermique et électrique avant de décider qui prend la parole. La poussée est disponible quand on la réclame, sans pour autant transformer chaque départementale en casting sauvage pour Fast & Furious. C’est précisément ce qui fonctionne : les performances restent au service de l’agrément et de la sécurité plutôt que de la démonstration. La voiture conserve du répondant tout en maintenant une consommation mesurée. Elle sait montrer les muscles sans vider le réservoir pour le prouver.

There Will Be… moins de pétrole
Difficile pourtant d’essayer cette voiture aujourd’hui sans regarder quelques secondes au-delà du pare-brise. There Will Be Blood racontait le pétrole comme instrument de fortune, de pouvoir et de domination. Plus d’un siècle après les premières grandes ruées vers l’or noir, le casting a changé, mais l’intrigue reste étrangement familière. Le pétrole n’est toujours pas une simple matière première. Il demeure un levier économique, diplomatique et stratégique.

Une crise éclate, un détroit se crispe, une sanction tombe, quelques déclarations s’enveniment et le baril s’agite. Puis la géopolitique mondiale finit, avec une ponctualité remarquable, par apparaître en petits chiffres lumineux sur le panneau de la station-service. C’est ici que la proposition de BYD dépasse la simple question technique : réduire sa dépendance au carburant sans transférer toute sa dépendance vers une borne. Ni renoncer aux avantages de l’électrique, ni subir ses contraintes lorsqu’il faut traverser un pays. Dans ce grand There Will Be Blood énergétique, la Seal 6 DM-i préfère manifestement qu’il y ait surtout… moins de pétrole.

Le bon scénario
La vraie force de la Seal 6 DM-i, c’est qu’elle ne se contente pas de jongler intelligemment entre ses deux motorisations. Elle laisse aussi le conducteur prendre la main sur le scénario. Une pression sur un bouton suffit pour passer en mode 100 % électrique. Et pour qui dispose d’une borne à domicile et peut recharger chaque soir, l’hybride rechargeable change presque de nature : au quotidien, le moteur thermique peut rester dans les coulisses. Sur le papier, les chiffres constructeurs annoncent davantage. Dans la vraie vie, celle des feux rouges, des accélérations et de la climatisation, nous avons pu approcher les 100 kilomètres en mode entièrement électrique. De quoi couvrir largement la plupart des trajets quotidiens sans brûler une goutte d’essence.

Et c’est peut-être là que le scénario devient le plus convaincant : la Seal 6 DM-i peut se comporter comme une électrique tant que l’usage le permet, sans imposer son principal suspense dès que la route s’allonge. Elle prend à l’électrique son silence, son couple et sa sobriété. Au thermique, elle conserve l’endurance et la liberté des longues distances. Mais surtout, elle laisse le conducteur décider qui entre en scène et quand. Pas de dogme. Pas de guerre de chapelles. Pas besoin de connaître la fin du film avant d’acheter son billet. Dans le grand blockbuster de l’électrification, la BYD Seal 6 DM-i ne choisit pas entre deux scénarios : elle permet de changer de film en cours de route.

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Car Dafné Kritharas ne collectionne pas les influences : elle les digère. Sa voix passe du murmure à la morsure, de la plainte à l’envolée, avec cette façon presque insolente de donner l’impression qu’elle chante depuis plusieurs siècles et exactement maintenant.

Prier, pécher, recommencer
Avec Prayer & Sin, son troisième album, le titre donne déjà le ton : prière et péché sont invités à la même table. Le sacré se frotte au charnel, la ferveur au désir, les instruments acoustiques aux pulsations contemporaines. Piano, guitare, cordes et sonorités orientales construisent un territoire mouvant où les étiquettes deviennent vite encombrantes.

Ses chansons convoquent des femmes blessées, des amantes, des exilés, des marins, des morts et quelques fantômes mythologiques. Des histoires qui semblent parfois avoir traversé les siècles avant de venir nous souffler quelque chose de terriblement actuel à l’oreille. Chez elle, les mythes ne prennent pas la poussière. Ils transpirent.

De la tragédie à la transe
Sur scène, Dafné Kritharas ne se contente pas de chanter. Elle raconte, incarne, convoque. Une histoire précède parfois une chanson, quelques mots ouvrent une brèche, puis la voix s’y engouffre. Grave, cristalline, fragile puis soudain féroce. On croit entrer dans une complainte et l’on finit presque dans une fête de village grecque.

Les panigyria, ces célébrations populaires qui ont accompagné ses étés helléniques, rôdent d’ailleurs derrière sa musique. Car chez Dafné, même la mélancolie possède un sens du rythme. Le chagrin danse, la joie garde ses cicatrices et la tragédie finit toujours par trouver un tambour.

L’odyssée fait escale à Plan-les-Ouates
Le 2 octobre, cette Méditerranée-là accoste à l’Espace Vélodrome de Plan-les-Ouates dans le cadre de la Saison culturelle, en collaboration avec JazzContreBand. Entourée de Camille El Bacha au piano, Milan Tabak à la batterie, Pierre-Antoine Despatures à la contrebasse et Louis Desseigne à la guitare, Dafné Kritharas y déploiera Prayer & Sin pendant une heure trente.

Pas besoin de billet pour Athènes. Ce soir-là, quelques accords devraient suffire pour faire dériver Genève vers le sud. Et quelque part entre la prière et le péché, il faudra surtout éviter de choisir.

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Pour sa quatrième édition, The World’s 50 Best Hotels change de chambre et, surtout, d’adresse. Après trois cérémonies londoniennes, le classement traverse la Manche pour poser pour la première fois ses valises à Paris. Go Out! était dans la salle. Et derrière la mécanique millimétrée d’une cérémonie internationale, quelque chose déborde très vite du protocole : l’émotion. Les numéros défilent à rebours. Les regards se cherchent. Les mains se serrent. Puis un nom tombe et une table explose. On se lève, on s’enlace, parfois on pleure. Ceux qui passent leur vie à orchestrer les émotions des autres se retrouvent soudain submergés par les leurs. Le luxe perd alors un peu de son lustre pour gagner beaucoup d’humanité.

Hong kong, toujours plus haut
Au sommet, Rosewood Hong Kong refuse de rendre sa couronne. Déjà numéro un en 2025, le géant posé au-dessus de Victoria Harbour conserve son titre de World’s Best Hotel. Soixante-cinq étages, 413 chambres et suites, onze restaurants et bars, un vaste espace bien-être Asaya : l’adresse imaginée par Tony Chi ne se contente plus de tutoyer le ciel, elle semble y avoir pris résidence.

Bangkok lui souffle pourtant dans le cou. Capella Bangkok prend la deuxième place tandis que Four Seasons Bangkok at Chao Phraya River complète le podium. L’Asie impose 18 établissements dans le Top 50, mais l’Europe joue les grandes dames avec 21 adresses classées. L’Italie et la France en comptent chacune six. Passalacqua, perle posée sur le lac de Côme, atteint la cinquième place et conserve pour la troisième année son Best Boutique Hotel Award. Un bal de géants, donc. Puis les Alpes entrent dans la danse.

Un palace, un pays, un frisson
Badrutt’s Palace. Saint-Moritz. Numéro 36. Quelques mots sur un écran et notre cœur helvétique prend soudain de l’altitude. Seul établissement suisse à intégrer le Top 50 cette année, le palace grison aurait déjà pu savourer son entrée dans ce cercle très serré. Mais Paris lui réservait un supplément d’âme : le SeiBellissimi Art of Hospitality Award, qui récompense l’excellence du service, le souci du détail et l’expérience offerte aux hôtes. Une première pour une adresse suisse.

Et c’est peut-être là que le prix devient particulièrement beau. Dans une industrie capable de compter les suites, les étoiles, les mètres carrés et parfois jusqu’aux fils des draps, Badrutt’s est distingué pour ce qui ne se mesure presque pas. Un geste. Un regard. Une attention. Cette science subtile d’être présent sans peser, de prévoir sans paraître, de transformer un séjour en souvenir avant même que l’on ait compris pourquoi. Car recevoir est un métier. Faire se sentir attendu est un art.

La précision sans la partition
Ouvert en 1896, Badrutt’s Palace pourrait facilement se contenter de son histoire. Plus d’un siècle face au lac de Saint-Moritz, une silhouette de château devenue icône, des générations de têtes couronnées, d’artistes et de voyageurs passées sous ses plafonds. Mais une légende qui se contente de se regarder vieillir finit en musée. Badrutt’s préfère le mouvement.

Ici, l’héritage ne s’empaille pas, il s’incarne. Le cérémonial conserve son panache sans prendre la poussière. La précision reste suisse, mais jamais froide. Et derrière le décor de conte alpin se joue chaque jour une chorégraphie presque invisible, portée par celles et ceux qui savent que le véritable luxe commence souvent là où l’effort disparaît. Pas besoin d’en faire des tonnes quand chaque détail pèse son gramme d’or.

Cinquante nuances de nuit
Pendant ce temps, la planète palace poursuit sa révolution. Rosewood São Paulo bondit jusqu’à la sixième place. Casa Maria Luigia, l’univers de Massimo Bottura à Modène, signe la plus haute nouvelle entrée en surgissant directement au 18e rang. Patina Osaka, 33e, repart avec le Best New Hotel Award. Atlantis The Royal à Dubaï, quatrième mondial, décroche le Best Beach Hotel Award. Au Mexique, Chablé Yucatán, neuvième, reçoit l’Eco Hotel Award, tandis que Las Ventanas al Paraíso réalise une envolée de dix-neuf places pour atteindre le 25e rang.

Et Paris ne se contente pas de prêter ses ors à la cérémonie. Hôtel de Crillon grimpe jusqu’à la 14e place, Le Bristol se pose au 19e rang, Cheval Blanc Paris au 20e, tandis que Plaza Athénée fait son entrée dans le classement à la 41e place. Cinquante hôtels. Six continents. Autant de manières de réinventer cette vieille obsession humaine : partir ailleurs pour se sentir, quelques nuits, exactement à sa place.

Derrière les étoiles, des humains
The World’s 50 Best Hotels repose sur les votes d’une Academy de plus de 800 membres répartis dans treize régions du monde : hôteliers, journalistes spécialisés, professionnels du secteur et voyageurs aguerris. Chaque votant choisit ses adresses à partir de séjours réellement effectués au cours des trois années précédentes. Deloitte intervient comme adjudicateur indépendant du processus.

Voilà pour les chiffres. Dans la salle, ils finissent pourtant par devenir secondaires. Ce que l’on emporte de Paris tient davantage dans les visages. Dans cette seconde suspendue avant qu’un nom ne soit prononcé. Dans les bras qui se nouent lorsque le verdict tombe. Dans les larmes discrètes de ceux qui savent combien de nuits de travail se cachent derrière une nuit parfaite. Et puis cette image : Badrutt’s Palace montant chercher son prix. Pendant quelques minutes, sous les ors du Louvre, Saint-Moritz semblait avoir déplacé ses montagnes jusqu’à Paris.

Ce soir-là, les Alpes avaient déplacé leurs sommets jusqu’à Paris. Pour rappeler qu’au royaume des mille étoiles, le plus grand luxe reste peut-être celui qui ne se compte pas : une attention qui touche juste et laisse une empreinte longtemps après que la porte s’est refermée.

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Le Scandic Grand Central a été conçu par l’agence Futudesign dans l’aile nord de la gare édifiée entre 1909 et 1919 par Eliel Saarinen, pape de l’Art nouveau finlandais. L’agence a su respecter l’ADN de l’immense bâtiment anciennement administratif, tout en lui apportant une touche de modernité. 

Gigantisme
En arrivant, on est saisi par les voisines façades et statues de granit très “Gotham City”. Mais la décoration des quelque 500 chambres imaginée par l’architecte d’intérieur Jaako Puro a tôt fait d’adoucir cette première impression.

L’hôtel ©Bernard Pichon

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De l’hôtel, les artères les plus commerçantes – comme l’Esplanade, l’emblématique place du Sénat, le port et le vieux marché couvert – ne sont qu’à quelques minutes de marche. Il n’en faut pas davantage pour arpenter le « quartier du design » (comme si ce dernier y était confiné !)

En fait, pléthore d’écrins – lieux culturels, restaurants et bars tendance – se dévouent à la même quête d’esthétisme. Faut-il y voir une résistance face à l’austérité de certaines constructions aux allures un peu soviétiques ? On peut s’attarder au musée de l’Architecture et du Design (ADM), qui regroupe des dizaines de milliers d’objets, du mobilier fonctionnel aux textiles historiques.

Années folles
Les édifices Art Nouveau aux ornements inspirés de la faune et de la flore finnoises rappellent que la nature n’est jamais loin. L’architecture fonctionnaliste du génial Alvar Aalto se fond à merveille dans cet environnement. Ses lignes pures restent la référence pour la jeune génération de designers et d’architectes nationaux. 

©Bernard Pichon

Métamorphose
Dans la proche périphérie, Kaapelitehdas – une ancienne câblerie réhabilitée comme tant de friches industrielles à travers le monde – offre aux artistes des espaces de créativité. Avec un peu de chance, on peut y dénicher des œuvres plus abordables qu’au centre-ville, où le moindre objet design entraîne une surchauffe des cartes de crédit.

Iconique
Avec sa silhouette de paquebot, la bibliothèque Oodi est devenue emblématique de l’identité contemporaine finlandaise. En plus des livres, ses usagers peuvent emprunter des liseuses numériques, fréquenter des studios audiovisuels ou utiliser gratuitement des machines à coudre ou à tricoter, des imprimantes et des scanners 3D. La fréquentation quotidienne de ce lieu unique est estimée à 10.000 usagers, apparemment conquis.

Décidément, en Finlande, on pourrait croire au Père Noël de Rovaniemi !

L’église ©Bernard Pichon

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