113 | Go Out!

Solastalgie : une exploration poignante

Lisa Lorenzelli — Sat, 07 Oct 2023 13:36:35 +0000

Solastalgie est un terme relativement récent qui décrit la douleur ressentie lorsque l’environnement dans lequel nous vivons est en train de se détériorer. De ce fait, la pièce proposée par Le Poche, présente un projet théâtral qui explore les implications de ce concept sur notre bien-être psychologique et notre sens de l’identité. La pièce examine comment la perte de l’environnement peut entraîner une profonde tristesse et une anxiété existentielle. Dans cette représentation, l’environnement devient un personnage à part entière. Les éléments naturels, la faune et la flore sont représentés sur scène de manière à mettre en lumière leur importance vitale pour notre planète et notre propre existence. Cette représentation symbolique de l’écosystème renforce l’idée que nous sommes tous intimement liés à la nature qui nous entoure.

Des performances puissantes
La distribution de Solastalgie au Théâtre Le Poche à Genève est remarquable. Les acteurs – Raphaël Archinard, Léonard Bertholet et Pierre-Isaïe Duc – livrent des performances éloquentes incarnant avec conviction des personnages qui sont à la fois des individus vulnérables et des représentants de l’écologie. Leurs interprétations donnent vie aux émotions complexes liées à la perte de la nature. Afin de renforcer ce jeu d’acteur imposant: une scénographie évocatrice. On constate des éléments visuels et sonores qui créent un paysage écologique immersif. Le milieu naturel est représenté de manière saisissante dans un décor signé par Fleur Bernet et Mélissa Rouvinet qui créent une atmosphère nous rappelant la beauté et la fragilité de notre planète. La musique joue également un rôle significatif dans la représentation. Les compositions musicales originales renforcent les émotions exprimées par les personnages et les éléments naturels. La musique agit comme un écho émotionnel qui renforce la puissance du message écologique de la pièce.

Une pièce qui invite à la réflexion
Solastalgie est une pièce théâtrale qui va au-delà du divertissement pour susciter la réflexion et l’introspection. Elle nous rappelle la nécessité cruciale de prendre soin de notre environnement et de comprendre les conséquences de la perte de la nature. Cette pièce émotionnelle et visuellement impressionnante est une invitation à la prise de conscience, à l’empathie envers notre planète, et à l’action pour préserver notre monde pour les générations futures. Une expérience théâtrale inoubliable qui continue de résonner bien après le dernier applaudissement. Une opportunité de divertissement d’apprentissage et de réflexion.

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Quand tourner en rond à du bon

Aurore de Granier — Thu, 05 Oct 2023 08:28:59 +0000

C’est sur les bords de l’Arve, dans l’ancienne station de pompage d’eau réhabilitée, aux Berges de Vessy, que nous nous rendons le temps d’une journée. Le temps d’une leçon. Direction les maisons du site, qui se sont transformées jusqu’au 29 octobre en espace d’exposition venant placer en son centre la question de l’économie circulaire. Une problématique difficile à laisser de côté dans la société actuelle, ses crises économiques et financières planant au-dessus de chacun comme une ombre inquiétante. Aux Berges de Vessy, le concret prime. Tout ce que l’on découvre a en effet été réalisé à partir d’objets et de matériaux recyclés et réemployés, à qui une seconde vie a été donnée. Une preuve par l’exemple de la possibilité d’une consommation plus durable, visant à une préservation de l’environnement dans lequel nous évoluons tous.

L’exposition Circularis

Cinq thématiques ont été choisies pour cette exposition : l’alimentation, la mobilité, le logement, les objets du quotidien et l’énergie. Mêlant regard historique, et vision du futur, elles nous démontrent toutes à leur façon qu’une consommation plus responsable est possible, avec encore une fois des exemples concrets, des gestes à établir dans notre quotidien. Manger en privilégiant les circuits courts, privilégier la mobilité partagée, construire la ville de demain à partir de matériaux récupérés et recyclés, mieux utiliser les objets de notre quotidien… « Présenter cette exposition est une occasion de sensibiliser une fois de plus la population sur la nécessité de mieux et moins consommer. La transition énergétique joue un rôle majeur pour notre bien-être et celui de nos générations futures », rappelait Robert Monin, directeur relations humaines de SIG. Une nécessité donc, dont on nous fournit ici les codes. Mais aussi une manière de mettre en lumière les acteurs de notre région. Réalisée avec des collaborateurs locaux, Circularis vient placer sur le devant de la scène ceux qui agissent pour un monde plus durable et plus vivable. De cette exposition on ressort à l’évidence moins bête, mais surtout plus responsable.

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Kobido: lifting naturel

Mina Sidi Ali — Mon, 02 Oct 2023 15:27:42 +0000

À traîner sa dégaine des jours estivaux à dénicher de quoi rebooster sa peau desséchée, on a découvert un soin tout droit venu du pays du Soleil Levant: le Kobido. Ce mot signifie « ancienne voie de beauté » et renvoie à un soin ancestral datant du XVème siècle qui était utilisé par les impératrices japonaises pour soigner leur épiderme. Et comme souvent avec les rituels venus de l’est, ce dernier va bien plus loin qu’un simple soin esthétique de la peau, lui conférant une réelle valeur ajoutée face à d’autres massages plus classiques. S’il comprend bien sûr des gestes de beauté pure, le Kobido fait aussi intervenir des techniques relaxantes ainsi que de la dermapuncture : des pressions sur les points énergétiques du visage, à la façon d’une acupuncture sans aiguilles. Et comme tout secret de beauté, il reste bien caché et ne se conseille qu’entre initiés. Il est ainsi pratiqué seulement par une élite d’une cinquantaine de thérapeutes dans le monde. On a eu la chance de dégoter à Genève notre experte – Monya Hassini formée auprès du Maître Sandrine Takumi Finch, Maître-Artisan masseur d’Asie et référence mondiale du Kobido, elle-même descendante du Maître Dr. Shogo Mochizuki. Multicasquette, on connaissait cette Genevoise d’adoption pour d’autres de ses talents. Longtemps, elle officiait dans la sphère culinaire. Il y a à peine deux ans, c’est dans le secteur de la beauté que cet astre solaire et téméraire décide de sauter à mains jointes pour se spécialiser dans le massage facial anti-âge: le Kobido.

Le Kobido, késako?
Monya nous explique qu’inspiré du shiatsu, ce massage du visage travaille sur l’équilibre du « chi », l’énergie vitale. Il agit sur les méridiens-canaux du corps humain en médecine chinoise traditionnelle du visage pour réactiver l’énergie et tonifier les muscles peauciers. Ce soin stimule également l’ensemble de la circulation énergétique, ceux du gros intestin et de la vessie pour booster l’élimination et agir sur la luminosité du teint, et sur ceux de l’estomac et de la rate pour permettre à la peau de mieux absorber les vitamines et minéraux. Ce dernier stimule ainsi la microcirculation cutanée et le flux lymphatique, pour un meilleur apport nutritif aux cellules et drainage des déchets métaboliques. Extrêmement complexe, il est basé sur plus d’un millier de techniques, qui sont divisées en 48 catégories. Dans chacune d’entre elles, plusieurs variantes sont proposées en fonction de la partie du visage sur laquelle elles sont appliquées.

Effets immédiats
Avec des manœuvres manuelles sur le contour des yeux, de la bouche, l’ovale du visage ou le décolleté, la peau est pétrie, pincée, massée en torsade avec dextérité par Monya. Ainsi, ces gestes favorisent la production de collagène, relancent la micro-circulation sanguine, décongestionnent le système lymphatique de ses toxines et lissent les rides d’expression. Le résultat? Bluffant et visible dès la première séance! On se relève de la table de massage avec une sensation d’un épiderme ferme. La peau, comme neuve, retrouve son bombé et son éclat. Un effet frais, coup de fouet qui va nous permettre d’affronter l’hiver en toute beauté.

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Nuée d’étoiles Michelin

Mina Sidi Ali — Mon, 02 Oct 2023 13:44:18 +0000

Dans l’univers de la gastronomie, c’est le palmarès le plus attendu de l’année! Et une fois de plus, la haute gastronomie suisse montre sa capacité d’adaptation dans une conjoncture économique difficile. Le nombre de restaurants étoilés par le guide rouge reste constamment élevé. Ainsi, 138 restaurants au total ont obtenu cette année une, deux ou trois étoiles, parmi lesquels de nombreuses nouvelles ouvertures intéressantes. 19 restaurants au total ont reçu leur première étoile. On notera en particulier celle décrochée haut la main par le génial chef Nicolas Darnauguilhem à la Pinte des Mossettes. Autre mention spéciale pour le nouveau restaurant Collonade au Mandarin Oriental Palace, Lucerne.

Les cinq nouveaux restaurants avec 2 étoiles Michelin

Cinq nouveaux restaurants 2 étoiles dont 3 romands
À Genève, la deuxième étoile du restaurant décroché par L’Atelier de Joël Robuchon sis au Woodward à Genève a beaucoup ému le chef Olivier Jean. Les mémorables Table de Valrose à Rougemont de Bennoit Carcenat et la Table du Lausanne Palace par Franck Pelux font partie des nouveaux restaurants doublement constellés. Autre bonne surprise: celle du nouveau restaurant gastronomique Mammertsberg de Silvio Germann à Freidorf qui obtient deux étoiles un an seulement après son ouverture! Les restaurants déjà récompensés de trois étoiles conservent leur acquis: parmi eux Franck Giovannini avec le Restaurant de l’Hôtel de Ville à Crissier, Sven Wassmer du restaurant Memories, Andreas Caminada du SchlossSchauenstein ainsi que Peter Knogl du Cheval Blanc.

La remise des étoiles Michelin a lieu pour la deuxième fois à EHL

Prix spéciaux
Outre les nouvelles étoiles, diverses récompenses spéciales ont également été décernées. Cette année, deux chefs ont reçu le « Young Chef Award » : les jumeaux Dominik Sato et Fabio Toffolon qui ont repris ensemble en février dernier The Japanese Restaurant au Chedi Andermatt. Le duo se voit également couronné de deux étoiles. Le Sommelier Award revient cette année à Antoine Sicard du restaurant Wenger au Noirmont et Sandra Marugg Suter, du Restaurant Schlüssel à Oberwil, reçoit le Service Award.

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L’ART CONTRE L’OCCUPATION

Ambre Oggier — Sat, 30 Sep 2023 08:04:51 +0000

Il y a des expositions qui vous prennent au corps. All The Wounds to Close fait assurément partie de celles-ci. Par sa pratique artistique, Khaled Jarrar dénonce la situation conflictuelle en Palestine occupée avec justesse et force. Ses œuvres, à la fois oniriques et dramatiques, invitent le public à réfléchir sur l’inexorable condition des populations locales qui subissent les conséquences de cette occupation féroce et vivent dans une forme d’angoisse et de frustration quotidienne. Son installation monumentale « One Thousand One Tins », fabriquée à partir de bidons d’huile vides imprimés avec l’autoportrait de l’artiste, se dresse dans la galerie à la manière d’un château fort entouré de vastes murailles, comme pour signifier l’isolement que subissent les populations qui vivent dans ces territoires militarisés. La série d’œuvres sculpturales créées à partir de pièces israéliennes (l’Agora) et reprenant les formes des tenues de Raqs Sharqi, qui est la danse orientale, dénonce avec une beauté assourdissante l’asservissement économique et historique des populations palestiniennes. L’exposition inclut également plusieurs peintures vigoureuses ainsi que des photographies tirées de la série « Passage » qui documente la migration des réfugiés. Une exposition coup de poing qui est assurément notre coup de cœur du mois.

Socks, 2023 Socks, custom with Agorot 59,5 x 44,5 cm

Khaled Jarrar est né en 1976 à Jénine, en Palestine occupée. Après avoir étudié le design d’intérieur à l’Université Polytechnique de Palestine, il travaille clandestinement comme menuisier à Nazareth. À l’âge de vingt-deux ans, il entreprend une formation militaire intensive et intègre la Garde présidentielle de l’Autorité palestinienne. Il a été le garde du corps personnel de Yasser Arafat jusqu’à la mort de ce dernier en 2004. L’année suivante, il commence la photographie et par la suite, il poursuit des études à l’Académie internationale des arts de Palestine à Ramallah, d’où il sort diplômé en 2011. Plus récemment, il a complété sa formation artistique avec une Maîtrise en beaux-arts de l’Université d’Arizona en 2019. Sa pratique multidisciplinaire allie vidéo, installation, sculpture et peinture.

One Thousand and One Tins, 2023 1001 printed tins – Installation 35 x 23,5 x 23,5 cm

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Bryana Fritz donne corps aux saintes

Rrezarta Bislimi — Sat, 30 Sep 2023 06:09:34 +0000

Pourriez-vous expliquer ce qu’est un « hagiographe amateur » et comment il se reflète dans votre performance Submission Submission ?
J’aborde ce concept au début du spectacle. Il comporte deux éléments : « amateur » et « hagiographe ». Je travaille dans le cadre d’un genre médiéval appelé hagiographie, qui consiste à écrire des biographies de saints. C’est un genre biaisé, très différent d’une biographie traditionnelle. Son objectif est de façonner la vie du saint de manière à convaincre le public que cette personne mérite d’être canonisée. C’est une approche théologique visant à narrer la vie d’une manière qui la rende sacrée, afin que nous puissions ressentir le divin. L’aspect amateur est quelque chose que j’ai réalisé lorsque j’ai commencé à travailler sur ce vaste genre.

Pourquoi avez-vous choisi cette thématique ?
J’ai grandi au sein d’un foyer très religieux (chrétien). La pensée théologique fait partie intégrante de mon identité. Cependant, en tant qu’homosexuelle, ma perspective sur la religion a évolué de manière significative. En abordant cette thématique, j’ai voulu révoquer l’exclusivité des saintes attribuées à l’Église et les rendre accessibles au grand public.

Submission Submission explore les stratégies utilisées par les saintes médiévales pour subvertir leur vie confinée. Pourriez-vous fournir un exemple concret de l’une de ces stratégies ?
Les saintes sont également des figures féministes. Elles n’étaient pas mariées, elles se détournaient des normes de féminité et utilisaient leur corps comme outil de résistance, notamment par le jeûne, manipulation corporelle visant à atteindre un état spirituel supérieur. C’est ainsi que le titre m’est venu. Dans l’un des portraits, l’une des saintes déclare : « Ce que vous entendez ne sont pas mes propres paroles ; elles appartiennent à Dieu qui m’a envoyé ». C’est une stratégie intéressante, car à l’époque, la parole d’une femme n’était souvent pas écoutée. Elles utilisaient donc la voix divine pour valider leur discours, renonçant ainsi à leur propre voix pour en acquérir une autre. Cela s’apparente à une forme de soumission.

Pouvez-vous expliquer le processus de sélection des saintes et comment elles contribuent à la narration globale de Submission Submission ?
J’ai l’impression que les saintes parviennent à moi. Je lis énormément d’histoires médiévales pendant mon temps libre, ce qui me permet de découvrir des figures intéressantes à travers la littérature. Les saintes semblent se manifester parce que je plonge profondément dans ce sujet. Je m’imprègne de leur histoire grâce à la lecture. Une sorte de message subliminal dans les livres m’amène à créer un portrait. Chacun nécessite une période de réflexion avant d’être réalisé et interprété.

Quelles émotions ou réflexions aimeriez-vous susciter chez les spectateurs ?
D’habitude, je ne me projette pas beaucoup sur les réactions du public lorsque je crée une performance, car je préfère qu’ils se fassent leur propre idée. Cependant, pour Submission Submission, j’ai une idée plus précise de ce que j’aimerais que le public ressente. J’aimerais créer une tension potentielle, une incertitude chez les spectateurs. Je veux qu’ils perçoivent une certaine imprévisibilité dans le spectacle, qu’ils se sentent étrangers à ce qui se passe sur scène. Est-ce divin, démoniaque ?

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Un OVNI en Catalogne

Aurore de Granier — Wed, 27 Sep 2023 06:17:43 +0000

L’histoire d’un sauvetage
C’est un projet qui naît du pur hasard. Tout commence en 2016 quand un ami du galeriste Clément Cividino s’envole pour la Grèce et découvre cet étrange objet architectural dans un petit village situé non loin d’Athènes. Il lui envoie un cliché de l’insolite maisonnette, et la décision est alors prise de la rapatrier sur le territoire français. Transportée en kit, elle est reconstruite puis restaurée dans sa forme originale, la seule modification réalisée se faisant au niveau du coloris du vitrage passant au brun fumé. Un sauvetage en quelque sorte donc, qui vient rappeler la rareté des Maisons Xasteros. Si au départ elles sont imaginées par l’architecte grec dans le cadre d’un contrat avec une entreprise nommée Alta, le brevet étant déposé en 1969, elles sont ensuite produites par l’architecte lui-même, mais réalisées en très petite quantité. Aujourd’hui il ne subsisterait plus que dix exemplaires, dont l’un deux exposés à Athènes au début du siècle, ayant depuis mystérieusement disparu. La Maison Xasteros n’est pas la première installation architecturale menée par Clément Cividino. Elle vient en réalité s’inscrire dans une jeune série de projets similaires, débutée en 2021 avec l’exposition du Chalet Nova du Studio Rochel, puis en 2022 de la Maison Marabout de Raymond Camus. Ses choix sont dictés par sa passion pour l’architecture préfabriquée réalisée à petite échelle durant le XXème siècle, période foisonnante pour ce mouvement niche dont il ne reste aujourd’hui que de discrets vestiges.

Une architecture hors du temps
Imaginée durant les années 1960, la Maison Xasteros se veut comme un projet de petite demeure préfabriquée, d’une surface habitable de 50 mètres carrés, comprenant un salon, une chambre, une cuisine et une salle de bain. Un espace habitable donc, mais dont le design hors du commun vient le démarquer des constructions de ce même type. Entièrement réalisée en fibre de verre, elle rend possible la création de formes ovoïdes et organiques aboutissant à une esthétique rappelant sans effort les représentations de vaisseaux OVNI. Les pieds sur lesquels elle est posée, ainsi que l’escalier dépliable donnant l’accès, ne font qu’accentuer ce caractère encore renforcé par le coloris immaculé. À l’origine de ce projet vivait alors la volonté de concevoir des maisons faciles à fabriquer, et pouvant être installées dans n’importe quel lieu. Une loi interdisant l’installation de préfabriqués sur des parcelles de taille réduite à mis fin au projet, qui n’a finalement vu naître que dix exemplaires. Malgré tout, Nikolaos Xasteros est encore aujourd’hui reconnu comme pionnier, ayant imaginé une architecture alliant à la fois technologie par l’utilisation extensive de la fibre de verre, la production de masse, et la mobilité sans sacrifier l’esthétique ni la practicalité.

Écrin de design
Si elle fut imaginée pour accueillir des habitants, la Maison Xestaros se fait dans le domaine viticole de Terra Remota un espace d’exposition consacré au design. Le collectionneur et galeriste Clément Cividino allie alors ses deux passions en exposant dans la maison préfabriquée des objets de design de collection créés dans les années 1960 et 1970. Dans l’espace de 50m2 on retrouve alors le célèbre lampadaire Manta Ray du designer Louis Durot, mais aussi des créations de Mario Sabot ou encore Michel Dumas. La maison se prête à merveille à cette installation, un white cube ovoïde en quelques sortes. Mais le dialogue fonctionne dans les deux sens. Si l’espace valorise l’objet, l’objet vient rendre sa fonction à l’espace. Abandonnée et oubliée la maison reprend son rôle premier en étant meublé, ne serait-ce que l’espace de quelques semaines.

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Damgas

Mina Sidi Ali — Sun, 24 Sep 2023 11:25:20 +0000

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Chef festival

Rrezarta Bislimi — Sat, 23 Sep 2023 19:21:08 +0000

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Bestiaire de l’étrange

Aurore de Granier — Thu, 21 Sep 2023 19:06:39 +0000

Profil homme – 70×70 – 21 septembre 2019 – Massa

En déambulant dans l’espace d’exposition du Centre culturel du Manoir de Cologny, c’est dans le monde d’Henri Beaufour que nous pénétrons. Visant à mieux faire connaître cet artiste confidentiel et mystérieux, Intensités propose au public de découvrir une sélection d’œuvres de cet homme à la créativité débordante, à la production foisonnante, mais toujours cohérente. Car au centre de son travail se trouve l’humain. L’humain sous toutes ses formes, tirant parfois sur l’animal, son visage se faisant terrain d’expérimentation d’un bestiaire étrange et impossible à définir. Une « comédie humaine » en quelques sortes qui s’exprime à travers le geste et sa virtuosité. Au Centre culturel, le public se retrouve ainsi nez à nez avec des visages, des corps, sculptés dans des pièces de marbre massives, dont l’apparence humaine se voit toujours perturbée. Ainsi les visages sont contorsionnés, les postures contrariées, tandis que certaines figures prennent tout à coup les traits d’un animal, désarçonnant le spectateur au dernier moment. Artiste de la technique et de la virtuosité, il applique sa créativité dans le domaine de la sculpture mais aussi du dessin, largement représenté dans l’exposition. Encore une fois ici l’humain et son visage se font sujets centraux dans une galerie de portraits de l’étrange qui nous fait voyager à travers un panel d’émotions. Le titre de l’exposition ne pourrait pas avoir été mieux trouvé. De l’émerveillement nous passons à la surprise, puis tombons dans l’inquiétude, l’étonnement prenant tout à coup le dessus. Une occasion de découvrir un artiste inclassable et inclassé à travers une sélection d’œuvres qui tentent de contenir toute sa créativité, sans jamais y parvenir. Une exposition surprenante et marquante.

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Le design entre terre et ciel

Aurore de Granier — Thu, 21 Sep 2023 01:44:20 +0000

Cosmos
Le monde des arts, des visuels aux arts vivants, en passant par la musique et la littérature, a depuis toujours été influencé par la fascination que le cosmos exerce sur l’humain. Le design en tant que discipline n’a pas échappé à cette emprise, et au fil des décennies les créateurs ont multiplié les objets directement inspirés par ce cosmos énigmatique et merveilleux à la fois. Une fascination qui se manifeste dans des objets du quotidien, dont on compte ici de nombreux luminaires notamment, au design directement inspiré des astres évoluant dans le cosmos et des différents phénomènes observés depuis la Terre. Faisant appel à une large variété de matériaux, les designers d’hier et d’aujourd’hui s’attellent alors à reproduire à leur façon ces observations. Ainsi, le soleil, la lune, les éclipses ou encore les météorites et matériaux lunaires se font base de leurs créations. Parmi les pièces ici présentées, on remarque la Moon Rock Collection du Studio Furthermore. Une collection de mobilier réalisée en 2015 poussée par les recherches du duo Marina Dragomirova et Iain Howlett en quête de matériaux inspirés des recherches scientifiques, mais aussi des processus naturels de création. Cette composition de mobilier et de luminaires en aluminium vient alors simuler la roche lunaire, nous donnant la sensation d’objets taillés dans une pierre venue d’ailleurs. La lune semble particulièrement dominante dans les sources d’inspiration cosmique des designers. On la retrouve par exemple dans le luminaire imaginé par Verner Panton, sobrement nommé Moon Lamp. Figurant parmi l’une de ses premières créations, réalisée dans les années 60, cette lampe suspendue fascine par sa complexité. Autour de l’ampoule centrale, des disques en plastique laqué blanc s’additionnent, venant enfermer la lumière avant de la diffuser sporadiquement. Une luminosité élusive qui vient rappeler la lune et la lumière qu’elle émet au cœur de la nuit, ne laissant aucun doute à la source d’inspiration de designer de l’Académie Royale des Beaux-Arts de Copenhague. Au-delà des nombreux objets présentés, Cosmos fait également la place à une installation performative, The Solitary One. Cette pièce audiovisuelle présentée dans le foyer du MUDAC associe l’image d’un trou noir aux sons spatialisés, sublimés par un violoncelliste, reliant science et art en un projet unique.

Terra
La seconde exposition du programme Space is the Place inverse les points de vue. Nous quittons alors la Terre d’où nous observions les cieux pour prendre de la hauteur et porter notre regard sur la planète bleue. Une planète dont l’humain semble s’être donné comme mission de changer le design. Depuis l’époque des Lumières, le désir de contrôle a pris le dessus sur le rationnel, un changement de point de vue s’accélérant au fil des siècles, de l’industrialisation à la plus récente conquête de l’espace. L’exposition Terra nous pose alors cette question : la Terre est-elle devenue un objet de design ? « Le design de notre planète s’incarne selon différents procédés : représenter le monde par la cartographie, le modeler par l’aménagement du territoire, le modéliser pour anticiper les phénomènes naturels et, aujourd’hui, l’influencer grâce notamment aux projets de géo-ingéniérie qui proposent de réagir au nouveau régime climatique par des interventions artificielles à l’échelle planétaire » expliquent les commissaires de l’exposition, Jolanthe Kugler et Scott Longfellow. Un postulat illustré par des objets, mais aussi des photographies et installations démontrant par des faits notre obsession de contrôle et d’organisation de la planète. Peut-être aussi l’illustration des erreurs passées et présentes, un rappel à la réalité à travers le design et ses objets.

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A Love Beyond: festival magistral

Mina Sidi Ali — Sat, 16 Sep 2023 16:19:54 +0000

Cette rentrée foisonne de manifestations en tout genre mais c’est direction Zermatt, destination caméléon qu’on a décidé d’aller déambuler. En plus de ses conditions idoines pour les sports d’hiver, la région se distingue par plus de trente sommets de 4000 mètres offrant des panoramas montagneux inégalés, tandis que l’altitude élevée permet également de skier pendant les mois d’été! Mais cette fin septembre, notre attention a trouvé de quoi rassasier sa carence d’instants à se remémorer avec un festival – A Love Beyond – où on file s’y prélasser et s’y nourrir spirituellement. Au programme du 21 au 24 septembre prochain? Inspiration, réflexion, rencontres et changement de perspective, tels sont les leitmotivs de ce festival organisé pour la 3ème année consécutive par le CERVO Mountain Resort de Zermatt. La manifestation est initialement ouverte exclusivement aux clients de l’hôtel mais le samedi après-midi 23 septembre, les portes seront ouvertes à tous et gratuitement! L’un des moments clés du programme? Sans nul doute, celui du vendredi 22 septembre lors du discours d’ouverture du psychiatre, explorateur et environnementaliste suisse, le Dr. Bertrand Piccard intitulé, « L’esprit pionnier pour inventer le futur ». Le président de la Fondation Solar Impulse s’exprimera sur le thème des technologies et solutions d’avenir.

Le psychiatre, explorateur et environnementaliste suisse, le Dr. Bertrand Piccard

Dans son ensemble, le festival reflète à merveille l’essence même de l’hôtel qui a toujours mis l’accent sur la croissance durable, le partage et la créativité. En effet, le CERVO Mountain Resort se distingue des autres hôtels par son approche novatrice et singulière sur plusieurs plans. Repensé par le studio de design d’intérieur allemand Dreimeta et entièrement rénové en 2020, l’hôtel sort son mikado du jeu. Sa renaissance comprend des améliorations majeures en matière de durabilité. Ainsi, une pompe géothermique permet au bâtiment de produire la quasi-totalité de sa propre énergie pour le chauffage et l’eau chaude. L’hôtel en constante évolution offre une perspective réelle sur l’environnement environnant en plus de satisfaire les besoins du nomade explorateur qui voyage, agit et découvre consciemment. Ainsi avec son architecture inspirée des « berghotels » traditionnels en Suisse, cabanes de chasseurs minimalistes au design épuré, le CERVO se positionne comme une porte d’entrée vers l’hôtellerie de demain.

Son spa ultramoderne – le Mountain Ashram Spa – propose des séances de méditation, de coaching et de yoga dans une salle rituelle et sur la prairie de montagne. Ici encore, le lien primordial avec la nature et l’environnement prévaut. Les exercices de respiration pranayama et les expéditions aux herbes au cours desquelles les clients sont invités à cueillir dans le jardin du CERVO des herbes locales à utiliser pendant leurs soins sont deux points forts uniques du menu du spa. Un mur d’escalade propose quatre parcours et un parcours non conventionnel jusqu’au Nomad Lodge, avec des guides de montagne de Zermatt à disposition pour des cours particuliers et collectifs.

Trois restaurants sur place reflètent à merveille la conscience écologique prononcée du CERVO. Au Bazaar, le menu en grande partie à base de plantes est servi dans une scénographie néo-ethnique à l’ambiance festive. Au restaurant italien Madre Nostra, les plats classiques, eux, sont élaborés avec des ingrédients issus des fermes et des pêcheurs locaux, un clin d’œil supplémentaire au respect de la station de montagne pour le local et la saisonnalité, tandis que Ferdinand déploie, lui une cuisine axée sur le Valais, combinant l’esthétique montagnarde de Zermatt avec des spécialités régionales préparées entièrement à base de produits locaux.

Réunis, ces concepts et innovations ponctuent la position du CERVO en tant que plaque tournante du nomade moderne pour qui la durabilité, la connexion à la nature et la poursuite d’expériences « glocales » constituent les piliers clés d’un voyage totalement immersif et responsable. Son festival, A love Beyond en est la quintessence!

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