Meret Walther

Au cœur de chacun des designs, une remise en question de l’affichage de l’heure où l’aiguille et le cadran n’ont plus leur place. Pour Mario Lemos et son projet Fluide TD-19 la convention est mise au placard laissant place à un objet organique fait de verre, abritant un cœur artificiel. Ses battements font alors évoluer le liquide présent dans les sphères graduées, l’une représentant les heures, l’autre les minutes, et indiquant l’horaire selon son niveau. La montre devient alors un être presque à part entière, le temps un objet plus que jamais vivant. La dystopie est présente dans deux des projets présentés, celui de Meret Walther, et de Jessica Mascellino pour qui elle se concrétise par l’omniprésence de la pollution dans le futur qui ne laissera qu’un ciel obstrué. Sa montre viendra alors remplacer le cycle du soleil et de la lune que  nous ne serons plus en mesure de percevoir, se colorant des teintes du ciel selon les heures de la journée et donnant ainsi un horaire approximatif. Un projet résolument projeté dans l’avenir mais qui retourne également aux sources du temps indiqué par la course du soleil. Autre design horloger à découvrir, celui d’Eloïse Richer qui traduit le temps par le toucher, en s’inspirant des plantes, tandis que Tanguy Nicole nous emmène dans un vaisseau spatial. La montre du futur semble pleine de surprises. 

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Il y a un siècle, dans les années 1920, le plaisir du plein air était connu pour avoir inspiré le directeur de la maison, Émile Hermès, qui encourageait avec ferveur ses quatre filles à mener une vie active. « Il a créé des vêtements qui permettaient aux femmes de pratiquer des sports de plein air, de voyager, de conduire une voiture et même de piloter un avion », explique Pierre-Alexis Dumas, directeur artistique d’Hermès. » Du lancement de la signature Rouge Hermès au lancement successif de Rose Hermès l’an dernier, le métier de beauté naissant de la Maison renforce son arsenal en mettant désormais à l’honneur le teint en offrant à la fois soin et couvrance sans effort. 

Baume Sublimateur de Teint Naturel Hermès

On découvre tout d’abord le Baume Sublimateur de Teint Naturel. Lorsque on l’applique, c’est presque comme une caresse de la peau, comme une bouffée d’air frais ! Très fluide, crémeux et généreux avec un fini naturel mais très éclatant. Il unifie la peau, sublime, hydrate et protège grâce à l’acide hyaluronique, au thé vert, à l’extrait d’onagre et à la scutellaire chinoise. On y trouve également de l’extrait de mûrier blanc bien connu pour ses propriétés antioxydantes. Le baume est doté d’un filtre minéral qui offre une protection SPF 30+. La meilleure façon de l’appliquer? Avec les doigts, en le massant vraiment. 

La Poudre éclat matifiant Hermès

La gamme comprend également un autre très bel objet une poudre déclinée en deux formules: la Poudre éclat matifiant et la Poudre éclat rayonnant. Les deux produits sont extrêmement doux, et laissent la peau raffinée mais très naturelle. La Poudre éclat matifiant est très fine et matifiante quant à la Poudre éclat rayonnant, elle est enrichie d’une teinte dorée rosée très flatteuse. La brosse complémentaire – Pinceau poudre – construite par un artisan français est composée de poils de chèvre naturels. Enfin, on découvre les Petits papiers de soie matifiants, construits par un expert japonais. Ces papiers buvards sont composés de chanvre et de mûrier blanc ce qui leur donne une qualité légère et merveilleusement absorbante. Un moyen très chic d’évacuer l’excès de sébum et garder un teint de geisha à travers une gamme qui évite de dissimuler et révèle la peau avec un simple murmure de couleur et une caresse d’air frais.

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C’est un spectacle qui était l’un des premiers à se voir couper l’herbe sous le pied en 2020. Si les représentations avaient bien eu lieu – visages masqués, comité réduit, et contraintes par dizaines – pour l’ADC l’expérience se devait d’être réitérée dans de meilleures conditions. Sugar Dance revient alors sur scène du 27 au 29 avril pour un spectacle aussi intergénérationnel qu’interdisciplinaire. Autour de la danseuse et chorégraphe, sur scène, nous retrouvons huit artistes. Danseurs et danseuses oui, mais aussi musiciens, chanteurs, comédiens, qui se rassemblent pour créer une troupe unique en son genre. Dès le départ, l’étonnement est au rendez-vous. Nous sommes voyeurs de leur répétition, spectateurs intrus qui regardent sans se faire voir ces artistes évoluer sur scène, s’entraîner, reprendre, jusqu’à ce qu’il nous semble arriver à un aboutissement, un spectacle fini, ou alors peut-être pas. Nous passons des feux des projecteurs qui illuminent la scène et ses protagonistes de manière blafarde, aux ampoules des loges, aux lumières tamisées des couloirs menant à la scène. C’est un entre-deux, un passage des coulisses à la représentation auquel le public est invité à participer. Si ce spectacle a été imaginé avant que la vague Covid ne déferle sur le monde, il prend une saveur toute particulière après les nombreuses souffrances du monde la culture. Tout à coup la répétition, les échanges entre les acteurs, danseurs, chanteurs, les préparatifs, deviennent un bijou. Le spectacle terminé n’a plus tellement d’importance, car les artistes sont le spectacle à eux seuls. 

Sugar Dance de la chorégraphe et danseuse Marie-Caroline Hominal ©Emilie Marron

Personnalités multiples 

Après avoir été la danseuse dans Sugar Dance, Caroline Hominal se fait plus plurielle que jamais dans Eurêka. Sur la petite scène argentée et scintillante qu’elle occupe, elle se joue de tous les personnages. De la sorcière chevauchant son balais, elle devient Cardi B, avant d’épouser les traits de John Cage, puis de plonger dans une abstraction des plus géométriques. S’inspirant de tout ce qui l’entoure, du folklore à la pop culture, en passant par ce qui secoue l’actualité et la culture contemporaine, la chorégraphe devient un manège à elle seule, nous entraînant dans sa folie pour notre plus grande joie. 

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Chaque week-end, une horde de noctambules endiablée vient se presser contre les barrières serpentines qui mènent à La Gravière. Dans ce lieu d’expérimentation musicale et artistique situé en contrebas de l’Hôtel de Police, les fêtards peuvent oublier le temps d’une soirée les soucis du quotidien au rythme de la musique, le tout dans une ambiance chaleureuse et conviviale. L’espace, certes relativement restreint, n’empêche pas les oiseaux de nuit de s’y sentir comme dans un cocoon. La grande cour extérieure et les deux salles (la Main Room et la Void Room) permettent une bonne circulation du public ainsi que de l’espace pour que chacun puisse s’amuser sans se faire marcher sur les pieds. Entre concerts live et musique électronique, le club accueille hebdomadairement des artistes régionaux et internationaux de styles musicaux très variés (rock, pop, techno, house, disco, baile funk, trap, et autres). Ainsi, depuis maintenant dix ans, La Gravière s’exerce à développer et à partager des genres musicaux majoritairement underground et souvent sous-représentés afin que tout un chacun puisse y trouver son compte. 

© DR La Gravière 

PARTAGE & PROMOTION 

Bien que très attachée à accorder une place centrale à la musique dans sa programmation, La Gravière encourage et promeut assidûment la culture sous toutes ses formes, c’est pourquoi elle accueille également des événements de danse, du théâtre, des performances et d’autres activités culturelles et artistiques. En 2017, afin de pérenniser ses diverses activités qui touchent aux Arts Vivants, elle crée son label « Act ! ». La même année, elle inaugure le label « Gravitation Recordings » dans le but de promouvoir des artistes locaux à l’étranger. Par ailleurs, La Gravière est également membre du label « WeCanDanceIt » dont l’objectif est de promouvoir des espaces publics et égalitaires afin de rendre la vie nocturne aussi accessible qu’agréable. De ce fait, le club s’engage à être un lieu ouvert à tous.x.tes et condamne fermement tous comportements discriminatoires et/ou violents. 

PROGRAMMATION D’AVRIL 

Le vendredi 8, le club organisera la 100e soirée techno « Granum » avec une line-up explosif (Christoph Faust/Inhalt der Nacht, Damian Deroma et La Penderie Noire) alors que le lendemain, le producteur et DJ Bandicut viendra enflammer le dancefloor avec ses sonorités provenant de la scène afro de Lisbonne. Le week-end suivant, le Cabaret des Amis Savoureux revient le vendredi 15 pour une soirée placée sous le signe des Arts Vivants et le samedi, le club accueillera un concert du rappeur parisien Jazzy Bazz dans le cadre de sa tournée « MEMORIA ». Enfin, le 23 avril marquera le retour de la « Freaky Moon » qui réjouira les amateurs de goa et de psytrance alors que le vendredi 29 avril se tiendra la première « Mouse Party » avec le journaliste rap Mehdi Maïzi pour se déhancher sur de la musique hip hop, trap et rap. Une programmation haute en couleur qui annonce une nouvelle saison survoltée et éclectique pour le club genevois. 

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Après avoir écumé toutes les salles de sport de la ville, tous les clubs de tennis, on a trouvé, LE club de tennis de tous les possibles, celui l’on peut même y croiser des joueurs du top 100 mondial à l’image de Gaël Monfils, Stan Wawrinka, Jo-Wilfried Tsonga ou encore Garbiñe Muguruza: le David Lloyd Country Club Geneva. Le groupe britannique éponyme, leader dans le domaine du bien-être et du fitness en Europe a repris le lieu en 2020 et y offre cinq courts intérieurs de tennis (deux à moquette et trois au revêtement synthétique), ainsi que les quatre courts extérieurs dont l’un en terre battue.

Un club de sport multi-activités 

C’est sis à Bellevue, à seulement dix minutes du centre-ville, qu’on découvre ce prestigieux complexe sportif à l’ambiance familiale, décontractée et athlétique. Grâce à la rénovation totale du club toujours en cours mais qui ne perturbe en rien les habitudes des membres, on y pratique été comme hiver, le tennis, le squash, le golf, la natation ou encore le padel. Et on profite d’un spa qui intègre piscine, sauna et hammam. Au fitness, se dévoile une kyrielle de cours collectifs avec l’encadrement d’une équipe de professionnels. Un coach privé accompagne avec un programme sur-mesure ceux qui le désirent. Les infrastructures seront entièrement revues afin d’offrir une expérience premium aux utilisateurs. Le plateau de sport situé en mezzanine sera agrandi et doté d’équipements de cardio et de musculation dernier cri. 

©DR David Lloyd Club Country Geneva

A l’étage se trouveront également quatre studios de fitness: High Impact Studio, avec les derniers cours d’entraînement par intervalles à haute intensité; Studio cycling, un superbe studio doté des dernières technologies en matière de vélo avec des instructeurs hors pair pour une séance d’entraînement immersive; Blaze, l’ultime entraînement complet du corps avec ce cours de haute intensité combinant cardio, force et combat; Studio mind and body, environnement zen et énergisant, cours de yoga, méditation et autres cours holistiques. 

Les familles au coeur du concept

Situé à Veigy-Foncenex, dans un cadre verdoyant à la périphérie de Genève (juste à la frontière), David Lloyd (2^ème club) dispose d’un club indoor et outdoor nouvelle génération, alliant fitness, bien-être et convivialité. Place-to-be pour les sportifs de haut niveau et les amateurs, le club est aussi pensé comme un lieu de vie convivial et de rencontres pour les familles tant par la diversité des cours et activités proposés tout au long de l’année que par les infrastructures adaptées.
Deux zones sont même entièrement dédiées aux enfants – David Lloyd Kids – afin qu’ils puissent profiter d’espaces pour se retrouver entre eux. Quant au restaurant, le Clubroom, il est conçu pour accueillir les jeunes convives avec une carte comprenant des plats et des menus sur-mesure.

Les membres peuvent apprécier la diversité des activités: tennis, natation et fitness avec notamment le cours signature Blaze, associant cardio, boxe et arts martiaux, et la Battlebox, une discipline ludique sous forme de camps d’entraînement qui se pratique à l’extérieur.

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Débuts assumés
En couple pour leur marque comme dans la vie, Lisi Herrebrugh et Rushemy Botter s’inspirent de leurs histoires communes et personnelles depuis leur commencement. Respectivement inspirés par leur jeunesse exilée en Europe et leurs origines caribéennes, le tandem combine influences multiculturelles et maîtrise de la Couture pour insuffler à leur marque de vêtements une notion distincte du luxe. Avec Botter, ils défendent une vision créative singulière — à la fois inclusive, audacieuse, colorée et positivement rafraîchissante. Si leur volonté est d’exprimer une opinion sur le monde — sur fond de discours environnementaliste et géopolitique —, cela n’entache en rien la proposition joyeuse et pointue de leur mode.

De jeunes lauréats à directeurs artistiques
L’identité de Botter se fait connaître comme celle le la « Caribbean Couture » — à savoir une fusion entre la musique, la littérature, la cuisine, la culture riche et hybride des Caraïbes, avec un regard tourné vers la philosophie de l’Arte Povera, sans oublier une forte conscience de la durabilité. Lors du Festival de Hyères 2018, le duo créatif a défendu une collection poétique et subtile, conceptuelle et inventive, au tailoring déconstruit et versatile, se distinguant à travers des détails de coupes, de matières et une atmosphère distincte. En tant que marque dont l’ADN provient directement de l’une des régions marines les plus biologiquement diversifiées au monde, Botter ne supporte pas d’être témoin de la pollution de l’océan — se fixant alors des objectifs pour embrasser et préserver la nature sous toutes ses formes. Avec tact, humour et une grande maîtrise de la Couture, c’est tout naturellement que le label a été acclamé et s’est vu remettre le grand prix du jury Première Vision de la 33e édition du Festival. Dès lors, tout s’enchaîne à un rythme effréné — caractéristique du secteur de la mode — puisque Lisi et Rushemy sont nommés à la direction artistique de l’historique Maison Nina Ricci.

Un engagement qui se poursuit
Début 2022, le couple annonce quitter leur collaboration avec la Maison de luxe. Après avoir insufflé une nouvelle approche et un certain sens de la modernité à Nina Ricci, ils préfèrent consacrer toute leur attention à Botter. Toujours aussi dévoué, le tandem ressent le besoin quasi-viscéral de porter sa propre marque à un autre niveau. Les enjeux planétaires grandissent, leur désir de s’exprimer aussi. À chaque saison, Botter dévoile une collection qui illustre l’urgence climatique, souvent inspirée d’une esthétique relative au monde marin et utilisant des tissus conçus à partir de plastique recyclé. Après deux ans de pandémie, leur cause semble plus pertinente que jamais. Et pourtant, leur engagement ne s’arrête pas là. Lors de la dernière Fashion Week de Paris, le duo assume sa position face au contexte géopolitique actuel. Teinté d’un bleu outremer et d’un jaune électrique, le défilé des deux designers témoigne de leur solidarité envers l’Ukraine face au conflit que nous connaissons. Si une chose est certaine, c’est que le label n’a pas fini d’élever sa voix… Et ne risque en aucun cas de botter en touche.

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La saison 2022-2023 sera marquée par quelques nouveautés. Si du côté de la direction musicale et artistique Jonathan Nott reste fidèle au poste, l’institution innove cette année, notamment avec une résidence artistique inédite. Pour sa saison 2022-2023, l’orchestre accueillera en résidence le pianiste de jazz genevois Marc Perrenoud. Un mélange des genres inédits qui pour le directeur général de l’Orchestre Steve Roger, s’inscrit dans la volonté de l’OSR de toucher un nouveau public. « Après la Roulotte OSR ou le festival OSR à Genève-plage, cette collaboration avec un musicien de jazz fait une nouvelle fois sortir l’Orchestre des sentiers battus » explique-t-il. Une résidence confiée à un artiste issu d’une formation où l’improvisation est maitresse, qui mènera les musiciens en territoire inconnu. Autre nouveauté pour cette saison, la création d’un poste de chef assistant dont l’objectif est d’aider les jeunes chefs d’orchestre à débuter leur carrière. Durant toute la saison, l’heureux élu marchera dans les pas de Jonathan Nott en contribuant à ses côtés à des concerts, répétitions et enregistrements. Une création de poste qui démontre la volonté de l’OSR de soutenir les jeunes talents.

Une saison qui nous fait déjà rêver

Placée sous le signe de l’ouverture, la saison 2022-2023 de l’OSR fera voyager le public à travers des collaborations nombreuses et inédites. Si des musiciens locaux se joindront à l’Orchestre, des artistes de renommées internationales viendront également partager la scène avec les musiciens de l’OSR, qui expérimenteront cette année d’autres genres musicaux à l’image du jazz. La saison 2022-2023 marque alors un retour à la normale et la volonté de renouer avec le public tout en élargissant les horizons de l’Orchestre. Après avoir été captée dans une salle vide de spectateurs, la Symphonie n°9 de Beethoven sera de nouveau interprétée cette année, d’abord au Victoria Hall puis au Rosey Concert Hall, comme pour prendre sa revanche sur ces longs mois où la musique avait été forcée de prendre ses distances avec son public. Parmi les grands moments de cette saison, on comptera également la 9ème Symphonie de Mahler, pièce tout particulièrement chère à Jonathan Nott, mais aussi Prokofiev, Berlioz et Ravel sous la direction du nouveau chef de l’Orchestre de Chambre de Lausanne, Renaud Capuçon. Autres invités de prestige qui collaboreront cette saison avec l’OSR, Asmik Grigorian, Khatia Buniatishvili, mais aussi la violoniste Viktoria Mullova, et encore bien d’autres surprises qui vous attendent pour une saison tournée vers l’avenir qui promet de nous émerveiller.

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Il y a deux ans, cinq nouvelles disciplines sportives ont été intégrées officiellement au programme des Jeux Olympiques d’été à Tokyo : le basketball 3×3 ; le skateboard ; le surf ; l’escalade et le BMX freestyle. Ces sports feront leur retour lors des prochains Jeux estivaux organisés à Paris en 2024 alors que le breaking (ou breakdance) fera sa toute première entrée. Ces sports, qui contrastent avec les disciplines traditionnelles olympiques, viennent apporter un nouveau souffle à cette compétition sportive historique longtemps considérée comme désuète et trop élitiste par les nouvelles générations boostées à l’adrénaline et à l’audace. En ajoutant à son programme officiel ces activités sportives détonantes qui étaient jusqu’alors considérées comme trop « urbaines » pour la compétition officielle olympique, le CIO souhaite évoluer et s’adapter aux aspirations de la société actuelle en recherche de créativité et de sensations fortes. 

OKAMOTO, Misugu (JPN). Skateboard Park Femmes, Tokyo 2020. © 2021 / International Olympic Committee (IOC) / EVANS, Jason – All rights reserve

VISUALISER LE FUTUR  

La visite de l’exposition « Riding the Olympic Wave » démarre autour de l’escalier central où une installation vidéo met à l’honneur ces nouvelles disciplines alors que les vitres de la rambarde ont été taggués par l’artiste-graffeur Serval. Une fois arrivé dans la salle d’exposition, le visiteur a le plaisir de découvrir un parcours didactique et interactif qui met à l’honneur l’évolution des Jeux Olympiques et l’avènement de ces six nouveaux sports. Au programme, des photos et des installations vidéo retracent l’histoire et la mutation de ces disciplines alors que des panneaux informatifs permettent de se familiariser avec les enjeux et les valeurs des JO. En bonus, plusieurs objets mythiques ayant appartenus à des sportifs sont présentés, un peu à la manière du Hard Rock Café, ainsi que des œuvres d’art créées spécialement pour l’occasion par des artistes locaux provenant des cultures sportives mises à l’honneur dans l’exposition. Prêts à rider cette vague ? 

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Untitled, L. Bourgeois, ©Christopher Burke

Pour Jenny Holzer, c’est le langage et son utilisation dans l’espace public qui lui a permis de jouir d’une notoriété mondiale dès les années 1980. Variant les formats, des panneaux surdimensionnés au textile, des camions transportant des messages en LED aux projections monumentales, le langage est depuis toujours son terrain de jeu. À travers son exposition que le musée bâlois lui a laissé penser à sa manière, Jenny Holzer met en regard ses œuvres à celles de Louise Bourgeois, mais elle va également plus loin. Véritable hommage à une amie, cette exposition est aussi l’occasion de découvrir les œuvres de l’artiste américaine qui disparaissait en 2010 dans un contexte nouveau, côtoyant les œuvres classiques des collections du musée qui viennent alors démontrer les liens indéfectibles unissant l’art ancien et l’art contemporain. Tout au long de cette exposition résolument dense, nous suivons le récit écrit par Jenny Holzer qui nous entraîne à travers une éventail d’émotions et de thématiques, traitant des traumatismes, et de la créativité, mais avec une affection qui elle se fait ressentir tout au long de l’exposition. Deux légendes oui, mais avant tout deux amies qui se retrouvent. 

Louise Bourgeois; Nature Study; 1984

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