Dans ce jardin, on retrouvera alors des sculptures de l’époque moderne mais également des pièces inconnues de l’ère contemporaine. Parmi les artistes exposés dans cet espace, Henry Moore, Jean Arp, Alexander Calder, Willem de Kooning, Niki de Saint Phalle et Paulina Olowska se côtoient, et seront rejoints par l’acquisition récente d’une pièce d’Anne Imhof, ainsi que par un prêt de l’artiste Damien Hirst. Une installation artistique qui s’inscrit dans une refonte complète du hall du musée. Entièrement réagencé par Paul Cournet et le studio CLOUD, il accueille désormais une boutique redessinée, jouxtant le  nouveau bar FONDA du studio food Oficina. Une longue table de lecture ainsi que des sièges en nombre ont également été inclus dans l’espace, favorisant l’entrée du public au musée, et sa découverte de cette nouvelle installation accessible gratuitement. Enfin, dernier élément crucial de ce hall repensé : la Stedelijk Chair. Dessinée par la célèbre designer hollandaise Sabine Marcelis suite à une commande du musée, elles ont toutes été réalisées à la main dans une unique feuille d’aluminium, venant compléter avec élégance la rénovation de l’entrée du musée. Une installation à découvrir dès le 16 novembre.  

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La suite de l’exposition nous entraîne à la découverte de quelque 400 objets, mêlant maquettes d’architecture, dessins, photographies, extraits de littérature et de magazines, mais aussi archives vidéo et extraits de films s’articulant autour de mondes apocalyptiques ou post-apocalyptiques sortis de l’imaginaire. À ces créations, s’ajoutent également les objets d’un design de la survie, nécessaires pour correspondre aux codes de cette idéologie. Au total, ce sont plus de 300 types de produits populaires, du couteau à l’allume feu, en passant par la boîte de conserve et l’éolienne portative, qui viennent s’ajouter aux objets créés spécialement pour l’exposition. Parmi les créateurs sollicités pour ce projet, le MUDAC a notamment fait appel AATB, Reed Kram, Tapio Snellman, Studio Folder et Charles Negre. En sortant de l’exposition du musée lausannois, vous n’aurez pas de doute : We will survive.

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Le Luster Hotel ©DR

Immersion dans la ville d’hier et d’aujourd’hui
Ce caractère contemporain propre au quartier, nous le retrouvons dans l’ADN du Luster Hotel. Sa façade moderne donne le ton, et en pénétrant dans le lobby son design ne fait que renforcer notre impression. Et pourtant, malgré les éléments de décoration faisant appel à un vernaculaire du temps présent, les marques du passé sont belles et bien là, à commencer par le célèbre azulejo, carreau de faïence que l’on retrouve à travers toute la ville. Dans l’hôtel, il est revisité par le street artist Diogo Machado qui inscrit cette tradition séculaire portugaise dans le temps présent. Un décor qui fait également écho aux coloris de la région, le bleu se faisant dominant dans le design des chambres et des espaces communs. Au total, l’hôtel compte 57 chambres, certaines bénéficiant d’un balcon, d’autres d’une vue imprenable sur la ville. « Comme un bon parfum, le Luster Hotel a également des notes de tête lui étant propres, où il conserve l’un de ses atouts exclusifs. Dans une démarche audacieuse et sophistiquée, les trois suites du Luster Hotel sont de type duplex, poussant encore plus loin l’idée d’une maison loin de la maison ou, mieux encore, devenant la maison idéale pour séjourner à Lisbonne, y compris en famille, dans l’intimité la plus exclusive et dans une tranquillité absolue » ajoutent les équipes de l’hôtel.

Le Luster Hotel ©DR

Mais l’avantage principal de cet hôtel réside dans ses espaces bien-être et sa piscine extérieure, telle une oasis au milieu de la ville. Entourée de végétation, elle invite à un moment de détente au milieu de ce quartier vibrant. Un secret bien gardé, qui se voit complété par l’espace spa et un jacuzzi extérieur pour une parenthèse détente après une journée à monter et descendre les collines de la ville. 

La piscine du Luster hotel ©DR

Voyage gustatif
Véritable destination gastronomique, Lisbonne compte des adresses reconnues en nombre à travers la ville. Parmi celles-ci se trouve le restaurant du Luster Hotel, Oui Mais Non. Dans la salle à l’ambiance urbaine-chic et cosmopolite, ou alors dans l’atrium où pousse un imposant olivier, on déguste des mets inspirés par les cuisines du monde entier. L’Italie, le Brésil, l’Inde, mais aussi bien évidemment le Portugal, se retrouvent dans nos assiettes avant que l’on passe au bar où l’on déguste parmi les meilleurs cocktails de la ville. Le dernier mot à l’équipe Luster, « Du célèbre brunch aux plats sophistiqués servis à la carte, qui stimulent le palais et mettent tous les autres sens au défi, en passant par les repas légers qui s’adaptent au rythme des vacances ou aux brefs déjeuner de travail, la carte est vaste et attrayante. Oui Mais Non est un nom incontournable sur la luxueuse Avenue de la Liberté, connu pour son irrévérence et pour servir les  meilleurs brunchs de la ville, dans une atmosphère de raffinement décontracté. Un paradis gastronomique sur terre ».

Le copieux petit déjeuner ©DR

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Echoes
C’est une union surprenante que propose Echoes dans l’espace d’exposition DT22, celle entre le design suisse et la création mexicaine. À travers cette exposition qui rassemble une dizaine de créateurs issus des deux pays, le collectif Basalto à l’initiative ce projet nous invite à créer des traits d’union entre l’artisanat mexicain et la précision suisse. En résulte une exposition sous forme de dialogue, auquel participe le lauréat du Loewe Prize 2024, Andrés Anza.

Florascope
Encore une fois, ce projet réunit deux designers issus de pays différents. D’un côté la suissesse Nadya Suvorova, de l’autre le suédois Nicklas Hultman Ensemble, ils imaginent un kaléidoscope avec la fleur comme élément central. Un travail interactif, permettant au public de venir modifier l’installation à chaque instant. En résulte une expérience immersive et hors du commun, ouvrant encore un peu plus le champ des possibles du design.

Florascope ©DR

Technogym
Difficile de trouver une excuse pour ne pas faire de sport en découvrant la nouvelle collection Technogym. Imaginée en collaboration avec les designers Toan Nguyen et Antonio Cittero, ces accessoires dédiés au sport à la maison ont pour objectif de démontrer que ces objets par nature peu esthétiques sont en réalité capables de s’intégrer avec élégance et aisance dans un intérieur.

Redesigning Swissness
Deux termes semblent qualifier la scène design de Zürich : tradition et contemporanéité. D’un côté, elle est porteuse d’un riche héritage, de l’autre, elle reste le hub d’une création actuelle fourmillante. C’est cette relation entre passé et présent qu’a souhaité illustrer le studio Soft Baroque en s’alliant à la maison Vitra. Ensemble ils rééditent la chaise iconique Landi, exemplifiant l’union constante entre créations d’hier et d’aujourd’hui tout en nous rappelant à tous l’identité du design à la sauce suisse.

IKEA Switzerland
Le géant du mobilier d’intérieur répond présent pour cette nouvelle édition avec une focalisation sur une thématique précise : le sommeil. Dans l’installation immersive imaginée par IKEA Switzerland nous en apprenons plus sur les nombreux bienfaits d’un sommeil réparateur, de l’augmentation de notre concentration aux effets positifs sur notre système cognitif. Imaginée comme un cocon invitant à la détente, l’explosion nous invite à un moment de relaxation et de rêve où garder les yeux ouverts devient un défi.

IKEA Switzerland ©DR

H100 x Wohnrevue
L’installation intitulée Decades – Furniture classic, vintage and new, nous invite à plonger dans l’imposante collection de mobilier de H100. En rassemblant des pièces issues des différentes décennies passées, allant jusqu’au temps présent, la maison H100 et Wohnrevue illustrent par l’objet l’évolution du design de mobilier. Parmi les pièces exposées, des classiques signés Thonet, Lehni, Swisspearl, ou encore l’iconique chaise Stella de Burri.

Good Vibes
L’interprétation de la thématique 2024 se fait littérale pour le studio de design Katerina Bulgakova Zürich. Dans l’espace d’exposition, ses créations côtoient des pièces imaginées et conçues par les marques ukrainiennes Furn Objects et Mü Store. Ici le design prend une définition plurielle, proposant de découvrir 50 objets de design, de design de collection, d’art appliqué et d’objets décoratifs. La question derrière Good Vibes et cette sélection est alors la suivante : est-ce qu’un objet peut nous mettre de bonne humeur ? La réponse est oui.

Good Vibes ©DR

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Tales & Ahlam ©DR

Aigue Morte ©DR

Du côté de la programmation jour, à quoi pouvons-nous nous attendre ?
Notre programmation jour a pour objectif d’accueillir tout type de public et notamment les familles et résidents de la région. Depuis l’année dernière, nous proposons en plus des activités participatives et notamment des concerts en journée dans le cadre intimiste des jardins à la française du château. Cette année, nous aurons le plaisir d’accueillir Moictani, Amour courtois, Aigue morte et Clara Le Meur pour des moments de douceur. Côté activité, l’asso locale Pigment se chargera de la fresque collaborative et de la sérigraphie, le skateshop Streetart continue de nous soutenir pour la mise en place d’une mini rampe de skate pour un skate jam, nos fidèles de la Frite – varus d’Annemasse – proposeront de nouveau des ateliers d’initiation à la Musique Assistée par Ordinateur, et pour les plus zen et spirituels d’entre nous, on retrouvera cette année nos cors de yoga, mais aussi de sonothérapie et du tirage d’oracles. On pense aussi aux sportifs à Château Sonic, et en 2024 on pourra se défouler à la pétanque, au molki, ou encore au mini golf. Enfin, un spectacle de théâtre physique sera proposé par la compagnie Los Babuinos.

Quelles sont les nouveautés de cette édition 2024 ?
On compte trois nouveautés cette année à commencer par l’installation d’un beauty salon accueillant coiffeur, tatoueur, maquilleur. L’événement se voulait avant tout collaboratif, nous avons décidé de renforcer cette démarche sur le plan de la scénographie afin de construire plus de décors cette année. D’ailleurs nous accueillons avec plaisir les retardataires pour nous aider à participer à la construction et au montage (toutes les infos sur le site de l’événement pour les motivés !). Enfin nous entamons un partenariat avec AREMACS pour continuer nos efforts sur la bonne gestion de nos déchets dans un souci d’optimiser et minimiser l’impact écologique du festival sur l’environnement.

Peux-tu nous parler du thème de cette année et de l’affiche 2024 ?
L’affiche a été réalisée par l’artiste Hector Wije, basé à Genève. Nous l’avons choisi pour son univers, et aussi car il s’investit depuis de nombreuses années dans le festival. L’univers graphique proposé propulse le château dans les nuages lui conférant une dimension rêveuse mais affirmée avec un mélange de minimalisme que l’on retrouve par la gamme chromatique réduite, et de parti pris qui transparaît par la typo et le glitch des nuages. Deux éléments qui représentent le festival et son identité que nous avons hâte de partager avec les festivaliers qui nous rejoindront cette année !

L’affiche du festival réalisée par l’artiste Hector Wije

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Space Invasion III with Oriane Emery (left), Igigo Wu (right) & Yel K. Banto (top right), Fabienne Levy Lausanne, 2024. @substancemat

« Les Temps sans précédents »
La thématique sélectionnée en 2024 vient aborder la question du changement, de l’apparition de problématiques, de situations, inédites, jamais vécues par l’humain. À notre époque où l’instabilité se fait maître mot, cette thématique était sans équivoque la plus adéquate, poussant les jeunes artistes à illustrer les difficultés de notre temps, ses défis, et la recherche de solutions adaptées venant leur répondre. « Ce terme est souvent utilisé pour décrire des événements ou des circonstances très inhabituels, imprévisibles et ayant des répercussions considérables, les rendant difficiles à gérer ou à comprendre en se basant sur des expériences passées. Ils englobent des périodes marquées par des défis et des changements significatifs et inconnus, où les réponses traditionnelles peuvent être inadéquates et où des solutions innovantes sont souvent nécessaires ». Fabienne Levy a sélectionné pour cette édition 2024 une vingtaine d’artistes émergents qui chacun à leur façon répondent à cette problématique, utilisant leur art pour nous ouvrir les yeux sur des temps sans précédents.

Space Invasion III with Mathilde Lesueur, Fabienne Levy Lausanne, 2024. @substancemat

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Une des chambres du 138 Liberdade Hôtel ©DR

Une table de gourmet
La cuisine portugaise est saluée à travers le monde entier, et un voyage à Lisbonne est toujours la garantie d’un moment privilégié pour les palets les plus fins. De nombreux plats traditionnels nous viennent en tête lorsque nous pensons à la capitale portugaise, à l’image du célèbre bacalhau. Le chef du restaurant de l’hôtel, sobrement baptisé Restaurant 138, Pedro Monteiro, invite quant à lui ses convives à vivre la cuisine portugaise autrement. Au centre de sa carte, des produits frais, locaux et de saison visant à mettre avant tout en valeur la qualité des éléments de la cuisine portugaise dans leur forme la plus pure. Un premier pan du menu qui vient faire écho à un autre univers culinaire, puisant cette fois-ci son inspiration à l’autre bout du monde. En effet, la seconde spécialité du Restaurant 138 trouve son origine au Japon : les sushis. Des mets locaux ou plus exotiques à déguster dans le restaurant reprenant les codes du reste de l’hôtel, ou alors sur le toit terrasse pour profiter d’une vue à couper le souffle sur la ville.

Le Restaurant 138 chapeauté par le chef Pedro Monteiro ©DR

Une localisation imbattable
L’autre atout majeur du 138 Liberdade Hôtel est sa situation géographique. Situé sur l’une des plus belles avenues de la capitale portugaise, il se présente comme un repère de choix pour les cosmopolites en quête de culture, de shopping et des plus beaux exemples d’architecture locale. « En plus de ce ‘voyage dans le voyage’ qu’offre l’atmosphère de l’hôtel, le 138 Liberdade Hôtel est le point de départ de nombreuses autres destinations au sein de Lisbonne. Son superbe emplacement témoigne de cette intimité avec la capitale. L’hôtel possède un atout imbattable précisément dans son adresse. Situé au numéro 138 de l’Avenida da Liberdade, il partage le code postal du quartier le plus exclusif de Lisbonne, proche des marques de luxe les plus recherchées et lieu de pèlerinage des fashionistas. L’avenue est sans équivoque une destination incontournable pour toutes les personnes qui viennent visiter Lisbonne, et souhaitent admirer l’un des avenues les plus élégantes de la ville » confient les équipes d’Amazing Evolution, responsables du management de l’hôtel. Une raison de plus de succomber au charme de cette adresse qui nous fait voyager entre les époques.

La terrasse du 138 Liberdade Hôtel ©DR

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Calder. Sculpting Time au Masi Lugano ©DR

Si Calder est célébré pour ses mobiles, sa production ne s’est pas limitée à ces pièces. Les stabile, nommés ainsi par Jean Arp pour leur nature inversement immobile, se caractérisent quant à eux par la diversité de leurs échelles. Au MASI, nous découvrons Untitled (vers 1940) et Funghi Neri (1957), s’opposant par leur monumentalité et leur délicatesse. Le troisième grand pan de la création de Calder, ce sont ses constellations. Encore une fois ici, c’est Duchamp qui sélectionne ce terme. C’est à partir de 1943 que ces séries se font plus nombreuses, à une époque où la tôle, sa matière de prédilection, se fait plus rare. Calder opte alors pour le bois qu’il mêle au fil de fer pour créer ces pièces abstraites prenant leur place le long des murs. Des années plus tard, il est difficile de nier que Calder reste encore aujourd’hui un visionnaire, inspirant les générations d’artistes qui l’ont suivi. Dans les salles du musée, l’interaction avec ses pièces, notamment les mobiles, rappelle également que pour l’artiste américain l’art se pensait en relation avec l’humain, par son échange avec l’œuvre. Les commissaires de l’exposition Sculpting Time concluent, « L’héritage de Calder perdure non seulement dans la présence physique de ses œuvres, mais aussi dans l’impact profond que son art a eu sur la manière dont nous percevons et interagissons avec la sculpture. Sa contribution à l’histoire de l’art va bien au-delà de l’utilisation innovante des matériaux et de l’emploi de nouvelles techniques ; elle saisit l’essence subtile d’instants éphémères. S’engager dans cette dimension temporelle, tel est le but de cette exposition”. 

Calder. Sculpting Time au Masi Lugano ©DR

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Nouveau décor pour le MJF

L’affiche dessinée par le genevois Rylsee donne le ton. Entre ville et lac, le Montreux Jazz Festival dans sa version révisitée se présente déjà comme une fête. L’artiste commissionné, familier du festival où son père a travaillé, en parlait alors ainsi, « Je vois le Montreux Jazz Festival comme une sorte de cité éphémère. Elle se construit en quelques semaines et rassemble plein de monde qui y vit des expériences plus intenses en un soir qu’au cours d’une année entière. Et puis finalement, tout disparaît. Il nous reste alors nos souvenirs et nos rêves communs ». Un onirisme bien ancré dans le réel. Et cette année, les chantiers en cours ne viendront pas le perturber. Si la scène du Palais des Congrès disparaît, ce n’est que pour être mieux remplacée par deux nouvelles scènes : le Casino et le Lac. La capacité de spectateurs n’en sera ainsi pas impactée, restant au nombre stable de 250’000, tandis qu’un lieu iconique de Montreux se voit réinvesti. « L’histoire de la musique s’est écrite à de nombreuses reprises au Casino, de l’incendie ayant inspiré ‘Smoke on the Water’ aux concerts iconiques de Nina Simone ou Miles Davis. C’est en ces lieux également que Claude Nobs a ouvert le festival à d’autres sonorités musicales, invitant des groupes de rock tels que Ten Years After ou Santana. Cet été, la Scène du Casino reflètera cette liberté de programmation en présentant le meilleur des musiques actuelles sous toutes ses formes » confient les organisateurs. 

(c) Rylsee

Éclectisme assumé

Le contexte change peut-être légèrement, mais l’ADN du Montreux Jazz Festival reste fidèle à elle-même. Son trait de caractère le plus fort ? Sa volonté de mélanger avec équilibre légendes et nouveaux venus, au sein d’une même soirée. « Notre ADN musical mêle héritage et nouvelles tendances (…). Plus que jamais, l’équipe de programmation a soigné la création de soirées où chaque moment compte double. Que ce soit au Casino ou à la Scène du Lac, vous trouverez des paires d’artistes que l’on ne voit nulle part ailleurs. Les noms de Deep Purple, Sting, Massive Attack, Jamie Cullum, Duran Duran, Laufey ou Tyla auraient suffi à eux-seuls ? Peut-être, mais ces soirées ne sont-elles pas plus marquantes encore lorsqu’elles sont couplées avec Alice Cooper, Rag’n’Bone Man, Air, Diana Krall, Soft Cell, d4vd ou Yamê ? » déclarait Mathieu Jaton, le CEO du MJF. Des légendes vivantes, mais aussi des révélations qui rappellent également que le Montreux Jazz Festival rassemble les générations, et se vit avant tout comme une expérience commune. Evénement musical mondialement connu, à l’histoire des plus riches, le Montreux Jazz ne s’enterre pas dans la tradition, loin de là. Parmi les artistes présents cette édition, on compte deux stars dont la notoriété s’est construite nul autre part que sur TikTok. D’un côté, Laufey, qui représente une nouvelle génération de jazz vocal aux sonorités vintage et aux paroles contemporaines ; de l’autre, d4vd, musicien self made qui enregistre ses prises mélancoliques sur IPhone et qui se produira sur la scène du Casino le 19 juillet. 

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© Brandt Collective

ferm Living
Devenue une véritable référence dans le domaine de la décoration d’intérieur, ferm Living continue inlassablement son inscription pérenne dans le paysage design à l’internationale. Se focalisant sur une esthétique artisanale, mettant en avant des formes organiques, douces, dans des matériaux aux textures riches, l’élégance scandinave de la marque danoise se distingue de ses paires par son caractère irrévérent. Parfois surprenants, les détails de ses créations séduisent, le tout dans une démarche de création durable.

© ferm Living

Lintex
La marque Lintex s’est attaqué à un univers teinté d’ennui, peut-être de mauvais souvenirs, en tous les cas d’absence de créativité : le tableau blanc. Utilisé dans les salles de classe et de conférences, il n’a jamais brillé par son style, mais la marque en a décidé autrement. Devenu objet propice à la créativité, mais aussi élément décoratif, nous en oublions presque sa fonction première.

© Lintex

Tableau
À l’origine studio créatif consacré à l’art floral, Tableau a élargi son spectre au fil des ans pour aboutir à une pratique pluridisciplinaire visant à déconstruire nos idées pré-construites de l’art et du design. Durant la foire, la marque présentera une exposition rassemblant un éventail d’artistes redéfinissant les codes de l’art fonctionnel, et détruisant encore un peu plus les murs séparant les disciplines.

© Tableau

Mater
Fondé en 2006 à Copenhague, Mater place la technologie green au cœur de ses projets ancrés dans une valeur de durabilité. En 2024, la marque danoise propose une collaboration avec la designer Patricia Urquiola, baptisée ALDER. Ici encore, la durabilité est centrale : du mobilier conçu à base de plastique biodégradable, allié à des détritus issus de l’industrie du bois et du café. Pour l’événement, Mater s’est associé à Tableau qui présentera le mobilier pensé par la designer italienne dans une installation où la fleur se fera centrale.

Norr11
La présentation de la marque danoise est encore teintée de surprises. Dans son nouveau showroom, nous savons seulement qu’une collection inédite, ainsi que plusieurs collaborations, seront dévoilées lors des 3 Days of Design. Mais l’ADN de la marque sera sans aucun doute au rendez-vous : des pièces de mobilier sculpturales, qui s’observent à 360°, et où le confort se fait roi.

© Norr11

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Cette sculpture en céramique créée par l’artiste mexicain se situe entre les références aux formes animales et végétales. Un totem en quelque sorte, hérissé de piquants, qui se joue des jeux d’ombre et de lumière. 

Ken Eastman, « Don’t get around much anymore »

Réalisée en argile, ce réceptacle, résultat du travail du britannique Ken Eastman, vient questionner les formes habituellement données à la vaisselle en céramique. Ici ce vase se pare de facettes, dont les formes sont encore augmentées en effet par l’ajout d’une oxydation à la surface de la terre. 

Jeremy Frey, « Symphony in Ash »

Au premier regard, il est difficile de définir la matière constituant cette œuvre. En réalité, il s’agit d’un panier en bois tressé qui revisite les techniques de tissage ancestrales de la nation Wabanaki. Un travail sur la matière et les textures demandant un tissage en plusieurs couches, qui se voit complété par une teinture d’une partie des bandes de bois offrant ce résultat aux diverses nuances chromatiques. 

Emmanuel Boos, « Coffee Table comme un Lego »

Composée de 98 briques creuses, cette table basse imaginée par le designer français Emmanuel Boos se caractérise par son aspect ludique. Il est en effet possible de retirer chacune des briques de la table, en faisant un puzzle géant de porcelaine et de bois. 

Saar Scheerlings, « Talisman Sculpture : The Column »

Principalement constitué de mousse et de draps recyclés, ce totem vient interroger la nature de la colonne, objet omniprésent dans l’architecture de toutes les nations. Une approche sculpturale du textile constituée de 82 coussins cousus à la main par l’artiste. 

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