Des épaules qui prennent de la hauteur, des coupes qui gardent les pieds sur terre. Le tailoring selon WARDROBE.NYC : précis, calme… et redoutablement efficace (c) H&M

WARDROBE.NYC n’habille pas l’ego. Elle habille le lendemain. Et le surlendemain aussi. Depuis 2017, Christine Centenera et Josh Goot construisent leur vestiaire comme un chef étoilé compose un bouillon : on retire, on réduit, on affine, jusqu’à ce qu’il ne reste que l’essentiel. Chaque pièce mérite sa place. Les autres restent à la porte.

Le résultat ? Vingt-neuf vêtements qui donnent l’impression d’avoir toujours existé. Des manteaux qui tiennent la ligne comme un majordome britannique, des blazers capables de remettre une réunion au garde-à-vous, un denim qui vieillit avec autant d’élégance qu’un grand cru, des hoodies qui flirtent avec le tailoring et des robes qui prouvent que la discrétion sait aussi voler la vedette.

La palette, elle, refuse les feux d’artifice. Noir, blanc, gris, quelques respirations bleutées… comme si la couleur avait décidé de parler à voix basse. Et c’est précisément là que tout devient intéressant. Parce que lorsque rien ne cherche à impressionner, tout finit par séduire.

Cette capsule ressemble à ces personnes qui entrent dans une pièce sans faire de bruit… avant que tout le monde ne réalise qu’elles en sont déjà le centre de gravité.

À l’heure où les tendances ont une durée de vie comparable à celle d’une story Instagram, H&M et WARDROBE.NYC proposent un antidote. Des vêtements qui ne demandent pas : « Est-ce que je serai encore à la mode l’année prochaine ? » Ils répondent simplement : « Pourquoi je ne le serais plus ? » Une collaboration qui ne suit pas la mode. Elle lui rappelle qu’avant d’être un sprint, elle était d’abord une allure.

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Allongée entre le sel et la lumière, l’été ressemble soudain à une matière que l’on pourrait enfiler (c) Saint Laurent

Le mot signifie « respiration » en italien. Impossible de trouver un titre plus juste. Cette campagne ne crie jamais. Elle inspire. Elle expire. Elle laisse de l’espace entre les images comme on laisse de l’espace entre deux vagues. Pour une maison qui a bâti son histoire sur le noir, la tension et le désir, Saint Laurent signe peut-être ici son exercice le plus lumineux.

Sous l’objectif d’Henrik Purienne, l’été cesse d’être une saison pour devenir une texture. On entend presque les galets rouler sous les pieds, le vent froisser une chemise ouverte, la mer déposer une fine pellicule de sel sur la peau. Les photographies possèdent ce grain légèrement imparfait des appareils photo jetables que l’on glissait autrefois dans une valise. Ceux que l’on retrouvait au retour, avec des clichés parfois flous, souvent bancals, mais toujours infiniment plus vrais que n’importe quel filtre.

Entre ombre et lumière, Saint Laurent rappelle que le plus beau reflet n’est pas toujours celui du miroir, mais celui d’un instant qui suspend le temps (c) Saint Laurent

Et c’est précisément là que Respiro frappe fort. La campagne ne donne pas l’impression d’avoir été produite. Elle semble avoir été retrouvée. Comme une boîte remplie de souvenirs oubliés dans un grenier de la Riviera. Chaque image ressemble à une réminiscence plutôt qu’à une publicité. On ne regarde plus des mannequins ; on espionne des fragments de vacances qui auraient pu être les nôtres.

Anthony Vaccarello ne dessine plus seulement des silhouettes. Il orchestre des atmosphères. Les vêtements dialoguent avec le paysage au lieu de lui voler la vedette. Une robe glisse comme une vague sur la peau. Un débardeur blanc devient aussi iconique qu’un bronzage de fin août. Le cuir, signature historique de la Maison, perd toute rigidité et semble lui aussi avoir pris quelques jours de congé. Même les sacs Loulou et Panier, revisités en raphia et matières naturelles, paraissent avoir troqué les pavés parisiens contre les criques méditerranéennes.

Le soleil, les galets et deux silhouettes qui prouvent qu’un été bien habillé n’a jamais besoin d’en faire trop (c) Saint Laurent

Le plus brillant reste sans doute cette capacité à vendre une émotion avant de vendre un produit. On ne se surprend pas à vouloir absolument cette robe, ce sac ou ces lunettes. On rêve plutôt de cette lumière de fin de journée, de cette peau chauffée par le soleil, de ce temps qui ralentit enfin. Les vêtements deviennent presque secondaires. Ils ne sont plus les héros de l’histoire ; ils en sont la bande-son silencieuse.

Au fond, Anthony Vaccarello ne vend pas une collection printemps-été 2027. Il remet le sable à l’heure, le vent au centre de la conversation et la lenteur sur le devant de la scène. Et dans un monde qui court après chaque seconde, cette campagne accomplit peut-être le geste le plus subversif de la saison : elle nous donne envie de poser notre téléphone… pour regarder la mer.

Les talons prennent le guidon. La dolce vita, elle, s’occupe du reste (c) Saint Laurent

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Rabanne n’a jamais été une maison sage. Paco fabriquait des robes en métal quand tout le monde cousait encore du tissu. Il imaginait la mode comme une expérience spatiale, presque industrielle, là où d’autres regardaient encore le passé. Julien Dossena avait brillamment réinterprété cet héritage pendant treize ans, en injectant une élégance plus contemporaine sans trahir l’ADN futuriste de la maison. 

Arrive maintenant Olivier Rousteing. L’homme qui ne dessine pas des vêtements. Il dessine des entrées. Chez lui, une veste ne passe jamais inaperçue. Elle fait son apparition comme une diva au Festival de Cannes. Les épaules prennent de la hauteur, l’or devient une couleur primaire et chaque silhouette semble convaincue qu’elle mérite sa propre bande originale. Autrement dit : le bruit pourrait devenir magnifique.

Car c’est peut-être là que réside tout l’enjeu. Rabanne possède l’un des héritages les plus radicaux de la mode. Rousteing possède l’une des signatures les plus reconnaissables de sa génération. Lorsque deux ego créatifs aussi puissants se rencontrent, deux scénarios existent : la collision… ou la constellation. On parie volontiers sur la seconde.

Au fond, Rousteing ne rejoint pas seulement une maison. Il retrouve une philosophie. Celle qui considère que la mode ne sert pas uniquement à habiller les corps, mais aussi les imaginaires. Et dans une époque où le luxe semble parfois avoir peur d’en faire trop, voir arriver un maximaliste revendiqué chez l’inventeur des robes métalliques ressemble presque à un acte de résistance.

Sa première collection est attendue en mars 2027. D’ici là, les spéculations vont défiler plus vite que les mannequins.  Une chose est déjà certaine : chez Rabanne, le futur vient encore de changer de visage. Et il a décidé de porter des épaulettes.

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Ancien infirmier psychiatrique devenu l’un des artistes les plus convoités de sa génération, il peint les anonymes comme des légendes et les légendes comme des voisins de palier.

Ses toiles, accrochées au MoMA, au Met ou au Whitney, ressemblent moins à des portraits qu’à des fragments d’existence arrachés au quotidien. Depuis Los Angeles, l’artiste afro-américain compose depuis quarante ans une chronique sensible de son époque, quelque part entre mémoire collective, souvenirs personnels et poésie du réel. À l’heure où beaucoup d’images cherchent à impressionner, les siennes préfèrent toucher.

 

Avec cette collaboration pour COMME des GARÇONS Wallet, ses personnages quittent les cimaises pour se glisser dans nos mains. Une trajectoire presque naturelle pour un artiste qui n’a jamais séparé l’art de la vie.

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Genève, c’est un fil conducteur ou une toile de fond ?
Genève est le cœur d’INKALUX. C’est ici que je vis, que je développe l’entreprise et que je souhaite ancrer durablement la marque. L’exigence, la précision, la discrétion et l’élégance qui caractérisent Genève influencent profondément notre manière de travailler. Cette combinaison entre l’héritage textile andin et les standards d’excellence genevois constitue l’ADN même d’INKALUX.

Les écharpes INKALUX en baby alpaga illustrent la rencontre entre savoir-faire péruvien ancestral et élégance intemporelle. Des pièces pensées pour traverser les saisons plutôt que les tendances (c) DR

Vos premières mailles, vous les avez nouées avec qui ?
Principalement des acteurs du luxe genevois — maisons horlogères, banques privées, family offices — qui font appel à nous pour créer des pièces personnalisées en baby alpaga ou vicuña. Des cadeaux d’affaires pensés pour durer et pour dire quelque chose de celui qui les offre.

Quels fils avez-vous dû démêler en chemin ?
Le principal défi a été de construire la confiance. Lorsque l’on introduit une matière encore peu connue et une jeune entreprise sur des marchés déjà établis, il faut démontrer sa crédibilité chaque jour. La constance, la qualité et l’exécution sont les éléments qui permettent progressivement de bâtir cette confiance et de développer des relations durables avec ses clients.

Quel fil voulez-vous tisser pour la suite ?
Notre ambition est de faire d’INKALUX une référence dans l’univers des fibres naturelles d’exception et du savoir-faire textile intemporel. Nous souhaitons poursuivre le développement de partenariats solides, renforcer notre présence à l’international et faire découvrir à un public toujours plus large les qualités remarquables du baby alpaga et de la vicuña. Plus largement, nous voulons démontrer qu’il est possible de concilier héritage, excellence artisanale et vision entrepreneuriale moderne.

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Des lunettes suspendues comme des bonbons dans une confiserie futuriste. Chez Sarah Hartmann, même l’optique semble avoir retrouvé son âme d’enfant (c) Viu

The Nova, lui, n’a clairement pas décidé d’être discret. En Yellow Swirl Red ou Strawberry Pink, ça tourbillonne, ça pétille, ça accroche l’œil comme une sucrerie qu’on n’assume qu’à moitié — mais qu’on choisit quand même. Plus joueur, presque insolent, il injecte ce twist pop qui fait toute la différence.

Et c’est là que la collaboration prend tout son sens. Pas dans le spectaculaire, mais dans le décalage. VIU Eyewear ne change pas de cap, la marque affine sa trajectoire. Sarah Hartmann, elle, vient créer du mouvement dans quelque chose de déjà bien installé. Une tension subtile entre maîtrise suisse et liberté berlinoise.

Des teintes qui semblent sorties d’un paquet de friandises et des formes qui refusent obstinément la ligne droite : tout l’univers Hartmann tient dans une monture (c) Viu

Son geste est presque instinctif : elle ne surcharge pas, elle déplace. Une rainure devient signature, une courbe devient attitude. Le genre de détail qu’on ne remarque pas immédiatement — mais qui finit par tout changer. Comme ces vagues silencieuses qui redessinent le rivage sans prévenir.

Derrière cette apparente légèreté, il y a aussi une manière de penser autrement. Les plaques d’acétate ne sont pas produites pour l’occasion, elles sont réutilisées, retravaillées, revalorisées. L’upcycling ici n’est pas un argument plaqué, c’est une logique. Moins de matière, plus de regard.

Une chaise rouge, quelques livres, une paire de lunettes. La preuve qu’il suffit parfois de trois objets bien choisis pour raconter une histoire (c) Viu

Au fond, ces lunettes ne cherchent pas à en mettre plein la vue. Elles préfèrent troubler légèrement la perception. Introduire ce petit décalage qui attire, sans jamais forcer.

Et dans un paysage où tout cherche à se faire remarquer à coups de surenchère, cette manière de faire des vagues… sans bruit, c’est presque insolent.

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Des jambes disco-ball, un hoodie cosmique et cette allure de créature échappée d’un rêve Y2K sous adrénaline. Stella ne fait pas du comeback : elle rallume carrément la boule à facettes (c) DR

Ce qui frappe surtout, c’est cette manière qu’a Stella de rendre la nostalgie portable sans la transformer en costume d’époque. Ici, les références Y2K flirtent avec des volumes contemporains, les chaînes Falabella s’invitent sur des robes et des mocassins comme des bijoux rebelles, tandis qu’un t-shirt “Rock Royalty” débarque avec l’arrogance délicieuse d’un backstage des années 2000.

Foulards cerises, licorne galactique, chaînes XXL et mocassins qui ont l’air de connaître les meilleures afters de Londres : la collection joue au grand mélange des fantasmes Stella McCartney (c) DR

Mais derrière les paillettes et les épaules bien coupées, Stella continue aussi son vieux bras de fer avec l’industrie. Matières recyclées, coton organique, laine certifiée RWS, huiles végétales recyclées et dérivés de maïs industriel : la collection tente de prouver qu’on peut faire du désir sans transformer la planète en dommage collatéral. Et dans un paysage où beaucoup de marques confondent encore “conscience” et “greenwashing sous filtre beige”, ça mérite d’être souligné.

Ann-Sofie Johansson, directrice du design femme chez H&M, et Stella McCartney (c) DR

La campagne, shootée à Londres par Sam Rock avec Reneé Rapp, Angelina Kendall et Adwoa Aboah, pousse encore cette idée de transmission pop et intergénérationnelle. Une mode qui regarde dans le rétroviseur… mais avec les deux mains sur le volant.

Le plus intéressant finalement ? Ce n’est peut-être pas la collection elle-même. C’est ce qu’elle raconte de notre époque. En 2005, collaborer avec H&M relevait presque du scandale chic pour une créatrice de luxe. Aujourd’hui, les frontières ont fondu comme un gloss oublié au soleil. Le prestige veut être accessible. Le mainstream veut du sens. Et Stella, elle, continue de marcher entre les deux avec ce mélange rare de militantisme poli et de glamour qui refuse de s’excuser.

La collection sera lancée le 7 mai. Et il y a fort à parier qu’une partie du monde mode replongera dedans comme on rouvre une vieille playlist : pour la nostalgie, oui… mais surtout pour retrouver cette sensation précise d’avoir été cool avant tout le monde. 

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Le chest bag de Sarah Lévy (c) DR

Son terrain de jeu ? Le corps humain, version terrain d’expérimentation. Ses pièces — harnais, moufles zippées, bombers asymétriques (dont un manifeste co-signé avec Schott NYC) — semblent sorties d’un vestiaire parallèle, entre armure contemporaine et poésie utilitaire. Son iconique chest bag ? Un OVNI stylistique, quelque part entre lingerie et maroquinerie, entre protection et provocation. Une pièce qui ne se porte pas : elle se positionne. Comme une déclaration.

La collab Sarah Lévy X Schott NYC (c) DR

Chez elle, l’accessoire n’accompagne plus le corps — il le prolonge, le précède presque. Une philosophie qu’elle revendique sans détour : penser des objets hybrides, à mi-chemin entre prothèse et parure. Et derrière ce mot, “prothèse”, une révolution douce. Car Lévy collabore avec des orthopédistes, détourne les codes médicaux, injecte du quotidien dans l’extraordinaire. Résultat : des pièces qui répondent à des usages réels, mais avec une allure qui frôle le manifeste.

Repérée dès le Festival international de mode, de photographie et d’accessoires de Hyères, adoubée par des maisons comme Marine Serre, Givenchy ou Patou, elle avance avec cette élégance rare : celle des créateurs qui ne cherchent pas à plaire, mais à déplacer les lignes. Sa nomination puis sa consécration à l’ANDAM — jusqu’au Prix de l’accessoire 2025 — ne font que confirmer ce que la rue avait déjà compris : quelque chose est en train de se passer.

La designer Sarah Lévy (c) DR

Et puis il y a ses mises en scène. Pas de défilé classique, non. Elle préfère le mouvement incarné, la chorégraphie, le corps en action. Comme une évidence : ses pièces ne prennent sens que lorsqu’elles vivent. Quand elles respirent au rythme de celui ou celle qui les porte.

Sarah Lévy ne crée pas pour orner. Elle crée pour révéler. Avec une ironie fine, presque espiègle, elle détourne nos réflexes — glisser un billet dans un soutien-gorge devient un concept, une silhouette, un objet. Elle attrape l’intime, le banal, et le hisse au rang de langage stylistique.

Le tits bag de Sarah Lévy (c) DR

Dans un paysage saturé d’images, elle propose autre chose : une fonction avec du fond, une esthétique avec du sens. Une mode qui pense. Une mode qui panse aussi, parfois.

Et au fond, peut-être que son véritable talent est là : nous faire croire qu’un accessoire peut changer une allure… alors qu’il redéfinit, en silence, toute une manière d’habiter son corps.

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Entrée en matière, entrée en mémoire : dès les premiers pas, La Redoute déroule son récit comme un fil tendu entre hier et aujourd’hui (c) La Redoute

De maille en maille
Née en 1837 dans la vapeur industrielle du Nord, La Redoute commence par la laine avant d’habiller des générations entières. Ici, l’exposition raconte l’ascension d’une filature familiale devenue boussole du quotidien français. Le récit est chronologique mais jamais figé : archives, publicités, photographies, catalogues et objets de design composent un album vivant, celui d’une marque qui a su rendre accessible l’inaccessible — quand « tout au coin de la rue » n’existait pas encore.

De ces pelotes du XIXᵉ siècle aux silhouettes contemporaines, La Redoute entremêle passé, présent et futur comme on entrelace des fils de laine. Dans cette rétrospective, l’enseigne tricolore ne raconte pas juste une chronologie : elle tricote des anecdotes, elle tisse des influences et brode des codes. Chacune de ces pièces — du catalogue mythique aux collaborations fulgurantes — est une maille dans la grande pièce du design français.

Maille en mosaïque, motifs en mémoire : l’héritage se tricote en couleurs. Pénélope version pop, archive en mouvement (c) La Redoute

Catalogue, collaborations et custo-créations
La Redoute n’a jamais été une simple enseigne — plutôt une scène ouverte, couture en coulisses et casting cinq étoiles. Très tôt, elle invite les signatures à s’inviter chez nous : Emmanuelle Khanh ouvre le bal, suivie de Jean Bousquet. Puis le vestiaire prend de l’altitude avec Yves Saint Laurent, Karl Lagerfeld, Jean-Paul Gaultier, Christian Lacroix ou encore Azzedine Alaïa.

Smoking au féminin signé Yves Saint Laurent : quand le vestiaire masculin glisse vers l’icône (c) La Redoute

Côté design, même partition pointue : Philippe Starck, Jean-Michel Wilmotte ou encore Tom Dixon. Et plus tard, des nouveaux noms devenus les nouvelles normes : Simon Porte Jacquemus, Anthony Vaccarello, Christelle Kocher.

Philippe Starck en équilibre — design démultiplié, objets en orbite. Quand le quotidien devient terrain de jeu, presque une performance (c) La Redoute

Chez La Redoute, les collections ne défilent pas,  elles dialoguent, dérivent, dérangent parfois. Plus de 150 collaborations : une garde-robe collective où le quotidien devient terrain de création.

Design et détours : détourner, dériver, désirer
L’exposition ne montre pas, elle met en mouvement. Entre archives et installations contemporaines, le regard glisse du fonctionnel vers le sensible, du banal vers le presque charnel. Un catalogue devient paysage, une chaise devient chapitre, un vêtement devient voix. Ici, tout se détourne : l’objet s’émancipe, le design s’écrit, et le quotidien prend la parole.

Chaise sculptée, tapis solaire : entre artisanat et poésie domestique (c) La Redoute

Capsules contemporaines — héritage en mouvement
Parce que le passé ne se plie pas, il se replie, se réécrit, se remix. La Redoute propose pour célébrer cette exposition quatre capsules, quatre lectures du patrimoine :

• Charles de Vilmorin transforme le t-shirt en toile vivante — six graphismes comme six éclats d’imaginaire.
• MaPoésie insuffle ses motifs vibrants à La Redoute Intérieurs : coussins, tapis, parasols deviennent surfaces en mouvement.
• Le suisse Kevin Germanier réinvente les pièces iconiques avec une énergie upcyclée, flamboyante.
• Blanchemaille replonge dans les années 1920 pour mieux les réactiver — maille mémoire, maille moderne.

Mobilier pixelisé, couleurs en collision : Kevin Germanier transforme l’assise en statement. S’asseoir, oui — mais avec panache (c) La Redoute

Une histoire qui ne se raconte plus au passé, mais au présent continu. Du salon au jardin, du textile à l’objet, tout pulse. Ici, on ne décore pas : on réveille, on relève et on réenchante.

Dernière maille
On entre pour voir des vêtements, on sort avec des fragments de vies. Des lignes qui racontent, des tissus qui témoignent, des objets qui insistent. La Redoute ne vend pas seulement du style — elle archive nos gestes, nos époques, nos élans. Un catalogue ? Non. Un roman textile.

Lignes tracées, contours assumés : le trench se dessine comme une esquisse en relief. Minimalisme graphique, impact maximal (c) La Redoute

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Carottes en apesanteur, aubergine en suspension, fruits en fugue. Le quotidien s’élève et le supermarché devient surréaliste (c) Lidl

Lidl ne parodie plus la mode : il dialogue avec elle. Il s’infiltre dans ses codes, les plie, les polit, les expose sous les projecteurs de la Fashion Week londonienne. Le banal devient bijou. Le fonctionnel devient fantasme. Le caddie — symbole du quotidien — s’élève en manifeste esthétique. La question n’est plus “est-ce chic ?”. La vraie question est : qui décide encore de ce qui l’est ?

Car derrière l’objet, il y a l’intention. Le Trolley Bag ne se contente pas d’imiter un chariot : il en reprend la structure métallique, la grille froide, la rigidité industrielle — et la condense en accessoire portable. Une miniaturisation ironique, presque conceptuelle. On ne transporte plus ses courses : on transporte l’idée même de consommation. Le geste devient commentaire. Le sac devient satire.

Miniaturisé, chromé, suspendu à une chaîne comme un bijou urbain. Le Trolley Bag n’imite pas le chariot : il le sacralise (c) Lidl

Avec cette collaboration, Lidl confirme qu’il a compris une chose essentielle : la mode adore les paradoxes. Elle vénère le luxe, mais fantasme le banal. Elle sanctifie le cuir rare, mais s’excite pour le plastique détourné. Ce qui compte aujourd’hui n’est plus la matière première, mais la narration. Et Lidl raconte une histoire redoutablement contemporaine : celle d’un monde où les hiérarchies s’effondrent, où le podium flirte avec le parking.

Il y a, dans ce Trolley Bag, quelque chose de profondément post-luxe. Une époque où l’ostentation cède la place au clin d’œil. Où porter un caddie n’est pas un aveu de radinerie, mais une déclaration d’intelligence culturelle. “Je sais que c’est absurde. Et c’est précisément pour ça que je le porte.”

Du rayon frais au rang premium, le caddie traverse les frontières du chic. Le banal prend le pouvoir! (c) Lidl

Évidemment, tout le monde n’y verra pas un manifeste. Certains parleront de coup marketing, d’opération virale calibrée pour Instagram. Ils n’auront pas totalement tort. Mais réduire l’objet à une simple campagne serait manquer le virage culturel qu’il incarne. Car le vrai luxe, aujourd’hui, c’est la liberté de brouiller les pistes.

Après le Croissant Bag — gourmand, moqueur, délicieusement pop — le Trolley Bag pousse la logique plus loin. Il n’est plus seulement drôle. Il est frontal. Il interroge notre rapport à la valeur, à la marque, à l’apparence. Il pose une question presque philosophique : si tout peut devenir objet de désir, alors qu’est-ce qui reste sacré ?

Lidl avance masqué, mais frappe juste. Le discount ne cherche plus à monter en gamme. Il redéfinit la gamme. Il joue avec les codes du luxe comme on joue avec un miroir : pour en révéler les fissures. Et au fond, c’est peut-être ça, le vrai chic contemporain : transformer un symbole de consommation en conversation.

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(c) Acielle / StyleDuMonde

Dans une saison new-yorkaise saturée de déjà-vu (corduroy paternel, grunge recyclé, nostalgie servie tiède), Rachel Scott refuse la photocopie. Elle ne joue pas l’archive, elle joue la vie. Pas d’opposition uptown/downtown pour elle, une femme peut exister dans plusieurs espaces. Voilà le programme.

La femme complexe, pas caricaturale
Immigrée jamaïcaine, designer noire, queer, atteinte d’une maladie neurologique — Scott incarne ce que le pouvoir mode a longtemps laissé hors-champ. Mais elle ne brandit pas d’étendard. Elle fait des vêtements.

(c) Gilbert Flores via Getty Images

Des tailleurs allongés, précis mais souples. Une robe sans manches en tweed Donegal turquoise et gris sombre, qui ouvre le bal comme un murmure structuré. Un denim lavé, sablé à la main, enduit — technique et tactile. Des pantalons marins aux boutons légèrement de travers. Chez elle, le détail dévie. L’axe est droit, le geste est oblique. La femme est professionnelle, peut-être escrimeuse le week-end, amatrice d’obsessions secrètes.Pas une pin-up, pas une bourgeoise sous cloche. Ni caricature sensuelle, ni silhouette conservée sous naphtaline. Une femme multiple en mouvement. Et en matière. Une femme prête-à-vivre.

Le pragmatisme comme poésie
La force de cette première collection ? Son sens du réel. Scott a dîné avec des clientes historiques de Proenza : une prof de Pilates, une avocate retraitée, des conseillères en art. Elle a écouté les armholes, les hauteurs de taille, les matières. Une cliente aimait une veste à emmanchure haute ? Elle la refait, en plus doux. Le vêtement devient conversation. Le luxe, écoute.

(c) WWD/WWD/Getty Images

Mais le défilé manquait peut-être d’un électrochoc. Un éclat d’humour, un twist chromatique, une surprise. La collection est solide, sensée, sincère. Elle aurait pu être aussi insolente.

De Diotima à Proenza : viscéral vs cérébral
Fondatrice de Diotima, label qui sublime le crochet jamaïcain comme de la dentelle Chantilly, Rachel Scott pense l’artisanat comme politique douce. Chez Proenza, elle explore autre chose : la forme, la formalité, la structure. Si Diotima est peau, Proenza devient esprit. Elle lit Luce Irigaray, regarde Pasolini, cite Cecily Brown. Elle refuse le corset — au sens propre comme au figuré. « Je ne crois pas à la perfection », dit-elle. La perfection est restrictive. La précision, libératrice.

La présentation Diotima de Mme Scott à la New York Fashion Week en février 2024 mettait en lumière son mélange signature de tailoring et de crochet (c) DR

New York, version 2026
À l’heure où beaucoup de maisons sécurisent leurs choix avec des profils familiers, l’arrivée de Rachel Scott déplace subtilement le centre de gravité. Pas comme un coup d’éclat, mais comme une réorientation. Elle affirme qu’on peut diriger une grande maison sans simplifier la femme qu’on habille. Qu’elle peut être structurée sans se raidir. Désirable sans se réduire. Sérieuse sans se prendre trop au sérieux.

Reste à voir si cette vision saura, au fil des saisons, gagner en audace autant qu’en cohérence. Pour l’instant, sa Proenza ne cherche pas à impressionner. Elle installe le ton. À elle maintenant d’oser le crescendo.

Rachel Scott après le défilé Proenza Schouler automne 2026 (c) WWD/WWD/Getty Images

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Délacer les codes, délier les corps
Coco libérait du corset. Blazy libère du cliché! Exit l’avalanche de camélias et de doubles C brandis comme des slogans. Les symboles restent, mais respirent. La chaîne dorée quitte l’ombre des ourlets pour danser à l’extérieur, ponctuée de perles minuscules. Les plumes grimpent le long des coutures comme des confidences. Des champignons brodés poussent sur les tailleurs.

Et parlons-en, des tailleurs. Plus de bouclé pesant. À la place : des couches de mousseline translucide, posées comme une brume autour du corps. Ça flotte, ça frôle, ça suggère. Le pouvoir n’est plus rigide, il est aérien. Même un jean et un débardeur blanc surgissent — en mousseline, évidemment. Blazy aime brouiller les pistes : faire passer la soie pour du denim, la matière pour un mirage.

Plumes et profondeur
Les plumes, partout. En faux tweed 3D composé de micro-nœuds de soie. En ourlets ondulants. En capes qui caressent les bras. En robe de mariée qui n’en est pas vraiment une : tunique ample, jupe à poches, nacre scintillante. La mariée ne s’étouffe pas dans un fantasme. Elle marche libre.

Et puis il y a ces petites robes noires que Blazy appelle des “corbeaux”. Parce que la vie n’est pas toujours pastel. Parce que la grâce sait aussi être grave. Oui, les jupes sous le genou frôlent parfois le souvenir d’une autre époque. Mais dans cette longueur sage, il y a une douceur. Une générosité. Le vêtement n’impose pas. Il accompagne.

Couture confession
Le geste le plus fort ? Invisible à l’œil nu. Chaque mannequin a confié une mémoire : une date, des initiales, un fragment de lettre d’amour. Intégrés dans la doublure, cousus dans le secret. La couture redevient intime. Personnelle. Presque charnelle.

Au-delà de la virtuosité — ce tweed qui fond en perles puis en plumage — ce qui frappe, c’est le lien. Le vêtement ne brille pas pour être vu. Il vibre pour être vécu.

Grandir, enfin
Blazy ne rajeunit pas Chanel, il la fait grandir. Il propose une couture où les femmes du premier rang peuvent se reconnaître. Pas se comparer. Se reconnaître. Et ça, dans un monde saturé d’images lisses, c’est radical.

La couture n’est plus un fantasme hors-sol. C’est un miroir poli à la plume. Et dans ce miroir, Chanel ne voit plus une muse figée. Elle voit des femmes debout. Vivantes. Lumineuses.

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