UV, pollution, stress, inflammation : la vie moderne joue au marteau-piqueur avec notre capital beauté. Formettā répond avec une approche quasi chirurgicale, basée sur les fameux douze mécanismes biologiques du vieillissement identifiés par la science. Autrement dit : ici, la longévité ne se résume pas à “avoir bonne mine”. Elle devient une stratégie intérieure.

Beauty Collagen Formulation : le glow prend du galon
Premier lancement : The Beauty Collagen Formulation. Une poudre qui ressemble moins à un supplément qu’à une équipe de reconstruction cellulaire. À l’intérieur ? Des peptides de collagène bioactifs, de la kératine biodisponible et un complexe antioxydant dopé notamment à l’extrait de pépins de raisin français, vitamine C et zinc.

Traduction : la peau retrouve du rebond, les cheveux arrêtent leur carrière dramatique dans la chute libre et les ongles cessent enfin de se casser à la moindre contrariété existentielle.

En quelques semaines, le teint gagne en éclat, l’élasticité reprend du terrain et le visage semble avoir dormi huit heures… même quand ce n’est clairement pas le cas.

Disponible en version vanille (notre préférée) ou neutre, la formule joue la carte du luxe silencieux : pas de poudre de licorne, pas de sucre inutile, juste des actifs qui bossent pendant que vous vivez votre vie.

Ultimate Anti-Ageing Formulation : mettre le temps en veilleuse
Puis arrive The Ultimate Anti-Ageing Formulation. Et là, Formettā ne parle plus seulement beauté : la marque attaque carrément la chronologie.

Cette capsule végane cible les mécanismes profonds du vieillissement grâce à une combinaison d’ingrédients cliniquement étudiés comme l’astaxanthine, les phytocéramides ou encore la curcumine avancée.

Le but ? Réduire le stress oxydatif, soutenir le renouvellement cellulaire et remettre un peu d’ordre dans ce chaos biologique qu’on appelle fatigue moderne. Ce n’est pas une promesse d’éternelle jeunesse — heureusement, personne n’a envie de redevenir adolescent. C’est plutôt une façon élégante de ralentir la casse.

Le luxe ultime ? Une beauté qui tient debout sans artifices
Fondée par la scientifique Dr. Vanessa Craig et dirigée par Vanessa Truetsch, Formettā appartient à cette nouvelle génération de marques qui préfèrent les preuves aux slogans.

Derrière le glow millimétré de Formettā, Vanessa Trütsch orchestre une beauté qui préfère les laboratoires aux filtres Instagram (c) Formetta

Fabriquées en Suisse, sans additifs inutiles ni sucres ajoutés, ses formulations misent sur la transparence et la précision plutôt que sur le bruit. Une philosophie résumée par leur credo : “Glow is an inside job.” Et pour une fois, la formule n’a rien d’un slogan vide.

Parce qu’au fond, la vraie révolution beauté n’est peut-être plus dans ce qu’on applique sur la peau… mais dans ce qu’on lui donne pour résister au temps sans perdre sa lumière.

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Couleurs qui claquent, textures qui s’annoncent…
ALMA transforme le dîner en odyssée colorée (c) ALMA

Le décor : du ciel à la braise
Ici, pas de révolution tapageuse. L’architecte Patrick Csajko a préféré jouer la carte du glissement plutôt que du grand saut : on quitte le bleu céleste pour plonger dans des rouges terre cuite, des matières minérales, une chaleur presque tactile.

Résultat ? Un lieu plus enveloppant, presque charnel. ALMA ne vous accueille plus — il vous absorbe. Mention spéciale à la cevicheria, repositionnée comme une scène ouverte dès l’entrée : ça donne le ton, ça aiguise l’appétit, ça annonce la couleur (littéralement). 

Acidité millimétrée, fraîcheur insolente : la mer version uppercut (c) ALMA

Dans l’assiette : Lima flirte avec Tokyo (et vous aussi)
En cuisine, le chef Cesar Ortiz ne change pas de cap : il affine sa trajectoire. Formé entre la Colombie, le Pérou et des brigades étoilées, il joue les équilibristes entre tradition et liberté.

Le ceviche claque comme une vague fraîche, le lomo saltado réconforte avec une précision presque affective, et le shitomi gohan fait des infidélités assumées au Japon. Ici, la fusion n’est pas un gadget, c’est un langage. Et chaque assiette raconte une histoire, sans jamais tomber dans le folklore.

Derrière le rideau
Aux manettes, Uniq Project insuffle une vision : faire du restaurant un lieu de vie, pas juste une table. Traduction ? On ne vient pas seulement dîner, on vient habiter l’endroit — le temps d’une soirée (ou plus si affinités).

Cela dit, soyons honnêtes : à force de vouloir créer “l’expérience globale parfaite”, certains lieux finissent par lisser leur spontanéité. ALMA flirte avec cette ligne — mais pour l’instant, il garde ce petit grain d’imprévu qui fait la différence.

Verdict? Fidèle… mais plus audacieux! ALMA ne renie rien : il intensifie. Plus chaud, plus incarné, plus maîtrisé aussi. Peut-être un peu moins brut qu’avant, mais clairement plus affirmé.

Et au fond, c’est ça qu’on attend d’une adresse qui grandit : qu’elle ose évoluer sans devenir une copie d’elle-même.

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La foire de design Alcova a investi une villa privée achevée en 1938 par Franco Albini (c) Luigi Fiano

Chez Interni Venosta, les pièces semblent avoir toujours été là — illusion parfaite. Plus loin, Alcova investit la villa Albini : brutalisme feutré, escaliers dramatiques, designers en liberté. Ici, le design ne crie pas. Il habite.

Crin, cuir, métal : le vase Hermès en clair-obscur, entre discipline et frisson (c) Hermès

La matière comme langage : Hermès en tête-à-tête
Chez Hermès, la matière n’habille pas : elle raconte. Un cuir qui respire. Un crin qui frissonne. Un marbre qui s’ébroue presque. Tout est tension douce entre rigueur et sensualité. Les objets deviennent phrases : patchworks de cachemire, boîtes marquetées comme des partitions, vases gainés de mémoire animale. Notre crush? Le vase, silhouette sculpturale, ceinturé de crin noir et de veau Swift, bordé de lézard — écho au sac Toupet!  Le métal capte la lumière, le crin l’absorbe. Chapeau bas au clair-obscur maîtrisé!

HEAD Genève — Quand l’animal redessine l’espace
La HEAD signe l’un des gestes les plus sensibles de cette édition. Présentée à Alcova, No One Sees Them Like We Do ne met pas en scène l’animal — elle lui rend sa place!

Ici, chiens, rats, colombes ou grenouilles ne sont ni motifs ni métaphores, mais des présences actives, capables de faire vaciller notre centralité bien installée. À travers six récits spatiaux, le projet glisse du design vers l’attention : gestes de soin, coexistences discrètes, architectures presque invisibles. Le foyer devient terrain de négociation. Le détail, un manifeste. Et soudain, habiter ne signifie plus posséder — mais coexister.

Le retour des années 90 avec IKEA
Les années 90 reviennent… gonflées à bloc! Chez IKEA, on a flashé sur le fauteuil IKEA PS 2026 qui fait pop! Une bulle bien dessinée, héritée des 90’s, remise au goût du jour avec du style et zéro prise de tête. Ici, le design décompresse. Il prend l’air.

À découvrir lors des Democratic Design Days à Älmhult (13 mai 2026), avant de débarquer en Suisse le 15 mai.

Assise rebondie, lignes sous tension : le confort chez IKEA prend du volume, sans jamais perdre la ligne (c) IKEA

Pro Helvetia — le design en partage
À Milan, Pro Helvetia ne signe pas une exposition — elle orchestre une conversation. Shared Matter, pensée avec Presence Switzerland, réunit une nouvelle génération de designers suisses autour d’un même fil : créer à plusieurs, penser plus loin.

Un instrument né entre Athènes et Lausanne, une ampoule consciente dessinée à l’échelle européenne, des tuiles qui capturent la neige entre Japon et Suisse, une lampe sculpturale, un verre en papier qui fait oublier le plastique, un tapis nomade tissé entre cultures… Ici, les objets voyagent autant que les idées. Dans la scénographie immersive de SPAZIOVENTO, le design ne se contente plus d’exister : il relie. Les pratiques s’entrelacent, les savoir-faire circulent, les frontières s’effacent.

Le design devient un terrain commun. Une matière partagée.

Miele — la cuisine se replie, le quotidien s’étire
Dans des villes qui se contractent, Miele fait l’inverse : elle déploie. Avec Compact Living : Kitchen Unit powered by Hettich, la cuisine devient un système caméléon — compact en surface, expansif en usages.

Un seul bloc, mille vies : plan de travail à l’aube, cuisine à midi, table le soir. Les fonctions s’imbriquent, glissent, disparaissent presque, portées par des mécanismes intelligents et un électroménager intégré qui pense avec vous. La cuisine n’est plus une pièce — c’est un rythme.

Pensé avec Hettich, le concept répond à une évidence : habiter moins grand, mais vivre plus fluide. Technologie connectée, modularité radicale, intelligence discrète — tout converge vers un espace qui s’adapte au quotidien plutôt que l’inverse. Moins de mètres carrés. Plus de scénarios.

Cuisine caméléon signée Miele : un seul module, mille usages — cuisiner, travailler, recevoir… tout tient dans le geste (c) Miele

SMEG — la cuisine devient manifeste
Chez SMEG, l’électroménager quitte le rang pour monter sur scène. Avec Musa (signée  BorromeodeSilva), la cuisine devient rythme visuel. Avec Isola (par Stefano Boeri Interiors), elle se fait sculpture. Et la ligne Portofino, revisitée en mat profond, ajoute une texture presque tactile à la couleur. Ici, cuisiner devient un geste architectural.

Objets hybrides, récits métissés
Le reste de la ville vibre à l’unisson. Dozie Kanu signe pour Knoll des tables frangées comme des tambours africains. Mutina revisite Josef Albers en céramiques vibrantes. Baccarat orchestre un futur rétro avec Bethan Laura Wood. Hannes Peer sculpte le marbre comme une mémoire solide. Partout, les disciplines fusionnent. Les références s’entrechoquent. Le design devient un langage hybride — entre archive et projection.

L’éditeur américain Knoll continue de twister son répertoire avec de nouvelles signatures. Pendant Il Salone Mobile, l’enseigne dévoile les tables frangées de Dozie Kanu. Ses tables s’inspirent des tambours africains et des tenues cérémonielles
 (c) Knoll

Milan, chambre d’échos
À Milan, cette année, le design n’était pas une démonstration. C’était une conversation. Avec le passé, avec le vivant, avec la matière. Avec nous. Et dans ce murmure collectif, une certitude : l’objet n’est plus un objet. C’est une présence.

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La lumière alpine glisse sur les tables, le lac se fait miroir, et Genève prend des airs de haïku panoramique. Ici, le printemps ne se contente pas d’exister, il s’orchestre! Sous la houlette du génial chef Toshikazu Kato, la cuisine Nikkei devient langage hybride : précision japonaise, accents sud-américains, et cette élégance qui ne cherche jamais à séduire — mais qui séduit quand même.

Hanami : la beauté qui ne dure que le temps d’un frisson
Jusqu’au 30 avril 2026, les privilégiés savourent le menu Hanami où les assiettes capturent l’instant où la fleur de cerisier hésite entre éclore et tomber. Tartare de daurade, tataki de saumon, sériole en transparence — une trilogie crue comme un murmure. Puis le nigiri au sakura, délicatement parfumé, presque fantomatique mais à la saveur extatique. Le crescendo arrive sans bruit : crevette croustillante au lotus, daurade rôtie au sakura nappée d’un yuzu-truffe qui flirte avec l’obsession. Et enfin, ce kamameshi tiède, rassurant, comme un souvenir d’enfance que l’on n’a jamais vécu. On ne mange pas vraiment. On assiste à la chute lente d’un pétale et c’est envoûtant.

À boire : le Japon en clair-obscur
Parce que chaque printemps mérite son vertige, Izumi décline un programme de cocktails au whisky japonais — Nihon no Uisukī — et un saké infusé au sakura, pensé comme un dernier salut à l’éphémère, tout au long de la saison printemps–été 2026. Un verre, et le paysage bascule. Deux, et vous êtes ailleurs.

Dans l’écrin de bois, le saké se choisit comme un bijou rare — geste précis, rituel discret, ivresse presque silencieuse (C) FS Geneva

Du déjeuner d’affaires aux heures qui s’étirent
À midi, le Business Lunch joue la partition d’une précision chirurgicale — renouvelé toutes les deux semaines dès avril 2026. Puis viennent les heures longues, celles où le temps se dilate : dès mai et jusqu’à mi-septembre 2026, service continu, DJ en filigrane, cocktails en suspens. Le rooftop devient territoire flou — entre déjeuner tardif, apéritif qui s’attarde et dîner qui commence sans prévenir. Chez Izumi, on ne réserve pas une table — on s’abandonne à un moment qui déborde, comme une saison trop belle pour tenir en place.

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Le temps se plie, puis se révèle. Avec la Crash Skeleton, Cartier transforme l’icône en radiographie poétique : une silhouette distordue, presque liquide, où la mécanique affleure comme une émotion à vif (c) Cartier

Et puis il y a les lignes qui dévient : la Historiques American 1921 de Vacheron Constantin, cadran en biais, regard de côté — comme si le temps refusait d’être frontal. Rolex, avec sa Oyster Perpetual 36 Jubilee Motif Dial, joue la texture, presque textile. Tudor, elle, signe une Monarch inattendue, posée, souveraine. Ici, chaque montre parle — certaines murmurent, d’autres imposent le silence.

Brute mais précise. La Monarch de Tudor impose une présence presque industrielle — acier tendu, cadran sableux, comme une mécanique posée sur un socle d’or liquide (c) Tudor

Bijoux de temps, énigmes au poignet
Le temps se fait matière. Et parfois mystère. Chez Cartier, la Myst désoriente : pas de couronne visible, pas de logique immédiate — juste une torsade qui intrigue. Piaget injecte de la profondeur minérale avec la Polo 79 Or blanc et Sodalite.

Audemars Piguet convoque des mains multiples, des savoir-faire croisés, pour ses montres galets — objets collectifs, presque manifestes. Et Van Cleef & Arpels continue d’écrire ses poèmes horlogers, entre nature et illusion. Le poignet devient un terrain de jeu — ou un territoire secret.

Le temps prend un angle. Avec la Historiques American 1921, Vacheron Constantin décale le regard et signe une élégance oblique — celle qui ne suit pas la ligne, mais la devance. (c) Vacheron Constantin

Couleurs qui parlent, matières qui vibrent
La couleur n’est plus décorative — elle est narrative. Richard Mille injecte du rythme avec la RM 07-01 Lavender Pink : une montre-grigri, pop, presque insolente. Chez Jaeger-LeCoultre, la Reverso Tribute Enamel Hokusai Cascade Rōben d’Ōyama suspend le temps dans une miniature vertigineuse inspirée de Katsushika Hokusai. Des cascades, des silhouettes minuscules : un monde entier dans quelques centimètres. Pendant ce temps, Patek Philippe et TAG Heuer poursuivent leur partition : précision, tension, maîtrise.

Le temps bascule, et révèle un monde. Au dos de cette Reverso Tribute Enamel Hokusai Cascade Rōben d’Ōyama signée Jaeger-LeCoultre, une cascade inspirée de Katsushika Hokusai se déploie en silence — miniature vertigineuse où chaque détail défie l’échelle (c) Jaeger-LeCoultre

Ce que 2026 impose, en filigrane, est plus radical. La montre n’est plus un objet que vous possédez — c’est une histoire que vous portez. Et soudain, le temps ne passe plus. Il vous traverse.

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Mais au-delà du projet, c’est surtout une méthode que j’ai intégrée : une rigueur presque brutale et une ouverture liée au travail collectif. On était en dialogue permanent avec d’autres architectes, d’autres visions. C’est une école de l’exigence, mais aussi de l’humilité.

Le Siège administratif MJM à Épagny-Gruyères (c) Archilab

Vous avez côtoyé des figures majeures comme Richard Meier ou Bob Stern. Qu’est-ce qu’elles vous ont transmis ?
Elles marquent forcément. Richard Meier, par exemple, a influencé ma manière de structurer un projet, d’envisager la lumière, les volumes. Mais il faut savoir s’en détacher. À un moment donné, on digère ces influences pour construire son propre langage. Sinon, on reste dans la citation, pas dans la création.

Entre Milan, Florence, Rome… puis New York et la Suisse, comment ces géographies ont-elles sculpté votre regard ?
Énormément. On parle souvent des États-Unis, mais pour moi, l’Italie reste un socle fondamental. J’ai eu la chance de grandir entre Milan, Florence et Rome, au milieu d’une architecture d’une richesse incroyable. Se promener dans ces villes, c’est déjà une leçon en soi.

Le siège de MSC à Genève (c) Archilab

Très tôt, j’ai développé une habitude qui m’a énormément formé : dessiner ce que je voyais. Pas photographier mais dessiner. Parce que le dessin oblige à comprendre. Quand on redessine un bâtiment de la Renaissance ou du baroque, on en saisit les règles, les proportions, la logique. Tout est déjà là : l’ordre, la séquence, la superposition.

Ensuite, New York a apporté autre chose : une méthode, une ouverture, une intensité. Une manière de penser à grande échelle, de travailler vite, de collaborer avec d’autres visions. Et puis la Suisse, où je me sens profondément à l’aise, m’a permis de trouver une forme de synthèse. Une manière d’ancrer cette culture, cette énergie, dans des projets plus précis, plus contextualisés via Archilab. 

Aujourd’hui, je dirais que mon architecture est contemporaine, bien sûr mais toujours consciente de ce qui l’a précédée. On ne crée jamais à partir de rien. Il y a toujours un bagage, une mémoire, une histoire avec laquelle on dialogue.

La Villa Epalinges (c) Archilab

Vous évoquez souvent la notion de palimpseste. Pourquoi cette idée revient-elle autant dans votre travail ?
Parce qu’on ne construit jamais sur une page blanche. Il y a toujours une mémoire, une trace, une structure préexistante. L’architecture, pour moi, c’est une écriture dans le paysage. Et comme dans un palimpseste, on écrit par-dessus, sans totalement effacer. Les différentes couches restent perceptibles, en tension, en dialogue.

Vous cherchez donc à laisser transparaître ce qui existait avant ?
Oui, dès que c’est possible. Même lorsqu’un bâtiment disparaît, j’essaie d’en conserver une logique : une trame, une orientation, une proportion. C’est une manière de reconnaître ce qui a été fait avant nous. Une forme de respect, mais aussi de continuité. On ne part jamais de zéro, même quand on le croit.

La Fondation Bodmer à Cologny (c) Archilab

Votre architecture est souvent décrite comme “sans compromis”. Est-ce une forme de résistance aujourd’hui ?
C’est surtout une discipline. Chaque projet recommence à zéro. On analyse l’espace, le temps, le programme, le client. Et seulement ensuite, on propose une réponse. Mais bien sûr, les compromis existent. Les contraintes sont nombreuses : budgets, normes, réglementations. Ce qui est plus problématique aujourd’hui, c’est parfois l’excès de protection. On veut tout figer, tout conserver, au point d’empêcher toute évolution. Or une ville, comme un paysage, est faite pour se transformer.

Vous avez cette formule : “profession agriculteur, hobby architecte”. Une provocation ?
Une boutade… mais avec une part de vérité!L’architecture est une passion, presque un privilège. Mais travailler la terre en Toscane, produire de l’huile, c’est un rapport direct, physique, au temps et à la matière. Et au fond, il y a un lien entre les deux : on s’inscrit dans une temporalité longue. On plante, on attend, on construit.

La Clinique Genolier (c) Archilab

Si vos bâtiments pouvaient parler dans cent ans, que diraient-ils ?
J’aimerais qu’ils transmettent une forme d’optimisme. L’architecture est une opportunité : celle de créer quelque chose pour les autres. Une enveloppe, un espace de vie, un lieu d’expérience. Si, dans cent ans, quelqu’un ressent encore cette générosité, alors le projet aura eu du sens.

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Compacte mais culottée — la MG4 EV prouve que l’électrique peut être fun sans faire fondre votre compte (c) DR

Et surtout, oubliez l’idée d’un compromis! L’électrique 2026, c’est un ring. D’un côté, des géants industriels en ordre de bataille. De l’autre, des continents qui s’électrisent à coups d’innovations et de rivalités bien branchées. Résultat? Une guerre froide sous haute tension où chacun avance ses modèles comme des pièces maîtresses. À la fin, ce n’est plus juste une voiture que vous choisissez, c’est une stratégie!

Chine : l’électrochoc accessible
Les constructeurs chinois ne frappent plus à la porte — ils sont déjà dans le salon. BYD, MG Motor ou encore Baic Group redéfinissent les règles du jeu avec une stratégie simple : beaucoup d’équipement, une autonomie solide, et des prix qui font vaciller la concurrence.

Design qui glisse, technologie qui frappe — le BYD Seal U avance comme une vague… silencieuse mais déterminée (c) DR

La BYD Seal, par exemple, joue dans la cour des grandes avec une silhouette affûtée et une techno batterie maison (Blade Battery) qui rassure autant qu’elle performe. Chez MG, la MG4 Electric s’impose comme le bon élève du quotidien : efficace, sans chichi, mais loin d’être ennuyeuse. Quant à BAIC, plus discret en Europe, il mise sur des modèles comme Arcfox pour séduire une clientèle curieuse, prête à sortir des sentiers battus.

Ici, le luxe n’est pas ostentatoire — il est stratégique. Et surtout, il devient accessible.

Allemagne : la précision électrisée
L’Allemagne, elle, n’a pas dit son dernier mot. Fidèle à sa réputation, elle transforme l’électrique en démonstration d’ingénierie. Chez BMW, le iX3 nouvelle génération s’inscrit dans une nouvelle ère électrifiée à l’autonomie surprenante (jusqu’à 805 KM selon le cycle WLTP pour certains modèles) : plus efficient, plus intelligent, presque philosophique dans sa manière d’optimiser chaque kilomètre.

Silence de cathédrale, virages au scalpel — BMW iX3 transforme chaque route en ligne droite vers le futur (c) DR

Et puis, il y a Mercedes-Benz qui a préparé avec la CLA Electric une petite révolution silencieuse : des autonomies annoncées qui flirtent avec des records, grâce à une gestion énergétique chirurgicale. Traduction : moins de recharge, plus de liberté.

Ici, l’électrique devient une science exacte. Chaque watt compte, chaque ligne est pensée, chaque silence est travaillé.

Japon : le réveil électrique
Longtemps fidèle à l’hybride, Toyota (numéro 1 de l’automobile dans le monde) change de tempo. Akio Toyoda, président de l’enseigne et héritier direct du fondateur — longtemps sceptique, voire réfractaire à l’électrique, n’a pas l’habitude de parler pour ne rien dire. Et quand il change de ton, l’industrie tend l’oreille. Preuve en acte : Toyota accélère et aligne désormais plusieurs modèles 100 % électriques. Ainsi, le BZ 2026 marque un tournant : design plus affirmé, plateforme dédiée, et une volonté claire de s’installer dans le 100 % électrique. À ses côtés, la Urban Cruiser Electric vise un public urbain, pragmatique, en quête d’un SUV compact sans compromis. Ce n’est pas une révolution flamboyante — c’est une montée en puissance méthodique. À la japonaise.

Urbain, malin, presque effronté — le Toyota Urban Cruiser Electric taille la ville à sa mesure, sans bruit mais avec style (c) DR

Ce qui était une alternative devient une évidence. L’électrique ne se contente plus d’être vertueux — il devient désirable, stratégique, presque géopolitique. Acheter une voiture aujourd’hui, c’est aussi choisir un camp, une vision du monde… ou au moins une manière de ne plus dépendre de lui.

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Vue à couper le souffle du Beau-Rivage Palace, façade en majesté : ici, le lac devient décor, et le palace, évidence (c) DR

En tête d’affiche, The Dolder Grand s’impose à nouveau comme le maestro du séjour business, partition millimétrée entre efficacité et élégance. À Lausanne, le Beau-Rivage Palace joue une autre musique — plus sensuelle, plus contemplative — et décroche le titre de meilleur hôtel leisure. Une dualité parfaitement suisse : précision d’un côté, hédonisme de l’autre. 

Chalet signature, luxe cousu main : à l’Alpina, la montagne ne se contemple pas — elle se vit en version grand standing (c) DR

Mais le luxe ne se limite plus aux palaces historiques. Il se niche aussi dans des retraites signatures comme le The Chedi Andermatt, manifeste architectural où le design devient langage, ou encore dans l’épure immersive du The Alpina Gstaad, qui transforme chaque séjour en expérience lifestyle cousue main. Même constat du côté du Park Hotel Vitznau, véritable ode aquatique posée au bord du lac, où le temps semble flotter.

Et puis il y a les histoires qui touchent — celles qui dépassent le luxe pour flirter avec l’humain. L’hôtel Momentum, frappé par un éboulement en 2025, renaît en symbole de résilience et décroche un prix au parfum de renaissance. Comme un rappel que l’hospitalité, avant d’être un service, est une manière d’être au monde. 

Nouveauté 2026 : l’excellence se veut aussi inclusive. Pour la première fois, l’accessibilité est mise à l’honneur, avec une collaboration avec Procap. Une évolution qui dit beaucoup : le luxe de demain ne sera pas seulement beau, il sera juste.

En filigrane, une question traverse les salons feutrés du « 101 Executive Summit » : comment préserver l’âme du service dans un monde en mutation ? Entre tensions sociétales, pénurie de talents et quête de sens, l’hôtellerie avance sur un fil — mais avec grâce. Car ici, plus qu’ailleurs, chaque détail compte. Chaque geste signe. Chaque séjour raconte. 

Palmarès ou panorama, peu importe : la Suisse ne collectionne pas les hôtels, elle orchestre des expériences. Et dans cette partition d’excellence, une chose est sûre — le vrai luxe n’est pas de dormir ailleurs, mais de se réveiller autrement.

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Le dernier pour la route — 8 avril
Certains films ressemblent à des fins d’été. Le dernier pour la route appartient à cette catégorie rare : celle des récits qui s’effacent doucement, mais laissent une empreinte durable. Il y est question de départs, de ces moments suspendus où l’on retarde l’inévitable. Les corps sont encore là, les voix aussi, mais quelque chose s’éloigne déjà. Le film capte cette sensation avec une délicatesse presque tactile — comme si chaque scène était une tentative de retenir ce qui, par nature, échappe.

La corde au cou  — 15 avril
Plus radical, La corde au cou installe une tension sourde, presque physique. Ici, le récit avance comme une pression continue — invisible, mais impossible à ignorer.Le film explore ce moment précis où les choix deviennent irréversibles. Pas de grand éclat, mais une montée lente, maîtrisée, où chaque silence pèse davantage que les mots. Il en résulte une sensation d’étouffement maîtrisé, une forme de cinéma qui se vit autant qu’elle se regarde.

Michael — 22 avril
Avec Michael, Antoine Fuqua signe bien plus qu’un biopic : une tentative de capturer l’insaisissable. Comment raconter une icône sans la figer ? Comment approcher Michael Jackson sans en réduire la complexité ? Le film avance sur cette ligne fragile, entre fascination et vertige. Les performances musicales deviennent langage, presque mémoire, tandis que l’intime affleure — discret, mais essentiel. Derrière le mythe, il y a une solitude, une exigence, une démesure. Et c’est peut-être là que le film touche juste.



La fille du Konbini  — 22 avril 


Minimaliste, presque silencieux, La fille du Konbini impose une autre temporalité. Inspiré du roman de Sayaka Murata, le film suit une jeune femme qui trouve dans la répétition du quotidien une forme de stabilité. Chaque geste devient rituel, chaque journée se répète — et dans cette répétition naît une forme de poésie inattendue. Mais derrière cette harmonie apparente, une question persiste : faut-il forcément entrer dans le rythme du monde pour exister ? Un film délicat, presque contemplatif, qui s’inscrit dans une esthétique du détail et de l’épure.

Le Diable s’habille en Prada 2  — 29 avril 


Il y a des retours qui tiennent du fantasme collectif. Le Diable s’habille en Prada 2 appartient à ceux-là. Vingt ans après, l’univers de la mode retrouve ses lignes acérées, ses silences chargés de pouvoir, ses regards qui jugent en un instant. Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci — autant de silhouettes devenues iconiques, prêtes à réinvestir un monde où l’image n’a jamais été aussi centrale. Mais plus qu’une suite, c’est une relecture qui se dessine : celle d’une époque où le style est devenu langage, où l’influence redéfinit les règles, et où l’élégance reste, malgré tout, une forme de pouvoir.

Avril se referme comme une respiration retenue — entre éclats de lumière et zones d’ombre, ces films laissent derrière eux une empreinte discrète mais persistante, celle des récits qui continuent de vivre bien après la dernière image.

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Or en fusion, turquoise indocile — le temps se minéralise, puis explose en lumière (C) Frédérique Constant

Première montée en tension : l’or s’avance, solaire, presque insolent. La lumière ne l’effleure pas, elle s’y accroche. Au centre, un cadran turquoise, minéral, indompté — chaque pièce unique, comme si la matière refusait toute discipline. Le motif clou de Paris martèle la surface, cadence la peau, imprime le rythme. Ici, les minutes ne défilent pas : elles vibrent. Elles s’entrechoquent, elles brillent, elles s’assument.

Contrepoint plus frais, mais pas plus sage : l’acier glisse, le vert menthe respire. Une douceur en apparence, un frisson en filigrane. Le cadran soleillé capte la lumière comme un sourire en coin — discret, mais jamais innocent. C’est la montre qui fait semblant de chuchoter… avant de danser dès que le tempo monte. Glam, oui. Docile, jamais.

Une manchette comme un secret bien porté : discret, mais impossible à ignorer (c) DR

Chez Frédérique Constant, le classicisme n’est qu’un point de départ, jamais une cage. Depuis 1988, la Maison écrit une horlogerie qui ose : 35 mouvements de manufacture, des complications qui tiennent la cadence, et surtout cette manière bien à elle de faire dialoguer rigueur et désir. Le temps n’y est pas une contrainte. C’est une matière à modeler, à porter, à détourner.

Avec la Classics Manchette, le poignet devient manifeste. Le temps quitte le cadran pour entrer en scène. Il ne file plus : il flirte, il frappe, il fait la manchette — et vous, la une!

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Capsule en orbite, crema en apesanteur : quand le café devient une composition, presque une scénographie liquide

Chez Nespresso, le café cesse d’être une ponctuation pour devenir une propulsion. Une mécanique du quotidien qui, soudain, déraille délicieusement vers l’ailleurs. La nouvelle campagne — presque cinématographique — s’amuse à brouiller les frontières entre rituel et échappée, entre tasse et terrain de jeu. Et au centre de cette chorégraphie caféinée, Dua Lipa ne joue pas les égéries dociles : elle incarne le mouvement, la bascule, le “What Else?” réinterprété comme un manifeste de liberté plutôt qu’un slogan.

Le café devient alors une géographie mouvante. New York au réveil avec un Melozio qui rassure, l’Italie en après-midi avec un Altissio qui réveille, puis une parenthèse solaire au bord d’une piscine avec un Double Espresso Chiaro glacé — autant de destinations liquides qui transforment la journée en atlas sensoriel.  Une tasse, mille latitudes. Une routine, mille récits!

Mais derrière la poésie, la machine veille et pas n’importe laquelle. La Vertuo Up, nouvelle héroïne technique de la maison, joue la partition de la précision : chauffe en trois secondes, lecture intelligente de la capsule, extraction millimétrée grâce à la technologie Centrifusion™.  Un geste fluide, presque chorégraphié, où le design épouse l’instinct. Le café n’est plus seulement bon, il devient juste, au sens presque musical du terme.

Vertuo Up, ou l’art de transformer la cuisine en cockpit sensoriel — une simple pression, et le café décolle (c) Nespresso

Ce qui frappe, au-delà de l’esthétique léchée, c’est ce glissement stratégique : Nespresso ne vend plus seulement du café, mais une attitude. Une manière d’habiter ses envies, d’assumer ses curiosités, d’oser même un décaféiné à la lavande et à la vanille sans rougir.  Le goût devient langage, et chaque capsule une ponctuation dans un récit plus vaste : celui d’une identité en mouvement.

Capsule en orbite, crema en apesanteur : quand le café devient une composition, presque une scénographie liquide (c) Nespresso

Au fond, la vraie question n’est peut-être plus “What Else?” mais “Why not?”. Pourquoi ne pas transformer chaque pause en parenthèse enchantée ? Pourquoi ne pas laisser le café écrire la suite ?

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Laura Star X mudac 
(c) William Gammuto

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