À Genève, ses images reviennent aujourd’hui comme des braises encore chaudes. Et ce qui frappe immédiatement dans l’exposition – The Other, un hommage en images – proposée au Centre des arts de l’École internationale de Genève, c’est l’absence totale de misérabilisme. Chez Leïla Alaoui, même l’exil garde la tête haute. Même la fatigue possède une noblesse. Même le silence parle fort.

Les Marocains (c) Leila Alaoui

La série Les Marocains, probablement la plus emblématique, agit comme une galerie de majestés anonymes. Photographiés sur fond noir dans les villages du Rif, de l’Atlas ou d’Essaouira, ses sujets semblent surgir d’un théâtre intérieur. Chaque ride devient territoire. Chaque étoffe raconte une mémoire. Chaque regard désarme. Elle transformait les places de marché en studio de cinéma existentiel, avec cette capacité rare à faire d’un portrait une déclaration politique sans jamais tomber dans le slogan. 

Natreen (2013) (c) Leila Alaoui

Plus loin, Natreen et Crossings déplacent le regard vers les routes migratoires. Mais là encore, Alaoui refuse la statistique froide. Elle photographie des individus là où le monde ne voit souvent que des flux. Des familles syriennes déplacées au Liban, des migrants subsahariens suspendus entre deux continents, entre deux langues, entre deux vies. Son œuvre ne documente pas l’exil : elle lui redonne un prénom.

Et puis il y a ces images inédites, montrées pour la première fois à Genève, issues des séries My Body My Rights et My Fair Home. Des photographies qui continuent d’interroger la place des femmes, des travailleuses invisibles, des corps politiques aussi. Comme si Leïla Alaoui avait compris avant beaucoup d’autres que la photographie pouvait être un refuge autant qu’un miroir.

Awa Ouedraogo, My Body My Rights de Leila Alaoui

Ce qui bouleverse surtout, c’est cette tension constante entre esthétique et engagement. Ses images sont sublimes — au sens presque pictural du terme — mais elles ne cherchent jamais à séduire gratuitement. Elles regardent. Elles insistent. Elles dérangent parfois. Chez elle, la beauté n’est pas un filtre Instagram : c’est une manière de rendre justice.

(c) Leila Alaoui

L’exposition rappelle aussi combien Genève était un écrin logique pour accueillir cet hommage. Ville des droits humains, des dialogues internationaux et des frontières mouvantes, elle résonne naturellement avec une œuvre traversée par les thèmes de la migration, de la dignité et de l’identité culturelle. 

(c) Leila Alaoui

Et comme si son histoire refusait de s’éteindre, un film inspiré de sa vie est actuellement en préparation : Leïla et la Nuit, réalisé par Fellipe Barbosa, avec Roschdy Zem et Marina Foïs notamment au casting. La preuve que certaines lumières continuent d’éclairer même après la nuit.

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C’est aussi un projet tentaculaire, vivant et visionnaire, qui circule entre écrans et scènes, entre captations sensibles et concerts incarnés. Une fabrique d’émotions produite par Montreux Media Ventures, où la musique se filme autant qu’elle se vit, se partage autant qu’elle se ressent. Le futur s’y archive en temps réel.

À Villars, puis à Montreux en juillet, et de nouveau à l’automne, Spotlight trace une trajectoire annuelle, une constellation cohérente, soutenue par Julius Baer, qui parie sur l’intuition plutôt que sur la tendance. Ici, on ne suit pas la hype — on la précède.

Six signatures sonores, six séismes sensibles
Il y a quelque chose de presque initiatique à assister à un concert à Villars. La neige absorbe le bruit, l’altitude affine l’écoute, le décor impose la lenteur. Tout devient plus précis. Plus dense. Plus vrai. C’est dans cette atmosphère feutrée que les Spotlight Sessions déploient leur magie : pas de superflu, pas d’artifice. Une scène, une voix, une vibration. Et ce frisson très particulier d’assister à un commencement. Chaque date est une promesse. Chaque soir, une brèche ouverte dans le futur.

Etta Marcus
Voix brumeuse, pop viscérale, écriture charnelle. À 25 ans, la South Londoner façonne une musique qui fouille le corps autant que l’esprit. Passée par un conservatoire de jazz trop normé, qu’elle quitte en cours de route, Etta Marcus passe depuis son temps à désapprendre pour retrouver l’instinct.

De The Death of Summer & Other Promises à l’EP Devour, elle étire sa palette entre indie-rock, folk et pop, influencée par Portishead, Björk ou Fontaines DC. Soutenue très tôt par BBC Radio 1 et la presse indé, elle s’impose comme une voix en devenir, capable de plonger dans la condition humaine et d’en ressortir le cœur encore battant.

Ino Casablanca
Rap solaire, groove métissé, trajectoire plurielle. Né de racines marocaines, passé par l’Espagne avant de s’installer en France à l’adolescence, Ino Casablanca transforme l’exil et le déplacement en moteur créatif. Autodidacte, il compose dès 14 ans une musique instinctive, nourrie de ses cultures croisées.

Avec TAMARA puis EXTASIA, il dynamite les codes du rap français, mêlant rap, acoustique et textures électroniques, infusées de rythmes caribéens, maghrébins et latins. Lauréat du Prix Joséphine 2025, il avance vite, porté par une énergie libre, difficile à enfermer — et déjà impossible à ignorer.

Steve Ibrahim
Écriture à vif, folk fragile, émotion tenue. Repéré très jeune dans les studios du 94, Steve Ibrahim fait d’abord ses armes comme musicien avant d’oser la mise à nu. En 2024, guitare à la main, il partage ses premières démos personnelles et affirme une voix singulière.

Avec Le Bleu du Ciel, puis l’EP L’Oiseau Bleu (2026), il dessine une folk hybride en français, entre Bon Iver et Mustafa. Des chansons comme des confidences nocturnes, sobres et sincères, où la pudeur devient puissance.

Friqtao
Pianiste nomade, improvisateur libre. Révélé par ses performances spontanées dans les gares, Friqtao fait du clavier un terrain d’expérimentation permanent. Classique, hip-hop, pop : tout se croise, tout circule.

Chez lui, la virtuosité n’écrase jamais l’émotion. Chaque concert est une rencontre avec l’instant, une prise de risque joyeuse, un pas de côté assumé. Un talent hors cadre, qui refuse les cloisons.

Sekou
Voix profonde, soul habitée, présence magnétique. Né à Leicester, nourri de gospel et des grandes voix noires américaines, Sekou découvre très tôt que chanter est une nécessité. De l’église à Londres, de l’anonymat aux grandes scènes, il affine un baritone riche et enveloppant.

Repéré sur les réseaux, signé chez Good Soldier Records, nommé aux BRITs et BBC Sound of 2024, il traverse aussi le silence avant de renaître artistiquement. Avec le projet In A World We Don’t Belong, il affirme une musique plus noire, plus joyeuse, plus ancrée — un chant de liberté, entre héritage et futur.

Mathilde Fernandez
Artiste totale, voix caméléon, pop radicale. Issue des arts visuels et vivants, Mathilde Fernandez explore la voix comme un espace de performance et de transformation. Après plusieurs EP et le succès du duo ascendant vierge, elle choisit le dépouillement.

Avec Piano-Voix, son premier album solo officiel, elle ralentit, défait, reconstruit. Un piano, une voix captés presque en live, pour revisiter son répertoire et sonder la mémoire, le désir, la vulnérabilité. Une mise à nu frontale, où douceur et fureur se répondent.

À Villars, le silence fait caisse de résonance. Les voix annoncent, les notes devinent. Pas de certitudes ici — seulement des frémissements, des éclats naissants, des lendemains qui s’esquissent.

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Plonger dans un monde intime
Avec cet album, Mitski ne revient pas seulement : elle nous tire dans son univers. Chaque morceau devient une pièce de théâtre miniature, un fragment d’histoire où le banal devient monumental. On y découvre des émotions brutes, des instants de solitude, de désir, de nostalgie, de panique douce.

Entre “In a Lake”, “Charon’s Obol” et “I’ll Change for You”, l’intime devient épique, le quotidien devient mythique. Le vent qui passe par les volets, la lumière qui se faufile entre les rideaux, le tic-tac obsédant d’une horloge — tout semble exister dans ces chansons, et pourtant chaque détail est transformé en émotion sonore. Mitski crée un espace où chaque respiration compte, où chaque silence pèse autant qu’un cri.

Un parcours de coups de cœur
Pour comprendre l’attente autour de ce nouvel album, il faut revisiter ses moments-icônes, les disques qui ont façonné une carrière à la fois intense et fragile.

2018 – Be the Cowboy

Un chef-d’œuvre instantané. Avec “Washing Machine Heart” et “Lonesome”, Mitski mêle théâtre, mélancolie et ironie. Chaque morceau devient une mini-pièce où l’amour, l’abandon et la solitude sont palpables. Cet album est un condensé d’indépendance fiévreuse et de poésie lumineuse. On y retrouve la femme forte, drôle, excentrique, mais toujours vulnérable. Un disque qui nous accompagne encore, des années après, comme une lueur dans l’obscurité.

2022 – Laurel Hell

Quatre ans plus tard, Mitski explore un électro-pop sombre et sensuel. Dans “Love Me More” ou “Everyone”, elle parle de désir, de reconnaissance, de vulnérabilité. L’intime devient universel, la fragilité devient puissance. Laurel Hell est un refuge pour celles et ceux qui veulent se perdre, un espace où les émotions complexes se transforment en beauté brute.

Et cette année déjà, depuis le 16 janvier, “Where’s My Phone?” nous fait trépigner. L’urgence est palpable, l’humour noir est subtil, la mélodie est obsédante. C’est une Mitski plus fébrile, plus vivante, plus imminente que jamais. Chaque note promet un album intense, chargé d’émotions et de tensions narratives, prêt à nous emporter loin, dans son univers labyrinthique.

Une narration musicale, presque poétique
Ce qui frappe avec Nothing’s About to Happen to Me, c’est sa construction narrative. Mitski nous enferme dans une maison désordonnée, dans un monde suspendu entre solitude et chaos. Chaque chanson agit comme un fragment de ce microcosme, oscillant entre introspection et urgence, théâtre et quotidien, fragilité et furie.

On sent le souffle du vent sur les volets, le frisson de lumière qui traverse les fenêtres, l’odeur de poussière et de papier ancien. On entend le tic-tac obsédant d’une horloge, le craquement du parquet, et tout cela devient musique. Elle transforme le réel en poème, le banal en intense, la vie en art sonore.

Avec elle, rien n’est jamais banal. Tout est émotion. Tout est immédiat. Tout nous happe. Nothing’s About to Happen to Me promet d’être un jalon, un chef-d’œuvre suspendu entre chaos et grâce, où le cœur et le désordre se rencontrent avec une violence douce et une beauté brute. Mitski nous invite à entrer dans son monde — fragile, électrique, et absolument nécessaire.

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Des histoires réelles qui traversent le temps
En août 2021, neuf comédiennes afghanes fuient leur pays au moment du retour des Talibans. Installées à Lyon, elles trouvent dans le théâtre un refuge et une manière de raconter ce qu’elles ont vécu. Sur scène, elles deviennent les messagères d’une mémoire collective et personnelle : la tragédie antique résonne avec leur parcours de vie, leur courage et leur résistance. Chaque geste, chaque mot porte le poids de leur expérience, et la scène devient le lieu où passé et présent se rencontrent.

Une mise en scène poétique et immersive
La scénographie, signée par Jean Bellorini, joue sur le contraste entre lumière et obscurité. Un grand plan d’eau occupe la scène, comme un miroir de nos émotions, tandis qu’une lune éclaire subtilement les comédiennes. Le plateau devient un espace où la poésie visuelle et la puissance du texte se répondent.

Le spectacle est joué en dari, langue maternelle des comédiennes, et surtitré en français, pour que le public puisse suivre chaque nuance de cette adaptation. Le texte a été adapté par Mina Rahnamaei, en collaboration avec Hélène Patarot et Naim Karimi, et se termine par un texte original de Atifa Azizpor, l’une des comédiennes, donnant une conclusion à la fois intime et universelle.

Une expérience humaine et engagée
Les Messagères n’est pas seulement un spectacle : c’est une prise de parole nécessaire. Il aborde des thèmes universels comme la tyrannie, la liberté, la résistance et la mémoire. Le spectacle rend hommage à toutes celles qui se battent pour leurs droits et leur dignité, et met en avant la force et la détermination des comédiennes qui portent ces histoires à travers le théâtre.

On a hâte de se laisser emporter par ce chœur de voix féminines, de ressentir la poésie et la puissance de ce spectacle et de vivre l’histoire de ces messagères qui traversent le temps et les frontières pour nous parler de courage, de liberté et de justice. Cette représentation s’avère une expérience à la fois intime et universelle, un théâtre qui émeut autant qu’il interroge.

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Le rouge devient presque une architecture dans l’architecture…
Oui, le rouge est un fil. Un fil de vie, de sang, de mémoire. Il porte beaucoup de choses : la Chine, la Suisse, les drapeaux, l’amour, la douleur, la joie. Dans cet espace institutionnel, très structuré, très maîtrisé, le rouge vient introduire quelque chose de plus organique, de plus vivant.

Les figures peintes, elles, semblent flotter dans le blanc…
Elles ne sont pas là pour raconter une histoire précise. Ce sont des présences. Des fragments. Comme des souvenirs qui n’ont pas encore trouvé leur place. Le blanc est essentiel : il laisse respirer, il laisse apparaître. C’est un espace de silence, de suspension.

L’exposition s’intitule L’art en héritage. Comment ce mot résonne-t-il pour vous ?
L’héritage, ce n’est pas seulement ce que l’on reçoit. C’est ce que l’on porte, parfois sans le savoir. Et ce que l’on transmet, consciemment ou non. Mon travail est nourri de cette tension : entre ce que je viens de, et ce que je deviens.

Votre parcours entre la Chine et la Suisse est très présent, sans jamais être illustratif…
Parce que je ne cherche pas à expliquer mes origines. Je les vis. Je les transforme. Je crée un troisième espace, entre les deux. Un espace où le plein dialogue avec le vide, où la tradition peut coexister avec l’affranchissement. Ce n’est pas une réponse, c’est une recherche permanente.

Exposer dans une banque est assez rare. Que permet ce contexte ?
Cela permet une rencontre différente. Les musées ne peuvent pas tout accueillir. Et l’artiste a besoin d’aller vers les gens. Dans un lieu comme celui-ci, l’art n’intimide pas. Il se laisse approcher. Il devient un langage commun. C’est une expérience que je trouve profondément humaine. Ainsi, ici, les gens ne viennent pas “voir une exposition” comme dans un musée. L’art surgit dans leur quotidien. Il surprend, il interroge autrement. Je trouve cela très juste pour parler d’héritage : quelque chose qui nous accompagne sans toujours se montrer frontalement.

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Ses œuvres, exposées aujourd’hui à Quartier Libre SIG, sont des fragments de silence, des témoignages visuels d’un monde au bord de la bascule.

Énergie, tensions et conscience écologique
L’exposition tisse un récit subtil entre besoins humains et limites naturelles. Le barrage de Verbois, inauguré en 1944, marque un tournant. Puis viennent les débats, les fractures, l’ombre d’un projet nucléaire finalement abandonné dans les années 1980.

Ici, l’art devient archive sensible : photographies, films, documents et gravures racontent comment Genève a appris — parfois dans la douleur — à concilier énergie et respect du vivant. Un récit porté par SIG, en partenariat avec la Fondation Hainard, sous le commissariat précis et engagé de Nicolas Crispini. 

Hainard, précurseur et veilleur
Philosophe autant qu’artiste, Hainard était écologiste avant l’heure. Il observait, il attendait, il respectait. Ses Nuits d’hiver au bord du Rhône, réunies ici pour la première fois depuis 1952, sont des veilles silencieuses, des hommages à un monde animal qu’il savait fragile.

À travers lui, le Rhône cesse d’être décor : il devient sujet, conscience, presque personnage.

Un lieu qui fait sens
Que cette exposition prenne place au Pont de la Machine n’a rien d’anodin. Ici, le fleuve, l’énergie et la culture se croisent physiquement. Le bâtiment devient manifeste : un point d’équilibre entre production, transmission et contemplation.

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Année après année, la BRAFA continue d’éblouir par son éclectisme, son atmosphère singulière et sa scénographie onirique toujours très soignée. Parcourir ses allées foisonnantes, où se mêlent œuvres rares et découvertes aussi inattendues qu’envoûtantes, revient à s’offrir une parenthèsemerveilleuse hors du temps. Après avoir exalté les sensationnelles Walkyries de Joana Vasconcelos, l’invité d’honneur de cette nouvelle année est la Fondation Roi Baudouin (FRB), qui s’apprête à fêter son jubilé. Fondée à l’occasion du 25e anniversaire du règne du roi Baudouin Ier de Belgique, cette fondation indépendante – la plus grande de Belgique – intervient dans de nombreux domaines, dont le patrimoine et la culture. Déjà présente à la BRAFA précédemment, la fondation promet de voir les choses en grand cette fois, avec un stand plus vaste, une scénographie prodigieuse et une exposition inédite rassemblant plusieurschefs-d’œuvre majeurs de sa collection. Installée au stand n°151, la FRB organisera également une série de conférences et tables rondes. Ces Art Talks auront lieu quotidiennement à 14h au KBF Forum, installé à l’arrière de leur espace d’exposition. De plus, des intermèdes musicaux seront proposés tous les jours à midi pile, de quoi ravir les mélomanes.

BRAFA 2025 – Vue générale avec la Valkyrie Léonie de Joana Vasconcelos © Olivier Pirard © Atelier Joana Vasconcelos

Pour cette 71e édition, la BRAFA rassemblera 147 galeries provenant de dix-huit pays, dont de grands noms internationaux présents pour la toute première fois. Mêlant les médiums, les provenances et les périodes – bien que les Maîtres Anciens demeurent la clef de voûte de la manifestation –, la foire poursuit son engagement envers l’exigence de qualité et d’authenticité en dévoilant des œuvres rares, souvent accompagnées de provenances remarquables. Parmi les nouveautés annoncées, une offre de restauration revisitée et étendue, à la fois pour les visiteurs et les exposants, afin que chacun puisse se restaurer directement sur place, mais également une nouvelle entrée. Nicolas de Liederkerke, architecte responsable de la décoration de la foire, révèle que la scénographie s’inspirera de l’imagerie céleste, tout en incluant des détails surréalistes typiquement belges. Une véritable promesse de voyage onirique et poétique.

Evelyne Axell, L’égocentrique 2, 1968, émail, clartex sur panneau unalit, 108 x 72 cm, Collection Fondation Roi Baudouin. Acquisition du Fonds Isabelle et Philippe Dewez en 2025, en dépôt aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles. © SABAM Belgium 2025, Paul Louis

Par ailleurs, outre les habitués, la foire s’étoffe d’une vingtaine de nouveaux exposants de qualité. Parmi eux, la galerie genevoise CKS Gallery, située Place de Longemalle et spécialisée dans l’art contemporain, l’impressionnisme et l’art d’après-guerre. Avec une collection mêlant Maîtres Anciens, objets d’art décoratif et mobilier issus de palais romains et de commandes privées, la Carlucci Gallery (IT) annonce des pièces grandioses. Pour sa première participation, la Galerie Haesaerts-le Grelle (BE) proposera un stand intégralement dédié à Gustave Serrurier-Bovy (1858-1910), architecte et décorateur liégeois de génie, précurseur de l’Art nouveau en Belgique. D’autres acteurs majeurs du marché de l’art feront leurs débuts à la foire, à l’instar de la Galerie la Ménagerie (FR), spécialiste de l’art animalier ; de Maisonjaune Studio (FR) ; d’Arte-Fact Fine Art, experte des œuvres de Maîtres Anciens, ou encore de la Martos Gallery, installée à New York, qui présentera une sélection d’œuvres d’art contemporain de haut standing, dont un dessin de Keith Haring vibrant d’énergie et de couleurs, la galerie étant une référence mondiale pour l’œuvre de cet artiste. Une programmation qui s’annonce aussi riche que variée !

Cabinet romain, vers 1780, placage d’ébène, marbre et diverses pierres polychromes, 208 x 105 x 62 cm, Collection privée. Présenté par la Calucci Gallery. © Calucci Gallery

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Et puis il y a With Love. Une bouillotte électrique qui n’a rien d’ancestral, si ce n’est l’intention : soulager, rassurer, réchauffer. Recharge USB, chaleur localisée, velours beige et format ergonomique qui épouse les courbes — le confort devient précis. Fini l’eau à manipuler, place à la modernité maîtrisée. Terraillon, fidèle à son credo de mieux-être, signe ici une chaleur consciente, économe, sécurisée. Cet hiver, le luxe n’est pas spectaculaire. Il est thermique.

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Les cinq sculptures du MAMCO s’observent, se jaugent, se répondent. Entre l’ours immobile, le jouet pop et la forme végétale, un théâtre silencieux se joue : celui de la matière qui pense et du regard qui s’éveille (c) Mina Sidi Ali

Sous la lumière rasante du bâtiment signé Skidmore, Owings & Merrill, les sculptures semblent flotter entre design et destin. Sylvie Fleury, pop et piquante, gonfle un jouet pour chien jusqu’à en faire une icône du désir : Dog Toy 4 (Gnome), clin d’œil ironique à nos instincts de possession. Vito Acconci, performeur et poète du métal, imagine Bodies in the Park, où le corps devient architecture et le banc, confessionnal. Valentin Carron dresse son Blind Bear, un ours aveugle qui voit plus loin que nous — mi-protecteur, mi-prédateur, gardien de nos contradictions alpines. Hans Rudolf Huber fait de la géométrie une prière silencieuse avec Deux éléments A + B, deux tubes jaunes comme une équation zen. Et Charlotte Posenenske, reine du minimal industriel, compose avec ses conduits modulaires (Vierkantrohre Serie D) un puzzle d’acier à assembler comme la ville elle-même.

“Dog Toy 4 (Gnome)” — Sylvie Fleury Un jouet pour chien passé en taille XXL : l’ironie pop selon Sylvie Fleury. Entre douceur rose et piquant bleu, la sculpture nous regarde, blasée, presque diva. Quand le kitsch devient manifeste (c) Mina Sidi Ali

Vingt-cinq ans de partenariat unissent le MAMCO et JTI, preuve qu’une entreprise peut aussi faire circuler la beauté comme on fait circuler les idées. Cette année, la marque souffle les 10 bougies de son siège genevois — un vaisseau architectural suspendu entre ciel et rails, devenu catalyseur de culture. Ici, les employés croisent les sculptures comme on croise des pensées : fugitives, vibrantes, essentielles. L’art, lui, n’a jamais eu d’aussi beaux bureaux.

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Sur la berge des Bains des Pâquis, les murs deviennent des pages ouvertes. Chaque valise exposée au grand air raconte une histoire d’exil et d’espérance. (c) Valérie Frossard

Des objets comme des boussoles
Le projet a germé au sein de l’HUMA, cette structure d’accueil née en 2019 à Vernier, aujourd’hui refuge pour quatre-vingts âmes venues de Mongolie, du Pérou, du Cameroun ou d’ailleurs. Les familles y séjournent trois mois, le temps de reprendre souffle avant la suite du voyage. Trois mois pour se reconstruire, pour que les enfants retrouvent l’école, pour que les parents puissent, un instant, poser le poids de la route.

“Dans ma valise, il y a… un doudou El Nini.” – Pérou Deux petites mains, un ours en peluche, des crayons de couleur. Le poids de la tendresse face à la légèreté du rêve (c) Valérie Frossard

Photographier l’humanité
De cette expérience, l’HUMA a voulu tirer un projet d’humanité partagée : offrir aux familles un espace pour raconter leur histoire autrement avec un objet, choisi comme témoin: une robe cousue par les grands-parents au Cameroun, des bonbons de Mongolie, une main dessinée par un enfant… Autant de symboles du lien, du courage, de la survie.

La photographe Valérie Frossard a monté un studio éphémère dans une chambre inoccupée du foyer. Les familles ont choisi leur objet, posé avec lui, puis sélectionné la photo qui leur ressemblait le plus. Les enfants y ont ensuite apposé leurs dessins — des traits d’encre pour conjurer le déracinement.

“Dans ma valise, il y a… des bijoux.” – Bangladesh Des éclats d’argent pour dire la beauté, même en exil (c) Valérie Frossard

L’art comme refuge
Cette exposition n’est pas qu’un projet artistique : c’est une manière de ré-humaniser la migration, de faire exister ces récits invisibles autrement que dans les statistiques. Pour les travailleurs sociaux comme pour les familles, c’est une respiration. « On découvre les gens à travers leurs forces, pas seulement leurs difficultés », confie Cécile Poulaillon, coresponsable de l’UMA.

Chaque photographie devient un miroir inversé : celui d’un monde où la fragilité est aussi une force, où la mémoire se tisse entre les cultures, et où la main tendue — celle de l’autre — devient le plus beau cadre possible.

“Dans ma valise, il y a… un poncho.” – Pérou Un panda emmitouflé dans les Andes imaginaires. L’enfance comme abri, le dessin comme boussole (c) Valérie Frossard

Tête-à-tête avec Cécile Poulaillon, coresponsable du projet HUMA

Quel a été le moteur de cette exposition ?
On voulait donner aux familles la possibilité de se raconter autrement. Pas à travers les papiers administratifs ou les démarches, mais à travers ce qu’elles choisissent de montrer d’elles-mêmes : leurs objets, leurs souvenirs, leurs racines.

Comment les familles ont-elles vécu ce projet ?
Avec beaucoup d’émotion. Certaines sont revenues exprès pour le vernissage, alors qu’elles avaient déjà quitté Genève. Elles étaient fières, surtout de voir leurs enfants participer, de se sentir regardées autrement.

Et vous, qu’est-ce que cela vous a apporté personnellement ?
C’est un projet qui redonne foi en l’humain. Dans un contexte d’urgence sociale, on est souvent happé par la gestion, la fatigue, l’impuissance. Là, on a retrouvé la beauté, la créativité, la rencontre.

“Dans ma valise, il y a… un kit à insuline.” – Bulgarie Un sac à dos rayé, deux peluches et la rigueur de la survie. Parce qu’on transporte aussi ce qui soigne, ce qui maintient en vie (c) Valérie Frossard

Si vous deviez retenir une image ?
Une petite fille dessinant sur la photo de sa mère. Un geste d’amour simple, presque sacré. Comme si, en ajoutant sa trace, elle prolongeait le fil de la vie.

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Noyan, de la série Noyan 2015-2022 (c) Noyan

Quatre battements d’images

Cartographie d’une appartenance
Chez Francesca Hummler, un œil noir perce à travers un miroir encadré de canards jaunes. Le kitsch devient politique, la salle de bain devient bastion. Avec Vuyo Mabheka, les souvenirs scolaires d’Afrique du Sud se mêlent à des collages d’enfance crayonnée – comme si l’histoire n’était jamais tout à fait adulte. Ici, le foyer est un théâtre miniature, les racines un territoire en gribouillis, l’identité une maquette fragile et subversive.

Francesca Hummler, Das Badezimmer, 2021, de la série Unsere Puppenstube © Francesca Hummler

Réalités mouvantes
Dans Early Retirement, Gabriela Marciniak fait flotter des corps las dans des piscines turquoise : une retraite avant l’heure, comme un naufrage pastel. Et Charlie Tallott, que l’on retrouve sur notre cover d’octobre, capture une échappée belle — ou amère — d’une femme nue, courant sous la pluie comme on fuit une illusion. Le monde tangue, mais l’image tient debout.

Gabriela Marciniak, Untitled 005, 2025, de la série Early Retirement © Gabriela Marciniak

Au-delà du miroir
Dans Shades of Black, Fatimazohra Serri brouille les lignes du visible. Le corps s’efface dans le décor, le voile devient drapeau, le reflet se rebelle. Sara Messinger, elle, nous invite dans une salle de bain encombrée de regards féminins. Selfies, reflets, poses assumées ou inquiètes : un théâtre de l’intime où l’adolescence se met en scène, en meute. Ici, le miroir ne reflète plus — il interroge.

Fatimazohra Serri, Half Seen, Half Imagined, 2023, de la série Shades of Black © Fatimazohra Serri

Has Multiplier les regards
Sophia Wilson propulse une cheerleader dans le ciel américain : c’est le rêve qui prend l’ascenseur social, mais sans garantie d’atterrissage. Daniel Obasi, lui, incarne une “Beautiful Resistance” en plumes et casques de guerrier, sur fond de fumigènes et d’identité queer assumée.

Sophia Wilson, Growing up (c) Sophia Wilson

Et chez Ziyu Wang, une brochette de garçons prend la pose comme dans une vitrine de testostérone marketée — entre humour, hypervirilité et critique sociale. Chaque photo est une prise de position stylée. Un acte doux et radical.

Un catalogue (éd. Textuel, Paris) accompagne l’exposition, avec une préface vibrante de Salomé Saqué — journaliste et voix engagée d’une génération qui ne veut plus qu’on parle à elle, mais avec elle.

Ziyu Wang, Lads, 2023, de la série Go Get’Em Boy © Ziyu Wang

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Quand on parle de santé intime, on touche à la confidence, à la pudeur, mais aussi à la beauté et au bien-être. Était-ce naturel pour vous d’entrelacer soin, esthétique et confiance en soi ?
Oui, car tout est intimement lié. La sécheresse vaginale, par exemple, frappe nombre de femmes après un cancer ou des traitements lourds. Trop souvent, elles entendent encore : “Il n’y a pas de solution, il faut apprendre à vivre avec.” Pourtant, redonner confort et confiance en soi, c’est déjà soigner. Deux patientes sur trois viennent me voir après avoir été malmenées, par la maladie ou par le silence médical. Alors la gynécologie esthétique prend tout son sens : une réponse profondément humaine, bien au-delà de l’apparence.

Forever Boutique – l’écrin urbain de la médecine esthétique, où la beauté se vit au présent et s’imagine au futur (c) DR

Derrière les portes closes de votre cabinet, quels sont les motifs qui amènent le plus souvent vos patientes ?La sécheresse vaginale est en première ligne, souvent liée aux traitements oncologiques ou à la ménopause. Mais aussi des gênes fonctionnelles : douleurs lors du sport, inconfort avec des vêtements serrés, ou une perte de confiance dans l’intimité. Certaines viennent pour remodeler les grandes lèvres, d’autres pour retrouver une vie sexuelle après des années de pause. Ce n’est jamais « par caprice » : c’est un besoin de confort, de dignité.

Aujourd’hui, les techniques se multiplient … Comment choisissez-vous le bon geste, la bonne note, pour réaccorder l’intime ?
Il existe plusieurs approches. Les injections d’acide hyaluronique, qui réhydratent et restaurent. La radiofréquence, qui améliore la souplesse vaginale et traite le vaginisme. Plus récemment, la biophotomodulation, grâce à la lumière, stimule le collagène et équilibre la flore intime. Chaque protocole est choisi selon l’histoire de la patiente. Ce n’est jamais standardisé, toujours personnalisé.

Vous parlez souvent d’histoires singulières. Avez-vous une anecdote qui illustre cette alchimie entre soin médical et renaissance personnelle?
Une patiente de 68 ans, veuve depuis près de deux décennies, avait retrouvé l’élan d’un nouveau compagnon. Dix-huit années sans intimité avaient laissé leur empreinte, au point qu’un premier rapport lui provoqua une déchirure vaginale. Nous avons travaillé à réhydrater les tissus, mais aussi à réapprendre le langage de l’attention : j’ai pris le temps de parler avec son partenaire, d’évoquer la tendresse des préliminaires, l’importance de la délicatesse. Ce dialogue s’est révélé aussi thérapeutique que le geste médical lui-même. Car je le répète souvent : dans ces parcours, la communication du couple est une partie intégrante de la guérison

En ce mois d’Octobre Rose, votre arrivée chez Forever Institut résonne comme un symbole. Quel message souhaitez-vous adresser aux femmes qui hésitent encore à franchir le seuil d’un cabinet pour parler d’intimité ?
Osez en parler! La santé intime n’a rien d’un tabou : elle mérite la même vigilance que le cœur, la peau ou les yeux. Trouvez un médecin auprès duquel vous vous sentez en confiance, confiez-lui vos questions, même couchées sur le papier si la voix tremble. La gynécologie esthétique n’est pas un caprice : c’est une médecine du confort retrouvé, de l’estime recousue et du lien réinventé. 

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