(De gauche à droite) Harris Skandalakis, Malek Youssef et Thery Couturier dans leur capsule temporelle genevoise. Trois rétro-kids réunis par une même passion pour les objets qui ont déjà une histoire à raconter (c) DR

Van Brugel est né comme naissent souvent les plus belles histoires : sans business plan de cinquante pages ni brainstorming sous PowerPoint! Juste trois amis, beaucoup de passion et une fâcheuse tendance à s’échanger des montres, du mobilier, des œuvres et des idées à longueur d’année. D’un côté, Harris Skandalakis, fondateur de Mendel Watches, qui traque les garde-temps vintage avec l’enthousiasme d’un chercheur d’or. De l’autre, Malek Youssef, créateur de Cyclup Design, dont le quotidien consiste à dénicher des pièces que d’autres auraient laissées filer. Entre les deux, Thery Couturier complète le trio avec Hic & Nunc, son univers dédié lui aussi aux montres. À un moment, il ne manquait plus qu’un toit pour réunir toutes leurs obsessions.

« Nous sommes nostalgiques d’un passé que nous n’avons jamais vécu », résume Malek.

La formule pourrait sembler paradoxale. Elle est pourtant partout. Dans cette moquette qui n’essaie pas d’être discrète. Dans ces objets qui portent les stigmates du temps avec panache. Dans cette fascination assumée pour les années 70, 80 et 90. Là où certains voient de l’usure, eux voient du caractère. Là où d’autres cherchent le neuf, ils traquent l’histoire.

Montres, tableaux, luminaires et mobilier composent un cabinet de curiosités où l’art, le design et l’horlogerie vintage dialoguent sans complexe (c) DR

Car Van Brugel est aussi une petite déclaration de guerre à la dictature du parfait. Ici, les rayures ne sont pas des défauts. Elles sont des souvenirs. Une patine devient une signature. Une montre qui a traversé plusieurs décennies possède davantage de conversations à raconter qu’un modèle fraîchement sorti de son écrin. « Achetez ce qui vous touche », insiste Malek. Un conseil presque subversif à une époque où l’on parle parfois davantage de valeur de revente que de plaisir.

Cette philosophie se retrouve également dans la sélection artistique. Certaines œuvres sont signées par des artistes reconnus, d’autres beaucoup moins. Peu importe. Chez Van Brugel, le pedigree passe après l’émotion. Le trio préfère un tableau capable de provoquer un arrêt net qu’une signature achetée pour impressionner les invités au dîner. Une approche qui rappelle celle de leurs montres : ce qui compte n’est pas tant ce que l’objet vaut que ce qu’il raconte.

Une pendulette Cartier vintage parmi les trésors soigneusement sélectionnés par Van Brugel. Ici, le temps se collectionne autant qu’il se contemple (C) DR

Et c’est sans doute là que réside le charme du lieu. Dans cette capacité à faire cohabiter les passionnés d’horlogerie, les amateurs d’art, les amoureux du design et les simples curieux. On entre pour regarder une montre. On se surprend à parler peinture. On s’arrête devant un fauteuil. On finit par évoquer un souvenir d’enfance ou un film oublié. La galerie fonctionne moins comme un commerce que comme un salon où les objets servent de prétexte aux rencontres.

À l’heure où tout devient plus rapide, plus lisse et plus interchangeable, Van Brugel prend le contre-pied. La galerie célèbre les aspérités, les traces du temps et les objets qui ont déjà eu une vie avant d’atterrir entre ces murs. Une drôle d’idée dans un monde obsédé par le neuf. Pourtant, il suffit d’observer les visiteurs ralentir, s’attarder et repousser le moment de franchir à nouveau la porte pour comprendre que quelque chose fonctionne ici. À force de courir après le futur, on oublie parfois que le passé avait sacrément de l’allure.

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La foire de design Alcova a investi une villa privée achevée en 1938 par Franco Albini (c) Luigi Fiano

Chez Interni Venosta, les pièces semblent avoir toujours été là — illusion parfaite. Plus loin, Alcova investit la villa Albini : brutalisme feutré, escaliers dramatiques, designers en liberté. Ici, le design ne crie pas. Il habite.

Crin, cuir, métal : le vase Hermès en clair-obscur, entre discipline et frisson (c) Hermès

La matière comme langage : Hermès en tête-à-tête
Chez Hermès, la matière n’habille pas : elle raconte. Un cuir qui respire. Un crin qui frissonne. Un marbre qui s’ébroue presque. Tout est tension douce entre rigueur et sensualité. Les objets deviennent phrases : patchworks de cachemire, boîtes marquetées comme des partitions, vases gainés de mémoire animale. Notre crush? Le vase, silhouette sculpturale, ceinturé de crin noir et de veau Swift, bordé de lézard — écho au sac Toupet!  Le métal capte la lumière, le crin l’absorbe. Chapeau bas au clair-obscur maîtrisé!

HEAD Genève — Quand l’animal redessine l’espace
La HEAD signe l’un des gestes les plus sensibles de cette édition. Présentée à Alcova, No One Sees Them Like We Do ne met pas en scène l’animal — elle lui rend sa place!

Ici, chiens, rats, colombes ou grenouilles ne sont ni motifs ni métaphores, mais des présences actives, capables de faire vaciller notre centralité bien installée. À travers six récits spatiaux, le projet glisse du design vers l’attention : gestes de soin, coexistences discrètes, architectures presque invisibles. Le foyer devient terrain de négociation. Le détail, un manifeste. Et soudain, habiter ne signifie plus posséder — mais coexister.

Le retour des années 90 avec IKEA
Les années 90 reviennent… gonflées à bloc! Chez IKEA, on a flashé sur le fauteuil IKEA PS 2026 qui fait pop! Une bulle bien dessinée, héritée des 90’s, remise au goût du jour avec du style et zéro prise de tête. Ici, le design décompresse. Il prend l’air.

À découvrir lors des Democratic Design Days à Älmhult (13 mai 2026), avant de débarquer en Suisse le 15 mai.

Assise rebondie, lignes sous tension : le confort chez IKEA prend du volume, sans jamais perdre la ligne (c) IKEA

Pro Helvetia — le design en partage
À Milan, Pro Helvetia ne signe pas une exposition — elle orchestre une conversation. Shared Matter, pensée avec Presence Switzerland, réunit une nouvelle génération de designers suisses autour d’un même fil : créer à plusieurs, penser plus loin.

Un instrument né entre Athènes et Lausanne, une ampoule consciente dessinée à l’échelle européenne, des tuiles qui capturent la neige entre Japon et Suisse, une lampe sculpturale, un verre en papier qui fait oublier le plastique, un tapis nomade tissé entre cultures… Ici, les objets voyagent autant que les idées. Dans la scénographie immersive de SPAZIOVENTO, le design ne se contente plus d’exister : il relie. Les pratiques s’entrelacent, les savoir-faire circulent, les frontières s’effacent.

Le design devient un terrain commun. Une matière partagée.

Miele — la cuisine se replie, le quotidien s’étire
Dans des villes qui se contractent, Miele fait l’inverse : elle déploie. Avec Compact Living : Kitchen Unit powered by Hettich, la cuisine devient un système caméléon — compact en surface, expansif en usages.

Un seul bloc, mille vies : plan de travail à l’aube, cuisine à midi, table le soir. Les fonctions s’imbriquent, glissent, disparaissent presque, portées par des mécanismes intelligents et un électroménager intégré qui pense avec vous. La cuisine n’est plus une pièce — c’est un rythme.

Pensé avec Hettich, le concept répond à une évidence : habiter moins grand, mais vivre plus fluide. Technologie connectée, modularité radicale, intelligence discrète — tout converge vers un espace qui s’adapte au quotidien plutôt que l’inverse. Moins de mètres carrés. Plus de scénarios.

Cuisine caméléon signée Miele : un seul module, mille usages — cuisiner, travailler, recevoir… tout tient dans le geste (c) Miele

SMEG — la cuisine devient manifeste
Chez SMEG, l’électroménager quitte le rang pour monter sur scène. Avec Musa (signée  BorromeodeSilva), la cuisine devient rythme visuel. Avec Isola (par Stefano Boeri Interiors), elle se fait sculpture. Et la ligne Portofino, revisitée en mat profond, ajoute une texture presque tactile à la couleur. Ici, cuisiner devient un geste architectural.

Objets hybrides, récits métissés
Le reste de la ville vibre à l’unisson. Dozie Kanu signe pour Knoll des tables frangées comme des tambours africains. Mutina revisite Josef Albers en céramiques vibrantes. Baccarat orchestre un futur rétro avec Bethan Laura Wood. Hannes Peer sculpte le marbre comme une mémoire solide. Partout, les disciplines fusionnent. Les références s’entrechoquent. Le design devient un langage hybride — entre archive et projection.

L’éditeur américain Knoll continue de twister son répertoire avec de nouvelles signatures. Pendant Il Salone Mobile, l’enseigne dévoile les tables frangées de Dozie Kanu. Ses tables s’inspirent des tambours africains et des tenues cérémonielles
 (c) Knoll

Milan, chambre d’échos
À Milan, cette année, le design n’était pas une démonstration. C’était une conversation. Avec le passé, avec le vivant, avec la matière. Avec nous. Et dans ce murmure collectif, une certitude : l’objet n’est plus un objet. C’est une présence.

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Laura Star X mudac 
(c) William Gammuto

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Deux rouleaux de cuir superposés forment son dossier et ses accoudoirs, posés sur une structure d’acier tubulaire chromé. Un contraste presque philosophique : la douceur voluptueuse contre la rigueur industrielle. Le résultat ? Une pièce qui tient à la fois du fauteuil, de la sculpture et du manifeste moderniste.

Un clin d’œil ironique à Michelin
Le nom Bibendum n’est pas un hasard. Gray s’est amusée à baptiser son fauteuil d’après la mascotte Michelin — ce personnage fait de pneus empilés — dont la silhouette ronde rappelle celle du fauteuil. Humour discret, élégance assumée : chez Gray, même les icônes savent sourire. Dans un monde dominé par les hommes du modernisme, elle a imposé une vision singulière : sensuelle sans être décorative, radicale sans être austère. Avec Bibendum, elle signe un paradoxe parfait : un fauteuil presque humoristique… devenu monument du design.

100 ans : 100 exemplaires
Un siècle après sa création, le fauteuil revient sous les projecteurs avec une édition anniversaire limitée à seulement 100 exemplaires dans le monde. Habillé d’un cuir nubuck sable aux tonalités chaleureuses et posé sur une structure en acier nickelé, ce Bibendum nouvelle génération reste fidèle à l’esprit original tout en incarnant un luxe contemporain subtil.

Une pièce numérotée, presque collectionnable — comme une œuvre d’art qu’on pourrait, exceptionnellement, habiter.

Chez Teo Jakob : le design comme destination
C’est chez Teo Jakob que cette légende du design fait actuellement escale. Depuis des décennies, la maison suisse cultive une vision du mobilier comme langage architectural : chaque pièce raconte un espace, une époque, une idée. Et le Bibendum en est l’illustration parfaite. Une chaise qui ressemble à un nuage de cuir. Un fauteuil qui a le panache d’une sculpture. Un objet qui rappelle que le design peut être à la fois confortable, radical… et éternel.

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Dans le cadre d’un cours de Design génératif encadré par Anette Lenz et Nicolas Baldran, les étudiant.exs du Bachelor Communication visuelle ont imaginé l’identité graphique de cette première édition. Retour sur cette expérience le 4 octobre à SPARK

Où le regard devient matière
SPARK, La Julienne, HiFlow, l’imprimerie G. Chapuis… Le territoire lui-même devient planche-contact. On y lit la Suisse romande comme un manifeste en mouvement, on y suit les lignes de fuite d’un métier trop souvent cantonné à l’ombre des logos.

Connexion haute tension : HEAD dans les câbles d’UPLOAD
Quand une commune visionnaire branche ses idées sur une école en ébullition, ça donne une biennale sous haute tension créative. UPLOAD est le fruit d’une alliance fertile entre Plan-les-Ouates et la HEAD – Genève, où territoire et théorie, geste et pensée, se répondent en écho.

Ici, l’institution ne fige pas, elle alimente. La HEAD ne fournit pas juste des affiches, elle insuffle un courant d’air neuf, un vent d’atelier, un souffle critique. Étudiants, enseignants, penseurs visuels : chacun vient y poser sa pierre, sa ligne, sa question. On ne regarde pas seulement — on interroge, on active, on transforme!

UPLOAD devient alors une passerelle entre la salle de classe et la salle d’exposition, entre la recherche et la rue, entre les pixels théoriques et les papiers bien réels. Une plateforme où la transmission n’est pas un mot creux, mais une forme graphique en mouvement.

La Biennale de design graphique Upload, nous convie à découvrir les coulisses de l’imprimerie Chapuis le 8 octobre

Pourquoi y aller ?
Parce que le design graphique n’est pas une cerise sur le gâteau : c’est le couteau qui le découpe, le plateau qui le présente, la recette qui le raconte.
Parce qu’à l’heure des IA génératives et du scroll infini, UPLOAD remet l’humain au cœur du signal.
Parce qu’il est urgent de regarder autrement, de penser les signes, de caresser les typos, de décoder l’invisible.

Et surtout, parce qu’il y a un plaisir rare à voir la pensée s’imprimer en beauté.

Présentation de projets d’alumnis des écoles de graphisme romandes le 4 octobre Image : Travail de Odile Savary

Temps forts : les yeux grands ouverts 

• Vernissage & remise des prix – 3 octobre dès 18h à SPARK
• Journée de conférences – 4 octobre, de 8h30 à 17h à SPARK (gratuit sur inscription)
  • On y entendra des intervenants sur les enjeux du design graphique aujourd’hui, le croisement entre numérique & imprimé, ou encore la place du local dans les pratiques globales.
• Visites commentées – 4 octobre à 13h, puis les 9, 16 et 23 octobre à 12h30 (à SPARK)
• Atelier enfants dès 5 ans – 4 octobre à 14h (SPARK)
• Atelier pour tout petits (1 à 4 ans) – 5 octobre, 9h30 à 11h30 à La Julienne, en continu
• Visite de l’Imprimerie G. Chapuis – 8 octobre de 14h à 16h
• Lunch meet-up chez HiFlow – 6 novembre : moment informel pour créer du lien et échanger autour du graphisme

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Ici, chacune de leur création est une sculpture qui accepte de servir. Dans leurs mains, le quotidien devient poésie, le rangement devient théâtre, l’assise devient archipel. Le duo rappelle une évidence : le design n’est pas un objet figé, mais une pensée qui habite nos intérieurs et les élève au rang d’expérience.

Sous la lumière tamisée d’une galerie, le Pillow Sofa devient totem : archipel de coussins noirs, il reflète les ombres et absorbe la lumière comme une œuvre vivante (C) DR

Le Pillow Sofa : l’assise en oasis
Avec BD Barcelona et KASSL, le Pillow Sofa revient, plus lisible mais toujours insolent de liberté. Cuir, velours, coton laqué noir… ses matières dessinent des climats intérieurs. Ce sofa n’est pas un simple meuble : c’est une île de coussins où l’on s’échoue comme sur un nuage.

Le Perforated Cabinet : dentelle d’acier
Chez HAY, Muller Van Severen jouent la transparence. Un cabinet perforé qui cache en révélant, qui range en exposant. Comme une peau d’acier ajourée, il transforme le banal en rituel, le fonctionnel en mise en scène.

Dentelle d’acier laqué rouge, le Perforated Cabinet joue entre ombre et transparence — une armoire qui respire, où les livres deviennent silhouettes et la lumière un motif mouvant (C) DR

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Natalia Brilli : l’onirisme au crochet
Vingt ans dans la mode, puis un saut vers l’ailleurs. Sa devise, « faire quelque chose de luxueux avec presque rien », se tisse dans des tapisseries monochromes et des masques de raphia. Entre végétaux hybrides, coquillages fantasmés et figures rituelles, Natalia Brilli convoque un surréalisme populaire, comme si ses œuvres venaient d’un rêve submergé.

Doruk Kubilay : l’Anatolie réinventée
Fondateur de Studio Lugo, il transforme l’artisanat en langage contemporain. Courbes et lignes droites, crin de cheval et métal : son design est une passerelle entre héritage anatolien et intérieurs d’aujourd’hui. Chaque pièce est un récit, réécrit encore et encore pour garantir l’unicité, comme une promesse de ne jamais céder à la répétition.

DORUK KUBILAY: ANACHRON SERIES 2025 (c) DR

Agnès Morch : sculptures en apesanteur
Ses formes en plâtre flottent comme des organes suspendus, des fragments de corps et de nature. Graines hypertrophiées, céramiques malmenées, tissus détournés : Agnès Morch bouscule la matière avec audace. Ses pièces révèlent une fragilité assumée, un mystère charnel qui rend la céramique presque respirante.

AGNÈS MORCH (Sans titre, 2025) (c) DR

Lodovico Acerbis : l’héritage en mouvement
Depuis 1870, Acerbis est une voix majeure du design italien. Avec Philippe Malouin, Lodovico Acerbis poursuit le dialogue entre vision contemporaine et patrimoine. Buffets aux lignes nettes, transparences polychromes, inspirations venues du Flatiron Building : ici, l’architecture devient mobilier et le mobilier devient architecture.

LODOVICO ACERBIS: TRENCH SOFA, Philippe Malouin, 2025 (C) DR

Soft Gravity, ou l’art de suspendre le temps
Entre poésie et savoir-faire, l’exposition déroule un fil invisible : celui d’une gravité apprivoisée, presque caressée. Un voyage tactile et visuel qui transforme la galerie en orbite créative, où chaque œuvre attire sans jamais écraser.

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(c) Carmen D’Apollonio

Ici, la matière se fait capricieuse : l’argile s’accroche comme un enfant à sa mère, le verre dégouline en larmes de lave, le tissu s’empâte en coussins-jambes qui tiennent des halos. Rien n’est droit, tout est vivant. On ne regarde pas une lampe : on la croise, on la rencontre. Certaines nous sourient de travers, d’autres semblent baisser les yeux. Elles nous dévisagent autant que nous les contemplons. Son imaginaire incandescent nous a happés : impossible de résister à sa créativité débridée, qui illumine la cover de notre numéro de septembre.

(c) Carmen D’Apollonio

À New York, chez Friedman Benda, D’Apollonio dévoile sa nouvelle constellation lumineuse. Le verre, fluide et imprévisible, s’invite désormais dans la danse. “Il dégouline et échappe”, dit-elle, comme une coulée de matière vivante. Certaines lampes se dressent telles des champignons translucides, d’autres se recroquevillent comme des personnages méditatifs ou des fleurs alourdies par leur propre parfum.

(c) Carmen D’Apollonio

Avec “Salut, Ça va, C’est Moi”, sa quatrième exposition solo chez Friedman Benda, Carmen D’Apollonio pousse plus loin son théâtre lumineux. Ses lampes se muent en véritables acteurs : certaines chutent en cascade des piédestaux, d’autres surgissent des murs, s’allongent au sol ou pendent du plafond comme des acrobates suspendus. L’introduction d’abat-jours en verre marque un tournant : ils ne dissimulent plus, ils révèlent, réfractent et reflètent, comme si la lumière cessait de se cacher pour enfin se mettre à nu. Même les titres des œuvres – fragments intimes, drôles ou mélancoliques – ressemblent à des confidences murmurées à l’oreille du visiteur. Des lampes qui ne se contentent pas d’éclairer : elles respirent, elles s’animent, elles nous tiennent compagnie.

(c) Carmen D’Apollonio

Et pour prolonger cette scène, un livre d’artiste en édition limitée, photographié par Stephanie Kunz, accompagne l’exposition, comme un carnet de coulisses où la magie se laisse apprivoiser.

(c) Carmen D’Apollonio

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À Berne, certains rituels ne se négocient pas : ici, chaque assiette arrive avec panache, chaque bouchée a le goût d’un héritage qui se respecte (C) DR

Sky Terrace : le rooftop qui tutoie les sommets
Prenez de la hauteur, littéralement ! Au sommet du Schweizerhof, la Sky Terrace déploie sa vue cinémascope sur les toits de Berne et les icônes alpines – Eiger, Mönch, Jungfrau – qui s’invitent à l’heure dorée.

Dans l’assiette, un voyage stylisé entre Japon et Amérique latine : ceviche de bar au leche de tigre, gyozas au poulet, yakitoris au bœuf, karaage au yuzu kosho, tartares, crudos et sashimis se partagent comme des secrets. Côté rolls, place aux créations twistées : Hamachi & jalapeños, Thon & feta, Unagi & banane caramélisée, ou encore California 2.0 au crabe et saumon. Pour les puristes : edamame, summerrolls vegan, et un platter mix qui réunit les meilleurs hits.

Et pour finir ? Yuzu cheesecake, crème brûlée au matcha, ou Tres Leches à la passion. Un enchaînement de textures vives, de sauces relevées (shiitake chimichurri, yuzu-hollandaise, truffe ponzu…), et de cocktails aux accents floraux ou acidulés. Ici, l’apéro flirte avec les sommets. Dès que le soleil tape, c’est le QG des épicuriens stylés, de midi à la golden hour.

Chambre d’auteur : le Schweizerhof x Téo Jakob

Pas une chambre, mais un manifeste. Nichée sous les combles du Schweizerhof, cette suite singulière baptisée Timeless Design Studio incarne la rencontre entre hospitalité cinq étoiles et design d’auteur. Le studio, scénographié par la maison teo jakob, traverse 70 ans de création suisse et internationale, en exposant des pièces iconiques comme la Rag Chair en uniformes recyclés de Tejo Remy, le tabouret RON RON de Marion Baruch, ou la sculpture Cauliflower de Nathalie du Pasquier. Le tout enveloppé par la lumière des lampes Flowerpot de Verner Panton et ancré par une table “Tulip” en hommage à Saarinen. Un écrin design à vivre — entre musée privé, salon créatif et hommage aux matières.

Couleurs pop, lignes nettes, pièces signées : la chambre imaginée avec Teo Jakob transforme la nuit en expo privée. Un cocon urbain où l’on dort stylé (c) DR

Le sens de l’accueil, version cinq étoiles
Entre le spa de 500 m², les 99 chambres et suites, la légendaire salle de bal Trianon et une gastronomie qui flirte avec l’excellence, l’Hôtel Schweizerhof ne se contente pas d’être une institution bernoise. Il en est la quintessence. Dans le groupe Bürgenstock Collection, il incarne ce luxe sans arrogance, ce goût du service où chaque attention compte. Et en toile de fond, l’élégance suisse trace sa ligne : précise, discrète, inaltérable.

Bain à remous, lumières tamisées, silence minéral : ici, le stress fond comme neige bernoise au soleil. Une parenthèse liquide où tout se relâche (c) DR

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Gourmet Brothers : le goût comme boussole
Derrière Port Gitana, il y a le trio Luzuy-Cassigneul-Luzuy (Marie, la sœur de Benjamin) qui pose une vision de l’hospitalité bien à lui : sincère, ancrée, audacieuse. Qu’il s’agisse de dresser une table, penser un espace ou raconter un lieu, l’équipe compose avec les saisons, le terroir, et une idée du beau sans prétention, mais avec intention.

Nés du catering, devenus faiseurs de lieux, ces gastronomes d’aujourd’hui cultivent l’excellence sans affectation. Leur recette ? Du goût, du geste, du sens. Et une capacité rare à reconnaître les bonnes personnes pour les bons projets, comme ici avec Ykra ou encore l’Atelier ba.le. Avec Port Gitana, ils signent un lieu de plus — mais surtout, une étape de plus dans leur version du lifestyle helvétique : affranchi, assumé, et baigné de lumière.

La terrasse? Fraîche comme une menthe à l’eau, tendre comme un après-midi de juillet et où les conversations prennent racine à l’ombre des parasols rayés (c) DR

Saveurs à quai, plaisir à flot
Ici les filets de perche se la jouent star locale, le burger prend la pose, et la bouillabaisse s’accorde au rythme du clapotis. Romain Maillot, chef de bord, sort l’artillerie tendre : volailles aux écrevisses, pièces à partager, œufs mayo à grignoter entre deux plongeons. Mention spéciale au plateau de fromages qui traîne en terrasse comme une fin de soirée genevoise.

Le Sud en immersion : bouillabaisse pimpée, légumes fondants et jus qui fait chanter les cigales en bouche (C) DR

Côté dessert ? C’est Tout Chocolat, la cerise sur le moelleux du projet Luzuy, un labo sucré qui célèbre la matière cacao dans tous ses états – ganaches, glaces, créations haute-couture… et qu’on retrouve à Port Gitana. Sinon on peut également fondre comme un cœur en été pour la meringue double crème ou les glaces à l’italienne.

Le tout servi sur une terrasse baignée de lumière, à l’ombre d’un magnolia presque centenaire, où le temps semble avoir mis son téléphone en mode avion. L’esprit ? Un doux mélange de brasserie chic et de résidence d’été, où l’on s’attable pour un déjeuner, et où l’on refait le monde jusqu’au digestif.

Une palette chromatique signée YKR et qui convie au voyage, sans quitter la table (c) DR

Dans le sillage de la brasserie, le bar de Port Gitana joue les escales feutrées. Marbre Calacatta et objets chinés composent un décor à mi-chemin entre vapeur lémanique et cabinet de curiosités. Cocktails infusés maison, spiritueux d’auteur, whiskys rares : chaque verre esquisse un rivage, une humeur. On y accoste pour l’apéro, on y reste pour le voyage.

Design en apesanteur
Côté atmosphère, le tandem Robin Bader (Atelier ba.le) à l’architecture et Youri Kravtchenko (Ykra) à la scénographie compose un récit sensoriel ciselé. Ainsi l’architecte a repensé les lignes du bâtiment avec une discrétion bien placée, laissant la lumière faire le show. À l’intérieur, Youri Kravtchenko, lui, signe une mise en scène lémanique qui oscille entre riviera pastel et chic genevois décontracté.

YKR Studio signe une déco aux lignes rétro-futuristes et aux couleurs qui claquent: canapés en vert chlorophylle, touches caramel, objets chinés et clins d’œil à la Riviera (c)

Au menu? Bois clairs, matières naturelles, volumes généreux, et ce mobilier ultra-design qu’on aime  — tour à tour sculptural, espiègle, presque flottant. Les coloris poudrés, les touches bayadères et les objets chinés composent un décor solaire et graphique, entre douceur rétro et fraîcheur contemporaine. Bref ? Un lieu qui inspire, un décor qui hydrate, un style qui plonge sans bouée pour faire quelques longueurs.

Port Gitana ne cherche pas à impressionner, il cherche à durer. Ici, tout est juste : la lumière, la lame du couteau, la ligne du mobilier, la perche dans l’assiette. Le lieu n’a pas été pensé pour flamber, mais pour marquer. Brasserie ouverte sur le lac, bar feutré pour confidences infusées, chambres pensées comme des refuges en douceur… À Bellevue, l’élégance a jeté l’ancre, et Genève tient peut-être là son plus beau pied-à-l’eau. À Port Gitana, on ne fait pas que venir — on revient.

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Innovations durables
Mettant en lumière la nécessité de s’inscrire dans une démarche durable, la jeune génération propose des créations de production locale, fabriquées à partir de matériaux recyclés, comme Puzz’le Design Studio, dont les objets du quotidien sont conçus en circuit-court avec des matériaux durables, ou encore Girsberger et ses poufs colorés fabriqués à plus de 90 % en matériaux recyclés.

Les créations de Caitlin Perrin

La mode de demain
La mode suisse sera également de la partie avec le Swiss Fashion Point, où participeront vingt designers émergents comme confirmés. Parmi eux, l’intrépide créatrice Sarah Bounab, qui vient au passage de sortir une collaboration avec la marque de lunettes VIU, dévoilera sa collection SS25 au travers d’une installation immersive et poétique. Entre couture et technologies futuristes, son vestiaire du soir transporte la mode dans une ère nouvelle. Mention spéciale aux bijoux en argent d’Emilie Gouëzec et aux créations uniques de la marque Caitlin Perrin, des parures singulières ultra-stylées qui subliment n’importe quelle tenue.

La collab qui nous en a mis plein la vue: Sarah Bounab X Viu

micasa x ECAL
Enfin, la dernière collection de design micasa, créée en collaboration avec les étudiants de l’ECAL, sera l’un des points forts de cette édition. Intitulée HOMEWORKS, cette gamme en édition limitée se compose de 38 pièces de mobilier et d’accessoires de maison inédits, insufflant un vent de fraîcheur sur l’habitat contemporain.

Micasa X ECAL

Bien plus qu’un simple événement, les Design Days sont une ode poétique et incisive à la créativité suisse. Un espace unique permettant de repenser le monde de demain et de découvrir tout le talent des créateurs locaux. Pour plus d’info, voir la programmation complète en ligne.

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Dans ce jardin, on retrouvera alors des sculptures de l’époque moderne mais également des pièces inconnues de l’ère contemporaine. Parmi les artistes exposés dans cet espace, Henry Moore, Jean Arp, Alexander Calder, Willem de Kooning, Niki de Saint Phalle et Paulina Olowska se côtoient, et seront rejoints par l’acquisition récente d’une pièce d’Anne Imhof, ainsi que par un prêt de l’artiste Damien Hirst. Une installation artistique qui s’inscrit dans une refonte complète du hall du musée. Entièrement réagencé par Paul Cournet et le studio CLOUD, il accueille désormais une boutique redessinée, jouxtant le  nouveau bar FONDA du studio food Oficina. Une longue table de lecture ainsi que des sièges en nombre ont également été inclus dans l’espace, favorisant l’entrée du public au musée, et sa découverte de cette nouvelle installation accessible gratuitement. Enfin, dernier élément crucial de ce hall repensé : la Stedelijk Chair. Dessinée par la célèbre designer hollandaise Sabine Marcelis suite à une commande du musée, elles ont toutes été réalisées à la main dans une unique feuille d’aluminium, venant compléter avec élégance la rénovation de l’entrée du musée. Une installation à découvrir dès le 16 novembre.  

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