La foire de design Alcova a investi une villa privée achevée en 1938 par Franco Albini (c) Luigi Fiano

Chez Interni Venosta, les pièces semblent avoir toujours été là — illusion parfaite. Plus loin, Alcova investit la villa Albini : brutalisme feutré, escaliers dramatiques, designers en liberté. Ici, le design ne crie pas. Il habite.

Crin, cuir, métal : le vase Hermès en clair-obscur, entre discipline et frisson (c) Hermès

La matière comme langage : Hermès en tête-à-tête
Chez Hermès, la matière n’habille pas : elle raconte. Un cuir qui respire. Un crin qui frissonne. Un marbre qui s’ébroue presque. Tout est tension douce entre rigueur et sensualité. Les objets deviennent phrases : patchworks de cachemire, boîtes marquetées comme des partitions, vases gainés de mémoire animale. Notre crush? Le vase, silhouette sculpturale, ceinturé de crin noir et de veau Swift, bordé de lézard — écho au sac Toupet!  Le métal capte la lumière, le crin l’absorbe. Chapeau bas au clair-obscur maîtrisé!

HEAD Genève — Quand l’animal redessine l’espace
La HEAD signe l’un des gestes les plus sensibles de cette édition. Présentée à Alcova, No One Sees Them Like We Do ne met pas en scène l’animal — elle lui rend sa place!

Ici, chiens, rats, colombes ou grenouilles ne sont ni motifs ni métaphores, mais des présences actives, capables de faire vaciller notre centralité bien installée. À travers six récits spatiaux, le projet glisse du design vers l’attention : gestes de soin, coexistences discrètes, architectures presque invisibles. Le foyer devient terrain de négociation. Le détail, un manifeste. Et soudain, habiter ne signifie plus posséder — mais coexister.

Le retour des années 90 avec IKEA
Les années 90 reviennent… gonflées à bloc! Chez IKEA, on a flashé sur le fauteuil IKEA PS 2026 qui fait pop! Une bulle bien dessinée, héritée des 90’s, remise au goût du jour avec du style et zéro prise de tête. Ici, le design décompresse. Il prend l’air.

À découvrir lors des Democratic Design Days à Älmhult (13 mai 2026), avant de débarquer en Suisse le 15 mai.

Assise rebondie, lignes sous tension : le confort chez IKEA prend du volume, sans jamais perdre la ligne (c) IKEA

Pro Helvetia — le design en partage
À Milan, Pro Helvetia ne signe pas une exposition — elle orchestre une conversation. Shared Matter, pensée avec Presence Switzerland, réunit une nouvelle génération de designers suisses autour d’un même fil : créer à plusieurs, penser plus loin.

Un instrument né entre Athènes et Lausanne, une ampoule consciente dessinée à l’échelle européenne, des tuiles qui capturent la neige entre Japon et Suisse, une lampe sculpturale, un verre en papier qui fait oublier le plastique, un tapis nomade tissé entre cultures… Ici, les objets voyagent autant que les idées. Dans la scénographie immersive de SPAZIOVENTO, le design ne se contente plus d’exister : il relie. Les pratiques s’entrelacent, les savoir-faire circulent, les frontières s’effacent.

Le design devient un terrain commun. Une matière partagée.

Miele — la cuisine se replie, le quotidien s’étire
Dans des villes qui se contractent, Miele fait l’inverse : elle déploie. Avec Compact Living : Kitchen Unit powered by Hettich, la cuisine devient un système caméléon — compact en surface, expansif en usages.

Un seul bloc, mille vies : plan de travail à l’aube, cuisine à midi, table le soir. Les fonctions s’imbriquent, glissent, disparaissent presque, portées par des mécanismes intelligents et un électroménager intégré qui pense avec vous. La cuisine n’est plus une pièce — c’est un rythme.

Pensé avec Hettich, le concept répond à une évidence : habiter moins grand, mais vivre plus fluide. Technologie connectée, modularité radicale, intelligence discrète — tout converge vers un espace qui s’adapte au quotidien plutôt que l’inverse. Moins de mètres carrés. Plus de scénarios.

Cuisine caméléon signée Miele : un seul module, mille usages — cuisiner, travailler, recevoir… tout tient dans le geste (c) Miele

SMEG — la cuisine devient manifeste
Chez SMEG, l’électroménager quitte le rang pour monter sur scène. Avec Musa (signée  BorromeodeSilva), la cuisine devient rythme visuel. Avec Isola (par Stefano Boeri Interiors), elle se fait sculpture. Et la ligne Portofino, revisitée en mat profond, ajoute une texture presque tactile à la couleur. Ici, cuisiner devient un geste architectural.

Objets hybrides, récits métissés
Le reste de la ville vibre à l’unisson. Dozie Kanu signe pour Knoll des tables frangées comme des tambours africains. Mutina revisite Josef Albers en céramiques vibrantes. Baccarat orchestre un futur rétro avec Bethan Laura Wood. Hannes Peer sculpte le marbre comme une mémoire solide. Partout, les disciplines fusionnent. Les références s’entrechoquent. Le design devient un langage hybride — entre archive et projection.

L’éditeur américain Knoll continue de twister son répertoire avec de nouvelles signatures. Pendant Il Salone Mobile, l’enseigne dévoile les tables frangées de Dozie Kanu. Ses tables s’inspirent des tambours africains et des tenues cérémonielles
 (c) Knoll

Milan, chambre d’échos
À Milan, cette année, le design n’était pas une démonstration. C’était une conversation. Avec le passé, avec le vivant, avec la matière. Avec nous. Et dans ce murmure collectif, une certitude : l’objet n’est plus un objet. C’est une présence.

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Mais au-delà du projet, c’est surtout une méthode que j’ai intégrée : une rigueur presque brutale et une ouverture liée au travail collectif. On était en dialogue permanent avec d’autres architectes, d’autres visions. C’est une école de l’exigence, mais aussi de l’humilité.

Le Siège administratif MJM à Épagny-Gruyères (c) Archilab

Vous avez côtoyé des figures majeures comme Richard Meier ou Bob Stern. Qu’est-ce qu’elles vous ont transmis ?
Elles marquent forcément. Richard Meier, par exemple, a influencé ma manière de structurer un projet, d’envisager la lumière, les volumes. Mais il faut savoir s’en détacher. À un moment donné, on digère ces influences pour construire son propre langage. Sinon, on reste dans la citation, pas dans la création.

Entre Milan, Florence, Rome… puis New York et la Suisse, comment ces géographies ont-elles sculpté votre regard ?
Énormément. On parle souvent des États-Unis, mais pour moi, l’Italie reste un socle fondamental. J’ai eu la chance de grandir entre Milan, Florence et Rome, au milieu d’une architecture d’une richesse incroyable. Se promener dans ces villes, c’est déjà une leçon en soi.

Le siège de MSC à Genève (c) Archilab

Très tôt, j’ai développé une habitude qui m’a énormément formé : dessiner ce que je voyais. Pas photographier mais dessiner. Parce que le dessin oblige à comprendre. Quand on redessine un bâtiment de la Renaissance ou du baroque, on en saisit les règles, les proportions, la logique. Tout est déjà là : l’ordre, la séquence, la superposition.

Ensuite, New York a apporté autre chose : une méthode, une ouverture, une intensité. Une manière de penser à grande échelle, de travailler vite, de collaborer avec d’autres visions. Et puis la Suisse, où je me sens profondément à l’aise, m’a permis de trouver une forme de synthèse. Une manière d’ancrer cette culture, cette énergie, dans des projets plus précis, plus contextualisés via Archilab. 

Aujourd’hui, je dirais que mon architecture est contemporaine, bien sûr mais toujours consciente de ce qui l’a précédée. On ne crée jamais à partir de rien. Il y a toujours un bagage, une mémoire, une histoire avec laquelle on dialogue.

La Villa Epalinges (c) Archilab

Vous évoquez souvent la notion de palimpseste. Pourquoi cette idée revient-elle autant dans votre travail ?
Parce qu’on ne construit jamais sur une page blanche. Il y a toujours une mémoire, une trace, une structure préexistante. L’architecture, pour moi, c’est une écriture dans le paysage. Et comme dans un palimpseste, on écrit par-dessus, sans totalement effacer. Les différentes couches restent perceptibles, en tension, en dialogue.

Vous cherchez donc à laisser transparaître ce qui existait avant ?
Oui, dès que c’est possible. Même lorsqu’un bâtiment disparaît, j’essaie d’en conserver une logique : une trame, une orientation, une proportion. C’est une manière de reconnaître ce qui a été fait avant nous. Une forme de respect, mais aussi de continuité. On ne part jamais de zéro, même quand on le croit.

La Fondation Bodmer à Cologny (c) Archilab

Votre architecture est souvent décrite comme “sans compromis”. Est-ce une forme de résistance aujourd’hui ?
C’est surtout une discipline. Chaque projet recommence à zéro. On analyse l’espace, le temps, le programme, le client. Et seulement ensuite, on propose une réponse. Mais bien sûr, les compromis existent. Les contraintes sont nombreuses : budgets, normes, réglementations. Ce qui est plus problématique aujourd’hui, c’est parfois l’excès de protection. On veut tout figer, tout conserver, au point d’empêcher toute évolution. Or une ville, comme un paysage, est faite pour se transformer.

Vous avez cette formule : “profession agriculteur, hobby architecte”. Une provocation ?
Une boutade… mais avec une part de vérité!L’architecture est une passion, presque un privilège. Mais travailler la terre en Toscane, produire de l’huile, c’est un rapport direct, physique, au temps et à la matière. Et au fond, il y a un lien entre les deux : on s’inscrit dans une temporalité longue. On plante, on attend, on construit.

La Clinique Genolier (c) Archilab

Si vos bâtiments pouvaient parler dans cent ans, que diraient-ils ?
J’aimerais qu’ils transmettent une forme d’optimisme. L’architecture est une opportunité : celle de créer quelque chose pour les autres. Une enveloppe, un espace de vie, un lieu d’expérience. Si, dans cent ans, quelqu’un ressent encore cette générosité, alors le projet aura eu du sens.

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Le dernier pour la route — 8 avril
Certains films ressemblent à des fins d’été. Le dernier pour la route appartient à cette catégorie rare : celle des récits qui s’effacent doucement, mais laissent une empreinte durable. Il y est question de départs, de ces moments suspendus où l’on retarde l’inévitable. Les corps sont encore là, les voix aussi, mais quelque chose s’éloigne déjà. Le film capte cette sensation avec une délicatesse presque tactile — comme si chaque scène était une tentative de retenir ce qui, par nature, échappe.

La corde au cou  — 15 avril
Plus radical, La corde au cou installe une tension sourde, presque physique. Ici, le récit avance comme une pression continue — invisible, mais impossible à ignorer.Le film explore ce moment précis où les choix deviennent irréversibles. Pas de grand éclat, mais une montée lente, maîtrisée, où chaque silence pèse davantage que les mots. Il en résulte une sensation d’étouffement maîtrisé, une forme de cinéma qui se vit autant qu’elle se regarde.

Michael — 22 avril
Avec Michael, Antoine Fuqua signe bien plus qu’un biopic : une tentative de capturer l’insaisissable. Comment raconter une icône sans la figer ? Comment approcher Michael Jackson sans en réduire la complexité ? Le film avance sur cette ligne fragile, entre fascination et vertige. Les performances musicales deviennent langage, presque mémoire, tandis que l’intime affleure — discret, mais essentiel. Derrière le mythe, il y a une solitude, une exigence, une démesure. Et c’est peut-être là que le film touche juste.



La fille du Konbini  — 22 avril 


Minimaliste, presque silencieux, La fille du Konbini impose une autre temporalité. Inspiré du roman de Sayaka Murata, le film suit une jeune femme qui trouve dans la répétition du quotidien une forme de stabilité. Chaque geste devient rituel, chaque journée se répète — et dans cette répétition naît une forme de poésie inattendue. Mais derrière cette harmonie apparente, une question persiste : faut-il forcément entrer dans le rythme du monde pour exister ? Un film délicat, presque contemplatif, qui s’inscrit dans une esthétique du détail et de l’épure.

Le Diable s’habille en Prada 2  — 29 avril 


Il y a des retours qui tiennent du fantasme collectif. Le Diable s’habille en Prada 2 appartient à ceux-là. Vingt ans après, l’univers de la mode retrouve ses lignes acérées, ses silences chargés de pouvoir, ses regards qui jugent en un instant. Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci — autant de silhouettes devenues iconiques, prêtes à réinvestir un monde où l’image n’a jamais été aussi centrale. Mais plus qu’une suite, c’est une relecture qui se dessine : celle d’une époque où le style est devenu langage, où l’influence redéfinit les règles, et où l’élégance reste, malgré tout, une forme de pouvoir.

Avril se referme comme une respiration retenue — entre éclats de lumière et zones d’ombre, ces films laissent derrière eux une empreinte discrète mais persistante, celle des récits qui continuent de vivre bien après la dernière image.

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Laura Star X mudac 
(c) William Gammuto

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Le Dîner abandonné de Philippine d’Otreppe (c) DR

Le goût des choses qui manquent
Son expo chez Edji Gallery à Art Paris — Le dîner abandonné — n’est pas une scène figée, c’est une digestion émotionnelle. Tout est là : assiettes, fruits, verres… mais rien ne se consomme. Et pourtant, le regard salive.

Parce que ce qu’elle sert, ce n’est pas de la nourriture, c’est du souvenir. Une bouchée de passé, une gorgée d’absence. On reconnaît sans avoir vécu, on ressent sans pouvoir nommer. C’est une cuisine du manque. Et elle est terriblement savoureuse.

Le Dîner abandonné de Philippine d’Otreppe (c) DR

Une esthétique qui mijote à feu doux
Chez elle, rien ne crie. Tout infuse. Les formes sont simples, presque naïves, mais chargées d’une intensité sourde. Comme un plat longuement réduit, où chaque détail concentre plus qu’il ne montre.

Elle ne cherche pas la perfection plastique — elle cherche la justesse émotionnelle. Et elle la trouve dans ces petits décalages : une assiette trop pleine pour être vraie, un fruit trop silencieux pour être innocent.

La géniale illustratrice et céramiste Philippine d’Otreppe (c) DR

Manger avec les yeux, ressentir avec la mémoire
On dit souvent qu’on mange d’abord avec les yeux. Ici, on ressent d’abord avec la mémoire. Ses objets ne nourrissent pas le corps — ils réveillent des sensations enfouies : un dîner qui s’éternise, une solitude à table, une joie trop brève. Chaque pièce est un déclencheur. Un souvenir en veille qui attend qu’on le regarde pour se rallumer.

Philippine d’Otreppe ne rassasie jamais. Elle ouvre. Elle creuse. Elle laisse une place vide et c’est précisément là que tout se passe. Son art ne comble pas. Il donne faim. Et cette faim-là, impossible de la faire taire.

Le dîner abandonné de Philippine d’Otreppe chez Edji Gallery à Art Paris (c) DR

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Habiter le trouble
Il y a dans Submersion Games une tension qui ne se résout pas. Une manière d’habiter le trouble plutôt que de le dissiper. Le spectacle semble travailler ces zones intermédiaires où le sens n’est pas donné mais suggéré : entre le jeu et le sérieux, entre la douceur et la rudesse, entre la surface et la profondeur. Le corps y devient un lieu de résonance, traversé par des intensités qui ne demandent pas à être expliquées.

Une immersion sensorielle
La musique, la voix, les sons participent à cette immersion. Ils ne soulignent pas, ils enveloppent. Ils accompagnent cette sensation d’entrer dans un espace autre, où les repères se déplacent. On ne sait plus très bien si l’on regarde une fiction, une performance, ou une forme d’état prolongé. Peut-être un peu tout cela à la fois.

Cette représentation évoque alors moins une narration qu’un passage. Une traversée intérieure, faite de glissements et de résonances. Le titre lui-même suggère une mise à l’épreuve : il y a du jeu, mais aussi une forme de perte possible, un risque d’être englouti, absorbé par l’expérience. La submersion n’est pas seulement aquatique : elle est émotionnelle, sensorielle, presque existentielle.

Entre surface et profondeur
On peut imaginer que le spectacle travaille à cet endroit précis : celui où l’on accepte de ne pas tout comprendre immédiatement, de se laisser porter par une logique qui échappe, par une dramaturgie qui s’invente en direct. Une invitation à ralentir, à percevoir autrement, à accueillir l’incertitude comme une matière fertile. A la sortie, il est probable que quelque chose demeure. Une impression diffuse, une trace, peut-être un trouble. Comme lorsque l’on remonte à la surface après avoir plongé trop longtemps : l’air semble différent, le monde un peu déplacé, le regard légèrement transformé.

Submersion Games laisse entrevoir cela : un espace où l’on ne ressort pas indemne, non pas parce que l’on aurait été bouleversé de manière spectaculaire, mais parce que quelque chose, subtilement, se serait déplacé. Une variation imperceptible, mais persistante. Et peut-être est-ce là, précisément, que se joue la force de cette pièce : dans ce qui ne se dit pas tout à fait, dans ce qui affleure sans se résoudre, dans cette manière de faire exister un espace où l’on peut, simplement, être traversé.

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Otobong Nkanga Social Consequences V: The Harvest, 2022 Acrylique et adhésifs sur papier, 42×29,7cm Collection Wim Waumans ©Otobong Nkanga Photo: Courtoisie de l’artiste

Dès les premières salles, le ton est donné : le dessin n’est pas un geste, c’est une fouille. Une archéologie intime où souvenirs d’enfance et cartographies émotionnelles se superposent comme des strates. L’artiste creuse dans sa mémoire comme dans la nôtre et fait remonter à la surface des fragments d’humanité, bruts, parfois disloqués, toujours vibrants. 

Otobong Nkanga Leaving trails in the distance, 2021 Tapis en laine, cordes en coton nouées à la main, sculptures en bois de hêtre pleureur, sculptures en verre soufflé à la main, sculptures en argile, métal, son, matériaux organiques et huiles diverses Dimensions globales définies par l’espace Collection de l’artiste ©Otobong Nkanga Photo: Objets pointuS

Puis le regard bascule. Le sol devient sujet. Les mines, les minerais, les flux d’extraction ne sont plus des données économiques, mais des cicatrices ouvertes. Avec In Pursuit of Bling, le “bling” perd son éclat pour révéler son coût. Derrière la brillance : des territoires vidés, des histoires pillées, des corps usés. La richesse ici n’est jamais innocente, elle est chargée, littéralement!

Nkanga ne dénonce pas frontalement. Elle infiltre. Elle tisse. Elle compose des installations comme des écosystèmes, où chaque élément — minéral, textile, sonore — dialogue avec l’autre. Le spectateur devient alors un maillon de cette chaîne sensible. On ne regarde plus une œuvre, on entre dans une circulation.

Otobong Nkanga Reflections of the Raw Green Crown, 2014 Vidéo HD monocanal, couleur, son, 2’52 » ©Otobong Nkanga Photo: Michael Mann

Et puis il y a ces tapisseries monumentales. Des paysages qui respirent, qui suintent presque. Des mondes où les profondeurs marines rencontrent les cicatrices terrestres, où les corps humains se fondent en minéraux, comme si l’histoire elle-même s’était fossilée dans la matière. Une ligne traverse ces œuvres — orange, incandescente — comme une veine ouverte. Elle monte, elle insiste, elle rappelle que tout est lié : climat, mémoire, exploitation et survie.

Otobong Nkanga Just waiting for us to play, 2006 Acrylique, gouache, vernis à ongles et perforations sur papier, 92×120cm Collection C. Mallard ©Otobong Nkanga Photo: ©Grégory Copitet

Mais au cœur de cette densité, une autre énergie affleure : celle de la réparation. Nkanga n’est pas dans la fatalité, elle est dans la recomposition. Ses installations deviennent des refuges, presque des sanctuaires. Des espaces où l’on peut s’allonger, respirer, sentir. Littéralement. Les odeurs, les textures, les sons… tout participe à une expérience sensorielle qui dépasse le regard.

Comme si l’art pouvait, un instant, recoudre ce que le monde a déchiré. Et c’est peut-être là que réside la force de cette exposition : dans sa capacité à tenir ensemble les contradictions. Montrer la violence sans l’écraser. Faire surgir la beauté sans l’édulcorer. Imaginer une économie du soin là où règne celle de l’extraction.

Nkanga ne donne pas de réponses. Elle ouvre des lignes. Des lignes de fuite, de faille, de vie…

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Rosalía dans la saison 3 d’Euphoria par Marcell Rév pour HBO

Retour vers le passé pour comprendre la prochaine saison
Dès la première saison, le spectateur est plongé dans l’univers de Rue Bennett, une adolescente en lutte contre ses addictions et contre elle-même. Son regard sert de porte d’entrée dans un monde où les émotions sont exacerbées, où les relations sont instables et où chaque personnage semble avancer sur un fil. À travers Rue, la série explore des thèmes aussi lourds que la dépendance, la recherche d’identité ou encore la violence des relations amoureuses et familiales. Ce qui frappe, au-delà de la narration, c’est l’identité visuelle : une photographie saturée, des jeux de lumière presque irréels, une esthétique qui transforme le quotidien en une sorte de rêve fiévreux. La relation entre Rue et Jules, empreinte de tendresse et de confusion, devient rapidement le cœur émotionnel de cette première saison, incarnant à elle seule les contradictions de l’attachement et de la dépendance affective.

Barbie Ferreira et Alexa Demie dans la série Euphoria. © HBO

La deuxième saison, quant à elle, marque un tournant plus sombre. Les personnages ne sont plus simplement en construction, ils sont confrontés aux conséquences de leurs choix. Rue s’enfonce davantage dans ses addictions, mettant à l’épreuve ses relations les plus proches. Autour d’elle, les trajectoires s’intensifient : Cassie se retrouve happée dans une spirale émotionnelle qui la pousse à franchir des limites inattendues, tandis que Nate continue de cristalliser les tensions à travers un rapport au contrôle et à la domination de plus en plus inquiétant. Maddy, de son côté, gagne en assurance, affirmant une personnalité qui semblait jusque-là contenue.

Cette deuxième saison est souvent perçue comme plus nerveuse, plus dérangeante aussi. Elle ne cherche pas à lisser les émotions, mais à les exposer dans leur forme la plus brute. Le style reste central, mais il s’efface parfois derrière l’intensité dramatique, laissant place à des épisodes marquants par leur mise en scène et leur densité émotionnelle. La performance de Zendaya y est particulièrement saluée, incarnant une Rue à la fois vulnérable et insaisissable, capable de basculer d’une extrême à l’autre en un instant.

Sydney Sweeney dans la saison 3 d‘Euphoria (2026). © HBO

Au-delà de son récit, la série a aussi imposé une véritable empreinte dans la culture contemporaine. Elle a influencé la mode, la beauté et même les codes esthétiques d’une génération entière, au point de devenir une référence visuelle immédiate. Euphoria n’est pas seulement regardée, elle est imitée, inspirée, reproduite.

Qu’en est-il de la prochaine saison ?
Alors que la saison 3 se fait attendre, les attentes sont à la hauteur de l’impact de la série. Peu d’éléments ont été dévoilés, mais une évolution naturelle semble se dessiner. Un saut dans le temps est évoqué, laissant imaginer des personnages désormais sortis du cadre du lycée, confrontés à de nouveaux enjeux, plus adultes, plus ancrés dans le réel. Cette transition pourrait offrir à la série l’opportunité d’explorer les conséquences à long terme des choix faits dans les premières saisons, tout en renouvelant ses dynamiques narratives.

De nouvelles présences, de nouvelles énergies
Et puis il y a les nouvelles présences, celles qui viennent troubler l’équilibre, introduire une autre tonalité, une autre énergie. Parmi elles, Rosalía, artiste aux contours multiples, et Sharon Stone, icône intemporelle. Deux noms qui résonnent comme des éclats inattendus, deux signatures qui promettent d’enrichir encore l’univers déjà dense de la série.

Dans un paysage télévisuel en constante évolution, “Euphoria” s’apprête ainsi à franchir une nouvelle étape. Reste à savoir si elle parviendra à conserver ce qui fait sa force : cette capacité unique à mêler beauté et chaos, et à capturer, avec une justesse parfois dérangeante, les turbulences de la jeunesse contemporaine.

La série revient, donc, non pas comme un simple retour, mais comme une continuité. Une suite attendue, désirée, presque imaginée par celles et ceux qui n’ont jamais vraiment quitté cet univers. Dans cette attente, il y a quelque chose de profondément humain : le besoin de retrouver ce qui nous a touchés, ce qui nous a traversés, comme si certaines histoires ne nous quittaient jamais vraiment. “Euphoria” s’est imposée comme un phénomène culturel autant qu’un drame générationnel. Elle ne se contente pas de raconter l’adolescence : elle la dissèque, la fragmente et la sublime, parfois jusqu’à l’inconfort.

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Un théâtre en majesté. Devant, l’élégance ; dedans, la déflagration. (c) Festspielhaus Baden-Baden

En ouverture, Lohengrin de Wagner. Une œuvre-monde, mystique et politique, revisitée sous la direction de Joana Mallwitz, avec le Mahler Chamber Orchestra — comme une plongée dans les mythes, mais sans poussière. 

Salle pleine, souffle suspendu. Ici, chaque silence est un luxe, chaque note une prise de pouvoir. Le concert ne se regarde pas — il s’impose. (c) Festspielhaus Baden-Baden / Michael Bode

Puis vient le contraste, presque une bascule : la Matthäus-Passion de Bach dirigée par Klaus Mäkelä. Moins spectacle, plus vertige intérieur. Une musique qui ne s’écoute pas, elle vous regarde. Et entre les deux ? Des respirations précieuses. La pianiste Hélène Grimaud dialogue avec Brahms et Schumann, convoquant Clara comme une présence fantôme mais centrale.

Le grand écart : tradition vs nouvelle garde
Ce qui frappe ici, ce n’est pas seulement la qualité — c’est la tension. Une tension féconde entre les monuments du répertoire et ceux qui les réinterprètent. Car 2026 marque un tournant : le Royal Concertgebouw Orchestra et le Mahler Chamber Orchestra prennent les rênes artistiques du festival, injectant une énergie nouvelle dans une institution déjà mythique. Résultat ? Un festival qui refuse de choisir entre mémoire et mouvement.

Plafonds peints, mémoire sculptée : l’ancien dialogue avec le présent. Entre fresques et résonance, le lieu lui-même devient partition. (c) Festspielhaus Baden-Baden

Entre la solennité d’un Bach et l’urgence d’une nouvelle génération de chefs, virtuoses et voix. Même le jeune violoniste Daniel Lozakovich s’invite dans cette partition globale — preuve que la relève n’attend plus son tour : elle joue déjà.

Baden-Baden, théâtre total
Mais réduire les Osterfestspiele à une suite de concerts serait une erreur. C’est une expérience. Une ville entière qui se met au diapason : entre sources chaudes et velours rouge, entre architecture néoclassique et acoustique millimétrée.

Sous ses airs de dolce vita thermale, la scène gronde déjà. (c) Festspielhaus Baden-Baden

Le Festspielhaus Baden-Baden — 2’500 places, plus grand opéra d’Allemagne — agit comme un cœur battant, aspirant publics, artistes et émotions dans une même pulsation. Et autour, des talks, des rencontres, une festival lounge comme si la musique refusait de s’arrêter au dernier accord.

L’émotion comme ligne de mire
Ici, on ne consomme pas la musique. On la traverse! Entre la monumentalité d’un War Requiem de Britten, la densité d’un Mahler ou la pureté d’un Bach, chaque soirée agit comme une secousse douce — un rappel que la musique classique, quand elle est vivante, n’a rien de muséal. Et peut-être que c’est ça, au fond, le vrai luxe : ne plus écouter distraitement… mais être saisi.

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Marie Ducaté, sourire en clair-obscur, devant son œuvre. © Boris Dunand, Musée Ariana

Elle se dit peintre mais déborde immédiatement de cette définition. Sa pratique glisse entre disciplines, brouille les frontières, refuse les catégories. Une peinture qui devient objet, un objet qui devient décor, un décor qui devient récit. Ici, rien n’est figé. Tout évolue, se transforme, se recouvre. Même les meubles deviennent surfaces picturales, comme si le quotidien refusait d’être neutre.

Corps, mythes et malice
Dans ses œuvres, les figures apparaissent puis se déplacent — Adam, Ève, serpent, tigre — comme des personnages rejouant l’histoire de l’art avec un sourire en coin. Pas de révérence, mais une réécriture. Ducaté détourne les mythes fondateurs, désamorce les symboles, redistribue les rôles. Le regard masculin ? Elle le contourne. La narration classique ? Elle la fissure.

Marie Ducaté. Simultanés au Musée Ariana (c)Boris Dunand, Musée Ariana

Résultat? Une iconographie à la fois familière et dérangeante, où le sacré flirte avec le domestique, où la sensualité circule sans hiérarchie. Une horizontalité des corps, des désirs, des récits. 

Matière fluide, pensée en mouvement
Ce qui frappe surtout, c’est cette obsession du passage. L’eau qui dilue les contours, le verre qui capte la lumière, les textiles qui absorbent la couleur. Rien n’est dur sans être contredit, rien n’est stable sans être troublé. Le verre, notamment, devient terrain d’expérimentation : soufflé, gravé, sablé, il dialogue avec le geste et avec l’autre — car Ducaté travaille toujours en relation, avec des artisans, des souffleurs, des savoir-faire.

Marie Ducaté. Simultanés au Musée Ariana (c) Crédit photo Boris Dunand, Musée Ariana

Son œuvre ne cherche pas la pureté, mais la circulation. Pas l’épure froide, mais la souplesse vivante. Une esthétique du lien plus que de la ligne.

Habiter l’art, porter le décor
Et puis il y a ce basculement subtil : chez elle, l’art ne se regarde pas seulement, il se porte, il se traverse. Colliers, broches, objets activables… Le spectateur devient acteur, presque matière à son tour.

On ne visite pas son univers, on y entre. On s’y reflète, littéralement, face à des miroirs, des surfaces, des textures qui prolongent le geste artistique dans le corps du regardeur.

Regard critique, trop plein ou trop juste ?
Cette profusion peut dérouter. À force de tout mêler — disciplines, références, matières — Ducaté frôle parfois la saturation. Le regard cherche un point d’ancrage, une respiration. Mais c’est peut-être précisément là que réside sa force : dans ce refus de simplifier, de lisser, de réduire. Une œuvre qui ne se laisse pas consommer rapidement, qui demande d’être apprivoisée. Pas un art qui se donne. Un art qui se diffuse.

Marie Ducaté. Simultanés Dessins choisis Selected Drawings Photographie © Marie Ducaté

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Aperture, ou l’art d’ouvrir la nuit
Dès les premières secondes, le morceau respire. Une nappe de synthé, presque diaphane, s’installe avec la délicatesse d’un lever de rideau. Rien de frontal. Rien de brutal. La lumière s’allume progressivement, comme si la chanson nous habituait à voir autrement. Puis la pulsation arrive — discrète mais irrésistible — une rythmique disco contenue, élégante, qui rappelle les nuits qui ne cherchent pas à être vues mais à être vécues. La production, façonnée avec Kid Harpoon, joue avec les textures plus qu’avec les effets. Une basse chaude qui enveloppe, des percussions feutrées qui battent comme un cœur un peu trop lucide, des respirations laissées volontairement audibles. Tout est question de retenue.

Le refrain ne surgit pas, il s’élève. Il ne cherche pas l’explosion mais l’élévation. Il ne hurle pas l’émotion, il la laisse monter, presque à contre-jour. Et au centre de tout, la voix d’Harry : plus grave, plus posée, presque fragile par moments. Une voix qui ne performe plus, qui confesse. Qui s’adresse à quelqu’un ou peut-être à nous.

Aperture n’est pas un single conçu pour saturer les playlists. C’est un morceau qui s’infiltre lentement, comme un parfum sur une veste qu’on garde trop longtemps. Il parle de distance, d’intimité, de regard, de ce qui s’ouvre quand on accepte enfin de voir clair, même dans la pénombre. On imagine la scène : lumières tamisées, silhouettes en mouvement, tissus fluides, paillettes qui captent juste ce qu’il faut de lumière. Ce n’est pas une fête tapageuse. C’est une communion douce, presque introspective. Une danse qui ressemble à une conversation.

Nos coups de cœur, là où Harry touche juste
Chez Harry Styles, certaines chansons dépassent le simple statut de succès pour devenir des refuges. Des morceaux qu’on écoute seuls, tard, quand la ville ralentit.

Sign of the Times (2017) ouvre le bal comme une déclaration d’indépendance artistique. Ballade dramatique, presque théâtrale, elle explose en crescendo rock avec une ampleur qui rappelle les grandes fresques des années 70. C’est une chanson d’adieu et de renaissance, portée par une intensité vocale brute. Dès ce premier single solo, Harry annonçait la couleur : il ne serait jamais là où on l’attend.

Avec Falling, extrait de Fine Line, il change radicalement de décor. Piano minimaliste, voix presque tremblante, confession sans filtre. Falling est une chute intérieure, une exploration de la culpabilité et de la solitude. Pas d’arrangements spectaculaires pour se cacher : juste l’émotion nue. On y entend les silences autant que les notes. C’est fragile, imparfait, et donc profondément humain.

Dans le même album, Fine Line agit comme une catharsis. Long morceau évolutif, il commence dans une douceur mélancolique avant de s’ouvrir progressivement vers quelque chose de presque lumineux. Les harmonies s’empilent, les instruments prennent de l’ampleur, comme si la tristesse finissait par se dissoudre dans l’acceptation. Fine Line n’est pas une chanson de rupture, c’est une chanson de passage — le moment précis où l’on comprend que la douleur fait aussi partie de l’équilibre.

Enfin, Matilda, issue de Harry’s House, est sans doute l’une des plus délicates. Ici, Harry se fait presque narrateur, consolateur. Sur une instrumentation douce et organique, il adresse un message à celles et ceux qui ont dû grandir trop vite, qui ont appris à se construire seuls. Matilda n’est pas une chanson spectaculaire — c’est une étreinte. Une manière de dire : “Tu as le droit de partir. Tu as le droit de choisir ta paix.”

Qu’il soit grandiloquent ou minimaliste, solaire ou introspectif, Harry Styles a cette capacité rare : transformer ses vulnérabilités en hymnes collectifs. Et c’est peut-être là, dans cet équilibre fragile — cette fine line — que réside toute sa force.

L’élégance du contraste
Avec ‘Kiss All The Time. Disco’ , Occasionally, Harry semble vouloir explorer les zones grises : la joie teintée de mélancolie, l’euphorie traversée par le doute, le désir mêlé à la pudeur. Il ne choisit pas entre la lumière et l’ombre. Il les fait cohabiter. Il ne revient pas pour occuper l’espace médiatique. Il revient pour créer une atmosphère. Et dans un monde qui crie plus qu’il n’écoute, cette délicatesse-là a quelque chose de radical. 2026 sera peut-être disco mais seulement occasionnellement. Le reste du temps, ce sera intime. Et infiniment vivant.

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