Le Dîner abandonné de Philippine d’Otreppe (c) DR

Le goût des choses qui manquent
Son expo chez Edji Gallery à Art Paris — Le dîner abandonné — n’est pas une scène figée, c’est une digestion émotionnelle. Tout est là : assiettes, fruits, verres… mais rien ne se consomme. Et pourtant, le regard salive.

Parce que ce qu’elle sert, ce n’est pas de la nourriture, c’est du souvenir. Une bouchée de passé, une gorgée d’absence. On reconnaît sans avoir vécu, on ressent sans pouvoir nommer. C’est une cuisine du manque. Et elle est terriblement savoureuse.

Le Dîner abandonné de Philippine d’Otreppe (c) DR

Une esthétique qui mijote à feu doux
Chez elle, rien ne crie. Tout infuse. Les formes sont simples, presque naïves, mais chargées d’une intensité sourde. Comme un plat longuement réduit, où chaque détail concentre plus qu’il ne montre.

Elle ne cherche pas la perfection plastique — elle cherche la justesse émotionnelle. Et elle la trouve dans ces petits décalages : une assiette trop pleine pour être vraie, un fruit trop silencieux pour être innocent.

La géniale illustratrice et céramiste Philippine d’Otreppe (c) DR

Manger avec les yeux, ressentir avec la mémoire
On dit souvent qu’on mange d’abord avec les yeux. Ici, on ressent d’abord avec la mémoire. Ses objets ne nourrissent pas le corps — ils réveillent des sensations enfouies : un dîner qui s’éternise, une solitude à table, une joie trop brève. Chaque pièce est un déclencheur. Un souvenir en veille qui attend qu’on le regarde pour se rallumer.

Philippine d’Otreppe ne rassasie jamais. Elle ouvre. Elle creuse. Elle laisse une place vide et c’est précisément là que tout se passe. Son art ne comble pas. Il donne faim. Et cette faim-là, impossible de la faire taire.

Le dîner abandonné de Philippine d’Otreppe chez Edji Gallery à Art Paris (c) DR

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Otobong Nkanga Social Consequences V: The Harvest, 2022 Acrylique et adhésifs sur papier, 42×29,7cm Collection Wim Waumans ©Otobong Nkanga Photo: Courtoisie de l’artiste

Dès les premières salles, le ton est donné : le dessin n’est pas un geste, c’est une fouille. Une archéologie intime où souvenirs d’enfance et cartographies émotionnelles se superposent comme des strates. L’artiste creuse dans sa mémoire comme dans la nôtre et fait remonter à la surface des fragments d’humanité, bruts, parfois disloqués, toujours vibrants. 

Otobong Nkanga Leaving trails in the distance, 2021 Tapis en laine, cordes en coton nouées à la main, sculptures en bois de hêtre pleureur, sculptures en verre soufflé à la main, sculptures en argile, métal, son, matériaux organiques et huiles diverses Dimensions globales définies par l’espace Collection de l’artiste ©Otobong Nkanga Photo: Objets pointuS

Puis le regard bascule. Le sol devient sujet. Les mines, les minerais, les flux d’extraction ne sont plus des données économiques, mais des cicatrices ouvertes. Avec In Pursuit of Bling, le “bling” perd son éclat pour révéler son coût. Derrière la brillance : des territoires vidés, des histoires pillées, des corps usés. La richesse ici n’est jamais innocente, elle est chargée, littéralement!

Nkanga ne dénonce pas frontalement. Elle infiltre. Elle tisse. Elle compose des installations comme des écosystèmes, où chaque élément — minéral, textile, sonore — dialogue avec l’autre. Le spectateur devient alors un maillon de cette chaîne sensible. On ne regarde plus une œuvre, on entre dans une circulation.

Otobong Nkanga Reflections of the Raw Green Crown, 2014 Vidéo HD monocanal, couleur, son, 2’52 » ©Otobong Nkanga Photo: Michael Mann

Et puis il y a ces tapisseries monumentales. Des paysages qui respirent, qui suintent presque. Des mondes où les profondeurs marines rencontrent les cicatrices terrestres, où les corps humains se fondent en minéraux, comme si l’histoire elle-même s’était fossilée dans la matière. Une ligne traverse ces œuvres — orange, incandescente — comme une veine ouverte. Elle monte, elle insiste, elle rappelle que tout est lié : climat, mémoire, exploitation et survie.

Otobong Nkanga Just waiting for us to play, 2006 Acrylique, gouache, vernis à ongles et perforations sur papier, 92×120cm Collection C. Mallard ©Otobong Nkanga Photo: ©Grégory Copitet

Mais au cœur de cette densité, une autre énergie affleure : celle de la réparation. Nkanga n’est pas dans la fatalité, elle est dans la recomposition. Ses installations deviennent des refuges, presque des sanctuaires. Des espaces où l’on peut s’allonger, respirer, sentir. Littéralement. Les odeurs, les textures, les sons… tout participe à une expérience sensorielle qui dépasse le regard.

Comme si l’art pouvait, un instant, recoudre ce que le monde a déchiré. Et c’est peut-être là que réside la force de cette exposition : dans sa capacité à tenir ensemble les contradictions. Montrer la violence sans l’écraser. Faire surgir la beauté sans l’édulcorer. Imaginer une économie du soin là où règne celle de l’extraction.

Nkanga ne donne pas de réponses. Elle ouvre des lignes. Des lignes de fuite, de faille, de vie…

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Marie Ducaté, sourire en clair-obscur, devant son œuvre. © Boris Dunand, Musée Ariana

Elle se dit peintre mais déborde immédiatement de cette définition. Sa pratique glisse entre disciplines, brouille les frontières, refuse les catégories. Une peinture qui devient objet, un objet qui devient décor, un décor qui devient récit. Ici, rien n’est figé. Tout évolue, se transforme, se recouvre. Même les meubles deviennent surfaces picturales, comme si le quotidien refusait d’être neutre.

Corps, mythes et malice
Dans ses œuvres, les figures apparaissent puis se déplacent — Adam, Ève, serpent, tigre — comme des personnages rejouant l’histoire de l’art avec un sourire en coin. Pas de révérence, mais une réécriture. Ducaté détourne les mythes fondateurs, désamorce les symboles, redistribue les rôles. Le regard masculin ? Elle le contourne. La narration classique ? Elle la fissure.

Marie Ducaté. Simultanés au Musée Ariana (c)Boris Dunand, Musée Ariana

Résultat? Une iconographie à la fois familière et dérangeante, où le sacré flirte avec le domestique, où la sensualité circule sans hiérarchie. Une horizontalité des corps, des désirs, des récits. 

Matière fluide, pensée en mouvement
Ce qui frappe surtout, c’est cette obsession du passage. L’eau qui dilue les contours, le verre qui capte la lumière, les textiles qui absorbent la couleur. Rien n’est dur sans être contredit, rien n’est stable sans être troublé. Le verre, notamment, devient terrain d’expérimentation : soufflé, gravé, sablé, il dialogue avec le geste et avec l’autre — car Ducaté travaille toujours en relation, avec des artisans, des souffleurs, des savoir-faire.

Marie Ducaté. Simultanés au Musée Ariana (c) Crédit photo Boris Dunand, Musée Ariana

Son œuvre ne cherche pas la pureté, mais la circulation. Pas l’épure froide, mais la souplesse vivante. Une esthétique du lien plus que de la ligne.

Habiter l’art, porter le décor
Et puis il y a ce basculement subtil : chez elle, l’art ne se regarde pas seulement, il se porte, il se traverse. Colliers, broches, objets activables… Le spectateur devient acteur, presque matière à son tour.

On ne visite pas son univers, on y entre. On s’y reflète, littéralement, face à des miroirs, des surfaces, des textures qui prolongent le geste artistique dans le corps du regardeur.

Regard critique, trop plein ou trop juste ?
Cette profusion peut dérouter. À force de tout mêler — disciplines, références, matières — Ducaté frôle parfois la saturation. Le regard cherche un point d’ancrage, une respiration. Mais c’est peut-être précisément là que réside sa force : dans ce refus de simplifier, de lisser, de réduire. Une œuvre qui ne se laisse pas consommer rapidement, qui demande d’être apprivoisée. Pas un art qui se donne. Un art qui se diffuse.

Marie Ducaté. Simultanés Dessins choisis Selected Drawings Photographie © Marie Ducaté

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Vues d’exposition, Heliose, du 12 février au 5mars 2026 à la Rue des Oliviers 1 à Lausanne. (Marie-Lou Dumauthioz)

Marie-Lou Dumauthioz travaille la photographie comme un laboratoire sensoriel. Les repères se brouillent, les corps apparaissent puis se dissolvent, les mises en scène flirtent avec le symbolique. Chaque image semble naître de la précédente, comme si le projet avançait au rythme d’un pouls — fragile, intense, irrégulier.

HELIOSE, c’est l’équilibre instable entre ombre et éclat, mémoire et présent, vulnérabilité et exposition au monde. Une lumière qui tremble.Une intimité qui ose.

Le rôle du regard : structurer la brûlure
Un feu sans cadre se consume. Un regard sans feu s’éteint. Ainsi, Alexandre Kaspar est là pour apporter l’architecture à l’émotion. Formé en histoire de l’art, nourri de littérature et de pratiques curatoriales contemporaines, il ne surligne pas le travail, il le canalise.Dans l’espace de 14 m² à Lausanne, la scénographie devient dispositif mental : bois pour l’écho alpin, mur blanc pour la respiration, surface argentée réfléchissante — presque clinique — telle une couverture de survie.

Vues d’exposition, Heliose, du 12 février au 5mars 2026 à la Rue des Oliviers 1 à Lausanne. (Marie-Lou Dumauthioz)

Les images ne sont pas accrochées, elles gravitent. Trois grands formats captent le regard depuis la vitrine, le reste s’organise en constellation sensible. Marie-Lou fragmente. Alexandre relie. Elle expose l’intime. Il en dessine la trajectoire.

Une vitrine comme un révélateur
Du 12 février au 5 mars 2026, au 1 rue des Oliviers à Lausanne , HELIOSE transforme une vitrine en chambre solaire. On entre par curiosité. On ressort déplacé. Parce que cette exposition ne cherche pas à séduire. Elle cherche à confronter. Et dans ce face-à-face avec la lumière, une question flotte : sommes-nous prêts à être vus aussi intensément que nous regardons ?

Vues d’exposition, Heliose, du 12 février au 5mars 2026 à la Rue des Oliviers 1 à Lausanne. (Marie-Lou Dumauthioz)

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Portrait de John Armleder (c) Annik Wetter

Le MAH en mode mirador esthétique
Pour sa sixième Carte Blanche, le MAH invite Armleder à faire ce qu’il sait faire de mieux : désacraliser sans jamais désenchanter. Plus de 500 œuvres de l’artiste dialoguent — parfois se frottent, parfois se narguent — avec les collections permanentes. Résultat? Un parcours thématique où animaux, fleurs, musique, mobilier, abstractions et lumières se répondent comme des constellations imprévues. Le musée n’est plus un coffre-fort, mais un organisme vivant, traversé de pulsations contemporaines.

Salles sur salles, sens en spirale
Armleder imagine des architectures éphémères, inspirées de ses propres dessins, qui créent des « salles dans les salles ». On passe d’un univers à l’autre comme on feuillette un carnet de pensées. Une boule à facettes nous accueille d’emblée — manifeste disco-philosophique — avant de glisser vers une peinture abstraite en arc de cercle, des fleurs artificielles plantées dans des pneus, des instruments de musique devenus sculptures mentales. Tout est affaire de collision douce entre l’ordinaire et l’esthétique.

John M Armleder (1948) CP (Furniture sculpture), 2004 (C) MAH

Quand le son scintille et le silence s’illumine
La musique, chère à l’artiste, résonne partout : piano miroir, guitares électriques, références à John Cage. La lumière clignote, se réfléchit, se démultiplie. Même le vide devient sujet : armures absentes, cadres volontairement vides, films miroitants qui brouillent la vision. Ici, l’absence parle aussi fort que la présence. Et c’est peut-être là que le regard s’aiguise le plus.

John M Armleder (1948) Furniture Sculpture 237, 1990 (C) Musée d’art et d’histoire, Genève

Le visiteur, co-auteur du sens
Observatoires n’impose rien : elle suggère, elle provoque. Le visiteur devient acteur, monteur invisible d’un récit personnel. Une exposition évolutive, avec rotations d’œuvres tous les trois mois, qui s’inscrit dans la vision d’un « musée des contingences » : ouvert, imprévisible, poreux au monde.

John M Armleder (1948) Guitar Multiple (Furniture Sculpture 164), 1987 (C) Musée d’art et d’histoire, Genève

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Helen Frankenthaler – 18 avril au 23 août 2026
À 23 ans seulement, Helen Frankenthaler bouleversa la peinture grâce à sa technique novatrice du « soak-stain ». En appliquant de la peinture diluée sur une toile non apprêtée étendue au sol, elle générait des compositions lumineuses, souvent monumentales. Le Kunstmuseum Basel présentera plus de 50 œuvres mettant en valeur la force créatrice de cette figure incontournable de l’après-guerre aux États-Unis. Il s’agira de la plus vaste présentation de son œuvre picturale en Europe à ce jour et de sa première exposition individuelle en Suisse.

Cao Fei – Testimonies to the Near Future – 30 mai au 18 octobre 2026
Artiste chinoise née en 1978 à Guangzhou, Cao Fei compte parmi les voix les plus marquantes de sa génération et figure parmi les pionnières de la création d’univers numériques. Pour sa première exposition individuelle en Suisse, elle transformera le Kunstmuseum Basel | Gegenwart en une œuvre totale immersive, sous la forme d’une ville où installations et mondes vidéo issus de vingt ans de création s’entremêlent. Déployée sur trois niveaux, l’exposition offrira au public une immersion complète dans son univers.

Roy Lichtenstein – Sweet Dreams, Baby! – 22 août 2026  au 3 janvier 2027
La légende du pop art américain Roy Lichtenstein sera à l’honneur avec une exposition consacrée à son œuvre graphique. De ses iconiques explosions inspirées des bandes dessinées à ses relectures de chefs-d’œuvre classiques, l’exposition couvre cinq décennies d’expérimentations visuelles. Sérigraphies, eaux-fortes, lithographies, gravures sur bois et linogravures permettront de découvrir comment Lichtenstein a intégré le langage de la culture populaire dans l’art et en a transformé les codes. Une trentaine d’œuvres inviteront à explorer un univers coloré, ironique et riche en références.

Van Gogh, Hodler et un cabriolet – La collectionneuse Gertrud Dübi-Müller – 19 septembre 2026  au 7 février 2027
Passionnée de photographie, d’alpinisme et de conduite automobile, modèle pour Ferdinand Hodler et l’une des plus grandes collectionneuses d’art de Suisse, Gertrud Dübi-Müller (1888–1980) occupe une place singulière dans l’histoire culturelle européenne. Le Kunstmuseum Basel lui consacre la première exposition d’envergure, réunissant environ 80 œuvres de grands noms issus de sa collection internationale, ainsi que des photographies et documents inédits. L’occasion de retracer son influence majeure sur l’histoire de l’art et la circulation des œuvres.

Relation ouverte – Collection Gegenwart – 14 novembre 2026  au 29 mars 2027
Comme son titre l’annonce avec humour, Relation ouverte s’intéresse aux liens entre œuvres, pratiques artistiques et relations entre public et objets d’art. Réalisées majoritairement ces cinquante dernières années, les œuvres — peintures, vidéos, installations, photographies, performances — sont présentées en dialogue. Certaines ont été conçues spécialement pour le bâtiment du St. Alban-Rheinweg ; d’autres n’avaient pas été exposées depuis longtemps, voire jamais. Une exposition pensée comme un espace de circulation et de résonances.

Le Kunstmuseum Basel signe une saison 2026 ambitieuse, mêlant histoire de la représentation, grandes figures du modernisme et expérimentations contemporaines. De la naissance de nouvelles identités à l’exploration du futur numérique, en passant par la redécouverte d’une collectionneuse visionnaire, l’année s’annonce riche en perspectives artistiques et humaines. On a hâte de la découvrir en intégralité.

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Un portail vers l’ailleurs
Dès l’entrée du Jardin Anglais, The Doors d’Atom Sphère agit comme un rituel d’initiation. Seize arches d’acier sombre, légèrement pivotées, tapissées de LED matricielles en 3D. Un tunnel. Un seuil. Une faille douce. On ne regarde pas l’œuvre : on la traverse. Et dans ce franchissement, quelque chose se dépose — le bruit du monde, le poids du jour. La lumière dessine une frontière immatérielle et murmure : ici commence autre chose.

The Doors — Atom Sphère Un portail lumineux comme une faille douce dans le réel. Seize arches pour quitter le monde ordinaire et entrer dans celui des possibles. Ici, la lumière n’éclaire pas : elle autorise le passage. (C) Geneva Lux

Le mythe du bug
Au cœur du Jardin Anglais, Kraken de Jérémy Oury & Thomas Voillaume surgit comme une anomalie magnifique. Une créature monumentale filaire, en low-poly, échappée des premiers âges de la 3D. Un bug devenu totem. La sculpture perturbe le réel, comme si la nature elle-même s’était emparée du langage numérique.

Symbole des forces sauvages qui dépassent l’homme, Kraken parle autant de forêts et d’océans que de technologies incontrôlables. Ici, le futur n’est pas lisse. Il est brut, instable, indomptable.

Une étoile tombée sur Terre
Toujours au Jardin Anglais, Polaris de Structurals & Owelle agit comme un champ gravitationnel. Un dôme lumineux aux arches convergentes, attirant le regard vers un noyau incandescent. On s’approche. On entre. On se laisse absorber.

Les séquences audiovisuelles, construites sur des géométries euclidiennes, orchestrent un voyage du froid cosmique vers la chaleur vibrante du cœur stellaire. Le temps se dilate. L’espace se déforme. Le visiteur devient corps céleste.

Polaris — Structurals & Owelle Une étoile tombée sur Terre. Sous ce dôme incandescent, le visiteur gravite du froid cosmique vers la chaleur du noyau. Un voyage sensoriel où le temps se dilate et l’espace se dissout. (C) DR

Architecture sensible
Dans la Cour Saint-Pierre, BamX Lux créé par l’EPFL Geometric Computing Laboratory & Félix Michel change la respiration du festival. Une agora en bambou, humble en apparence, mais née de calculs complexes. Le geste ancestral rencontre l’algorithmie, la matière durable dialogue avec la puissance mathématique.

Animée par les compositions lumineuses et la scénographie immersive de Félix Michel, l’œuvre devient expérience totale : lumière, architecture, son en quadriphonie, immersion à 360°. La nature s’y fait tour à tour refuge, souffle, menace. Un voyage intérieur, presque chamanique, au cœur d’une architecture qui écoute.

BamX Lux — EPFL Geometric Computing Laboratory & Félix Michel Une agora de bambou où l’algorithme épouse la matière. Tradition et calcul s’entrelacent, la lumière respire, le son enveloppe. Architecture du futur, expérience du présent (c) Geneva Lux

Quand Genève ne brille pas, mais révèle
À travers ces œuvres, Geneva Lux ne cherche pas l’effet. Il cherche le sens. La lumière devient langage. Le numérique devient mythe. L’architecture devient émotion. Genève ne s’illumine pas pour séduire. Elle s’illumine pour penser, ressentir, relier.

La nuit tombe. La ville s’ouvre. Et quelque chose, en nous aussi, franchit le seuil.

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Le rouge devient presque une architecture dans l’architecture…
Oui, le rouge est un fil. Un fil de vie, de sang, de mémoire. Il porte beaucoup de choses : la Chine, la Suisse, les drapeaux, l’amour, la douleur, la joie. Dans cet espace institutionnel, très structuré, très maîtrisé, le rouge vient introduire quelque chose de plus organique, de plus vivant.

Les figures peintes, elles, semblent flotter dans le blanc…
Elles ne sont pas là pour raconter une histoire précise. Ce sont des présences. Des fragments. Comme des souvenirs qui n’ont pas encore trouvé leur place. Le blanc est essentiel : il laisse respirer, il laisse apparaître. C’est un espace de silence, de suspension.

L’exposition s’intitule L’art en héritage. Comment ce mot résonne-t-il pour vous ?
L’héritage, ce n’est pas seulement ce que l’on reçoit. C’est ce que l’on porte, parfois sans le savoir. Et ce que l’on transmet, consciemment ou non. Mon travail est nourri de cette tension : entre ce que je viens de, et ce que je deviens.

Votre parcours entre la Chine et la Suisse est très présent, sans jamais être illustratif…
Parce que je ne cherche pas à expliquer mes origines. Je les vis. Je les transforme. Je crée un troisième espace, entre les deux. Un espace où le plein dialogue avec le vide, où la tradition peut coexister avec l’affranchissement. Ce n’est pas une réponse, c’est une recherche permanente.

Exposer dans une banque est assez rare. Que permet ce contexte ?
Cela permet une rencontre différente. Les musées ne peuvent pas tout accueillir. Et l’artiste a besoin d’aller vers les gens. Dans un lieu comme celui-ci, l’art n’intimide pas. Il se laisse approcher. Il devient un langage commun. C’est une expérience que je trouve profondément humaine. Ainsi, ici, les gens ne viennent pas “voir une exposition” comme dans un musée. L’art surgit dans leur quotidien. Il surprend, il interroge autrement. Je trouve cela très juste pour parler d’héritage : quelque chose qui nous accompagne sans toujours se montrer frontalement.

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Ses œuvres, exposées aujourd’hui à Quartier Libre SIG, sont des fragments de silence, des témoignages visuels d’un monde au bord de la bascule.

Énergie, tensions et conscience écologique
L’exposition tisse un récit subtil entre besoins humains et limites naturelles. Le barrage de Verbois, inauguré en 1944, marque un tournant. Puis viennent les débats, les fractures, l’ombre d’un projet nucléaire finalement abandonné dans les années 1980.

Ici, l’art devient archive sensible : photographies, films, documents et gravures racontent comment Genève a appris — parfois dans la douleur — à concilier énergie et respect du vivant. Un récit porté par SIG, en partenariat avec la Fondation Hainard, sous le commissariat précis et engagé de Nicolas Crispini. 

Hainard, précurseur et veilleur
Philosophe autant qu’artiste, Hainard était écologiste avant l’heure. Il observait, il attendait, il respectait. Ses Nuits d’hiver au bord du Rhône, réunies ici pour la première fois depuis 1952, sont des veilles silencieuses, des hommages à un monde animal qu’il savait fragile.

À travers lui, le Rhône cesse d’être décor : il devient sujet, conscience, presque personnage.

Un lieu qui fait sens
Que cette exposition prenne place au Pont de la Machine n’a rien d’anodin. Ici, le fleuve, l’énergie et la culture se croisent physiquement. Le bâtiment devient manifeste : un point d’équilibre entre production, transmission et contemplation.

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Année après année, la BRAFA continue d’éblouir par son éclectisme, son atmosphère singulière et sa scénographie onirique toujours très soignée. Parcourir ses allées foisonnantes, où se mêlent œuvres rares et découvertes aussi inattendues qu’envoûtantes, revient à s’offrir une parenthèsemerveilleuse hors du temps. Après avoir exalté les sensationnelles Walkyries de Joana Vasconcelos, l’invité d’honneur de cette nouvelle année est la Fondation Roi Baudouin (FRB), qui s’apprête à fêter son jubilé. Fondée à l’occasion du 25e anniversaire du règne du roi Baudouin Ier de Belgique, cette fondation indépendante – la plus grande de Belgique – intervient dans de nombreux domaines, dont le patrimoine et la culture. Déjà présente à la BRAFA précédemment, la fondation promet de voir les choses en grand cette fois, avec un stand plus vaste, une scénographie prodigieuse et une exposition inédite rassemblant plusieurschefs-d’œuvre majeurs de sa collection. Installée au stand n°151, la FRB organisera également une série de conférences et tables rondes. Ces Art Talks auront lieu quotidiennement à 14h au KBF Forum, installé à l’arrière de leur espace d’exposition. De plus, des intermèdes musicaux seront proposés tous les jours à midi pile, de quoi ravir les mélomanes.

BRAFA 2025 – Vue générale avec la Valkyrie Léonie de Joana Vasconcelos © Olivier Pirard © Atelier Joana Vasconcelos

Pour cette 71e édition, la BRAFA rassemblera 147 galeries provenant de dix-huit pays, dont de grands noms internationaux présents pour la toute première fois. Mêlant les médiums, les provenances et les périodes – bien que les Maîtres Anciens demeurent la clef de voûte de la manifestation –, la foire poursuit son engagement envers l’exigence de qualité et d’authenticité en dévoilant des œuvres rares, souvent accompagnées de provenances remarquables. Parmi les nouveautés annoncées, une offre de restauration revisitée et étendue, à la fois pour les visiteurs et les exposants, afin que chacun puisse se restaurer directement sur place, mais également une nouvelle entrée. Nicolas de Liederkerke, architecte responsable de la décoration de la foire, révèle que la scénographie s’inspirera de l’imagerie céleste, tout en incluant des détails surréalistes typiquement belges. Une véritable promesse de voyage onirique et poétique.

Evelyne Axell, L’égocentrique 2, 1968, émail, clartex sur panneau unalit, 108 x 72 cm, Collection Fondation Roi Baudouin. Acquisition du Fonds Isabelle et Philippe Dewez en 2025, en dépôt aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles. © SABAM Belgium 2025, Paul Louis

Par ailleurs, outre les habitués, la foire s’étoffe d’une vingtaine de nouveaux exposants de qualité. Parmi eux, la galerie genevoise CKS Gallery, située Place de Longemalle et spécialisée dans l’art contemporain, l’impressionnisme et l’art d’après-guerre. Avec une collection mêlant Maîtres Anciens, objets d’art décoratif et mobilier issus de palais romains et de commandes privées, la Carlucci Gallery (IT) annonce des pièces grandioses. Pour sa première participation, la Galerie Haesaerts-le Grelle (BE) proposera un stand intégralement dédié à Gustave Serrurier-Bovy (1858-1910), architecte et décorateur liégeois de génie, précurseur de l’Art nouveau en Belgique. D’autres acteurs majeurs du marché de l’art feront leurs débuts à la foire, à l’instar de la Galerie la Ménagerie (FR), spécialiste de l’art animalier ; de Maisonjaune Studio (FR) ; d’Arte-Fact Fine Art, experte des œuvres de Maîtres Anciens, ou encore de la Martos Gallery, installée à New York, qui présentera une sélection d’œuvres d’art contemporain de haut standing, dont un dessin de Keith Haring vibrant d’énergie et de couleurs, la galerie étant une référence mondiale pour l’œuvre de cet artiste. Une programmation qui s’annonce aussi riche que variée !

Cabinet romain, vers 1780, placage d’ébène, marbre et diverses pierres polychromes, 208 x 105 x 62 cm, Collection privée. Présenté par la Calucci Gallery. © Calucci Gallery

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mudac, Les Monstrueuses. Carte blanche à Kévin Germanier, Vue d’exposition, 2025 © guillaumepython

Chaque pièce parle d’un combat : celui de créer sans détruire, de briller sans brûler, d’aimer la mode sans s’y perdre. À travers cette ode textile à la réparation, Germanier fait de la couture une langue universelle,  celle de la renaissance.

Quand la démesure devient mesure du beau
Sous les néons du musée, le visiteur avance entre plumes et plastique, strass et silence. Les robes semblent respirer. Les fils, battre. Les volumes explosent, comme si le corps refusait désormais les lignes droites et les carcans. Chaque création se fait totem d’une époque en mue, un cri pailleté contre le conformisme. Germanier ne célèbre pas la perfection : il célèbre la cicatrice sublimée. Le luxe n’est plus dans la rareté, mais dans le geste de sauver.

Germanier, Haute Couture, FW25-26, Les Joueuses, 2025 © Courtesy of Kévin Germanier

La Suisse, pays du soin et de la couture réparée
Issu du Valais, il garde dans ses doigts la patience du tricot alpin, mais son esprit voyage dans les galaxies de la haute couture parisienne. Entre Caran d’Ache et couture, il a même transformé des crayons suisses en parure haute couture, un dialogue entre l’enfance et l’audace, entre le dessin et la robe.

Germanier, Robe Caran d’Ache, Haute Couture, Les Globuleuses, SS25, 2025 © Nicolas Stajic

Ses monstres sont des messagers : ils murmurent que la beauté n’a plus d’âge, ni de norme, ni de forme.

Germanier ou l’art du lien
Les « Monstrueuses », ce sont aussi celles et ceux qui tricotent, cousent, recyclent : les femmes du Valais, les artisans de l’ombre, les mains du monde. Dans l’atelier reconstitué, on voit la chaîne invisible entre créateur et communauté. La mode n’est plus un podium, mais un pont. Germanier coud le social à l’esthétique, le geste à la planète, la flamboyance à la foi.

mudac, Les Monstrueuses. Carte blanche à Kévin Germanier, Vue d’exposition, 2025 © Guillaume pythons

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Les cinq sculptures du MAMCO s’observent, se jaugent, se répondent. Entre l’ours immobile, le jouet pop et la forme végétale, un théâtre silencieux se joue : celui de la matière qui pense et du regard qui s’éveille (c) Mina Sidi Ali

Sous la lumière rasante du bâtiment signé Skidmore, Owings & Merrill, les sculptures semblent flotter entre design et destin. Sylvie Fleury, pop et piquante, gonfle un jouet pour chien jusqu’à en faire une icône du désir : Dog Toy 4 (Gnome), clin d’œil ironique à nos instincts de possession. Vito Acconci, performeur et poète du métal, imagine Bodies in the Park, où le corps devient architecture et le banc, confessionnal. Valentin Carron dresse son Blind Bear, un ours aveugle qui voit plus loin que nous — mi-protecteur, mi-prédateur, gardien de nos contradictions alpines. Hans Rudolf Huber fait de la géométrie une prière silencieuse avec Deux éléments A + B, deux tubes jaunes comme une équation zen. Et Charlotte Posenenske, reine du minimal industriel, compose avec ses conduits modulaires (Vierkantrohre Serie D) un puzzle d’acier à assembler comme la ville elle-même.

“Dog Toy 4 (Gnome)” — Sylvie Fleury Un jouet pour chien passé en taille XXL : l’ironie pop selon Sylvie Fleury. Entre douceur rose et piquant bleu, la sculpture nous regarde, blasée, presque diva. Quand le kitsch devient manifeste (c) Mina Sidi Ali

Vingt-cinq ans de partenariat unissent le MAMCO et JTI, preuve qu’une entreprise peut aussi faire circuler la beauté comme on fait circuler les idées. Cette année, la marque souffle les 10 bougies de son siège genevois — un vaisseau architectural suspendu entre ciel et rails, devenu catalyseur de culture. Ici, les employés croisent les sculptures comme on croise des pensées : fugitives, vibrantes, essentielles. L’art, lui, n’a jamais eu d’aussi beaux bureaux.

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