© Audemars Piguet, la Royal Oak, 50 ans d’histoire

Du côté du design, c’est l’ergonomie qui a été retravaillée pour un plus grand confort au poignet qui a été privilégié, en parallèle du désir de la marque de tourner ce modèle emblématique vers la modernité. La boîte et le bracelet en eux-mêmes sont des œuvres d’art, travaillés avec précision pour un affinement qui apporte une nouvelle élégance au poignet. Sofia Candeias, responsable du département produit et design pour Audemars Piguet, raconte « Pour marquer les 50 ans de la collection, nous avons voulu rendre hommage aux codes distinctifs de la Royal Oak. Ces retouches n’ont pas pour but de révolutionner la collection mais d’en magnifier les lignes ». Cette évolution esthétique se retrouvera également dans les cinq nouveaux calibres imaginés par la marque. Du côté des mouvements, pour célébrer les 50 ans du modèle, le calibre 7121 est doté d’une masse oscillante en or conçue tout spécialement pour l’édition anniversaire. Car si l’esthétique et la tradition sont au rendez-vous, l’innovation et la modernité font également partie de l’ADN Audemars Piguet. Un hommage rendu par la main de maîtres horlogers d’exception, travaillant chaque pièce avec minutie, et nous rappelant que derrière chaque montre se cachent des heures de travail. De ce côté là, en 50 ans rien n’a changé, ces artisans continuent de nous faire rêver. 

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En observant la vie terriblement mouvementée des adolescents de East Highland, tout à coup nous n’avons plus du tout envie de revivre notre adolescence. Au centre de l’histoire se trouve le personnage de Rue, interprété par Zendaya, toute droit sortie des séries Disney. Son histoire ? Une ado perdue qui s’essaye à la drogue et ne parvient plus à en sortir, voyant son destin devenir encore plus sombre à la mort de son père. L’épisode pilote s’ouvre sur sa sortie de cure de désintoxication, et sa rechute quelques heures plus tard. Le ton est donné. Ici pas de romanticisation de l’abus de substance, la drogue c’est moche et Zendaya parvient à rendre crédible cette ado accro qui semble ne plus rien attendre de la vie. L’hyperréalisme de la série quant au sujet de la drogue (entre scènes d’extase, mauvaises expériences, et overdose) tient certainement à son créateur, Sam Levinson, ancien addict. Au cœur du récit, c’est donc cette bataille infernale qui trône, celle d’une adolescente contre son addiction, naviguant dans les eaux prometteuses des premiers amours. Entre en scène Jules, incarnée par la star des réseaux sociaux Hunter Schafer. Et rapidement il devient évident qu’aucun des personnages de la série n’a été imaginé à la légère. Jules, transgenre tentant de trouver sa place dans le monde, à travers des expériences sexuelles dépeintes de façon des plus graphique, devient rapidement l’objet de toutes les attentions de Rue. Le début d’une histoire d’amour loin d’être simple et clichée, et qui vient s’articuler avec les relations naissantes entre les autres membres du casting. Cassie, Maddy, Lexi, Nate, Fez et Kat entrent à leur tour en scène, dévoilant au fil des épisodes des personnalités complexes en plein développement. Un groupe d’ados qui cherche sa place, et multiplie les erreurs sous nos yeux effarés.

Sombre euphorie 

Car non, le titre et l’affiche pastel presque magique ne donnent pas vraiment le ton. Pour encapsuler l’ambiance d’Euphoria, deux mots semblent parfaitement appropriés : terriblement sombre. L’univers créé par les réalisateurs n’est pas beau à voir. À la drogue consommée par Rue se succèdent les expériences sexuelles glauques de certains, suivies de la relation abusive qui lie Nate et Maddy, alors que l’anxiété semble être la seule chose qui uni tous ces personnages. L’ambiance est loin d’être légère. Si le graphisme des scènes (certains critiques ont compté le nombre d’apparitions de sexes masculins, et il monte à 33 rien qu’en l’espace d’un épisode) ne laisse aucune place à l’imagination et choque par moment, ce sont les scènes qui font place à l’émotion qui marquent le plus. La détresse de Rue pendant le manque, la panique de Kat qui fait l’objet d’une sex tape que ses camarades s’envoient les uns les autres, la sensibilité de Cassie qui n’est vue que comme une jolie blonde écervelée, ou encore la colère incontrôlable de Nate, incarné par Jacob Elordi. Dans l’ensemble, c’est un sentiment de détresse générale qui se dégage d’Euphoria. Une réalité loin d’être belle que les réalisateurs nous font regarder droit dans les yeux et qui ne nous fait souhaiter qu’une seule chose : que ces lycéens aillent de temps en temps en cours et calment un peu le jeu. 

Filmographie acérée 

Au-delà de l’histoire aux multiples rebondissements, c’est aussi l’univers qui nous fait rester. Le choix des couleurs, des costumes, des éclairages et les ambiances auxquelles ces décisions mènent parviennent à aboutir à une série unique en son genre. Résolument esthétique, Euphoria table sans vergogne sur la beauté dans la laideur. La bande-son (Drake est coproducteur de la série…) termine elle le travail en nous entraînant dans un univers éthéré entre rêve et cauchemar, là où se trouve peut-être en réalité l’euphorie. 

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Les objets imaginés par le designer français Pierre Charpin offrent au regard une délicatesse et une pureté indéniable. Ce caractère marqué dans ses créations est avant tout lié à son processus de travail, et à son amour pour le dessin. Depuis sa plus tendre enfance, Charpin dessine. Fils d’artistes, il confie « Si les souvenirs de mon enfance sont désormais vagues et lointains, je crois être en mesure de dire qu’à peine en capacité de tenir en main un crayon et de pouvoir ébaucher un signe, j’ai toujours dessiné ». Une passion inscrite dans ses gènes qu’il voit déjà comme son futur, sa carrière, avant qu’il ne rencontre le design italien. Par le hasard de la vie, Pierre Charpin change alors son regard sur le dessin, et s’il lui confère toujours une finalité artistique, imagine l’emmener plus loin. Etape intermédiaire capitale dans le design d’objet, le dessin pour Charpin n’en reste pas moins un aboutissement à part entière, peu importe la finalité à laquelle il vise. La pratique du designer se distingue alors de celle de ses collègues. Il imagine « le dessin de dessin », des représentations en grand format de ces croquis aboutis, de ses études, qui rend le travail du papier autonome, malgré son caractère préparatoire, l’étape qu’il constitue dans un projet de plus grande ampleur.

Loop, ©Pierre Charpin

La part du dessin

Dessiner c’est aussi s’affranchir. Dans ses croquis préparatoires, Pierre Charpin imagine la forme, se joue de ses règles et oublie parfois ses contraintes. Seulement par le trait et la surface, il parvient à nous faire entrevoir le cheminement liant son esprit à sa main, le dessin à l’objet. En observant ses créations, parfois juxtaposées aux créations design auxquelles elle devaient aboutir, parfois autonomes, seules ou en série, on oublie presque la finalité de cet acte. Le dessin vit pour lui-même, et les contours du créateur se fondent entre artistes et designer, les deux fonctions inséparables.

Ses dessins mêlent alors avec équilibre recherche de la forme, étude de la fonction, et expression de la couleur. Qu’il s’agisse de recherches visant à une création précise, ou alors d’études sans but prédéterminé, les dessins de Pierre Charpin nous entrainent dans un univers où le design côtoie la poésie. On se laisse volontiers hypnotiser par ses traits infinis, tandis que parfois la simplicité d’une forme, le choix d’une couleur primaire, nous interpellent. L’exposition présentée à l’Hôtel des Arts TPM de Toulon rassemble des créations de toutes années confondues, témoignant à la fois de la versatilité du designer mais aussi de l’évolution de son dessin. Des célèbres Loop hypnotisants à la simplicité géométrique des Formes Noires, en passant par l’exploration des couleurs, c’est un panorama du designer qui nous est proposé, et qui en profite pour nous ramener à l’essence du design : le dessin.

©Pierre Charpin

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Ce serait magique si l’horloge biologique pouvait être réglée pour tourner dans le sens opposé. Ou tout du moins, supprimer les signes du temps visibles sur la peau. Des centaines de scientifiques du monde entier travaillent depuis des décennies, à la recherche de formules qui les rapprochent de cet objectif dans les laboratoires les plus modernes. L’enseigne beauté Caudalie a elle opté de s’allier avec le Dr David Sinclair, de la Harvard Medical School, baptisé par le magazine Time comme le « gourou de la longévité ». Ce dernier travaille depuis des années afin de saisir les mécanismes du vieillissement et les solutions pour le ralentir. Lors de ses recherches génétiques, il fait une découverte révolutionnaire sur l’enzyme connue sous le nom de TET (Ten-Eleven Translocation). Il s’avère qu’elle permet d’inverser de manière révolutionnaire le processus de vieillissement de la peau. Pour comprendre cela, une petite leçon s’impose sur l’influence des facteurs environnementaux sur notre apparence. L’oxydation, le soleil, le tabagisme, une mauvaise hygiène au quotidien ou encore la lumière artificielle font apparaître dans l’ADN des cellules les signes du vieillissement qui empêchent l’expression de certains gènes.

Correcteur des 8 marqueurs de l’âge  

Ce sont des facteurs épi-génétiques. Si ces signes apparaissent dans un gène crucial pour le fonctionnement de la peau, son expression est plus faible, donc il produit moins de protéines, et donc la peau vieillit. Les effets? Des rides fines et ultra persistantes, une perte de fermeté, d’élasticité et de volume de la peau, une déshydratation, une décoloration et un clair manque d’éclat. Ce sont les huit signes majeurs du passage du temps que l’enzyme TET combat actuellement. Depuis la grande découverte du Dr. Sinclair, Caudalie est à la recherche d’un ingrédient pharmaceutique unique capable de stimuler le fonctionnement de cette enzyme. Après avoir examiné des milliers de substances, une a été retenue : l’honokiol, obtenu à partir de magnolia par la méthode d’éco-extraction.

L’honokiol : joyau de la couronne

Ainsi, l’honokiol est devenu la star de la nouvelle ligne cosmétique Caudalie Premier Cru, qui comprend deux crèmes, une crème contour des yeux et un sérum. Grâce à l’ajout de resvératrol issu de la vigne à la formule des produits (la marque de fabrique de la marque), le soin est capable d’avoir un effet encore plus fort sur les protéines d’une peau jeune. De plus, les produits contiennent de la viniférine pour lutter contre la décoloration, des polyphénols de pépins de raisin pour prévenir les rides et bloquer les radicaux libres, de l’acide hyaluronique d’origine naturelle et des sucres tenseurs qui réduisent la profondeur, la longueur et la surface des rides. Les formules enfermées dans des emballages en verre violet foncé (à l’exception du tube de crème pour les yeux) ravissent non seulement par la composition naturelle, mais aussi par le parfum. Ce dernier provient d’une rose de Damas avec de l’essence de pétale de rose, du géranium, de l’absolu de rose, de l’absolu de feuille de violette, de l’essence de cèdre blanc et de l’absolu de benjoin de Siam. Un combo gagnant qui nous a complètement séduit. 

Une gamme éco-friendly

Cette collection anti-âge peut aussi se targuer d’être plus verte. Caudalie s’est toujours souciée de l’environnement et du développement durable (en 2012, la marque a rejoint l’association 1% pour la Planète et a planté plus de 8 millions d’arbres à ce jour), elle mise cette fois sur l’éco-responsabilité. Pour la première fois dans l’histoire de Caudalie, la gamme vegan Premier Cru comprend un emballage entièrement recyclable et rechargeable. Un vrai raisin sur le gâteau !

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Et si tout devenait art ? C’est le postulat qui semble de plus en plus clairement planer au-dessus de notre société. Dans un monde où la haute-couture se fait sculpture, où l’architecture se fait défi, où les NFTs règnent en maîtres, l’art prend des formes toujours nouvelles, élargissant à chaque instant sa définition. Si l’artification de la mode se fait de plus en plus évidente depuis quelques décennies, l’univers du design, peut-être encore plus confidentiel, semble suivre la même voie de l’artification de l’objet. En effet, au départ, le mobilier, les accessoires de notre quotidien, tout comme la mode, portent en eux une première fonction pratique. Une chaise pour s’assoir, une table pour manger, un verre pour boire. Mais comme tout domaine, le design innove, et magnifie. En recourant à l’âge d’or des rois de France on constate que les métiers d’art sont omniprésents, visant à rendre beau l’objet. Si la dorure et le travail du bois sculpté en sont alors les moyens d’expression, le design d’aujourd’hui, des siècles plus tard, semble vouloir aller encore et toujours plus loin.

Womb lamp, ©Jan Ernst

Quand l’esthétique prend le dessus

Avec la montée en puissance des réseaux sociaux à l’image de Pinterest, mais aussi la naissance des influenceurs et l’obsession contemporaine de partager son cadre privé, nos intérieurs sont devenus de véritables carte d’identité. Les confinements à répétions à travers le monde n’ont fait que renforcer ce désir du beau dans notre nid douillet, et le design s’est encore plus popularisé. En parallèle, le design, notamment dans le domaine du mobilier, est depuis de nombreuses années un terrain d’innovation par excellence qui tend de plus en plus vers une artification évidente. La recherche du beau, du différent, de l’identité esthétique de l’objet prend alors le dessus sur sa fonction première.
Dans le domaine du mobilier, les chaises et canapés restent un exemple parfait. Aujourd’hui, le confort et la practicalité laissent la place aux matériaux racés et aux formes organiques. Les objets de la collection OBJ du designer Manuel Bañó, en particulier les chaises en métal et à l’inclinaison rendant toute assise inconfortable, visent à un nouvel objectif dans le monde du design : ici la chaise est bien plus qu’un objet sur lequel s’asseoir. À l’inverse, elle s’admire, et ne s’utilise pas, à la fois pour son caractère inconfortable, mais aussi en raison du changement de sa fonction. Par le choix de son matériau, son traitement, son design, elle est plus qu’une assise : la chaise OBJ est une oeuvre à part entière.

Tribù Sofa, ©Studioforma

Le lieu de vie devient alors une galerie, qui présente à la fois qui nous sommes à travers nos objets, mais qui se fait également lieu d’exposition. Pour les designers, l’esthétique, dans un monde où les objets nécessaires à notre quotidien existent déjà tous, augmente encore d’un cran et la beauté, l’originalité, font la différence alors que le métier de designer attire toujours plus les jeunes générations.

Un objet à admirer et à ne plus utiliser ? 

Un problème se pose alors avec toute cette esthétique qui envahi nos intérieurs. Ces meubles peuvent-ils encore vraiment s’utiliser ? Ou sont-ils passés dans la catégorie des oeuvres d’arts à admirer de loin sans les toucher ? Le prix de certaines créations, qu’il s’agisse de lampes, de canapés, de tables, ou d’autre objets de mobilier, est exorbitant chez de nombreux designers. Acheter une lampe dessinée par Dean Norton, un sofa imaginé par Studioforma, ou une table basse Monogram devient rapidement un investissement des plus importants, conférant une valeur nouvelle au mobilier. Tout à coup il est plus précieux, et consciemment ou non il devient difficile d’interagir avec son intérieur avec la même aisance et candeur qu’en vivant dans un showroom Ikea. Le code barre qui fait chauffer le compte en banque change notre rapport à l’objet qui n’est plus simplement objet. L’artification se manifeste à la fois par l’innovation, l’apport d’esthétique, la recherche de la beauté au-delà de la fonctionnalité, mais aussi par la valeur marchande de ces produits. Ne plus oser s’assoir sur son canapé parait excessif, et pourtant, dans une société où la consommation semble incapable d’être réfrénée, rendre sa valeur réelle à l’objet pousse à en prendre le plus grand soin.

©Monogram

Le design semble alors prendre une direction de plus en plus évidente vers le monde de l’art en empruntant ses valeurs. À l’image de la mode, il s’éloigne peu à peu de ses fonctions premières, et s’élève vers des sphères plus haute, refusant de se contenter de remplir une fonctionnalité pratique. Quand la chaise, la lampe, la table basse, s’apparentent à une toile de maître.

Mélos armchair by Aro Vega for Monogram

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1. Ruée vers l’or blancheur le Glacier Fee

Chez Go Out! on rêvait de découvrir un des glaciers de Saas-Fee. On avait eu écho qu’à cause du réchauffement climatique ces derniers fondaient de 3 mètres chaque année. D’ici 20 ans, ils n’existeront peut être plus. Il nous fallait impérativement aller en admirer un de plus près. Chose faite, à raquettes! Impossible de rester de marbre face à un spectacle à tomber à la renverse. On évitera les crevasses grâce à un guide – le notre (on le recommande chaudement= Marc connaît les glaciers comme sa poche de pantalon de ski. Muni de bâtons et un harnais d’escalade, on est monté toujours sécurisé par une corde – les yeux de merlan frit et l’esprit ébahi  – jusqu’au Panoramaplatz. Une virée mémorable d’une durée de 4-5 heures environ à travers un labyrinthe de blocs de glace monumentaux et de crevasses. En été, l’odyssée se fait muni de crampons. 

2. Fondue en cabine 

Adepte du fromage, on n’a pas su résister à l’appel de notre plat national favori. À Saas-Fee c’est suspendu dans le vide que vous pourrez la déguster. La station propose de vivre une expérience culinaire unique et ce dans une des télécabines des remontées mécaniques. À chaque halte, le personnel aux petits soins, livrent fondue, vin et thé sur fond de panorama à couper le souffle. Le voyage dure environ une heure, le temps de contempler le paysage alpin sublimé par la nuit tombante et le village de Saas-Fee magnifiquement illuminé. À tester avec son duo amical, amoureux ou en famille avec les enfants!

3. Assister au magique lever du soleil à une altitude de 3 500 m

Pas du genre à se lever aux aurores, chez Go Out, on a tout de même fait l’effort de pouvoir assister à un spectacle qui des journées et nuitées après hantent encore nos esprits: le lever du soleil depuis le point le plus culminant au-dessus de Saas-Fee! L’instant magique se vit comme dans un rêve. Il nous a suffit d’emprunter un funiculaire souterrain – le plus haut du monde. Là , on débarque entre ciel et terre à Mittelallalin où se déploient restaurant tournant, bar, terrasse panoramique et avant tout une grotte monumentale creusée dans les glaces éternelles, avec exposition de sculptures translucides et panneaux éducatifs sur la vie des glaciers. 

Où tomber dans les bras de Morphée à Saas-Fee:

Notre pépite hôtelière ? L’hôtel La Gorge. Avec ses 15 chambres toutes uniques, ce joyau d’hospitalité au design minimaliste offre une expérience de vacances authentique à Saas-Fee. Chaque chambre séduit par son charme individuel. On a eu la chance de tester une suite dotée d’un jacuzzi à une hauteur vertigineuse et un panorama à couper le souffle. Côté cuisine, le Zer Schlucht dévoile une carte de mets concoctés avec les meilleurs produits régionaux et saisonniers. Le chef de cuisine Christoph Held et son équipe préparent avec dextérité  tous les plats avec des produits frais. Autre atout: La gorge se situe à quelques minutes des pistes.

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Faits en coton bio, ces tee-shirts, une fois usés et ayant perdu de leur éclat, sont retournés gratuitement à l’usine WYT, située au Portugal – production européenne bonjour ! – pour qu’ils soient transformés en des nouveaux tee-shirts blancs, neufs. Une économie circulaire qui ne s’applique pour le moment qu’à ce basique, mais WYT et son fondateur ne comptent pas s’arrêter là. À une époque où l’on souhaite consommer de manière plus consciente et respectueuse de l’environnement, la start-up prépare déjà le futur avec en tête la transformation d’autres basiques de nos armoires qui n’auront que ce qu’ils méritent : une seconde vie ! 

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Et en pratique ça donne quoi ? Facile d’application, le MACStark mascara vient sublimer les cils en leur apportant de la définition et un volume inédit.  Parfait pour créer un regard délicat et léger ou un regard intense aux cils astronomiques, le mascara peut être superposé à de nombreuses reprises sans jamais créer l’effet paquet tant redouté. Les nouvelles brosses sont équipées de poils en forme de pétales, décalées et multifacettes afin de pouvoir atteindre chaque cil, et alors que la maxi brosse offre un volume sidéral, la micro brosse permet une application ultra-précise pour un rendu parfaitement soigné. Développé pour une tenue maximale, il procure un volume étourdissant en allongeant les cils sans jamais les alourdir. Sa texture fluide offre un résultat étonnant, longue tenue. Quoiqu’il en soit, ce qu’on retiendra, c’est que le petit nouveau de la famille Mac est bien parti pour devenir un best-seller mondial. En tout cas, nous chez Go Out, on est déjà fan !

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