Le chicken roll du Curry Club

Côté gourmand, on y a déniché les meilleurs cookies de la cité chez Cakey Cookie. Moelleux, croustillants, ils sont concoctés avec dextérité par l’exquise Annick Mockoi. On les accompagnera de ses délicieux thés maison où d’un bon café italien de chez son voisin le chaleureux Caffettino. Un régal! 

Grand Central Food Halles

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« C’est un projet qui tourne autour de la sensation de flottaison, mentale et physique à la fois alors que l’on fait l’expérience d’une parenthèse en suspension, dans un espace où l’on se sent en sécurité, où l’extérieur n’est plus qu’imaginaire, évoqué, vécu, seulement à travers une imagerie ». Voilà les termes qu’utilise Bureau pour décrire ce projet qui s’annonce dès le départ comme un défi. Un défi qui a été relevé haut la main, avec pour résultat un la création d’un espace unique pour Origin, nous transportant au-delà de la réalité. Designer une sensation n’est pas une mince affaire, et la sensation de « flotter nu dans une eau à forte teneur en sel », comme le décrivait la commande, l’est encore moins. Le rêve se fait alors central dans la conception du lieu. La volonté de Bureau ? Représenter par des tâches de couleurs pastel la progression vers cet état quasiment second. Les teintes choisies s’apparent à celles qui apparaissent derrière nos paupières lorsque nous les fermons, la lumière absorbée produisant différents coloris. La progression dans l’espace est alors guidée par ces flashs colorés, qui tendant à faire progresser l’esprit de manière mesurée, jusqu’à l’arrivée dans la salle de flottaison des plus épurées et baignée de lumière bleue. Mais ce sont la salle de réception et l’espace de relaxation qui attirent le plus notre attention. Dans ces pièces, le pastel est à l’honneur, et le bleu et rose layette réveillés par des touches plus vives de jaunes, alors que les plantes dispersées un peu partout viennent contrebalancer les lieux par leur teinte plus sombre. En l’espace d’un instant, le monde extérieur est oublié.

©Bureau pour Origin

Minimalisme rêvé

Dans cet univers pastel, aucun superflu. Ici malgré les couleurs marquées, le minimalisme est au rendez-vous avec une décoration simple et épurée, discrète, tandis que le mobilier participe à l’effet d’ensemble. Le résultat, des perspectives marquées qui jouent avec l’espace. Présentes partout, elle sont créées par les étagères, le carrelage, qui offre une grille de mesure, tandis que le mobilier l’accentue à chaque occasion. Les étagères donnent de la hauteur à l’espace, alors que les chaises longues de l’espace de relaxation viennent ajouter aux nombreuses perspectives. Les rideaux, les lignes verticales omniprésentes, structure alors cet espace qui ne se voit perturbé que par la présence de nombreuses plantes vertes. Le rêve se crée parfois dans la rigueur.

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En vivant à Paris en 2019, je me suis rendue compte que les conséquences de la pollution étaient terribles sur ma santé. Mon désir de me dépenser physiquement et de maintenir un rythme de vie sain à travers le sport était indispensable dans une ville comme celle-ci. Cependant, l’offre de vêtements de sport me paraissait limitée en termes d’originalité et de durabilité. Elle se limitait à des teintes sobres et plutôt ternes. Ce constat m’a donc motivée à créer une gamme d’activewear dans des tons plus lumineux et cela dans une conscience écoresponsable avec des matériaux recyclés.

D’où viennent vos inspirations pour le design de vos pièces ?

Pour mes pièces, je voulais globalement une esthétique de produits plus féminine et dans la mode actuelle, en utilisant par exemple des tons pastels et des hauts asymétriques tendance. De plus, j’ai préféré garder un design épuré, inspiré de la nature suisse avec des motifs floraux venant directement de nos paysages helvétiques. Cela signait ainsi l’originalité du produit dans sa conception artistique. 

@labisk.ot

Votre projet se veut local et durable, comment avez-vous réussi à mettre cela en place ? Et comment parvenez-vous à garder la qualité de vos créations ?

Pour développer mon projet, j’ai travaillé avec une designer experte dans l’habit de sport technique qui est basée à Lyon. Je collabore également avec une manufacture portugaise qui s’occupe de réaliser le produit fini. Les matériaux proviennent d’Italie et d’Allemagne. Ainsi, ma gamme d’activewear se crée entièrement à un niveau local européen. Il m’est malheureusement difficile de réaliser ces produits uniquement en Suisse, mais je reste néanmoins dans une production à proximité afin de réduire un maximum les « coûts » écologiques. Concernant la qualité des produits, je suis convaincue qu’on ne peut pas l’évaluer sans l’essayer, j’ai ainsi proposé à mon entourage de porter plusieurs prototypes avant de lancer la gamme, afin d’être sûre qu’elles correspondent à la demande des femmes en termes de confort, de performance et d’esthétique.

En tant que jeune entrepreneuse, comment avez-vous développé ce projet ? Selon vous, quels en sont les atouts ? 

Je me suis lancée sans me poser trop de questions, j’étais motivée et convaincue que cette ligne d’activewear faisait du sens pour des femmes qui sont constamment en mouvement, pouvant passer directement d’une activité quotidienne au sport. De plus, j’ai commencé très tôt la communication avec une transmission des étapes de production et de création sur les réseaux sociaux. C’est selon moi la meilleure manière de développer un projet et de créer une visibilité pour la marque. Finalement, j’estime que mes atouts se situent dans la transparence de la marque, l’honnêteté et le partage quotidien sur les réseaux sociaux, je reste ainsi connectée à la clientèle en étant directement à l’écoute de leurs envies et de leurs commentaires.

@labisk.ot

Où voyez-vous votre marque dans dix ans ? Quels sont vos projets futurs ?

Mon objectif serait que la marque se développe davantage et que je puisse ensuite l’implémenter dans le marché européen. A l’avenir, j’aspire aussi à collaborer avec des artistes locaux et d’autres marques pour le design de mes produits en vue de réaliser des collections capsules ; pouvoir co-créer tout en soutenant le travail d’artistes locaux serait pour moi un très bel aboutissement.

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L’année de tous les challenges
Après un contexte pandémique délicat, Ronny et Totah ont pris les paris de maintenir leur salon pour l’année 2021. S’ils doutaient de leur décision, les deux hommes n’ont pas tardé à se réjouir face à l’enthousiasme et au retour de leurs prestigieux exposants. « Dès le mois de juillet et à la suite des incertitudes liées à la crise sanitaire, nous avons, Ronny Totah et moi-même, envisagé plusieurs scénarii : de la mise sur pied d’un mini événement dans un hôtel genevois à une version plus réduite du GemGenève original, et avons même considéré un report de la manifestation », confie Thomas Faerber. Son acolyte, Ronny Totah, ajoute que «  l’engouement manifeste de [leurs] exposants []les a poussés à [se] surpasser pour mettre sur pied cette nouvelle édition 2021 en un temps record, puisque la décision définitive de maintenir le show sous sa forme actuelle a été prise le 20 septembre ». Toujours mû par la volonté première de défendre les intérêts des quelques 120 exposants venus des quatre coins du monde, GemGenève – The Challenging Edition mettra ainsi tout en œuvre pour simplifier leur venue en leur proposant un stand clef en main et en leur offrant la meilleure expérience possible en termes d’accueil, de confort et d’hospitalité.

L’humain au centre des préoccupations
Conçu tel un laboratoire de créativité, le salon GemGenève ne cache pas sa vocation : transmettre la valeur de partage et véhiculer des émotions. Bien plus qu’une vitrine pour les jeunes bijoutiers ou que de représenter l’excellence de leurs exposants de renom, le hub crée des liens grâce 3 espaces distincts : le Designer Vivarium — qui présente les créations d’un groupe de bijoutiers-créateurs indépendants venus du monde entier —, le Talents Emergents — imaginé tel un tremplin pour la nouvelle génération de créateurs —, et les salles de conférence — offrent aux visiteurs une vision inédite de la gemmologie et de la joaillerie en leur permettant d’échanger avec des experts renommés dans leur domaine. « Nous accordons autant d’importance aux pierres précieuses, au design de bijoux et à la joaillerie qu’à la création d’une réelle solidarité unissant la communauté internationale de marchands de pierres précieuses et de bijoux anciens, de designers et de passionnés de joaillerie », se félicite Thomas Faerber. Une rencontre au sommet qui promet une expérience immersive dans l’univers des gemmes.

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Vous avez remporté le Swiss Design Award de cette année, quelle était l’idée derrière la collection que vous avez présentée ?

La thématique de ma collection est tirée d’un univers symbolique que je crée à travers mes dessins et peintures traduit par des personnages archétypaux mis en scène. La collection est construite autour de ces trois archétypes : le business man, la femme dans toute sa panoplie et le bébé. Ces trois figures sont pour moi les plus parlantes par rapport au sentiment de pression que la société provoque sur nous, et comment elles influencent notre identité. Chacun de ces personnages représente une facette parmi les milles et une facettes de ma muse qui se refuse à choisir l’une ou l’autre, qui refuse de se figer. Cette collection est un manifeste en faveur de la possibilité d’être multiple, de la possibilité d’une identité changeante. “elle était texte par l’intelligence du regard” est une phrase tirée du livre “et je la voudrais nue…” de la créatrice de mode et écrivaine Sonia Rykiel. Cette phrase est pour moi très représentative de la “profondeur de l’artificialité, concept rejoignant l’idée d’une identité multiple et changeante et de la performativité de soi.

Vos accessoires sont très reconnaissables aux yeux des amateurs de mode et de luxe, que désiriez-vous communiquer à travers ces créations ?

Oui en effet, j’ai créé des faux sacs de luxe avec du plastique recyclé. Cette contrefaçon souligne le conflit entre fascination et rejet de la mode établie. N’étant pas ouvrables, ils sont traités comme des bijoux, ils ne deviennent plus qu’images. C’était ma façon de faire un clin d’œil à une des problématiques de la mode d’aujourd’hui: où la mode n’est plus qu’image et où l’on accorde de moins en moins d’importance au produit en tant que tel. À sa matière et ses composantes, son toucher, et de par ce fait au processus de production. Heureusement, la nouvelle ère est à la prise de conscience!

Ces sacs relèvent aussi évidemment le phénomène du copyright et ses problématiques, notamment entre les marques de luxe et les jeunes designers. Mais ils prolongent aussi les questionnements de la collection liés au “faire semblant”, à la “tromperie” et aux jeux de rôles.

La mode reste un univers qui encourage le besoin de validation, même si elle est également lieu d’expression personnelle. Pensez-vous que la mode de demain permettra de trouver un meilleur équilibre entre ces deux valeurs ?

Je pense que la mode est le reflet de la société et que tant que l’on considérera l’identité comme une finalité et comme non changeante et non multiple, il sera compliqué de trouver un équilibre entre ces deux valeurs. En même temps, à mes yeux, c’est aussi le tiraillement, la confrontation et ce qu’on en fait, qui rend certaines personnalités encore plus humaines, subtiles et intéressantes.

Quels sont vos plans pour la suite ?

Après une année pleine de belles opportunités et de projets personnels, je suis heureuse d’avoir l’opportunité de faire un stage en tant qu’assistante designer prêt-à-porter homme, section tailleur, cuir et denim chez Acne Studios, basé à Stockholm. Acne Studios est depuis longtemps une de mes marques de références, de par son rare positionnement entre art et industrie, mais aussi de par l’approche multidisciplinaire de Jonny Johansson et de l’esthétique aiguisée et contemporaine qui en découle.

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L’Ultimune de Shiseido, c’est plus de 25 ans de recherche, pas moins de 200 prix beautés internationaux remportés depuis son premier lancement et un flacon vendu toutes les 7 secondes dans le monde, en d’autres termes, c’est la star de la marque, le best-seller ultime. Alors que la marque pourrait se reposer sur ses lauriers, elle entreprend au contraire de perfectionner sempiternellement sa gamme de produits. C’est pourquoi, elle vient d’inaugurer le nouveau sérum Ultimune dont la formule repose sur une double technologie anti-âge qui agit sur le système immunitaire de la peau et sur la circulation sanguine. À cela viennent s’ajouter huit ingrédients botaniques aux propriétés anti-âge, anti-stress, anti-inflammatoire et anti-pollution. Un vrai élixir de jouvence ! Conçu pour stimuler le pouvoir inné de la peau et l’aider à mieux se défendre contre les diverses agressions extérieures, ce soin s’adresse à tous les types de peaux et à tous les âges. Une formule gagnante qui a largement fait ses preuves.

ÔDE À LA TERRE

« Louez les vertus de notre terre, d’où toutes les choses proviennent ». C’est de ce passage tiré du Yi Jing (ou Yi King), traité de divination millénaire de la Chine antique, que provient le nom Shiseido. Près de 150 après la fondation de la marque, celle-ci est restée fidèle à ce précepte, faisant ainsi la part belle aux produits naturels. Parmi les ingrédients d’origine botanique que contient le nouveau sérum, on trouve des feuilles de gingko – un arbre originaire d’Asie apparut sur terre il y a plus de 270 millions d’années – qui ont des vertus anti-stress, anti-inflammatoires, antioxydantes et antibactériennes, ainsi que le dernier ingrédient phare des cosmétiques dont on vous parlait déjà en début d’année : le champignon ! Et pas n’importe lequel puisqu’il s’agit du Reishi qui est cultivé depuis des siècles en Extrême-Orient pour ses propriétés médicinales. De plus, l’extrait d’Iris et de rose, et les graines de lotus permettent de réduire le niveau de stress ce qui stimule le pouvoir naturel de défense de la peau. Pour finir, l’enseigne japonaise s’engage pour le respect de l’environnement en proposant désormais un flacon rechargeable et ça, on valide ! Une fois encore, Shiseido nous démontre son aptitude à parfaire ses produits avec ingéniosité. 

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À Dubai, le décor change, et les éditeurs s’adaptent. La romance laisse la place à la modernité, aux grattes-ciel qui défient la gravité, au sable omniprésent, et à la tradition qui côtoie le meilleur de la technologie. Les bijoux orientaux sont tout autant mis à l’honneur que l’architecture futuriste de la ville. Ces deux univers faisant partie d’un seul et même monde se côtoient alors au fil des pages, sans s’opposer, mais offrant à l’inverse une perspective objective et totale sur la culture du pays. Ici, la palette de couleurs sert elle aussi à nous transporter dans cet univers, les tons chauds dominant, nous donnant presque l’impression de pénétrer un peu plus dans le désert à chaque page qui se tourne. Un voyage entre les pages encore une fois maîtrisé à la perfection.

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End of Life, Christina Hemauer Roman Keller, 2010

Au-delà des oeuvres des artistes qui seront exposées dans les galeries, il sera également possible pour le public d’expérimenter la low tech. Car parmi ses autres principes on retrouve également l’accessibilité à tous, mais aussi le retour au travail manuel, à la manipulation des matériaux. À la suite de l’exposition, il sera alors possible de passer un moment dans l’espace conçu en collaboration avec Fablab Onlfait, Materium et la Ressourcerie Genevoise pour créer à son tour son objet low tech. Imprimante 3D, matériauthèque, et outils en tous genres seront à disposition pour repartir avec sa création, qu’il s’agisse d’une machine à gribouiller, d’un cyanotype, ou d’emballages en mycelium. Comme quoi parfois ça fait du bien d’arrêter un peu le progrès.

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(Rires) En fait, j’écrivais mon édito et j’ai repensé à tous ces concerts auxquels on a assisté durant le semi-confinement. Un des éléments positifs de cette expérience était le confort d’être chez soi mais surtout la tenue de rigueur: le pyjama. J’ai voulu gardé le meilleur de cette situation difficile pour notre prochaine saison. On a également appris chez Contrechamps beaucoup de chose au niveau de l’archivage vidéo. Ainsi, on s’est bien amélioré pour les enregistrements et on a décidé de créer un petit film pour nos créations afin de les diffuser. Je crois que de toute situation difficile, on en retire toujours du positive et un enseignement. Cela pousse à créer différemment et surtout à se remettre en question. J’avoue que j’étais déçu en bien par tous les éléments constructifs découlant de cette situation sanitaire (rires). 

Les interactions vous ont beaucoup manqué. Dans cette nouvelle programmation, on sent la forte envie de renouer avec le public…

J’ai parfois assisté seul à nos programmes streamés la saison passée, il n’y a aucun doute pour moi que l’expérience directe, personnelle et humaine du concert est simplement irremplaçable. L’échange est essentiel et surtout la qualité du son qui habite l’espace. C’est vraiment une priorité pour nous ainsi que mettre l’accent sur l’expérience partagée, se retrouver avec des gens en pyjama ou en habit de soirée. 

l’Ensemble Contrechamps

En parlant de partage, Contrechamps s’est toujours distingué par sa force de proposition collaborative avec divers institutions culturelles locales. Il y a en t’il plus que d’ordinaire post-confinement ? 

Effectivement, cela nous tient à coeur de créer des liens dans le tissu local. La musique contemporaine a souvent tendance à rester cloisonner dans son univers. C’est important de faire des propositions vis-à-vis du public qui est ouvert à cela ainsi que la scène artistique de la ville. C’est vraiment une priorité pour moi. Cette année nous avons notre lieu central, le Studio Ernest-Ansermet qui est en travaux. Cela a encouragé d’autant plus les partenariats pour se produire dans d’autres salles. Avec le recul, ce sont là aussi des conséquences positives suite à une situation problématique. Il me paraît très important que la musique de création que l’on propose soit intégré à une scène artistique, qu’elle puisse être accessible e à un public large et par musicologique. Notre musique est pointue et elle le restera, il s’agit juste ici de la proposer de manière ouverte et collaborative.  

Il est vrai que la musique contemporaine a toujours joui d’une réputation difficile. Comment sortir de ce cliché étriqué? 

C’est vrai mais depuis quelques années, il y a vraiment une ouverture stylistique au niveau de la musique de création. Ainsi, dans notre programme on travaille avec des artistes comme Erika Stucky (Grand Prix suisse de musique) que j’adore. Elle est complément éclectique et à l’aise dans toutes les situations. La collaboration va être très fructueuse et contre-balance des créations un peu plus complexes écrites par des compositeurs qui sortent des hautes écoles. Bien que notre spécialité soit la musique instrumentale, on a des solistes hautement virtuoses mais également flexibles puisqu’ils ont toute la technique classique ainsi que toutes les utilisations inhabituelles des instruments et aussi une ouverture vers les démarches plus improvisées. L’Ensemble Contrechamps est doté d’un groupe de musiciens très talentueux et flexible et le but pour moi c’est de mettre en valeur leur talent à travers les propositions de divers compositeur-trices.  

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La créatrice Nensi Dojaka

Poupée effrontée 

Faussement naïves, mi-sexy mi-grunge, les tenues déstructurées imaginées par Nensi Dojaka jouent sur un concept de cut out subtilement maîtrisé. Le but : en dévoiler juste ce qu’il faut pour mimer l’apparence d’une poupée, dont le charme ambigu souffle le chaud et le froid. Tantôt sage, tantôt farouche, la muse Nensi Dojaka ne se laisse pas faire. Ne vous fiez pas à sa silhouette déshabillée et gracile : l’atout dominant, c’est elle. « Je suis très heureuse que Nensi Dojaka soit la lauréate du Prix LVMH 2021. Sa garde-robe à la fois sensuelle et architecturée renouvelle les codes du vestiaire féminin, proposant une allure affirmée », souligne à ce sujet Delphine Arnault, fondatrice du Prix LVMH. Issue d’une nouvelle génération de designers obnubilés par l’omniprésence du corps, de la peau et d’une sensualité assumée, Nensi Dojaka se démarque par son identité graphique et sophistiquée… Mais aussi un brin dévergondée.

L’art de la suggestion 

La jeune créatrice albanaise n’est pas sans rappeler une Vivienne Westwood à ses débuts.Les deux ont un attrait commun pour la transparence, les vêtements faussement déchirés, le jeu du dessous-dessus, une imagerie néo-punk. À cela près que Nensi Dojaka se distingue par une approche plus subtile et pudique avec sa marque éponyme. D’une fine lanière, le vêtement semble comme en suspension, peinant à se maintenir en place. Sa vision hybride entre lingerie et couture ne traduit jamais la vulgarité, toute son habileté se traduit par l’art de la suggestion. Ses pièces asymétriques et féminines puisent leur inspiration dans des réminiscences 90s tandis que ses jeux de matières oscillent entre un fébrile organza biologique et une résille feignant la provocation. Autre point commun avec sa consoeur anglaise, Nensi Dojaka séduit les stars de son époque. Là où les Sex Pistols ont décuplé le succès de Vivienne Westwood en fréquentant sa boutique régulièrement, les nouvelles personnalités ayant propulsé l’albanaise se nomment aujourd’hui Bella Hadid, Emily Ratajkowski ou Sophie Turner. Toutes sont des créatures longilignes aux mensurations parfaites — heureuses de pouvoir dévoiler leurs courbes avec tact sous le prisme glamour de la créatrice. Vêtue d’un body manifeste du label aux MTV Video Music Awards, Bella Hadid a propulsé Nensi Dojaka au sommet en à peine quelques heures. « Tout le monde voulait acheter le body de Bella ! Cela m’a beaucoup aidée », déclare-t-elle à Vogue à propos de sa marque qu’elle qualifie de « forte, féminine et minimaliste ». La jeune femme ne démérite pas avec sa mode engagée et promet d’ouvrir la voie à une génération assurée de créateurs, plaçant leur label sous le signe d’un féminisme ouvertement revendiqué.

L’article Nensi Dojaka : Reine du cut-out
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