Soraya Lutango Bonaventure et Ali-Eddine Abdelkhalek ont cherché les points communs entre deux mondes aux antipodes : celui de l’Église et des scènes de club. Ils empruntent des hymnes d’adoration du Kingdom Gospel Club, un collectif de Gospel à six voix, originaire du Congo pour les transformer en sons électroniques. En réunissant ces deux milieux à travers la musique, les deux artistes suisses ont réalisé un projet inhabituel et envoûtant nous faisant vivre ce croisement entre deux sphères que tout oppose. Leur projet ne s’arrête pas là, la bande annonce présentée au Centre d’Art Contemporain va donner lieu à des performances en octobre : une pièce hybride de danse, théâtre et une installation cinématographique, à ne pas manquer ! La dichotomie qui se manifeste dans leur œuvre Taking Care of God (2019) est l’expression même de l’identité des deux artistes. On part ainsi en exploration spirituelle à travers une belle collecte d’images et de sons spécifiques construisant des langages à la fois familiers et étrangers liés aux questions d’identité, de mémoire et de diaspora. 

Rêvons des corps

La représentation du corps humain en peinture a toujours été vaste, passant aussi bien par le réalisme que l’abstraction et bien d’autres encore. Pour l’étudiant de la Haute École d’Arts et Design (HEAD) Jeremy Dafflon, il décide de casser ces codes et d’explorer ainsi les possibilités de représentations en s’inspirant d’une esthétique kitsch presque grotesque. Dans ses peintures La Poïa (2020) et One week in Paris (2021), ce sont le portrait de créatures hybrides et androgynes, à mi-chemin entre la femme, l’homme, l’animal, l’adulte et l’enfant créant ainsi une sorte de chimère. Le corps pour lui, se transforme en un lieu de rencontre entre tous ces contrastes biologiques. Pourquoi se contenter d’une représentation classique du corps quand on peut en dévoiler d’autres attributs ? Prenons La Poïa (2020), où la peinture de ce corps au physique à double identité se mêle aux représentations de divinité hindoue. Cela sur un fond champêtre digne d’un rêve. Au-delà d’un travail décoratif, l’artiste a cherché à traiter des thématiques de la sexualité, de l’érotisme et des identités de genre. Un panel de sujets à découvrir au travers de sublimes peintures.

Une guérison par nos sens

Dans le paysage urbain que nous connaissons, les fontaines publiques ont aussi bien été décoratives qu’utilitaires. Avec ces deux pièces en céramique rappelant des fontaines, Anxiolitic fountain et Aphrodisiac cabinet (Active substances, 2020), l’artiste Lou Masduraud affirme son travail en empruntant ces éléments de l’ordre publique, qu’elle remanie afin d’introduire une dimension médicinale à l’objet. Ce questionnement sur les politiques d’organisation et comment sont-elles structurées devient le fil rouge de son travail. L’artiste déconstruit l’infrastructure qu’est la fontaine, spectacle de l’abondance de l’eau potable, un bien commun pourtant contrôlé par la ville. Lou Masduraud s’approprie ainsi ces fontaines et créent des « anti-fontaines » par la sculpture excentrique de ces objets propre à l’art grotesque. Elle prend, effectivement, d’assaut l’architecture de ces derniers et intègrent une ornementation de figures difformes et monstrueuses, inspirées de l’hydraulique urbain : robinets, tuyaux, bains, urinoirs. Malgré leur apparence hors du commun, les deux sculptures exposées ont des propriétés bénéfiques, diffusant du millepertuis aux vertus antidépressives et de la sarriette connue pour ses vertus aphrodisiaques. Pour vaincre les miasmes de la pandémie actuelle, ces « anti-fontaines » aux vapeurs médicinales sont finalement un remède physique et spirituel à notre situation fluctuante. 

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Martine de Richeville

Drainer, déstocker et regalber, telle est la devise de Martine de Richeville. Après avoir suivi une formation en psychologie et en médecine traditionnelle chinoise, cette magicien aux doigts de fée qui a également étudié le massage eurythmique de Rudolph Steiner, a opté pour un soin qui ne nécessite aucune nouvelle technologie, si ce n’est le pouvoir de ses mains. Elle imagine un protocole qui s’enracine dans l’enseignement oriental qu’elle a reçu et permet de reconnecter le corps et l’esprit. Très vite, sa clientèle grandit et elle décide d’ouvrir un cabinet à Paris. Elle peaufine sa méthode tandis que ses clientes s’affinent et ne cessent d’en parler à leurs amies. En quelques mois, la fondatrice d’un cabinet éponyme devient la référence du massage amincissant. Depuis elle a ouvert dans plusieurs villes dans le monde dont Genève à Champel.Sa technique? Elle travaille en profondeur la peau et les tissus adipeux et décolle – en cas de cellulite – les adhérences du tissu conjonctif là où elles se sont (mal) placées : bosse de bison, mollets, bras, ventre, fessiers. Martine de Richeville est convaincue que la graisse se localise souvent à des endroits précis en fonction du terrain émotionnel. Traiter ce dernier participe, selon elle, à un meilleur équilibre intérieur. Ainsi, les amas graisseux, même s’ils sont souvent hormonaux, ne vont pas se stocker n’importe où de manière hasardeuse. Autour de la taille par exemple, on imagine une bouée de secours, la culotte de cheval est, quant à elle, une forme de pare-chocs. La graisse fait alors office de protection. Ainsi, lorsque Martine de Richeville va décoller en profondeur la cellulite, elle travaille aussi sur son origine. Son protocole? Pendant cinquante minutes, elle (basée à Paris) ou l’une de ses praticienne exerce un palper-rouler manuel pour libérer l’organisme des toxines, relancer la circulation sanguine, améliorer le drainage lymphatique et indirectement agir sur le stress. Dès la première séance – qui peut être douloureuse sur certaines zones -, la peau est plus souple, lisse et retonifiée. Un sentiment de légèreté envahit la personne massée. Le remodelage qui s’adresse aussi bien aux femmes qu’aux hommes est recommandé pour ceux qui font de la rétention d’eau et en cas de grossesse ou de ménopause. Pour un meilleur résultat et quelques centimètres en moins au niveau de la taille ou des hanches, il est conseillé de suivre une cure de plusieurs séances par mois. On a décidé de tester et vous en reparler après l’été. Le remodelage qui doit s’accompagner d’une alimentation équilibrée et d’une pratique sportive régulière si possible! 

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L’imprimé coloré rencontre alors les coupes fluides et sensuelles imaginées par la couturière, pour une garde-robe qui ose tout en poésie. En édition limitée, la collection marque encore un peu plus sa valeur unique. L’artisanat se plaçant au cœur même d’Issima, le caractère unique de chaque pièce va de soi. S’inscrivant dans les problématiques actuelles, le trio propose alors une mode transcendant les saisons, faite pour durer, et résolument éthique. Également inclusive, la collection s’adapte à toutes les tailles et morphologies, rendant ainsi possible pour chaque femme de se retrouver dans le label. Les kimonos, les robes fluides, les pantalons et les jupes, la soie, matériau précieux, est ici encore plus sublimé, les couleurs éclatantes sur le tissu coupé à la perfection. Mais Issima c’est bien plus qu’un label, c’est la personnification de l’optimisme, de la joie, de la gaieté. Tout ce qu’on rêve d’avoir dans son dressing, et dans sa vie. 

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L’aspirateur balai SpeedPro Max Aqua de chez Philips

Dès réception, on réalise avec satisfaction que l’aspirateur sans fil est facile à monter. On clique le manche sur la batterie, on place l’embout classique dessus et on découvre que la batterie est déjà alimentée. On fait immédiatement le tour de notre humble demeure. La brosse à 360° est idéale pour nettoyer à sec, notamment les moquettes et tapis. Elle capture la poussière en marche avant comme en marche arrière, et de tous les côtés de la brosse en aspirant ainsi jusqu’à 99,7% de la poussière et de la saleté à chaque passage. Curieux à propos de la fonction de nettoyage du SpeedPro Max Aqua, on remplit le réservoir d’eau. Surprise! On découvre un nettoyage très fluide et une quantité de saleté impressionnante éliminée à l’avant de l’embout. Les tâches très incrustées ne disparaissent pas en un seul mouvement, mais après quelques allers et retours, le sol est très propre. Cela marche clairement mieux qu’avec un seau et un torchon. Et surtout c’est beaucoup plus ludique et rapide! Ici, on ne se salit jamais les mains.
Verdict? Une délivrance! Le SpeedPro Max Aqua de chez Philips nous offre un réel gain de temps. On passe très aisément de l’aspiration du tapis au nettoyage du carrelage. On ajoute même son nettoyant pour agir en profondeur sur les taches les plus tenaces. Côté efficacité, plus besoin s’embêter avec un appareil adoubé d’un fil électrique. De plus, tout est à portée de main avec un large choix d’accessoires. Mais comment vivait-on sans avant? Ah oui, comme dans une performance artistique chaotique qu’on préfère occulter ad aeternam!

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Œuvre de l’artiste Jérémie Gindre ©Magali Girardin

Nous avons l’habitude de marcher pour découvrir une exposition, sur les parquets cirés des musées, les carrelages marbrés des galeries, mais pour assister à celle-ci on vous conseille plutôt de chausser vos chaussures de marche. Car au-delà d’être une exposition, Ephémère et durable est avant tout une promenade, un chemin arpenté avant nous par Jean-Jacques Rousseau et Nicolas Bouvier, qui s’il reste plongé dans la nature s’agrémente de nouveaux joyaux. Trois objectifs prennent vie au cœur du projet : le désir de valoriser le site en tant que milieu naturel, le souhait d’y intégrer une dimension artistique, et enfin la volonté de faire connaître cet espace à un plus large public.

En extérieur, sur les rives de l’Aire, les œuvres de 11 artistes, pour la plupart des talents locaux, sont exposées à la vue de tous, offrant l’art à tout le monde, et surtout là où on ne l’attend pas. Le point commun des 11 projets retenus ? La nature, l’environnement dans lequel ils sont exposés. Les poissons en l’Aire de Pierre Chamoux se sont échappés de la rivière, tandis que les Méandres de Jean-Samuel Coste nous entraîne dans un labyrinthe fait d’arbres fruités, puis Ouvrage, projet d’Andreas Kressig, interroge notre rapport à la terre dans ce territoire renaturé avec son installation qui parle de notre impact, et bien sûr, de la nature. 

Carte de la ballade artistique

Au détour d’un arbre, sur les berges de la rivière, dans une clairière avoisinante, on découvre alors des œuvres inattendues, qui par leur sujet et leur approche du lieu ont toute leur place dans cette nature. Car la visée de ce projet est aussi de faire comprendre aux passants la valeur de ce territoire et la richesse de la biodiversité, de nous le faire découvrir avec un œil nouveau, notamment grâce aux matériaux utilisés par les artistes qui ont tous été recueillis sur le site tout en respectant son environnement. Que la nature devienne poétique, botanique, aventurière ou même agricole, le filtre de l’art nous la fait redécouvrir, et nous y rend plus sensible. Pour les municipalités concernées par le projet, cette rencontre entre culture et nature, même s’il fut pensé en amont, tombait comme une évidence suite aux événements de l’année passée. Le projet transcende alors les frontières, traversant les communes de Bernex, Confignon, Onex, Perly-Certoux, et Saint-Julien-en-Genevois, suivant le cours naturel de la rivière. Une exposition entre art et nature aussi précieuse qu’un éphémère, et qu’on se presse alors d’aller découvrir sous le beau soleil de l’été avant qu’elle ne disparaisse.

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Ben & Jerry porte le nom de ses deux fondateurs: Bennett Cohen et Jerry Greenfield, deux jeunes New Yorkais qui se sont rencontrés sur les bancs de l’école. Le succès de l’enseigne? Les deux glaciers le doivent à trois piliers, définis dans une déclaration de mission : un rôle social actif, des produits de qualité innovants et des performances financières remarquables. Ainsi, la marque est de longue date engagée contre le réchauffement de la planète. Elle adhère d’ailleurs aux principes CERES, une sorte de code de conduite favorisant l’investissement social et la responsabilité environnementale et au Social Venture Network, un réseau de dirigeants créateurs d’entreprises, dont le but est de parvenir à l’édification d’un monde pacifique par les entreprises.

Outsider leader 

Hippies dans l’âme, le duo garde néanmoins les pieds sur terre. Sortir des sentiers battus devient leur leitmotiv, une règle d’or de la marque depuis ses origines. L’originalité et la créativité les singularisent. Ainsi, le deuxième pilier qui a fondé le succès de leur groupe, ce sont les recettes exclusives et inédites, à base de produits naturels à l’image des glaces estampillées «all natural» à base de lait de vache non traité à l’hormone de croissance et de crème fraiche entière. Le président Reagan leur délivre d’ailleurs en 1988 le prix des «petits entrepreneurs de l’année». Et malgré sa philosophie sociale, la société n’en oublie pas d’être performante. Elle est cotée au Nasdaq depuis 1985. Et son siège social à Waterbury (Vermont, USA) accueille chaque année des centaines de milliers de visiteurs. La marque citoyenne avant l’heure possède en plus une fondation, la «Ben& Jerry’s Fondation» qui vient en aide aux personnes en difficulté. L’entreprise pratique le «Fair trading» c’est-à-dire l’achat d’ingrédients produits par des communautés en difficulté. Ainsi, les brownies sont achetés à une pâtisserie employant des personnes en réinsertion et les noix proviennent du Brésil pour lutter contre le déboisement. Chapeau bas!

30 ans et toujours aussi friand

En 1991, la marque givrée développe sa Cookie Dough. Toujours à l’écoute de ses consommateurs, l’enseigne a vu cet best seller naître de l’imaginaire friand d’un fan anonyme qui avait suggéré de mélanger de gros morceaux de pâte à cookies aux pépites de chocolat à de la crème glacée à la vanille! Pour célébrer cette dernière, Ben & Jerry dévoile un duo de Cookie Dough « Twists » avec deux saveurs – Rain-dough et Dough-ble Chocolate. La saveur Rain-dough est composée de crème glacée à la vanille et comprend un noyau de pâte à biscuits saupoudré d’arc-en-ciel avec des morceaux colorés de tie-dye, tandis que la saveur Dough-ble Chocolate comprend de la crème glacée au chocolat, un noyau de pâte à biscuits au chocolat et des morceaux de chocolat. Ben & Jerry’s étoffe la Cookie Dough avec ses combinaisons entièrement nouvelles. On notera le lancement parallèle de la Cookie Dough Peace Pop – un bâton de crème glacée enrobé de chocolat avec un centre de pâte à biscuits. Un vrai régal! On était déjà séduit par la Cookie Dough, le parcours et la philosophie de l’enseigne ont parachevé notre engouement pour Ben & Jerry’s.

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La Bulle Rose de Vanessa Ferreira Vicente et Marie van Berchem ©Giona Mottura

Ce projet est subventionné par la Ville de Genève dans le cadre du plan d’action municipal « Objectifs zéro sexisme dans ma ville », la fondation Emilie Gourd et Vadavi SA.

La Bulle Rose

En 2019, Vanessa Ferreira Vicente et Marie van Berchem lancent la Bulle Rose, un projet artistique féministe et engagé questionnant les diverses représentations des corps et de la sexualité. En engageant des actions créatives dans l’espace public et en créant des installations participatives, la Bulle Rose nous invite à déconstruire les représentations imposées par la société et à créer de nouveaux archétypes divers et inclusifs. Par ailleurs, ce sont elles qui ont créé Vulvita, l’immense vulve confectionnée en velours et en sequins qui a défilé lors de la grève des femmes en 2019.   

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Marilé Micheletti, experte ès pâtes

Elle a le verbe facile, le sourire solaire et l’imaginaire d’une artiste pluridisciplinaire pour mitonner avec créativité des petits plats de là-bas. Pourtant Marilé Micheletti n’est pas née en Italie, mais en Argentine. Cela n’empêche pas cette mama de maitriser la cuisine italienne dont elle partage la passion avec ses proches. Souenue par ceux-ci, l’an dernier, elle décide de mettre la main à la pâte. Elle baptise sa mini entreprise genevoise familiale: Pâtes Manies. Le concept? Des raviolis, tortellini et cappellettis façon artisanale avec une farce à base d’ingrédients frais, de saison et locaux qu’elle déniche à la ferme de Veyrier ou au marché de Rive. À l’intérieur de ses fagots originaux, on découvre 15 recettes de pâtes, avec entre autres des options végétariennes et végétaliennes. Et au menu? De l’ agneau cuit cinq heures et betterave, une caprese, du chèvre au miel, du poulet poireaux, de l’osso bucco, des artichauts et du gruyère ou encore des champignons et du lard.
En sus, ses créations bi et tricolores sont éminemment visuelles et fun. Carré, lune, demi-lune, rond et coloré, Marilé varie les formes à l’infini. Un vrai régal oculaire et culinaire! D’ailleurs ses créations sont colorées uniquement avec des colorants naturels. Pour la préparation, il suffit de plonger les raviolis quelques minutes dans l’eau bouillante, puis d’y ajouter du parmesan, du poivre et une des 4 sauces concoctées par Marilé Micheletti: tomate, crème aux herbes, pesto, et le tour est joué! Comme ses pâtes ne contiennent aucun conservateur, elles sont vendues congelées. De quoi se régaler de manière illimitée! 

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C’est un petit objet du quotidien auquel on ne prête parfois plus vraiment attention. Et pourtant elle nous suit souvent toute la journée, accueillant café, thé, chocolat, ou autres pour ceux qui osent blasphémer. La tasse se met dans tous ses états pour la nouvelle exposition sobrement intitulée Tasses ! du musée de l’Ariana. Cette thématique aussi sobre que surprenante est née dans l’esprit de Lionel Latham, galeriste d’art installé à Genève, qui possède lui-même une importante collection de ces objets, accompagné de sa fidèle soucoupe. « Le thème de cette exposition a été inspiré par une présentation qui remonte à quelques années en arrière et durant laquelle le musée avait consacré la totalité de l’espace aux créations de la manufacture Langenthal. Au départ de l’exposition se trouvaient les 28 tasses que Lionel Latham a sélectionné dans sa propre collection, et il est ensuite venu choisir dans les réserves du musées les 73 autres pièces. Pourquoi la tasse ? Il souhaitait s’intéresser à un objet que l’on trouve dans tous les foyers » explique Stanislas Anthonioz le co-commissaire de l’exposition. 

Si les créations du 20ème siècle, spécialité du galeriste, et l’Europe, champ de conservation principal du musée, ont été sélectionnées pour leurs périodes de création, et leur illustration d’une époque, Lionel Latham a avant tout été guidé par ses coups de cœur. À travers les 12 vitrines de la salle du musée, une décennie est représentée, allant de 1900 à 2020. Au détour des vitrines, la différence entre les époques se fait remarquer. Pendant la première moitié du 20ème siècle, l’artisanat et les créations industrielles dominent. Et puis l’après-guerre voit naître des créations moins pratiques, plus osées, pensées de plus en plus souvent par des artistes, des designers, qui détournent la tasse pour faire de cet objet utilitaire une pièce à part. Des modèles de porcelaine délicate et d’or de manufacture allemande des années 1900, au renouveau des années 1950, offrant des créations aux décors et aux formes variées, pour enfin aboutir aux années 2000 qui laissent place à des surprises plus artistiques que pratiques, la tasse est bien plus complexe et multiple qu’elle n’y paraît. Stanislas Anthonioz de conclure, « Je pense que ce qui rend cette exposition unique c’est que peu importe l’âge, chacun peut s’y retrouver. La tasse est un objet du quotidien qui porte l’esthétique de son époque et s’invite dans tous les foyers ». Vous ne boirez pas la tasse, vous en redemanderez. 

Robert Dawson (1953) Changeover (détail), 2019 Argile et pigment textile sur toile 60X138 cm © Robert Dawson

Lac des cygnes et kaléidoscopes
Passons des tasses à l’abstraction la plus complète. Ici plus question de vaisselle ni d’objet pratique, l’art est au cœur de cette exposition qui mêle sans tabou dans les murs de l’institution céramique, et peinture. Pièces à problèmes est un projet aussi surprenant que passionnant qui réunit deux artistes britanniques. À l’initiative du projet, Robert Dawson, connu pour ses créations céramiques qui nous donnent le tournis, grâce à la technique du transfert (apposition via un procédé technologique d’un motif copié sur un objet préexistant, ou dessiné, qui est ensuite appliqué sur une nouvelle surface) qu’il a longtemps utilisé sur ses pièces. Peintre avant tout, il retourne à ses premières amours, sans abandonner totalement la céramique. Et c’est à Genève, ville qu’il connaît bien, qu’il a décidé de donner vie à son nouveau projet. Familier de l’Ariana, il est venu en étudier les collections, mais aussi l’architecture, les motifs de ce lieu, et toujours grâce à une technique de transfert, a transposé ses motifs sur des toiles. La céramique n’a cependant pas totalement quitté sa pratique, en effet sa technique picturale est ici réalisée avec des argiles crus mélangés à de la colle. Véritables kaléidoscopes une fois démultipliés et juxtaposés, les toiles nous plongent dans une image qu’il nous revient de déchiffrer, de comprendre, par nous-mêmes. Et pour le curieux, des QR codes sont mis à disposition, de manière à découvrir l’objet ayant inspiré l’artiste. 

Richard Slee (1946), Swan, 2019, Céramique émaillée, latex Photographie: © Courtesy Richard Slee and Hales Gallery, London and New York

Mais sur ce projet Robert Dawson n’est pas seul. Il a fait appel à son mentor, et avant tout son ami, le céramiste Richard Slee. Connu pour son remaniement humoristique des objets anglais, il est aussi à l’origine d’une série d’outils détournés dont une partie sera présentée lors de l’exposition. Mais le clou du spectacle ici est sa série de cygnes,  inédite et pensée pour l’espace de l’Ariana, installée selon un angle précis sur les longues tables de la salle du musée. Les pièces céramiques dialoguent alors avec les toiles, sans présenter de lien flagrant, mais poussant au contraire le visiteur à se raconter sa propre histoire, à dérouler son propre récit. « Les deux artistes travaillent dans cette exposition des médiums différents, et leur esthétique, leur langages artistiques, sont très différents. Mais ils se retrouvent tous deux dans cet approche unique du monde, cette volonté d’apposer une lentille sur les objets et de nous forcer à les regarder autrement, avec un regard nouveau » nous confie la curatrice de l’exposition, Sophie Wirth Brentini. C’est alors un mélange gracieux entre peintures enivrantes et lac des cygnes, kaléidoscopes et outils étonnants. Ouvrez l’œil, car l’humour est partout, et avant tout, laissez vous guider vers une  nouvelle vision, une lentille qui s’ouvre sur le monde et vous laissera rêveur. 

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C’est en 1905, que la société des eaux minérales d’Evian commande la construction d’un hôtel de luxe. Il fallait un nom qui refléterait le prestige de ses futurs hôtes dont le roi Edouard VII d’Angleterre qui avait promis d’être l’un des premiers à séjourner dans le nouvel hôtel. C’est ainsi que l’hôtel Royal a déployé ses ailes en 1909. Le roi mourut en 1910 sans avoir jamais visité la suite qui lui était réservée. Le nom « royal » est resté à l’image même de la destination autour de laquelle d’autres pépites gravitent. On notera ainsi la kyrielle d’atours dont est doté le resort dont une vue imprenable sur notre magnifique Lac Léman et un terrain de golfe au cœur d’un parc de 42 hectares. Surplombant la cité thermale iconique, entre lac et montagne, c’est aussi une destination unique pour tous les amoureux du grand air qui souhaite se ressourcer, proposant une large palette d’activités nautiques et de montagne. En outre, la ville aux rues piétonnes et à l’architecture du début du siècle offre vraiment une véritable expérience Art Vivre à la française.

Le terrain de golf d’Evian

Jolie scénographie

À peine un pied foulé dans ce 5 étoiles, on pénètre dans un univers à part, le temps y semble comme suspendu. Au rez-de-chaussée, l’impressionnante entrée fait renaître les fastes de la Belle Époque, avec ses toujours fraiches fresques néo-baroques aux motifs floraux de Gustave Jaulmes décorant les plafonds, son sublime lustre en cristal de Saint-Louis, ses mosaïques blanches et bleu au sol, son escalier central, et toujours, en fil bleu, cette vue sur le Léman, contrastant avec la pureté d’un ciel azur. L’édifice signé du grand architecte Jean-Albert Hébrard est le premier hôtel en béton construit en France. En 2015, la rénovation du Palace (seuls 31 établissements en France sont dotés de cette distinction) confiée à l’architecte d’intérieur François Champsaur, et à l’architecte en chef des monuments historiques, François Chatillon, se dévoile comme un projet d’envergure. L’hôtel a su garder son âme et son héritage historique en offrant un design ultra contemporain qui se mêle à l’architecture Belle-Epoque unique du début du XXème siècle. Ainsi, la moquette épaisse, bois blond et marbre de Carrare se marient à merveille avec les bureaux et les guéridons Art déco. Le Royal est composé de 150 chambres dont 32 suites de prestige et de trois restaurants, dont un restaurant gastronomique, Les Fresques, étoilé au guide Michelin, ainsi que d’un SPA qui se devait d’être à la hauteur de cette ancienne ville d’eaux.

Le bar de l’Hôtel Royal

Temple de bien-être

Pour descendre y accéder, où 1200 m² sont dédiés au corps et à l’esprit, il suffit d’emprunter les couloirs feutrés, décorés de photos noir et blanc signées Arnold Newman ou Eamonn McCabe. Là, bercé par le bruit de l’eau qui coule, l’ambiance invite à profiter pleinement des programmes concoctés avec les produits Biologique Recherche ou Comfort Zone. On y trouve des équipements de haute qualité (cabines de soins, de repos, piscines, parcours hydro-contact). On peut profiter des bassins intérieurs et extérieurs et du parcours de bains bouillonnants toute l’année, car la piscine extérieure est chauffée à 28°C même en plein hiver. Le fitness fait également partie de l’offre du Spa Evian Source, avec des coachs sportifs, des cours de pilate, de yoga, et des bootcamps dans le parc. L’hôtel propose également de la sylvothérapie (bains de forêt).

Chambre avec vue sur le Lac Léman

Une salle de concert unique au monde

La culture, et plus précisément la musique, est aussi l’un des points d’orgue de l’Evian Resort. La Grange au Lac, salle de concert imaginée par l’architecte Patrick Bouchain en l’honneur du célèbre violoncelliste Mstislav Rostropovitch, offre une acoustique exceptionnelle! L’édifice en pin et cèdre rouge, en forme de datcha alpine accueille chaque année en juillet le prestigieux festival des Rencontres Musicales d’Evian mettant à l’honneur la musique de chambre sous toutes ses formes et dont la direction artistique a été confiée au Quatuor Modigliani. En plus des concerts, shows et spectacles ponctuels, le lieu accueille également chaque année les concerts de la saison musicale Musique à la Grange au Lac ainsi que le festival Jazz à la Grange. Ainsi, il est difficile de s’imaginer s’ennuyer à l’Hôtel Royal qui se situe à quelques maîtres de cette salle de concert unique. 

Facilement accessible, cette destination d’exception est à seulement une petite heure en voiture ou en train depuis Genève. On ne saurait se priver d’une telle invitation aussi ressourçante qu’enrichissante.

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Global Happiness est alors une exposition qui aborde le bonheur sous un angle nouveau, où la durabilité est une des clés de ce succès personnel. Valeurs partagées par Helvetas et le SIG, elles prennent vie à travers six pavillons où sont diffusées des vidéos de personnes venues de Suisse, du Guatemala, du Mali et du Bhoutan. Nous découvrons alors l’appartement d’une jeune minimaliste à la vision résolument novatrice du monde, avant de partir pour les rues de Santiago du Chili et d’arpenter ses quartiers visionnaires, puis direction le Bhoutan où le Bonheur National Brut est un indice des plus précieux. Au-delà des vidéos, des citations définissant le bonheur, et venues du monde entier, nous permettent de comparer notre vision du monde à celle d’un habitant de l’autre bout de la planète, remettant parfois en question notre point de vue, pour le meilleur. Enfin on s’arrête, émus, devant le mur d’archives du bonheur installé dans l’espace d’exposition. Accroché à celui-ci, des objets prêtés par des Genevois, des Suisses venus d’autres cantons, des personnes vivant dans d’autres pays, viennent symboliser le bonheur d’un individu. Encouragement à la réflexion sur notre propre bonheur, notre quotidien, notre entourage, Global Happiness est bien plus qu’une exposition. C’est une quête, un espace de réflexion, un voyage, et aussi une petite piqûre de rappel qui nous souffle à l’oreille que si le bonheur ne se comprend pas de la même façon pour tout le monde, chacun mérite de le ressentir.  

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