Pour la première fois de son histoire, le Grand Théâtre de Genève présentera l’opéra baroque de Jean-Philippe Rameau, Les Indes Galantes. Pièce au succès sans pareil lors de sa création, elle finit par être oubliée pendant de nombreuses années avant de faire son grand retour à Paris en 1952. Sa popularité passée se comprend par son sujet, inspiré d’une réalité aujourd’hui critiquée et choquante. À l’aube du 18ème siècle, des Amérindiens sont amenés à Paris et poussés à présenter leurs danses rituelles et traditionnelles devant un public parisien à la fois effrayé et fasciné, sur la scène du Théâtre-Italien. Les Indes Galantes, en reprenant cette idée, propose à l’Europe de découvrir les danses et rites de ces contrées exotiques encore méconnues, et le succès est au rendez-vous. Cet opéra-ballet constitué de quatre tableaux s’offre à son public comme un voyage dans quatre mondes, à la découverte de civilisations autrefois mystérieuses, les Turcs, les Incas, les Perses et les Amérindiens. Dans ces contrées si exotiques au temps de Rameau, l’Amour et la Guerre sévissent et viennent nous raconter l’histoire de ces Indes encore dites sauvages à travers quatre récits. Le premier tableau dépeint l’histoire d’Osman, prince turc éprit de son esclave. Puis le voyage se poursuit au Pérou où une jeune Incas et un conquistador espagnol défient la religion pour célébrer leur union. En Perse, c’est un chiasme amoureux qui prend vie entre maitres et esclaves. Le dernier tableau, certainement le plus célèbre de tous, nous transporte en Amérique chez les « sauvages », nous racontant l’histoire d’un amour vainqueur de deux amérindiens, triomphant face aux colons. L’amour, mais aussi la guerre, sont alors au coeur de ces récits fantasmés qui se voient aujourd’hui, des siècles après la découverte des Indes, reiventés sur la scène du Grand Théâtre.

Les Indes Galantes revues et corrigées

Cette oeuvre lyrique dans sa version originale n’offre aucun lien entre ses tableaux, se proposant plutôt comme un voyage dans ces lieux méconnus à l’époque qui personnifiés par l’histoire de ses personnages. La mise en scène réalisée par l’américaine Lydia Steier revoit l’opéra en liant chaque récit entre eux grâce aux allégories divines de l’Amour et de la Guerre qui s’affrontent dès le Prologue et qu’elle décline tout au long de l’opéra-ballet. Pour incarner les personnages de ce voyage, Kristina Mkhitaryan dans les rôles d’Hébé, Emilie et Zima, Roberta Mameli incarnera quant à elle l’Amour ainsi que Zaïre, sera aussi présente Claire de Sévigné qui se glissera dans la peau de Phani. Un casting de choix qui viendra redonner vie à cet opéra dans des costumes et un décor réalisés par les équipes du Grand Théâtre. La scène reprend l’architecture du foyer du bâtiment avec ses lustres, ses peintures et ses médaillons, dans lequel le peuple dit civilisé se détruira à travers guerres et conflits dans un décor d’or et de marbre. Figures allégoriques, sauvages, et européens, se détruiront et s’aimeront dans un univers qui reflète à la perfection l’esprit des Lumières. Dans une ville comme Genève, la metteuse en scène souhaitait évoquer la vision réductrice des populations autrefois dites civilisées sur celles dites sauvages. Berceau des droits humains dans le monde, la ville suisse ne se pouvait d’accueillir une telle production sans aborder ce sujet, or Lydia Steier déclare « ne pas vouloir pointer un doigt accusateur sur autrui », mais elle propose une critique subtile qui n’hésite pas à mettre le doigt là où ça fait mal…

Grand Théâtre de Genève, répétition des danseurs pour Les Indes Galantes

Une histoire d’amour invincible : le ballet et l’opéra

Dans cette production, le récit est capital, mais la rencontre entre ballet et musique est elle aussi centrale. Les deux univers se réunissent sous la direction du chorégraphe Demis Volpi qui mènera les danseurs de la troupe du Grand Théâtre aujourd’hui de plus en plus mis sur le devant de la scène, et venant jouer un rôle capital dans cet opéra-ballet où la danse se fait reine. La musique sera quant à elle emmenée par le chef d’orchestre Leonard García Alarcón qui dirigera son orchestre, la Cappella Mediterranea. Le maestro s’attelle à une pièce qu’il connait déjà parfaitement pour avoir participé à la production parisienne. Son approche et sa revisite des partitions ont été largement acclamées par la critique, et il offre le plaisir à la ville de Genève de partager son savoir et son talent en compagnie de son orchestre aux nombreux triomphes. Deux artistes de renom aux productions majeures qui s’unissent sur la scène du Grand Théâtre pour proposer une représentation où danse et musique trouvent le parfait équilibre pour délivrer un récit où l’élégance et la fluidité nous font oublier le temps. Chorégraphe et chef d’orchestre, à l’image de la metteuse en scène, se jouent des libertés de l’opéra baroque pour créer une pièce nouvelle tout en respectant le travail de Rameau. Le maestro déclarait à propos de cette production, « la fiction est importante, surtout à l’opéra, car si vous restez dans la science vous faites une pièce de musée… ce qui ne m’intéresse pas du tout! ». La richesse des Indes Galantes vit alors dans sa nature baroque. La pièce, bien plus que de se limiter à une copie conforme du passé, offre la liberté aux artistes qui la produisent de laisser parler leurs idées. Pour le Grand Théâtre, c’est un nouveau voyage qui vous sera dévoilé. Un voyage pour les Indes où la beauté du chant, de la musique et de la danse s’uniront pour faire renaître de ses cendres cette oeuvre lyrique aussi emblématique que magistrale.

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La première fois que j’ai expérimenté la réalité virtuelle c’était lorsqu’on m’a proposé de réaliser le projet 7 Lives. Charles Ayats et Marie Blondiaux m’ont montré une succession d’œuvres immersives car à cette époque j’étais totalement étranger à ce milieu. Pour moi la VR c’est le fantasme de tout cinéphile, c’est-à-dire casser la frontière entre fiction et réalité, un peu comme dans La Rose Pourpre du Caire de Woody Allen. Cette faculté d’interagir avec le récit m’a toujours fasciné. 

Serait-ce l’avenir du cinéma à long terme ? 

Je pense que la VR va nous permettre d’explorer de nouveaux territoires émotionnels mais de là à égaler, voir remplacer le cinéma, je ne pense pas non. Les œuvres immersives se rapprochent davantage du cinéma expérimental car elles ne reposent pas uniquement sur la trame de l’histoire, mais bien sur le côté sensoriel de la chose. Au cinéma, le but recherché est de conter une histoire, la VR elle, s’évertue à proposer une expérience, comme c’est le cas avec Ayahuasca Kosmik Journey par exemple. 

Autre réalisation projetée au GIFF, votre web-série The Show, quelle fut la genèse du projet ? 

Réaliser The Show c’était prendre part à une aventure résolument libre en matière de création. J’ai pu choisir directement quels acteurs je voulais sans passer par la case casting, ce qui est plutôt rare de nos jours. La thématique de la série n’est pas sans rappeler 99 francs, c’est-à-dire un pamphlet qui possède cette capacité de questionner le spectateur. 

En tout cas j’ai pris beaucoup de plaisir dans ma réalisation, avec certes moins de moyens que d’accoutumé mais plus de liberté. 

Votre prochain film, Mon Cousin, est prévu pour Avril 2020, vous pouvez nous en dire un peu plus ? 

Je suis quelqu’un qui aime faire des films très différents, aussi bien au niveau du genre que du script. Réaliser Mon Cousin, c’est l’occasion de m’attaquer aux comédies qui m’ont bercé quand j’étais gosse, en y ajoutant une certaine dose féérie. Je suis vraiment très heureux de faire ce film, qui plus est en compagnie du tandem Vincent Lindon / François Damiens. 

On doit s’attendre à un triple caméo : vous, Gaspar Noé et Albert Dupontel. 

Oh vous vous êtes bien renseigné ! Albert nous avait demandé, à Gaspar et moi, de faire un caméo dans son film Neuf Mois Ferme. Et en guise de réponse j’ai décidé de faire la même chose dans mon prochain film, c’est un petit clin d’œil ! 

Une anecdote à nous raconter sur le film 99 Francs ? 

J’en ai plusieurs. Lorsque Octave donne de la coke au hamster de l’open space, et que celui-ci fini par faire une overdose, aucune bête n’a été tuée sur le tournage je vous rassure ! 6 mois avant on avait demandé à un éleveur de rongeurs de nous congeler un hamster mort pour les besoins de cette scène, et la post-prod a fait le reste. Je me souviens d’une scène totalement improvisée par Jean Dujardin et Jocelyn Quivrin qu’on a gardé au montage. Des gants de boxe trainaient sur le plateau, Jocelyn commence à les enfiler et Jean le suit dans son délire, mais ce n’était absolument pas prévu dans le script ! 

Lors de la réalisation de la scène d’Octave adolescent en train de se masturber on s’est vraiment marrés car on a collé la tête de Jean sur le corps du jeune figurant et le résultat était franchement drôle, si bien que j’avais gardé le rush sur un Ipod. Lors des derniers jours de tournage au Venezuela je me souviens que Jean n’arrêtait pas de me demander mon ipod pour re-visionner la scène plusieurs fois dans la journée avec toujours le même entrain ! 

Comment votre court métrage Vibro Boy s’est retrouvé dans une scène du film Le Bonheur est dans le pré ? 

C’est tout simple, Etienne Chatillez a vu mon court métrage et l’a intégré dans une scène de son film. Lors du tournage de Dobermann, on a voulu lui rendre la pareille en projetant la fameuse scène afin de créer un film dans le film. Et dans ce cas-là il faut avoir l’aval des acteurs. Hélas on n’a pas pu joindre Eric Cantona pour obtenir son accord, donc à la place j’ai intégré mon autre court métrage, Gisèle Kérozène.  

Votre dernière claque cinématographique ? 

J’ai récemment vu le long-métrage fantastique Border sur conseil de Gaspar Noé. Je me suis pris une claque ! Un conseil cependant, allez-le voir sans regarder au préalable le pitch ou les bandes annonces, histoire de perdre totalement vos repères. 

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Lorsque le roi Henri IV, est assassiné en 1610, Louis XIII, âgé d’à peine neuf ans, monte sur le trône français. Au cours des trois décennies suivantes, Louis le Juste élève la France au sommet du continent en vainquant l’Espagne. Il exile sa propre mère Marie de Médicis, introduit les perruques pour les hommes, et soutient l’idée de génie de Richelieu quant à la création de l’Académie Française. Ironiquement, son nom a survécu grâce à aucun de ces faits d’armes. Son nom résonne à travers le monde avant tout parce qu’il renvoie à l’un des meilleurs alcool au monde! Lancé en 1874 par Paul-Émile Rémy Martin, le cognac Louis XIII était à l’origine un mélange des meilleures eaux-de-vie les plus fines provenant de ses chais. Et à ce jour, près de 150 ans plus tard, cet élixir continue d’être le joyau de la couronne de la maison de Rémy Martin. Un must aux arômes de miel, de santal et de muscade, toujours présenté dans un impressionnant flacon.

Fabrication artisanale de la bouteille

LES ARÔMES DU TEMPS

Chez Go Out! on a récemment visité les terres sacrées du vaste campus du Domaine de Merpins de Louis XIII. Une opportunité d’une grande rareté, celle d’explorer les tonneaux sous la houlette d’un maître de chais. C’est un très beau jour de septembre qu’on nous a guidés à travers des entrepôts et des pièces caverneuses où l’air y est sombre et frais, afin d’éclairer le travail d’un maître de chai, allant de la sélection des meilleures eaux-de-vie au vieillissement vigilant de l’esprit en fûts de chêne français. Entrer dans un chai, c’est entrer dans la confidence. Les fûts se superposent, c’est rural et médiéval mais tout est supervisé avec un soin méticuleux. Ici on y incorpore les innombrables élixirs dans ce qui seront un jour mis en bouteille et étiqueté.

SAVOIR-FAIRE SÉCULAIRE

Chaque Maître de Chai choisit le nectar le plus fin et le plus mature pour créer ce qui deviendra Louis XIII. Mais l’esprit exclusif n’est pas uniquement l’œuvre du maître de chai actuel. Elle provient de l’association de 1 200 eaux-de-vie. Il faut prendre son temps pour découvrir comment se fait le fameux Cognac, boisson des passionnés de l’amertume. Car c’est littéralement le fruit de chaque maître de chai et l’héritage transmis de maître à apprenti pendant près d’un siècle et demi, qui compte. Ainsi, le cognac, c’est une tradition, celle de la transmission, des successions et du travail. Ce sont des générations de viticulteurs qui perpétuent un artisanat et un savoir-faire pour créer un élixir qu’on ne déguste jamais de manière anodine. Une seule dégustation ne suffit pas à mesurer toute l’étendue de son extraordinaire complexité. A nous de renouveler l’expérience.

 

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Derrière cette publication dirigée par Cally Blackman et Hywel Davies, une envie qui dépasse celle de la création d’un bel ouvrage, la volonté de l’école d’ouvrir ses portes au public à travers ses pages, de laisser filtrer l’esprit créatif débordant de cette école et de permettre à tous d’avoir accès à la vision des arts et du design proposée par l’école, pour inspirer un plus large public. Cette débordante source d’inspiration se voit alimentée par les souvenirs des bancs d’école des nombreuses légendes diplômées de l’institution. Parmi ces figures ayant fait leurs armes dans cette institution, devenues des emblèmes de la mode, le fascinant Alexander McQueen, l’excentrique Marc Jacobs ou encore l’élégante Phoebe Philo, directrice artistique de la marque Céline pendant de nombreuses années. Cet ouvrage offre alors au public la chance de découvrir les premières années de ces designers aujourd’hui devenus des figures majeures dans leur domaine, rythmant de leurs créations les saisons de la mode. Croquis et projets, mais aussi bien évidemment les photographies de leurs défilés de fin d’étude, nous replongent dans les années de formation de ces designers légendaires, un retour dans le passé qui nous permet de découvrir l’école et ses élèves. Si l’intérêt de la presse et du public s’est alors toujours porté sur les impressionnants défilés de fin d’année, le livre tend à lier cette image à celle d’une réalité parfois plus crue et difficile, celle d’étudiants à l’esprit créatif dans une ville hors de prix et une école où la compétition est rude. Un ouvrage qui dévoile toutes les facettes de cette usine à talents, se référant aux expériences de ses anciens élèves, mais interrogeant aussi ses professeurs, à l’image de Louise Wilson ou d’Antonio Berardi, qui rappellent avec rigueur que l’école n’est pas qu’une question de style, c’est bien plus que ça, c’est de la matière, du concret. Si Fashion Central Saint Martins est un ouvrage qui nous raconte le passé de l’école de mode, c’est aussi une belle leçon qui nous rappelle que peu importe ce qui s’est fait auparavant, dans cette institution l’important reste de regarder vers le futur.

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Bien plus qu’un rappel des événements passés et de l’histoire de l’opposition entre guerre et paix, cette exposition poussera le visiteur à se questionner sur son histoire et le monde actuel qui l’entoure. À travers des pièces d’une grande rareté issues des collections des trois institutions à l’origine de ce projet, mais également par la présence d’un mur de questions, « Guerre et Paix » incite à une réflexion sur notre passé et la moralité de l’Homme qui agit, puis condamne, venant poser la question de la punition et du pardon, nous plaçant alors comme acteur de cette histoire qui ne cesse de se répéter dans un monde où la paix n’a pas encore vaincu la guerre.

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