Un théâtre en majesté. Devant, l’élégance ; dedans, la déflagration. (c) Festspielhaus Baden-Baden

En ouverture, Lohengrin de Wagner. Une œuvre-monde, mystique et politique, revisitée sous la direction de Joana Mallwitz, avec le Mahler Chamber Orchestra — comme une plongée dans les mythes, mais sans poussière. 

Salle pleine, souffle suspendu. Ici, chaque silence est un luxe, chaque note une prise de pouvoir. Le concert ne se regarde pas — il s’impose. (c) Festspielhaus Baden-Baden / Michael Bode

Puis vient le contraste, presque une bascule : la Matthäus-Passion de Bach dirigée par Klaus Mäkelä. Moins spectacle, plus vertige intérieur. Une musique qui ne s’écoute pas, elle vous regarde. Et entre les deux ? Des respirations précieuses. La pianiste Hélène Grimaud dialogue avec Brahms et Schumann, convoquant Clara comme une présence fantôme mais centrale.

Le grand écart : tradition vs nouvelle garde
Ce qui frappe ici, ce n’est pas seulement la qualité — c’est la tension. Une tension féconde entre les monuments du répertoire et ceux qui les réinterprètent. Car 2026 marque un tournant : le Royal Concertgebouw Orchestra et le Mahler Chamber Orchestra prennent les rênes artistiques du festival, injectant une énergie nouvelle dans une institution déjà mythique. Résultat ? Un festival qui refuse de choisir entre mémoire et mouvement.

Plafonds peints, mémoire sculptée : l’ancien dialogue avec le présent. Entre fresques et résonance, le lieu lui-même devient partition. (c) Festspielhaus Baden-Baden

Entre la solennité d’un Bach et l’urgence d’une nouvelle génération de chefs, virtuoses et voix. Même le jeune violoniste Daniel Lozakovich s’invite dans cette partition globale — preuve que la relève n’attend plus son tour : elle joue déjà.

Baden-Baden, théâtre total
Mais réduire les Osterfestspiele à une suite de concerts serait une erreur. C’est une expérience. Une ville entière qui se met au diapason : entre sources chaudes et velours rouge, entre architecture néoclassique et acoustique millimétrée.

Sous ses airs de dolce vita thermale, la scène gronde déjà. (c) Festspielhaus Baden-Baden

Le Festspielhaus Baden-Baden — 2’500 places, plus grand opéra d’Allemagne — agit comme un cœur battant, aspirant publics, artistes et émotions dans une même pulsation. Et autour, des talks, des rencontres, une festival lounge comme si la musique refusait de s’arrêter au dernier accord.

L’émotion comme ligne de mire
Ici, on ne consomme pas la musique. On la traverse! Entre la monumentalité d’un War Requiem de Britten, la densité d’un Mahler ou la pureté d’un Bach, chaque soirée agit comme une secousse douce — un rappel que la musique classique, quand elle est vivante, n’a rien de muséal. Et peut-être que c’est ça, au fond, le vrai luxe : ne plus écouter distraitement… mais être saisi.

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Marie Ducaté, sourire en clair-obscur, devant son œuvre. © Boris Dunand, Musée Ariana

Elle se dit peintre mais déborde immédiatement de cette définition. Sa pratique glisse entre disciplines, brouille les frontières, refuse les catégories. Une peinture qui devient objet, un objet qui devient décor, un décor qui devient récit. Ici, rien n’est figé. Tout évolue, se transforme, se recouvre. Même les meubles deviennent surfaces picturales, comme si le quotidien refusait d’être neutre.

Corps, mythes et malice
Dans ses œuvres, les figures apparaissent puis se déplacent — Adam, Ève, serpent, tigre — comme des personnages rejouant l’histoire de l’art avec un sourire en coin. Pas de révérence, mais une réécriture. Ducaté détourne les mythes fondateurs, désamorce les symboles, redistribue les rôles. Le regard masculin ? Elle le contourne. La narration classique ? Elle la fissure.

Marie Ducaté. Simultanés au Musée Ariana (c)Boris Dunand, Musée Ariana

Résultat? Une iconographie à la fois familière et dérangeante, où le sacré flirte avec le domestique, où la sensualité circule sans hiérarchie. Une horizontalité des corps, des désirs, des récits. 

Matière fluide, pensée en mouvement
Ce qui frappe surtout, c’est cette obsession du passage. L’eau qui dilue les contours, le verre qui capte la lumière, les textiles qui absorbent la couleur. Rien n’est dur sans être contredit, rien n’est stable sans être troublé. Le verre, notamment, devient terrain d’expérimentation : soufflé, gravé, sablé, il dialogue avec le geste et avec l’autre — car Ducaté travaille toujours en relation, avec des artisans, des souffleurs, des savoir-faire.

Marie Ducaté. Simultanés au Musée Ariana (c) Crédit photo Boris Dunand, Musée Ariana

Son œuvre ne cherche pas la pureté, mais la circulation. Pas l’épure froide, mais la souplesse vivante. Une esthétique du lien plus que de la ligne.

Habiter l’art, porter le décor
Et puis il y a ce basculement subtil : chez elle, l’art ne se regarde pas seulement, il se porte, il se traverse. Colliers, broches, objets activables… Le spectateur devient acteur, presque matière à son tour.

On ne visite pas son univers, on y entre. On s’y reflète, littéralement, face à des miroirs, des surfaces, des textures qui prolongent le geste artistique dans le corps du regardeur.

Regard critique, trop plein ou trop juste ?
Cette profusion peut dérouter. À force de tout mêler — disciplines, références, matières — Ducaté frôle parfois la saturation. Le regard cherche un point d’ancrage, une respiration. Mais c’est peut-être précisément là que réside sa force : dans ce refus de simplifier, de lisser, de réduire. Une œuvre qui ne se laisse pas consommer rapidement, qui demande d’être apprivoisée. Pas un art qui se donne. Un art qui se diffuse.

Marie Ducaté. Simultanés Dessins choisis Selected Drawings Photographie © Marie Ducaté

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Sérums alignés, textures en vitrine : la beauté se choisit comme un langage ici! © Forever Institut

Aujourd’hui, le nouvel espace de la Rue du Commerce 3 promet plus de lumière, plus de fluidité, plus de confort. En clair : moins clinique, plus expérience!

Laser, scalpel, stratégie : la précision comme religion
Ici, pas de promesses floues ni de glow en storytelling. Forever Institut joue la carte du sérieux. Avec plus de 30 technologies laser et une approche médicale à 360°, l’institut revendique une expertise chirurgicale du détail : dermatologie, médecine esthétique et chirurgie.

Minimalisme chirurgical, regard au large : ici, on traite sans surjouer. © Forever Institut

PRP, PRF, Nanofat… des mots qui claquent comme des formules, mais qui traduisent surtout une obsession : régénérer plutôt que transformer. Et c’est là que le positionnement intrigue. À l’heure où la médecine esthétique flirte avec le spectaculaire, Forever reste du côté du contrôle, du mesuré, du durable. Moins de « wow », plus de « juste ».

Famille Polla : héritage en injection lente
Dans un secteur où les marques naissent et disparaissent à la vitesse d’un filtre Instagram, Forever Institut revendique une rareté : la continuité. Ici, on ne scale pas — on s’installe. Cette stabilité permet une chose précieuse : prendre le temps de tester, d’évaluer, de refuser aussi.

Au cœur de Forever Institut, une histoire de famille qui se transmet, s’incarne et s’affine, génération après génération, avec la même obsession : faire juste. De gauche à droite : Roxane, Rachel, le Dr Luigi Polla, Cyrille et Ada © Forever Institut

Chaque technologie est passée au crible avant d’être adoptée. Une lenteur assumée, presque militante. Dans un monde obsédé par le nouveau, Forever parie sur le fiable. Et ça, mine de rien, devient radical.

SIP glow bar : shot de peau, shoot de glow
Et puis il y a SIP. Trois lettres qui claquent comme un shot… mais pour la peau!  Le nouveau Glow Bar de Forever Institut distille un café serré version cutanée : rapide, ciblé, terriblement efficace! Vingt minutes chrono pour remettre le teint sur pied! On s’installe, on s’isole et on disparaît presque. Sous le masque MyLED, la lumière travaille en silence : elle stimule, elle réveille, elle relance la mécanique cellulaire sans faire de vague. Pas de bruit, pas de fioritures — juste une peau qui se remet en marche, comme si elle avait enfin dormi.

Sous LED, le temps suspend son souffle, la peau, elle, rallume la lumière. Ici, l’éclat se boit autant qu’il se vit. © Forever Institut

Et pendant que le visage se recharge, le corps suit le mouvement. Un NutriGlow Juice à la main, vitamines en renfort, éclat en relais : dedans ça circule, dehors ça s’illumine. Résultat ? Le teint reprend la parole, les traits se décrispent, le miroir devient soudain plus conciliant. Un espresso cutané, version haute technologie. Un shoot de lumière, et la peau rallume la pièce.

Peau, patience et précision
Le marché de la médecine esthétique explose. Demande croissante, quête de naturel, obsession du “mieux vieillir” plutôt que du “ne pas vieillir.  Forever Institut n’a pas attendu la tendance — il l’a anticipée. Mais là où d’autres surfent sur le glow immédiat, Forever creuse plus profond : qualité de peau, régénération et cohérence du visage dans le temps. Un luxe discret, presque silencieux.

Les couloirs habillés de la collection arty du Dr Luigi Polla © Forever Institut

Conclusion? Forever Institut ne cherche pas à impressionner. La clinique ajuste, corrige et perfectionne. Ainsi, son déménagement ressemble à ses traitements : précis, mesuré, presque invisible mais profondément efficace!

À Genève, où tout va vite mais rien ne doit se voir, Forever reste fidèle à une idée simple : La meilleure transformation, c’est celle qu’on ne peut pas dater!

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Entrée en matière, entrée en mémoire : dès les premiers pas, La Redoute déroule son récit comme un fil tendu entre hier et aujourd’hui (c) La Redoute

De maille en maille
Née en 1837 dans la vapeur industrielle du Nord, La Redoute commence par la laine avant d’habiller des générations entières. Ici, l’exposition raconte l’ascension d’une filature familiale devenue boussole du quotidien français. Le récit est chronologique mais jamais figé : archives, publicités, photographies, catalogues et objets de design composent un album vivant, celui d’une marque qui a su rendre accessible l’inaccessible — quand « tout au coin de la rue » n’existait pas encore.

De ces pelotes du XIXᵉ siècle aux silhouettes contemporaines, La Redoute entremêle passé, présent et futur comme on entrelace des fils de laine. Dans cette rétrospective, l’enseigne tricolore ne raconte pas juste une chronologie : elle tricote des anecdotes, elle tisse des influences et brode des codes. Chacune de ces pièces — du catalogue mythique aux collaborations fulgurantes — est une maille dans la grande pièce du design français.

Maille en mosaïque, motifs en mémoire : l’héritage se tricote en couleurs. Pénélope version pop, archive en mouvement (c) La Redoute

Catalogue, collaborations et custo-créations
La Redoute n’a jamais été une simple enseigne — plutôt une scène ouverte, couture en coulisses et casting cinq étoiles. Très tôt, elle invite les signatures à s’inviter chez nous : Emmanuelle Khanh ouvre le bal, suivie de Jean Bousquet. Puis le vestiaire prend de l’altitude avec Yves Saint Laurent, Karl Lagerfeld, Jean-Paul Gaultier, Christian Lacroix ou encore Azzedine Alaïa.

Smoking au féminin signé Yves Saint Laurent : quand le vestiaire masculin glisse vers l’icône (c) La Redoute

Côté design, même partition pointue : Philippe Starck, Jean-Michel Wilmotte ou encore Tom Dixon. Et plus tard, des nouveaux noms devenus les nouvelles normes : Simon Porte Jacquemus, Anthony Vaccarello, Christelle Kocher.

Philippe Starck en équilibre — design démultiplié, objets en orbite. Quand le quotidien devient terrain de jeu, presque une performance (c) La Redoute

Chez La Redoute, les collections ne défilent pas,  elles dialoguent, dérivent, dérangent parfois. Plus de 150 collaborations : une garde-robe collective où le quotidien devient terrain de création.

Design et détours : détourner, dériver, désirer
L’exposition ne montre pas, elle met en mouvement. Entre archives et installations contemporaines, le regard glisse du fonctionnel vers le sensible, du banal vers le presque charnel. Un catalogue devient paysage, une chaise devient chapitre, un vêtement devient voix. Ici, tout se détourne : l’objet s’émancipe, le design s’écrit, et le quotidien prend la parole.

Chaise sculptée, tapis solaire : entre artisanat et poésie domestique (c) La Redoute

Capsules contemporaines — héritage en mouvement
Parce que le passé ne se plie pas, il se replie, se réécrit, se remix. La Redoute propose pour célébrer cette exposition quatre capsules, quatre lectures du patrimoine :

• Charles de Vilmorin transforme le t-shirt en toile vivante — six graphismes comme six éclats d’imaginaire.
• MaPoésie insuffle ses motifs vibrants à La Redoute Intérieurs : coussins, tapis, parasols deviennent surfaces en mouvement.
• Le suisse Kevin Germanier réinvente les pièces iconiques avec une énergie upcyclée, flamboyante.
• Blanchemaille replonge dans les années 1920 pour mieux les réactiver — maille mémoire, maille moderne.

Mobilier pixelisé, couleurs en collision : Kevin Germanier transforme l’assise en statement. S’asseoir, oui — mais avec panache (c) La Redoute

Une histoire qui ne se raconte plus au passé, mais au présent continu. Du salon au jardin, du textile à l’objet, tout pulse. Ici, on ne décore pas : on réveille, on relève et on réenchante.

Dernière maille
On entre pour voir des vêtements, on sort avec des fragments de vies. Des lignes qui racontent, des tissus qui témoignent, des objets qui insistent. La Redoute ne vend pas seulement du style — elle archive nos gestes, nos époques, nos élans. Un catalogue ? Non. Un roman textile.

Lignes tracées, contours assumés : le trench se dessine comme une esquisse en relief. Minimalisme graphique, impact maximal (c) La Redoute

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Aperture, ou l’art d’ouvrir la nuit
Dès les premières secondes, le morceau respire. Une nappe de synthé, presque diaphane, s’installe avec la délicatesse d’un lever de rideau. Rien de frontal. Rien de brutal. La lumière s’allume progressivement, comme si la chanson nous habituait à voir autrement. Puis la pulsation arrive — discrète mais irrésistible — une rythmique disco contenue, élégante, qui rappelle les nuits qui ne cherchent pas à être vues mais à être vécues. La production, façonnée avec Kid Harpoon, joue avec les textures plus qu’avec les effets. Une basse chaude qui enveloppe, des percussions feutrées qui battent comme un cœur un peu trop lucide, des respirations laissées volontairement audibles. Tout est question de retenue.

Le refrain ne surgit pas, il s’élève. Il ne cherche pas l’explosion mais l’élévation. Il ne hurle pas l’émotion, il la laisse monter, presque à contre-jour. Et au centre de tout, la voix d’Harry : plus grave, plus posée, presque fragile par moments. Une voix qui ne performe plus, qui confesse. Qui s’adresse à quelqu’un ou peut-être à nous.

Aperture n’est pas un single conçu pour saturer les playlists. C’est un morceau qui s’infiltre lentement, comme un parfum sur une veste qu’on garde trop longtemps. Il parle de distance, d’intimité, de regard, de ce qui s’ouvre quand on accepte enfin de voir clair, même dans la pénombre. On imagine la scène : lumières tamisées, silhouettes en mouvement, tissus fluides, paillettes qui captent juste ce qu’il faut de lumière. Ce n’est pas une fête tapageuse. C’est une communion douce, presque introspective. Une danse qui ressemble à une conversation.

Nos coups de cœur, là où Harry touche juste
Chez Harry Styles, certaines chansons dépassent le simple statut de succès pour devenir des refuges. Des morceaux qu’on écoute seuls, tard, quand la ville ralentit.

Sign of the Times (2017) ouvre le bal comme une déclaration d’indépendance artistique. Ballade dramatique, presque théâtrale, elle explose en crescendo rock avec une ampleur qui rappelle les grandes fresques des années 70. C’est une chanson d’adieu et de renaissance, portée par une intensité vocale brute. Dès ce premier single solo, Harry annonçait la couleur : il ne serait jamais là où on l’attend.

Avec Falling, extrait de Fine Line, il change radicalement de décor. Piano minimaliste, voix presque tremblante, confession sans filtre. Falling est une chute intérieure, une exploration de la culpabilité et de la solitude. Pas d’arrangements spectaculaires pour se cacher : juste l’émotion nue. On y entend les silences autant que les notes. C’est fragile, imparfait, et donc profondément humain.

Dans le même album, Fine Line agit comme une catharsis. Long morceau évolutif, il commence dans une douceur mélancolique avant de s’ouvrir progressivement vers quelque chose de presque lumineux. Les harmonies s’empilent, les instruments prennent de l’ampleur, comme si la tristesse finissait par se dissoudre dans l’acceptation. Fine Line n’est pas une chanson de rupture, c’est une chanson de passage — le moment précis où l’on comprend que la douleur fait aussi partie de l’équilibre.

Enfin, Matilda, issue de Harry’s House, est sans doute l’une des plus délicates. Ici, Harry se fait presque narrateur, consolateur. Sur une instrumentation douce et organique, il adresse un message à celles et ceux qui ont dû grandir trop vite, qui ont appris à se construire seuls. Matilda n’est pas une chanson spectaculaire — c’est une étreinte. Une manière de dire : “Tu as le droit de partir. Tu as le droit de choisir ta paix.”

Qu’il soit grandiloquent ou minimaliste, solaire ou introspectif, Harry Styles a cette capacité rare : transformer ses vulnérabilités en hymnes collectifs. Et c’est peut-être là, dans cet équilibre fragile — cette fine line — que réside toute sa force.

L’élégance du contraste
Avec ‘Kiss All The Time. Disco’ , Occasionally, Harry semble vouloir explorer les zones grises : la joie teintée de mélancolie, l’euphorie traversée par le doute, le désir mêlé à la pudeur. Il ne choisit pas entre la lumière et l’ombre. Il les fait cohabiter. Il ne revient pas pour occuper l’espace médiatique. Il revient pour créer une atmosphère. Et dans un monde qui crie plus qu’il n’écoute, cette délicatesse-là a quelque chose de radical. 2026 sera peut-être disco mais seulement occasionnellement. Le reste du temps, ce sera intime. Et infiniment vivant.

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Sous le capot, une mécanique bien huilée : chaque rouage conspire à faire disparaître la poussière sans faire d’histoires (c) Roborock

Vision vive, précision précieuse
Doté du StarSight™ Autonomous System 2.0, il voit clair là où on ferme tous les yeux. Plus de 300 objets reconnus : câbles serpents, jouets nomades, pièges du quotidien — tout est identifié, évité, apprivoisé. Ici, pas de rituel pré-ménage, pas de mise en scène du propre : le désordre est pris sur le vif, intercepté avant même d’exister vraiment. Une intelligence qui anticipe sans dramatiser, une élégance algorithmique presque aristocratique, le ménage avec maintien.

Bas, discret, presque furtif : il se faufile là où le regard ne va plus et remet de l’ordre dans l’ombre (c) Roborock

Puissance, pression, perfection
36 000 Pa d’aspiration. Ça aspire, ça absorbe, ça avale sans appel. Et quand la poussière abdique, le ballet commence : deux serpillières qui tournent à 200 tours par minute, une pression qui s’adapte comme un bon massage, plus ferme là où ça résiste, plus doux là où ça glisse. Le sol passe du vécu au velours, du chaos au chic. Les cheveux ne s’emmêlent plus, les miettes ne négocient plus. Rideau.

L’art des angles, le culte du détail
Parce que le vrai luxe se niche dans ce qu’on ne voit pas, le Saros 20 déploie son FlexiArm™ comme un bras chorégraphique, traquant la poussière dans ses derniers retranchements. Plinthes, coins, lignes oubliées, rien n’échappe à son radar méticuleux. Là où d’autres laissent un halo approximatif, lui signe une ligne nette, presque graphique. C’est précis, pointu, un brin obsessionnel et franchement ultra jouissif pour les maniaques du ménage!

Il ne contourne pas les obstacles, il les dépasse. Le ménage prend de la hauteur littéralement! (c) Roborock

Docking station : la base devient palace
Le clou du spectacle ? Son RockDock®. Un spa pour serpillière. Lavage à 100°C, séchage à l’air chaud, vidage automatique jusqu’à 65 jours : pendant que vous vivez, il s’auto-gère, s’auto-nettoie, s’auto-suffit. Une logistique invisible, un confort maximal. Le ménage devient une rumeur lointaine, un souvenir presque flou. Le luxe ultime ? Ne plus y penser.

Intelligence intuitive, quotidien allégé
Via son application, le Saros 20 apprend vos rythmes comme un bon DJ capte une piste : il ajuste, module et anticipe. Il s’efface quand vous êtes là, insiste quand vous partez, optimise sans vous solliciter. Un majordome digital, discret mais décisif, qui transforme le ménage en non-sujet. Ou mieux : en sujet réglé!

Verdict
Le Saros 20 ne nettoie pas seulement notre intérieur,  il reprogramme notre quotidien! Moins de contraintes, plus de clarté. Moins de gestes, plus de grâce. Et au fond, une seule question subsiste : pourquoi avoir attendu si longtemps pour déléguer la poussière ?

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Lignes anglo-normandes, allure feutrée : un refuge qui préfère durer que briller (c) L’Ermitage

L’architecture anglo-normande, elle, ne cherche pas à impressionner, elle enlace. Des lignes douces, des volumes habités, presque vivants. À l’intérieur, la matière raconte : bois qui rassure, pierre qui ancre, cuir qui patine le temps. Même les salles de bain deviennent paysage: galets, ardoise, transparences… comme si l’eau, fidèle à Évian, refusait de s’arrêter à la source et décidait de vous suivre jusque dans l’intime.

Les chambres ? 80 refuges et 16 suites qui ne tranchent pas entre solitude et retrouvailles. On peut s’y isoler du monde… ou s’y retrouver, vraiment. Et ça change tout. Le luxe ici, ce n’est pas la surface, c’est l’espace qu’on laisse aux liens. Une cheminée qui crépite comme un cœur en hiver, une terrasse suspendue en été où le temps s’allonge, s’étire, fait la sieste avec vous. Même votre téléphone finit par abandonner (et franchement, merci!).

le bar feutre La Bibliothèque (c) L’Ermitage

À table, pas de cirque, pas de show-off. Juste du vrai. La Table joue la partition du produit, du proche, du vivant. Ça goûte juste, ça rassemble, ça dure. Le brunch du dimanche ? Moins un buffet qu’un rituel : celui où les générations se croisent, où les discussions s’étirent, où l’on se dit qu’on pourrait rester là… encore un peu. À “La Bibliothèque” aka le bar, le temps ralentit d’un cran supplémentaire : cocktails feutrés, voix basses, moments qui n’ont rien à prouver.

Le restaurant La Table dédié au goût du vrai (c) L’Ermitage

Puis vient ce moment où l’on ne fait plus rien… et où, justement, tout commence. Au Spa Quatre Terres, le corps redescend d’un étage. Argiles, pierres, cristaux… ici, on ne vous “fait” pas un soin, on vous reconnecte à la matière. C’est presque primitif, au sens noble. Les gestes sont précis, les textures profondes, et soudain, votre corps se souvient qu’il n’est pas qu’un agenda sur pattes.

Le SPA de l’hôtel (c) L’Ermitage

L’Ermitage ne vend pas une nuit. Il propose un retour. À l’essentiel. Aux autres. À soi. Et ça, mine de rien, c’est devenu radical.

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Orlando observe les amours de Medoro (Paul Figuier) et Angelica (Marie Lys) (c) Dr

Un Orlando épuré
« Il me semblait nécessaire de rapprocher de nous ces chevaliers, cette princesse, cette bergère » explique Mariame Clément dans la note d’intention. Sur scène, la dramaturgie concentre l’œuvre sur les sentiments plutôt que sur un grand drame épique entre héros à la recherche d’un fait d’armes. Elle poussera d’ailleurs l’idée en faisant du rôle-titre, dont la jalousie le conduit à la folie, à le présenter en patient placé en psychiatrie. Les vicissitudes amoureuses sont tournées en dérision, avec délice et humour. Ainsi dans son air de défi « fammi combattere » (acte I), Orlando en fait des tonnes et la destinataire Angelica paraît franchement embarrassée. D’autres scènes sont très drôles, notamment le duo entre Orlando et Dorinda (acte II) et les monstres grotesques qui peuplent l’imaginaire de cet anti-héros (acte II), à qui l’on applique un suivi thérapeutique rapproché. Inventive et pragmatique, l’idée perd un peu en saveur en deuxième partie, la faute peut-être à vouloir trop concilier les registres ?

Sur le plateau, une immense coiffe d’infanterie à pinces, sorte de casque de réalité virtuelle, vous envoie une fois dans un bar, une fois dans les bosquets, selon les besoins du récit.L’effet plastique est garanti. Aux costumes également, Kaspar Glarner présente des tenues du quotidien et les références épiques qui ressemblent plutôt à des déguisements qu’à des reconstitutions savantes, ce qui renforce l’aspect dérisoire. Les lumières signées Valerio Tiberi soulignent les profondeurs ouau contraire portent l’attention sur le proscénium, par exemple dans la scène du songe (acte II), un classique dans le baroque.

Dorinda, incarnée avec talent par d’Ana Vieira Leite crédits Carole Parodi (c) DR

Un écrin pour le clavecin
L’Opéra de Lausanne est à n’en pas douter une très belle salle pour le répertoire baroque, par sa taille et sa fosse. L’Orchestre de chambre de Lausanne y a dévoilé un jeu expressif, alternant solos ou duos contemplatifs avec des temporale (scènes de tempêtes) très rythmés. Mentions spéciales au chef d’orchestre Christopher Moulds et Paolo Corsi, qui donnent au clavecin un rôle en soi, loin des ennuyeuses scansions sans intention (le fameux « ploum, ploum »). Cela se retrouve à la scène, où les protagonistes déploient tout leur jeu, ce qui donne aux récitatifs toute leur saveur dramatique et formelle. N’oublions pas enfin le solo au violoncelle de Joël Marosi à l’ineffable douceur, qui accompagne Medoro à l’acte I (« Se’l cor mai ti dirà »).

Sur scène, le contre-ténor Paul-Antoine Bénos-Djian est très présent, sollicité par la partition autant que la mise en scène, par exemple son énergique « Fammi combattere » (acte I) et son air de la folie (« Ah! stigie larve », fin de l’acte II), pour lequel il déploie tout un répertoire d’émotions, de rythme, de souffles. Son adversaire Medoro (Paul Figuier), est plus effacé, avec un jeu empesé pour un rôle d’éternel soupirant qui se prêterait parfaitement à l’humour. Impériale, altière, l’Angelica de Marie Lys déploie ses accents éclatants et ornements inventifs de talent, malgré un jeu parfois retenu. C’est tout le contraire de la présence engagée, inspirante et incarnée d’Ana Vieira Leite en Dorinda. Elle semble adorer ce rôle et lui offre toute une palette expressive, à savourer par exemple dans « Amore è qual vento » (acte III).​

Enfin, il faut relever le beau timbre de Callum Thorpe, qui campe un Zoroastro à l’autorité évidente, un rôle pivot, ou selon la metteuse en scène, il est « moins un personnage qu’une fonction », celle d’assurer un peu d’ordre en ce monde. Et il en a bien besoin en ces moments.

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Vanessa Paradis Crédit : © Paléo Festival / Photo officielle

Une pop qui oscille entre nostalgie et next gen, entre souvenirs d’adolescence et vertiges contemporains. 

Rock, noirceur et romantisme électrique
Place à la nuit. À ses nappes sombres, ses guitares viscérales, ses pulsations profondes. The Cure revient comme une incantation gothique — éternelle, envoûtante, presque mystique. À leurs côtés, Gorillaz brouille les frontières entre réel et virtuel, tandis que Twenty One Pilots injecte son rock hybride, nerveux, imprévisible. Ici, la musique ne se joue pas. Elle s’habite. Elle s’infiltre. Elle vous choisit.

Saint Laurent Crédit : © Paléo Festival / Photo officielle

Orelsan Crédit : © Paléo Festival / Photo officielle

Hip-hop : flow frontal et poésie brute
Le hip-hop, lui, ne demande plus la permission — il prend la scène. Orelsan affine ses mots comme des lames sensibles, pendant que Theodora impose son aura de “Boss Lady” entre rap, pop et bouyon. Ajoutez à ça Keny Arkana, toujours en feu militant, disiz en introspection pop, et Saint Levant en voix globale : le genre ne se contente plus d’évoluer, il mute.

Électro : la montée en transe
Quand la nuit tombe, Paléo bascule. Amelie Lens sculpte la techno comme une architecture mentale, Bob Sinclair injecte ses classiques solaires, et Timmy Trumpet transforme la clôture en explosion euphorique. Une rave maîtrisée, une extase scénarisée, un lâcher-prise millimétré.

Nord magnétique & scène suisse vibrante
Cette année, le Village du Monde regarde vers le Nord — glaciers sonores, folk mystique et black metal féministe. Pendant ce temps, la Suisse joue à domicile : The Young Gods, Mosimann ou encore Marie Jay rappellent que le talent local n’a rien d’un échauffement. 

Le chiffre qui claque
103 artistes. Plus de 200 concerts. 250’000 corps en mouvement. Paléo, ce n’est pas un festival mais une ville éphémère, un organisme vivant, un battement collectif à ciel ouvert.

Marée humaine, chapiteau signature — ici, 250’000 battements de cœur s’alignent sur un même tempo. Paléo, version grand angle : monumental, presque irréel.
Crédit : © Paléo Festival / Photo officielle

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Perché entre ciel et sapins, Six Senses Crans-Montana suspend le temps — et nous avec! (c) Six Senses Crans Montana

Car derrière l’esthétique maîtrisée se cache une conviction presque radicale : reconnecter. À soi, aux autres, au vivant. Une mécanique sensible où les cinq sens — voir, toucher, sentir, goûter, écouter — s’alignent pour réveiller le sixième, celui qu’on a relégué au silence : l’intuition.  Ici, elle reprend la parole. Doucement. Mais sûrement.

Au cœur du lieu, un spa de 2 000 mètres carrés qui ne se contente pas de détendre — il reprogramme. Piscine intérieure de 29 mètres, saunas finlandais, bio-sauna salin, bassins froids, fontaines de glace : une grammaire thermique qui joue du contraste pour réveiller les corps engourdis. La chaleur enlace, le froid électrise, le silence amplifie. On entre fatigué, on ressort… réinitialisé! Comme si chaque cellule avait pris un shot d’altitude.

Plonger ici, c’est laisser le bruit au bord du bassin et retrouver le silence à l’intérieur (c) Six Senses Crans Montana

Mais ici, le bien-être ne se contente pas d’être sensoriel, il devient aussi stratégique. Le Wellness Screening, véritable scan du vivant, analyse biomarqueurs, oxygénation et niveau de stress pour composer un programme sur mesure.  Traduction : votre corps n’est plus un mystère, c’est une partition. Et Six Senses, son chef d’orchestre.

Du 9 au 12 avril 2026, le resort pousse encore plus loin la promesse avec un retreat au titre aussi simple qu’ambitieux : The Art of Staying Young.  Pas de miracle marketing ni de jeunesse sous Photoshop — ici, on parle de longévité réelle, presque artisanale. Froid, chaleur, altitude, respiration, nutrition inspirée des fameuses Blue Zones : le corps est challengé, stimulé, parfois bousculé, toujours intelligemment.

Johannes Weiss, artisan du vivant, il ne promet pas le temps suspendu, il apprend à mieux l’habit (c) Six Senses Crans Montana

Sous la houlette de Johannes Weiss, expert en médecine fonctionnelle, et de Rainer Goytia, pionnier du Cellgym, le programme mise sur un principe aussi ancien que redoutablement efficace : créer un stress contrôlé pour générer une adaptation positive. En clair, fatiguer un peu pour renforcer beaucoup. Déséquilibrer juste assez pour retrouver l’équilibre. Une équation subtile, mais redoutablement moderne. 

Même l’assiette s’inscrit dans cette logique de précision douce. Ici, on ne surcharge pas — on soutient. Cuisine majoritairement végétale, produits bruts, simplicité assumée : une gastronomie qui fait du bien sans en faire trop. Et cette règle presque poétique, presque politique : s’arrêter avant la satiété totale.  Moins de trop, plus de vrai. Une façon de manger qui n’alourdit pas, mais qui élève — subtilement.

Aligner le corps, apaiser l’esprit — et laisser le silence faire le reste (c) Six Senses Crans Montana

Dans un monde saturé de vitesse, d’injonctions et de stimulation permanente, Six Senses Crans-Montana propose une autre cadence. Plus lente. Plus consciente. Plus juste. Respirer y devient un luxe, dormir un art, se reconnecter une nécessité. Et au fil du séjour, une idée s’impose — douce, mais radicale : et si vieillir n’était pas une perte…mais une manière d’apprendre à mieux habiter son corps ?

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Leonardo García Alarcón (en répétition) tisse l’émotion comme une matière vivante, entre rigueur baroque et fièvre contemporaine (c) DR

Comment avez-vous travaillé la dramaturgie de cette œuvre, qui met aux prises deux jumeaux qui n’en sont pas ?
Le genre baroque propose souvent un prologue sans rapport avec l’action qui va suivre. J’ai proposé au metteur en scène Edward Clug de le supprimer, et ainsi débuter directement avec funérailles, et il a dit oui, c’est génial ! Dans cette œuvre, on n’entend pas chanter Castor jusqu’à la fin du premier acte. Et Pollux se promet d’aller aux Enfers chercher son frère, si bien qu’on pourrait nommer l’opéra « l’Orfeo de Pollux ». Les deux frères sont très différents, puisque Castor est frère de Clytemnestre et mortel, à l’inverse de Pollux, frère d’Hélène de Troie. Celui-ci est un personnage confiant, arrogant, chanté par un baryton-basse (dans la production Andreas Wolf) tandis que l’autre est à fleur de peau, incarné souvent par un haute-contre, mais ici par le ténor belge Reinoud van Mechelen.

Mise en scène et chorégraphie sont signées Edward Clug. Certaines collaborations entre plateau et fosse d’orchestre sont parfois difficiles…
Dès que le projet s’est confirmé il y a un an et demi, nous avons échangé. Mais j’ai découvert son univers esthétique en arrivant aux répétitions, avec ces objets du quotidien : chariots de supermarché, sacs en plastique, parapluies… On ne peut pas vraiment parler de valeur spirituelle, et pourtant ça marche! Grâce à la mise en scène, la direction d’acteurs, le travail des lumières, Edward parvient à donner sens et profondeur. C’est une personne au tempérament très calme, qui respecte des autres mais sait tenir une idée. J’aime ça.

La première version de 1737 a été mal accueillie, la seconde a été un triomphe. Pourquoi avoir retenu la première ?
Mal reçu peut-être, mais par les conservateurs. En fait, on dit qu’elle a été mal accueillie parce qu’il s’agissait d’une musique du futur ! Les harmonies ont provoqué une nouvelle voie émotionnelle, quelque chose qu’on n’avait jamais entendu avant. La version de 1754 a été édulcorée, pour plaire…

Quand Rameau passe au rayon réalité : des chariots comme métaphores du fardeau, des corps en errance, et l’amour qui se consomme… ou se consume. Sur scène, le mythe déraille avec élégance (c) DR

Soyons honnêtes : l’opéra des Nations, salle petite et de bois, était formidable pour le baroque. Le Grand Théâtre lui répond aux besoins du XIX-XXe siècles. Que pensez-vous du Bâtiment des forces motrices ?
J’ai adoré travailler à l’Opéra des Nations pour le XVIIèmesiècle Italien, notamment Il Giasone. Plus petite, la salle permettait de s’approcher du public, par exemple dans King Arthur [ndlr un promenoir avait été installé entre la fosse et le public], où les parties parlées comptent autant que la musique! Au Grand Théâtre, on doit évidemment travailler un son plus grandiose, prévu pour un effectif plus important, avec Mozartpar exemple. Au BFM, j’ai vécu une belle histoire en 1999, avec le premier opéra sudaméricain, La púrpura de la rosa, créé en 1701 au Pérou ! En fait, on peut dire que c’est ma première salle, puisque j’y ai dirigé mon premier opéra, La Calisto de Cavalli, en 2009. Elle offre un son très clair pour les instruments anciens. Ce lieu est une évidence.

Genève et Buenos Aires entretiennent des liens musicaux depuis longtemps : Arturo Benedetti Michelangeli, Martha Argerich, Gabriel Garrido, Nelson Goerner, et vous bien sûr. Comment l’expliquer ?
Borges évidemment ! [rires] En fait, c’est dû au hasard. Martha a gagné le concours en 1957. Borges est venu parce que son père s’y était installé. Et moi je cherchais la claveciniste idéale, Christiane Jaccottet, dont j’avais un disque de Bach. En rencontrant le professeur Gabriel Garrido au Conservatoire, je me suis senti à la maison. On m’a accueilli tout en me permettant de garder une part de mon identité. En ce sens, Genève et sa région sont une force qui attire beaucoup d’artistes. « La ville la plus propice au bonheur » selon Borges !

En 2024, vous avez ouvert la Cité Bleue. Quel bilan après une saison et demie ?
Après 2 ans de vie, on a déjà l’impression d’avoir y passé 10 ans ! Avec autant de productions, la Cité Bleue devient connue comme une salle de création basée à Genève. Par sa taille, ses justes proportions, ses besoins techniques précis mais limités, elle facilite la créativité et les tournées. On est poussés à repenser les formes artistiques, par exemples des pièces petites en moyens mais exerçant un fort impact.

Dans une Europe marquée par la précarisation culturelle, Genève est un peu une arche de Noé. On vit une situation de crise, pas seulement en raison de la guerre mais aussi la grande peste qu’a été le Covid-19, des moments que les historiens étudieront dans 20 ans. On sent que la culture n’est plus une priorité, et la musique encore moins. Ça se voit partout, même dans le mécénat. Les artistes doivent se battre pour défendre leur légitimité et pour l’ouverture d’esprit. Cela posera aussi des questions aux institutions plus importantes, en termes d’échelle et de propositions qui convoquent l’intelligence.

Timothée Chalamet a déclaré «Je ne veux pas travailler dans le ballet ni dans l’opéra […] ça n’intéresse plus personne.» Si vous l’aviez en face de lui, qu’est-ce que vous lui répondriez ?
D’abord, je lui dirais que je l’admire, l’ayant vu dans The King par exemple, avec mon fils. Il se sent Français pour les vacances, et mon fils se sent Argentin pendant ses vacances. Au fond, ce qu’il dit devrait conduire à une auto-critique, carballet et opéra peuvent être perçus comme des objets vétustes. A la Cité Bleue, on ne craint pas de tester de nouvelles propositions, par exemple j’ai présenté un spectacle sur les dinosaures ! Et les jeunes viennent. Vous savez, en Italie, l’opéra a toujours été public depuis sa création à Venise, par exemple à la Fenice et au San Cassiano où se produisaient Cavalli, Monteverdi et Ferrari. Il s’agissait alors un art populaire, par exemple pendant Carnaval. C’est en France qu’on a transformé l’opéra en art de Cour, sous l’impulsion de Louis XIV, avant d’être imité en Europe… et jusqu’à aujourd’hui.

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Aujourd’hui, le regard se travaille au millimètre : extensions, brow lift, restructuration. Le visage devient architecture… et chaque cil, une déclaration.

Le regard se travaille comme une matière précieuse — cil par cil (C) DR

L’art du regard
C’est dans cette évolution très contemporaine que s’inscrit SL Maison Beauté, installée au sein de Frame by Batikha, spot beauté genevois où se croisent savoir-faire, style et expertise. Dans cet écrin dédié à l’esthétique, le regard se travaille comme une matière précieuse. Chaque cil est posé avec minutie, chaque sourcil dessiné pour révéler l’équilibre naturel du visage. Un travail patient, presque artisanal, où précision rime avec élégance. Car ici, le regard ne se maquille pas seulement. Il se compose. Et parfois… il fait même tourner quelques têtes.

Le parcours de la créatrice
Derrière SL Maison Beauté? Il y a surtout une femme — Mathilde — et une obsession : celle du détail. Passionnée par l’esthétique du regard, la fondatrice s’est formée aux techniques les plus pointues de l’univers des cils et des sourcils. Au fil des années, elle développe sa propre vision : considérer le regard comme une architecture vivante, où chaque cil compte. Résultat : un travail précis, réfléchi, presque chorégraphié.

Mathilde, architecte du regard derrière ce concept captivant (c) DR

Son parcours l’amène aussi à transmettre son savoir-faire à travers des formations destinées aux professionnelles de la beauté. Car dans cet univers, le geste parfait ne s’improvise pas — il se cultive.

Beauté haute précision
SL Maison Beauté figure également parmi les adresses genevoises qui explorent les innovations du secteur, notamment avec la pose d’extensions de cils par technologie UV. Une technique qui permet une fixation instantanée grâce à une lampe UV : plus rapide, plus résistante, et idéale pour celles qui veulent un regard impeccable sans perdre un cil au passage. Une innovation discrète mais redoutablement efficace — un peu comme un regard bien placé.

Entre gestes millimétrés et atmosphère feutrée, l’expérience chez SL Maison Beauté ressemble à une parenthèse suspendue. Les cils se posent un à un comme des notes sur une partition, et le regard se redessine avec précision. On repart avec quelque chose en plus. Un éclat nouveau… et parfois quelques regards en plus dans la rue.

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