Déjà installé à Londres — connu comme le loup blanc des rooftops nippons — le concept pose ses katanas à Paris! Cuisine ouverte en ligne claire, banquettes carmin, bois sombre signé YODEZEEN, terrasse végétalisée qui surplombe la ville : le décor est maîtrisé, presque cinématographique. Mais ici, le vrai spectacle se joue dans la braise.

Binchotan & précision
En salle, la longue cuisine ouverte structure l’espace et recentre l’attention sur le geste. Au comptoir, les itamae travaillent sans bruit. La lame tranche, nette, sans folklore. La cuisine avance sur un fil : entre tradition respectée et désir de signature contemporaine. Mais ici, la gastronomie japonaise ne se limite pas au trio sushi-sashimi-maki, et Aqua Kyoto le rappelle avec justesse. Le binchotan — charbon blanc à la chaleur intense — imprime sa marque. Les grillades gagnent en profondeur, en relief, en caractère. Une cuisson nette, sans bavure.

Certaines créations flirtent avec le spectaculaire: transparences, gelées et touches florales. Par moments, la mise en scène prend le pas sur l’émotion. Les soba au matcha glissent avec élégance. Les gyozas au black cod apportent rondeur et umami. Le trio de tartares (saumon, thon, dorade) coiffé de caviar joue la carte du contraste iodé. Nigiris de toro, anguille laquée, tempura de crabe, filet de Wagyu australien : le produit est noble, la découpe précise, la présentation soignée sans tomber dans l’excès décoratif.

Les sauces — tentsuyu en tête — équilibrent acide, amer, sucré, crémeux. L’umami circule, cohérent. Les légumes sont taillés au cordeau. Rien n’est laissé au hasard. On sent la volonté d’excellence plus que l’envie d’impressionner.

Rooftop, mais pas que
Oui, la vue est spectaculaire. Oui, la terrasse végétalisée donne ce sentiment de dominer Paris. Mais Aqua Kyoto évite (souvent) l’écueil du rooftop gadget. L’atmosphère reste sophistiquée, sans tapage. Végétalisée, vertigineuse. Un jardin suspendu qui surplombe le flux parisien. Le jour, la lumière polit les lignes. La nuit, le lieu se densifie, se nuance, se nocturnalise.

Cerise sur le mochi, les boissons: saké pétillant, cocktails aux accents yuzu, matcha, gingembre. Des accords pensés pour prolonger le voyage sans le caricaturer. À chacun de décider s’il y vient pour la vue, pour la cuisine… ou pour ce léger vertige entre les deux.

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Oxmo Puccino : le poète urbain
Lorsque Oxmo Puccini s’empare de la scène, ce n’est pas seulement un concert qui commence, c’est un paysage entier qui se déploie. Sa voix grave ouvre des chemins, ses mots avancent avec la précision d’un poète et la douceur d’un conteur. On n’écoute pas seulement ses morceaux : on s’y laisse glisser, porté par un flow qui raconte, questionne et remue. Et lorsque les lumières retombent, ses phrases continuent souvent de tourner quelque part en nous. À retrouver le 17 mars à l’Alhambra!

Oxmo Puccino ©Jérémy Beaudet

Luiza : le soleil entre dans la salle
Quand Luiza monte sur scène, c’est comme si le soleil entrait dans la salle. Sa voix chaude et lumineuse, à la fois douce et puissante, vous enveloppe et vous emporte dans un voyage aux couleurs du Brésil et de la pop française. Chaque note raconte une histoire, chaque mélodie fait danser le cœur et sourire l’âme. Entre rythmes entraînants et moments suspendus, son concert est une célébration de la vie, de la joie et des émotions partagées. C’est un rendez‑vous à ne pas manquer : le 19 mars à l’Alhambra, pour se laisser porter par sa musique, vibrer, sourire, et peut‑être même danser pieds nus sur les nuages. Une soirée qui promet d’être inoubliable.

Astéréotypie : quand le chaos devient poésie vivante
Quand Astéréotypie apparaît sur scène, c’est comme si une tempête sonore s’échappait d’un poème habité! Né d’un atelier de poésie, ce collectif post‑punk a fait de ses mots mordants et de ses rythmes rugissants un univers où tout peut prendre feu, rire ou guérir : des textes qui frappent l’imaginaire, des voix qui scandent des vérités sans filtre, et une énergie brute qui vous emporte dès les premières secondes. Si vous aimez les concerts qui secouent, surprennent et restent gravés dans l’esprit, ne manquez pas Astéréotypie le 21 mars au Rez‑Usine à Genève. Une soirée qui promet d’être intense, vivante et profondément humaine.

Astereotypie @Zazzo

Piotr : quand le rap se fait miroir de soi
Lorsque Piotr investit la scène, ce n’est pas seulement un concert qui commence : c’est une rencontre intime avec soi‑même. Rappeur venu de Lausanne, il tisse ses textes avec une précision rare, où chaque mot pèse, respire, et semble sorti d’une pensée profonde et sincère. Ce concert sera un de ces moments où l’on sort bouleversé, touché, peut‑être transformé — comme si quelqu’un avait murmuré à notre oreille ce que l’on pensait sans oser le dire. Ne manquez pas cet instant de poésie urbaine le 20 mars à la Salle communale de Plainpalais à Genève

Bekar : entre souvenirs et émotions
Quand Bekar prend le micro, l’atmosphère se fait profonde et vraie — comme une nuit d’hiver où chaque souffle semble raconter une histoire. Originaire du nord de la France, l’artiste construit sa musique comme un paysage de souvenirs et de sentiments : des vérités murmurées, des questions intimes, des mélodies qui s’impriment dans le cœur. Ne manquez pas cet instant suspendu de rap et d’émotions — le 20 mars à la Salle communale de Plainpalais à Genève : une soirée où le son devient miroir, où les souvenirs se mêlent à la musique, et où chaque mot compte.

Un festival qui ne cherche pas à faire grand bruit, mais qui finit toujours par résonner longtemps.

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À l’heure où l’autoritarisme gagne du terrain et où les institutions internationales semblent parfois perdre leur souffle, le festival pose une question simple mais vertigineuse : comment défendre les libertés quand le monde se durcit ?

La rapporteuse spéciale à l’ONU Francesca Albaneseà sera présente à l’issue de la projection de Disunited Nations, qui rend compte de l’inaction de la communauté internationale face au génocide en cours à Gaza (c) DR

Pour nourrir ce dialogue, le FIFDH convoque cinéastes, activistes et penseur·ses venus du monde entier. Parmi eux, Adèle Haenel, Francesca Albanese, Yara El-Ghadban, Claire Denis, Vanessa Eileen Thompson, Susan Stryker ou encore Féris Barkat. Autant de voix qui font du festival un véritable carrefour entre cinéma, politique et conscience citoyenne.

Autoritarisme : les ombres qui s’étendent
Le thème de cette édition est clair : scruter les dérives autoritaires qui redessinent la carte du monde. Avec Le Cas Meloni, présenté en première mondiale, Anna Bonalume et Jérémy Frey plongent dans les mutations du pouvoir en Europe. D’autres forums se penchent sur les États-Unis, où certaines pratiques politiques fragilisent les équilibres démocratiques, ou encore sur l’Europe, où la liberté de manifester, l’indépendance de la justice et la pluralité médiatique subissent des pressions croissantes.

Giorgia Meloni, le 19 février 2026, à Rome. — © FILIPPO ATTILI /CHIGI PALACE PRE / keystone-sda.ch

Le festival élargit également la focale vers l’Argentine, la Chine ou l’Iran, révélant une mécanique universelle : lorsque les régimes se durcissent, ce sont presque toujours les minorités qui encaissent les premiers coups.

Le documentaire Just Kids de Gianna Toboni explore ainsi les offensives politiques contre les personnes trans, tandis que la chercheuse Vanessa Eileen Thompson interroge les violences policières et les fractures raciales.

Just Kids de Gianna Toboni (c) DR

L’ordre international : une architecture qui se lézarde
Mais le FIFDH ne se contente pas d’observer les régimes autoritaires. Il examine aussi les fissures du système international censé les contenir. Avec Disunited Nations, le réalisateur Christophe Cotteret dissèque l’impuissance de la communauté internationale face aux crises contemporaines. La projection donnera lieu à un échange avec Francesca Albanese, rapporteuse spéciale de l’ONU, autour d’un multilatéralisme qui semble parfois vaciller sous le poids des intérêts géopolitiques.

Autre film marquant : Palestine 36 d’Annemarie Jacir. En remontant au soulèvement palestinien de 1936 contre l’administration coloniale britannique, la réalisatrice éclaire les racines historiques d’un conflit devenu l’un des symboles les plus brûlants des failles de l’ordre mondial.

Palestine 36 d’Annemarie Jacir (c) DR

Le festival évoque également les guerres oubliées — au Soudan ou dans l’est du Congo — où les populations civiles vivent au cœur d’un engrenage violent nourri par les ressources et les rivalités internationales.

Résister : quand l’art devient refuge
Face à ces secousses, le FIFDH ne se contente pas de dresser un constat. Il explore les formes de résistance qui émergent dans les interstices du monde. Avec From GAZA with LOVE, le reporter Charles Villa laisse la parole aux enfants de Gaza à travers une série de courts métrages réalisés par des cinéastes gazaouis. Une manière de rappeler que, même au cœur du chaos, l’image peut devenir mémoire, témoignage et acte de survie.

From Gaza with Love (c) DR

Le film Portuali de Perla Sardella suit quant à lui les dockers de Gênes engagés dans une lutte syndicale contre le commerce d’armes. La projection donnera lieu à un forum avec Adèle Haenel et l’écrivaine militante Sarah Schulman, autour d’une question simple et redoutable : comment transformer la solidarité en force politique ?

La programmation explore aussi des résistances plus intimes. Dans Mailin, María Silvia Esteve suit le combat d’une femme pour faire reconnaître les abus d’un prêtre. Black Water de Natxo Leuza relie migrations forcées et crise climatique. Et dans A Fox Under a Pink Moon, l’art devient refuge pour une jeune Afghane confrontée à la violence patriarcale et à l’exil.

Le cinéma pour changer le réel
Au-delà des projections, le FIFDH revendique une ambition plus vaste : faire du cinéma un levier de transformation sociale. Avec ses Impact Days, le festival accompagne des films encore en production pour amplifier leur portée politique et médiatique. La section Impact Spotlight présentera notamment Yurlu | Country de Yaara Bou Melhem, consacré aux ravages de l’amiante sur les populations autochtones australiennes.

Autre projet marquant : Molly vs the Machines de Marc Silver, qui raconte le combat d’un père contre la plateforme Meta après le suicide de sa fille. Ici, les films ne s’arrêtent pas au générique. Ils cherchent à prolonger leur impact dans le réel.

Molly vs the Machines de Marc Silver (c) DR

Claire Denis, dernière lumière
La 24ᵉ édition s’achèvera le 15 mars avec la projection en première suisse du nouveau film de Claire Denis, Le Cri des gardes. Une rétrospective consacrée à la cinéaste se poursuivra ensuite à la Cinémathèque suisse. Une manière élégante de refermer cette édition : avec un cinéma qui refuse de détourner les yeux. Car au FIFDH, l’écran n’est jamais une échappatoire. C’est un miroir tendu au monde, parfois fissuré, souvent inconfortable, mais toujours nécessaire.

Isaach de Bankolé dans «Le Cri des gardes», de Claire Denis. — © Les Films du Losange

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Les Rencontres 7e Art ont cette singularité précieuse : elles ne se contentent pas de projeter des films, elles invitent ceux qui les fabriquent. Réalisateurs, acteurs, artisans de l’ombre ou magiciens de la lumière viennent raconter leurs images, partager leurs secrets de tournage, ouvrir les coulisses d’un art qui se vit souvent à distance. Dans la pénombre des salles lausannoises, le cinéma reprend sa dimension la plus vivante : celle d’une conversation.

Wes Anderson, l’orfèvre des mondes miniatures
Chez Wes Anderson, chaque film ressemble à une maison de poupée ouverte sur l’imaginaire. Les couleurs semblent sorties d’une boîte d’aquarelles, les personnages avancent comme dans un ballet étrange et chaque décor raconte une histoire avant même qu’un mot ne soit prononcé. Rushmore, La Famille Tenenbaum ou encore The Grand Budapest Hotel ont sculpté un univers immédiatement reconnaissable : un mélange de fantaisie, de mélancolie et d’humour délicatement absurde.

Aux Rencontres 7e Art, le cinéaste viendra présenter plusieurs de ses films, dont son dernier opus The Phoenician Scheme, et dialoguer avec le public. Un moment rare où le maître des cadres parfaits entrouvre les coulisses de ses mondes soigneusement orchestrés.

Laurence Fishburne, gravité et feu intérieur
À ses côtés, une autre forme de légende : Laurence Fishburne. Certains acteurs occupent l’écran. Lui semble lui donner du poids. Depuis son apparition dans Apocalypse Now jusqu’à l’iconique Morpheus dans Matrix, sa présence traverse les décennies avec une intensité presque mythologique.

Acteur, producteur, homme de théâtre, Fishburne incarne une génération d’artistes capables de faire résonner chaque mot comme une note grave dans une symphonie cinématographique.

Aux Rencontres 7e Art, il présentera plusieurs films marquants de sa carrière avant une conversation avec le public — une plongée dans les coulisses d’un parcours qui a marqué durablement l’histoire du cinéma.

Le cinéma comme transmission
Au cœur du festival, une idée simple mais essentielle : transmettre. Le Trophée Chaplin remis à Wes Anderson et Laurence Fishburne célèbre des trajectoires singulières, mais il rappelle surtout que le cinéma est une mémoire vivante. Une lumière qui se transmet d’un écran à l’autre, d’un réalisateur à un acteur, d’une génération de spectateurs à la suivante.

Et pendant quelques jours, Lausanne se transforme en pellicule vivante, déroulant image après image une certitude simple : le cinéma n’est jamais aussi grand que lorsqu’il se partage.

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Portés par une rigueur journalistique qui rappelle le documentaire et une tension dramatique empruntée au thriller, ces mini-épisodes ont rapidement trouvé une communauté d’adeptes. Sur Apple Podcasts comme sur Instagram, les auditeurs parlent de “bonbons audio”, de “puissance narrative” et d’un “vrai talent pour raconter sans longueur”.

Le succès d’un format indépendant
Philippe Andoque s’inscrit dans cette génération de créateurs qui façonnent un paysage audio francophone plus libre, plus agile, plus organique. Une production autofinancée, une identité sonore parfaitement assumée, une diffusion internationale et une base d’abonnés qui ne cesse de grimper : Dossier Révélé coche toutes les cases du phénomène discret qui pourrait bien devenir un incontournable.

Saison 2 : le retour très attendu
Bonne nouvelle pour les curieux comme pour les addicts du format : la saison 2 est en préparation. L’auteur annonce une nouvelle salve d’épisodes toujours courts, toujours inspirés de faits réels, mais avec une dramaturgie encore plus maîtrisée et un travail sonore renforcé. Certaines histoires pousseront plus loin les zones d’ombre scientifiques ; d’autres exploreront des faits divers suisses et internationaux restés méconnus, parfois dérangeants, toujours réels. Les dix nouveaux épisodes sont annoncés comme “plus intimes, plus tendus, plus documentés”. Le genre d’évolution qui promet d’amener Dossier Révélé vers un ton plus mature, sans renier l’ADN du format : percutant, précis, addictif.

Pourquoi on l’attend ?
Parce que dans un océan de podcasts bavards, Dossier Révélé rappelle la puissance de la concision. Parce qu’on aime les formats qui laissent une empreinte immédiate. Parce qu’il y a, chez Philippe Andoque, une façon d’apprivoiser l’ombre, de la rendre audible, presque palpable. Et peut-être parce qu’on adore frissonner en deux minutes chrono.

La saison 2 s’annonce comme un rendez-vous incontournable pour les amateurs d’histoires vraies, de mystères documentés et de podcasts qui ne ressemblent à aucun autre.

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Et pendant que la tête suit, la technologie se fait discrète. Exit les écrans omniprésents et les bracelets obsessionnels. En 2026, l’innovation se glisse dans la matière : des vêtements intelligents lisent la posture, la respiration, la fatigue. Le textile devient coach silencieux. Pas intrusif, pas culpabilisant. Juste là quand il faut. Le progrès ne clignote plus, il accompagne.

Mais la vraie star de l’année, c’est la récupération. Spa, bains froids, massages ciblés, physiothérapie, diagnostics personnalisés : on ne parle plus de pause, mais de stratégie. Récupérer devient un acte d’entraînement à part entière. Le muscle comprend qu’il ne progresse pas dans la violence, mais dans l’alternance. Et franchement, il adore.

Autre révolution longtemps mise sous silence : les hormones prennent enfin le micro. Santé féminine, cycles, périménopause, stress, fertilité… mais aussi équilibre hormonal masculin : tout est désormais intégré dans la routine bien-être. Tisanes, suppléments naturels, entraînement en force, séminaires dédiés. Le fitness cesse d’être neutre, il devient informé. Le corps, lui, souffle : « enfin ».

À l’extérieur, l’appel est clair. Retour à la nature.
Forêts, marche méditative, contrastes chaud-froid, exposition au froid : le digital fatigue, le vivant répare. L’outdoor fitness s’impose comme antidote à l’écran roi. Et quand le rythme ralentit vraiment, place au slow living : breathwork, sound bath, danse méditative. Moins de scroll, plus de souffle.

Derrière cette mutation, une idée simple mais puissante : le bien-être ne se vit plus seul. Des communautés se créent autour du bien vieillir, de la longévité, du lien social. Même la famille s’y met : prévention collective, objectifs partagés, santé pensée sur le long terme. Selon David Lloyd Clubs, le fitness devient un écosystème. Un lieu où l’on s’entraîne, récupère, respire… et reste.

Et puis il y a les sens. Le parfum comme allié invisibles. Des senteurs pensées pour calmer, réparer, dynamiser. Le spa devient une partition olfactive, une expérience émotionnelle à part entière. Le bien-être ne se contente plus de se voir, il se ressent.

En 2026, le fitness ne crie plus victoire. Il chuchote cohérence. Un corps respecté, une énergie mieux placée, une performance qui dure.

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Portrait de John Armleder (c) Annik Wetter

Le MAH en mode mirador esthétique
Pour sa sixième Carte Blanche, le MAH invite Armleder à faire ce qu’il sait faire de mieux : désacraliser sans jamais désenchanter. Plus de 500 œuvres de l’artiste dialoguent — parfois se frottent, parfois se narguent — avec les collections permanentes. Résultat? Un parcours thématique où animaux, fleurs, musique, mobilier, abstractions et lumières se répondent comme des constellations imprévues. Le musée n’est plus un coffre-fort, mais un organisme vivant, traversé de pulsations contemporaines.

Salles sur salles, sens en spirale
Armleder imagine des architectures éphémères, inspirées de ses propres dessins, qui créent des « salles dans les salles ». On passe d’un univers à l’autre comme on feuillette un carnet de pensées. Une boule à facettes nous accueille d’emblée — manifeste disco-philosophique — avant de glisser vers une peinture abstraite en arc de cercle, des fleurs artificielles plantées dans des pneus, des instruments de musique devenus sculptures mentales. Tout est affaire de collision douce entre l’ordinaire et l’esthétique.

John M Armleder (1948) CP (Furniture sculpture), 2004 (C) MAH

Quand le son scintille et le silence s’illumine
La musique, chère à l’artiste, résonne partout : piano miroir, guitares électriques, références à John Cage. La lumière clignote, se réfléchit, se démultiplie. Même le vide devient sujet : armures absentes, cadres volontairement vides, films miroitants qui brouillent la vision. Ici, l’absence parle aussi fort que la présence. Et c’est peut-être là que le regard s’aiguise le plus.

John M Armleder (1948) Furniture Sculpture 237, 1990 (C) Musée d’art et d’histoire, Genève

Le visiteur, co-auteur du sens
Observatoires n’impose rien : elle suggère, elle provoque. Le visiteur devient acteur, monteur invisible d’un récit personnel. Une exposition évolutive, avec rotations d’œuvres tous les trois mois, qui s’inscrit dans la vision d’un « musée des contingences » : ouvert, imprévisible, poreux au monde.

John M Armleder (1948) Guitar Multiple (Furniture Sculpture 164), 1987 (C) Musée d’art et d’histoire, Genève

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C’est aussi un projet tentaculaire, vivant et visionnaire, qui circule entre écrans et scènes, entre captations sensibles et concerts incarnés. Une fabrique d’émotions produite par Montreux Media Ventures, où la musique se filme autant qu’elle se vit, se partage autant qu’elle se ressent. Le futur s’y archive en temps réel.

À Villars, puis à Montreux en juillet, et de nouveau à l’automne, Spotlight trace une trajectoire annuelle, une constellation cohérente, soutenue par Julius Baer, qui parie sur l’intuition plutôt que sur la tendance. Ici, on ne suit pas la hype — on la précède.

Six signatures sonores, six séismes sensibles
Il y a quelque chose de presque initiatique à assister à un concert à Villars. La neige absorbe le bruit, l’altitude affine l’écoute, le décor impose la lenteur. Tout devient plus précis. Plus dense. Plus vrai. C’est dans cette atmosphère feutrée que les Spotlight Sessions déploient leur magie : pas de superflu, pas d’artifice. Une scène, une voix, une vibration. Et ce frisson très particulier d’assister à un commencement. Chaque date est une promesse. Chaque soir, une brèche ouverte dans le futur.

Etta Marcus
Voix brumeuse, pop viscérale, écriture charnelle. À 25 ans, la South Londoner façonne une musique qui fouille le corps autant que l’esprit. Passée par un conservatoire de jazz trop normé, qu’elle quitte en cours de route, Etta Marcus passe depuis son temps à désapprendre pour retrouver l’instinct.

De The Death of Summer & Other Promises à l’EP Devour, elle étire sa palette entre indie-rock, folk et pop, influencée par Portishead, Björk ou Fontaines DC. Soutenue très tôt par BBC Radio 1 et la presse indé, elle s’impose comme une voix en devenir, capable de plonger dans la condition humaine et d’en ressortir le cœur encore battant.

Ino Casablanca
Rap solaire, groove métissé, trajectoire plurielle. Né de racines marocaines, passé par l’Espagne avant de s’installer en France à l’adolescence, Ino Casablanca transforme l’exil et le déplacement en moteur créatif. Autodidacte, il compose dès 14 ans une musique instinctive, nourrie de ses cultures croisées.

Avec TAMARA puis EXTASIA, il dynamite les codes du rap français, mêlant rap, acoustique et textures électroniques, infusées de rythmes caribéens, maghrébins et latins. Lauréat du Prix Joséphine 2025, il avance vite, porté par une énergie libre, difficile à enfermer — et déjà impossible à ignorer.

Steve Ibrahim
Écriture à vif, folk fragile, émotion tenue. Repéré très jeune dans les studios du 94, Steve Ibrahim fait d’abord ses armes comme musicien avant d’oser la mise à nu. En 2024, guitare à la main, il partage ses premières démos personnelles et affirme une voix singulière.

Avec Le Bleu du Ciel, puis l’EP L’Oiseau Bleu (2026), il dessine une folk hybride en français, entre Bon Iver et Mustafa. Des chansons comme des confidences nocturnes, sobres et sincères, où la pudeur devient puissance.

Friqtao
Pianiste nomade, improvisateur libre. Révélé par ses performances spontanées dans les gares, Friqtao fait du clavier un terrain d’expérimentation permanent. Classique, hip-hop, pop : tout se croise, tout circule.

Chez lui, la virtuosité n’écrase jamais l’émotion. Chaque concert est une rencontre avec l’instant, une prise de risque joyeuse, un pas de côté assumé. Un talent hors cadre, qui refuse les cloisons.

Sekou
Voix profonde, soul habitée, présence magnétique. Né à Leicester, nourri de gospel et des grandes voix noires américaines, Sekou découvre très tôt que chanter est une nécessité. De l’église à Londres, de l’anonymat aux grandes scènes, il affine un baritone riche et enveloppant.

Repéré sur les réseaux, signé chez Good Soldier Records, nommé aux BRITs et BBC Sound of 2024, il traverse aussi le silence avant de renaître artistiquement. Avec le projet In A World We Don’t Belong, il affirme une musique plus noire, plus joyeuse, plus ancrée — un chant de liberté, entre héritage et futur.

Mathilde Fernandez
Artiste totale, voix caméléon, pop radicale. Issue des arts visuels et vivants, Mathilde Fernandez explore la voix comme un espace de performance et de transformation. Après plusieurs EP et le succès du duo ascendant vierge, elle choisit le dépouillement.

Avec Piano-Voix, son premier album solo officiel, elle ralentit, défait, reconstruit. Un piano, une voix captés presque en live, pour revisiter son répertoire et sonder la mémoire, le désir, la vulnérabilité. Une mise à nu frontale, où douceur et fureur se répondent.

À Villars, le silence fait caisse de résonance. Les voix annoncent, les notes devinent. Pas de certitudes ici — seulement des frémissements, des éclats naissants, des lendemains qui s’esquissent.

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Descendre à l’Alger
Au bord du Lac, après un Dragon d’or un peu perché à la Comédie, l’Helvète est revenu pour proposer un opéra bouffe inventif, rythmé, très incarné. Sa première qualité ? Faire de « Alger » un hôtel. L’air de rien, l’astuce résout de nombreux écueils, notamment les clichés contestables. Certains opéras à caractère colonial, caricatural, exotique contiennent des mots franchement gênants (Enlèvement au Sérail, Pêcheur de perles, etc.). Ici, l’idée est au fond maline et intelligente.

L’hôtel offre une formidable aire de jeu. Dans un style de l’Italie des années 30 qui évoque les grandes gares en travertin de la Péninsule (Venezia Santa Lucia, Roma Termini), les protagonistes concentrent l’action sur la séduction, la fidélité, la ruse et l’amour, pour mieux laisser le reste de côté. Et l’attention aux détails est virtuose : le restaurant du soir est dressé pour accueillir le petit-déjeuner, les réceptionnistes portent une livrée et les bagagistes portent les valises, la cuisine en inox retournée devient salle de bains. Un sans fautesigné Amber Vandenhoeck et Hannah Oellinger.

Un jeu d’acteurs digne de Laurent Pelly
On peut en dire autant du jeu d’acteurs. Loin des productions qui cantonnent les choristes à des alignements de menhirs dignes de Stonehenge, la mise en scène les implique totalement, avec esprit, détail, humour et vraisemblance. Leur déguisement en bibendum pour incarner les Pappataci sont à mourir de rire. Mention spéciale au figurant et danseur Daniel Ojeda Yrureta, qui ouvre le deuxième acte par un warm-up très gracile pour certains choristes qui le sont un peu moins.

Un regret pourtant : dans une partition typiquement rossinienne où le crescendo piano joue son rôle, l’Orchestre de la Suisse romande peine à monter en puissance, notamment les cordes. Trop de retenue du chef Michele Spotti? Acoustique du BFM en cause ? En tous cas le contraste avec les voix est évident.

Un plateau qui régale
Dans le rôle du dictateur devenu directeur d’hôtel benêt Mustafa, Nahuel Di Pierro déploie une très belle voix, un volume élevé et un jeu très drôle du mari/amant qu’on même par la queue. Si la maîtrise vocale est évidente, il peine avec les exigeantes vocalises typiquement rossiniennes, qui pardonnent peu. Elles font en revanche merveille chez Lindoro (il faut toujours un Lindoro comme il faut toujours que ce soit à Séville), incarné par un Maxime Mironov de miel, de grâce et d’aisance. D’aisance en triomphe, c’est Gaëlle Arquez qui met le feu sur scène en Isabella. Une véritable prima donna au jeu souverain, à la voix ample et une présence déconcertante. Rôle, voix ou jeu de scène, Elvira paraît pâlotte en comparaison.

Dans ce BFM ouvert sous la direction de Renée Auphan, le temps de travaux du Grand Théâtre [vous avez bien lu], qui a connu la création de l’opéra JJR, citoyen de Genève en 2012 (Fénelon/Carsen), cette production de l’Italienne à l’hôtel fait merveille. L’occasion de se rappeler ce bon dicton populaire : « rire, c’est bon pour la santé ! ».

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Plonger dans un monde intime
Avec cet album, Mitski ne revient pas seulement : elle nous tire dans son univers. Chaque morceau devient une pièce de théâtre miniature, un fragment d’histoire où le banal devient monumental. On y découvre des émotions brutes, des instants de solitude, de désir, de nostalgie, de panique douce.

Entre “In a Lake”, “Charon’s Obol” et “I’ll Change for You”, l’intime devient épique, le quotidien devient mythique. Le vent qui passe par les volets, la lumière qui se faufile entre les rideaux, le tic-tac obsédant d’une horloge — tout semble exister dans ces chansons, et pourtant chaque détail est transformé en émotion sonore. Mitski crée un espace où chaque respiration compte, où chaque silence pèse autant qu’un cri.

Un parcours de coups de cœur
Pour comprendre l’attente autour de ce nouvel album, il faut revisiter ses moments-icônes, les disques qui ont façonné une carrière à la fois intense et fragile.

2018 – Be the Cowboy

Un chef-d’œuvre instantané. Avec “Washing Machine Heart” et “Lonesome”, Mitski mêle théâtre, mélancolie et ironie. Chaque morceau devient une mini-pièce où l’amour, l’abandon et la solitude sont palpables. Cet album est un condensé d’indépendance fiévreuse et de poésie lumineuse. On y retrouve la femme forte, drôle, excentrique, mais toujours vulnérable. Un disque qui nous accompagne encore, des années après, comme une lueur dans l’obscurité.

2022 – Laurel Hell

Quatre ans plus tard, Mitski explore un électro-pop sombre et sensuel. Dans “Love Me More” ou “Everyone”, elle parle de désir, de reconnaissance, de vulnérabilité. L’intime devient universel, la fragilité devient puissance. Laurel Hell est un refuge pour celles et ceux qui veulent se perdre, un espace où les émotions complexes se transforment en beauté brute.

Et cette année déjà, depuis le 16 janvier, “Where’s My Phone?” nous fait trépigner. L’urgence est palpable, l’humour noir est subtil, la mélodie est obsédante. C’est une Mitski plus fébrile, plus vivante, plus imminente que jamais. Chaque note promet un album intense, chargé d’émotions et de tensions narratives, prêt à nous emporter loin, dans son univers labyrinthique.

Une narration musicale, presque poétique
Ce qui frappe avec Nothing’s About to Happen to Me, c’est sa construction narrative. Mitski nous enferme dans une maison désordonnée, dans un monde suspendu entre solitude et chaos. Chaque chanson agit comme un fragment de ce microcosme, oscillant entre introspection et urgence, théâtre et quotidien, fragilité et furie.

On sent le souffle du vent sur les volets, le frisson de lumière qui traverse les fenêtres, l’odeur de poussière et de papier ancien. On entend le tic-tac obsédant d’une horloge, le craquement du parquet, et tout cela devient musique. Elle transforme le réel en poème, le banal en intense, la vie en art sonore.

Avec elle, rien n’est jamais banal. Tout est émotion. Tout est immédiat. Tout nous happe. Nothing’s About to Happen to Me promet d’être un jalon, un chef-d’œuvre suspendu entre chaos et grâce, où le cœur et le désordre se rencontrent avec une violence douce et une beauté brute. Mitski nous invite à entrer dans son monde — fragile, électrique, et absolument nécessaire.

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Délacer les codes, délier les corps
Coco libérait du corset. Blazy libère du cliché! Exit l’avalanche de camélias et de doubles C brandis comme des slogans. Les symboles restent, mais respirent. La chaîne dorée quitte l’ombre des ourlets pour danser à l’extérieur, ponctuée de perles minuscules. Les plumes grimpent le long des coutures comme des confidences. Des champignons brodés poussent sur les tailleurs.

Et parlons-en, des tailleurs. Plus de bouclé pesant. À la place : des couches de mousseline translucide, posées comme une brume autour du corps. Ça flotte, ça frôle, ça suggère. Le pouvoir n’est plus rigide, il est aérien. Même un jean et un débardeur blanc surgissent — en mousseline, évidemment. Blazy aime brouiller les pistes : faire passer la soie pour du denim, la matière pour un mirage.

Plumes et profondeur
Les plumes, partout. En faux tweed 3D composé de micro-nœuds de soie. En ourlets ondulants. En capes qui caressent les bras. En robe de mariée qui n’en est pas vraiment une : tunique ample, jupe à poches, nacre scintillante. La mariée ne s’étouffe pas dans un fantasme. Elle marche libre.

Et puis il y a ces petites robes noires que Blazy appelle des “corbeaux”. Parce que la vie n’est pas toujours pastel. Parce que la grâce sait aussi être grave. Oui, les jupes sous le genou frôlent parfois le souvenir d’une autre époque. Mais dans cette longueur sage, il y a une douceur. Une générosité. Le vêtement n’impose pas. Il accompagne.

Couture confession
Le geste le plus fort ? Invisible à l’œil nu. Chaque mannequin a confié une mémoire : une date, des initiales, un fragment de lettre d’amour. Intégrés dans la doublure, cousus dans le secret. La couture redevient intime. Personnelle. Presque charnelle.

Au-delà de la virtuosité — ce tweed qui fond en perles puis en plumage — ce qui frappe, c’est le lien. Le vêtement ne brille pas pour être vu. Il vibre pour être vécu.

Grandir, enfin
Blazy ne rajeunit pas Chanel, il la fait grandir. Il propose une couture où les femmes du premier rang peuvent se reconnaître. Pas se comparer. Se reconnaître. Et ça, dans un monde saturé d’images lisses, c’est radical.

La couture n’est plus un fantasme hors-sol. C’est un miroir poli à la plume. Et dans ce miroir, Chanel ne voit plus une muse figée. Elle voit des femmes debout. Vivantes. Lumineuses.

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Tamino (c) DR

Murmuration – Danse sur glace
Les 6 et 7 février, au Centre Sportif Sous-Moulin à Thônex, la compagnie Le Patin Libre transforme la patinoire en un poème en mouvement. Quinze patineurs glissent comme une seule entité, leurs trajectoires dessinant une chorégraphie fascinante inspirée des murmures d’oiseaux. Chaque glissade devient un souffle de magie hivernale, un instant suspendu où virtuosité et poésie se rencontrent, capturant l’essence même d’Antigel.

Apparat – Électro immersive
Le 7 février, à l’Alhambra de Genève, Apparat électrise la scène avec son électro cinématique et immersive. Entre morceaux inédits et atmosphères futuristes, le musicien berlinois ouvre une porte sonore vers des territoires inexplorés. Ce concert est une plongée dans une expérience sensorielle totale, où lumière, son et espace se fondent en une immersion unique.

Apparat (c) DR

Anna von Hausswolff – Orgues en transe
Le 13 février, à l’Alhambra de Genève, Anna von Hausswolff déploie sa voix et ses orgues comme un souffle monumental. Chaque vibration transforme le lieu en cathédrale sonore, sombre et lumineuse à la fois. Son concert est un voyage intense et hypnotique, une expérience qui frappe le corps et l’âme, où la musique devient monumentale et profondément émotionnelle.

(C) Philip Svensson

Tamino – Folk rock élégant au Victoria Hall
Le dimanche 22 février à 19h00, Tamino, chanteur‑auteur belge d’origine égyptienne, montera sur la scène du Victoria Hall à Genève pour une performance exceptionnelle dans le cadre du Festival Antigel. Reconnu pour l’une des voix les plus captivantes de sa génération, Tamino mêle une sensibilité folk à des accents de rock alternatif et des résonances du Moyen‑Orient, héritage de ses racines. Sa musique, marquée par une poésie introspective et des arrangements raffinés, explore des thèmes universels comme l’amour, la solitude et la quête d’identité, tout en puisant dans les influences de figures majeures telles que Jeff Buckley, Leonard Cohen ou Radiohead, mais avec une signature bien à lui.

Dans ce festival où chaque espace devient scène et chaque instant précieux, Antigel 2026 nous rappelle que l’hiver peut être brûlant de vie et de poésie. Du piano bouleversant de Sofiane Pamart aux arpèges envoûtants de Tamino, des mouvements fluides de Murmuration aux orgues hypnotiques d’Anna von Hausswolff… La ville tout entière devient un écrin pour l’art, et chaque spectateur un voyageur, emporté dans un hiver transformé en poème vivant, vibrant et inoubliable.

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