Une rose des vents carrelée comme un talisman, indiquant non pas un nord mais une atmosphère — celle de la douceur faite lieu (c) DR

Vous avez un passé dans la création de mode et de design (comme on sait chez Maison Père) : qu’est-ce qui, en vous, a fait glisser le geste créatif vers un lieu à habiter plutôt qu’un vêtement à habiller ?
Je suis arrivée dans l’hôtellerie par le design d’intérieur. Il y a de grandes similitudes entre la mode et le design d’intérieur, ce sont des formes, des matières et des couleurs ; m’exprimer créativement pour que des clients puissent en profiter est devenu une évidence, parallèlement au fait de mettre en avant des services. Si je me lancais dans cette aventure, je souhaitais le faire de facon singulière et différente de tout ce qui se fait sur le marché.

Sous la verrière Eiffel, un salon baigné de lumière où les saisons se peignent au plafond — un théâtre céleste pour lectures lentes et conversations suspendues (c) DR

À l’arrivée au château de Normandie, imaginiez-vous la fresque (mur, plafond) ou le silence qui suivrait ? Quel détail a été le tout premier à naître, quand l’idée est devenue scénographie ?
J’ai dans un premier temps été  » assommée » par la montagne de travaux à réaliser mais je savais que le projet serait artistique et créatif, puis petit à petit j’ai démarché les artistes pour leur proposer des commandes et leur faire part de mes idées. Je voulais écrire des vers de poésire sur les murs des chambres, et quand j’ai vu les 4 pans de la veranda j’ai pensé aux 4 saisons, puis j’ai imaginé les Beaux Arts dans 2 rotondes dans les salons du restaurant. Tout s’est fait progressivement.

Un comptoir comme un puzzle de volumes et d’ombres, veillé par des divinités pastel qui dansent sur le mur, entre grâce antique et modernité douce (C) DR

Vous parlez de rareté (17 chambres seulement) : comment définiriez-vous, en un mot ou une image, ce luxe qui ne se braille pas mais se susurre ?
Le luxe discret c’est tout d’abord l’intention artistique qui est le coeur du projet, et c’est ensuite avoir 2 piscines, une d’hiver et une d’été, un restaurant gastronomique de grande qualité, une carte des vins rare, et une équipe au petits soins pour nos clients.

Vous avez créé un décor si fin qu’on a envie d’emmener un morceau (un fauteuil, une lumière, une assiette…) : quel objet ou quel trait du décor vous séduit le plus et pourquoi ? Chaque détail, chaque meuble, chaque objet est pensé et choisi pour qu’il soit d’exception, rare et unique à la fois. Je déteste le conformisme, ressembler à tout le monde. Il devait être évident pour moi de me démarquer, que tout soit singulier, du lavabo à la petit cuillère.

Quand la cuisine devient tableau : une palette de saveurs, de pigments végétaux et de gestes précis, où la carotte se fait pinceau et la couleur, gourmandise (c) DR

Le lieu est situé en Normandie, mais l’ambiance semble tout sauf traditionnelle. Comment avez-vous revisité cette région, en respectant son âme tout en l’éloignant de ses clichés ?
La bâtiment que j’ai choisi de rénover à 140 ans, il a une histoire riche et nous sommes en train de la raconter dans un livre. Verneuil la douce est une escale, j’ai aussi fait faire des cartes à disposition dans la chambres avec des recommandations de visites, de brocantes, de boutiques, c’est cela pour moi la normandie moderne ; une halte en phase avec son temps.

On parle d’un lieu pour «se poser», pour respirer un autre tempo. Mais quel est le tempo que vous avez imposé ?
J’ai le désir profond de réveiller l’imaginaire de mes clients par le décor mural donc je crois que c’est très personnel à chacun, selon sa sensibilité, sa personnalité.

Une chambre comme un souffle doux : fresques murmurées, lignes courbes et lumière dorée composent un cocon où l’on s’étend comme dans une parenthèse suspendue (C) DR

Vous avez invité des artistes, créé des fresques, pensé chaque espace comme un tableau. Pour vous, quelle est la frontière (ou l’absence de frontière) entre hôtel et galerie privée ?
Verneuil la douce ne se définit pas comme un hôtel mais comme une demeure d’art. Le but est que les décors à même les murs et les plafonds vivent avec l’atmosphère et avec nos clients, le ressenti est beaucoup plus fort que dans une galerie sur des tableaux.

Vous agrandissez en 2026 : comment va-évoluer la signature visuelle ou spatiale de Verneuil la Douce ?
Nous allons en effet dévoiler le spa avec notre piscine intérieure et également notre orangerie, qui fera office de salle de séminaire hybride pour nos évènements et divers séjours ou ateliers. Ces espaces verront intervenir des artistes en décor mural qui réaliseront des fresques : Kimmy Quilin, Alice Louradour et Hermentaire.

Une salle d’eau qui frôle l’art total : miroir orné, vasques plissées, pieds sphériques — une fantaisie maîtrisée où le quotidien devient rituel (C) DR

Une nuit, un détail fugace peut marquer à vie (la lumière à travers la verrière, le parfum dans l’air, l’écho des pas). Quel est ce détail chez vous que vous voudriez que chaque invité retienne puis murmure ?
Définitivement la lumière du jour qui traverse la verrière, les jeux de lumièrses à chaque heure sont fantastiques.

Si vous deviez scénographier un rêve (au sens littéral) pour vos chambres futures, sans contrainte budgétaire ni limites techniques, quelle serait la chambre-songe, celle qui défierait le temps ?
Je crois que ce serait toujours des chambres réalisées en collaboration avec des artistes.

Un bassin comme une toile mouvante, où l’eau glisse sur les formes de Ben Arpéa, transformant chaque nage en traversée chromatique (c) DR

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Alex Milankovic et Sacha Nadim (c) Studio Paw

Trattoria chic, cœur rustique
Pierres patinées, bois chaleureux, bar qui brille comme un bijou discret, photos en noir et blanc qui racontent une odyssée familiale. L’endroit a ce rare don : il accueille comme une maison, mais impressionne comme une adresse. Une trattoria de ville avec une âme de village. Un lieu où l’on trinque comme à Naples, où l’on parle comme à Rome, où l’on rit comme à Milan — mais sans prendre l’avion. A notre première visite, on y a même rencontré des amis d’enfance italiens.

Le bar de Casti : cuivre, chaleur et verres suspendus. Une scène à l’italienne où l’on trinque avant de se laisser entraîner vers les Abruzzes (C) Studio Paw

La cuisine:  une ode aux racines qui mijotent
Avant même d’ouvrir la carte, Casti vous chuchote déjà à l’oreille. Ici, la cuisine n’est pas un service : c’est une scène, un théâtre d’arômes où chaque plat entre en piste comme un personnage principal. Une dramaturgie de poêles, une chorégraphie de casseroles, un ballet d’huile d’olive qui scintille sous les projecteurs d’un midi d’Abruzzes.

On y sert la mémoire en mains propres, la tradition en technicolor, la simplicité en haute voltige. Une cuisine qui claque, qui chante, qui cajole — et qui prouve que les recettes de famille sont parfois les plus révolutionnaires. Nos crushs?

L’artichaut frit, fleur croustillante couronnée de crème chaude : un baiser romain revisité, simple et somptueux (c) Studio Paw

Les sagne di Castiglione
Des pâtes taillées comme des confessions, nappées de pancetta, de saucisse au fenouil et du poivron doux de Castiglione. Le plat signature comme un retour aux sources, un “ti ricordi ?” (Tu te souviens? en italien) posé sur la langue.

Les antipasti qui attisent
Artichauts frits croustillants comme un secret qu’on confesse, polpette moelleuses comme une promesse tenue, burrata qui fond comme une excuse pardonnée.

Le poulpe rôti, star sensuelle de la mer : crousti-fondant, rouge carmin, vibrant comme une vague apprivoisée (c) Studio Paw

Le poulpe rôti
Un poulpe comme un poème de braise : rôti avec patience, laqué de tendresse, ferme sous la dent mais fondant comme une confidence chaude. Un plat qui ondule entre terre et mer et qui rappelle que la simplicité, quand elle est bien maîtrisée, peut être souveraine.

Les pâtes maison
Elles ne sont pas faites — elles sont façonnées! On dirait des bracelets d’or comestibles, des souvenirs roulés sous la main, des rubans qui racontent la mer ou la montagne. Parfois à la poutargue, parfois aux fruits de mer, toujours avec ce petit truc en plus qu’on n’explique pas… parce que c’est la famille!

Chez Casti, on vient retrouver un goût ancien, un geste transmis, une chaleur qui dépasse la salle, la carte et les fourneaux. C’est un lieu qui respire la famille comme d’autres respirent le romarin, qui sert la générosité comme une religion douce, qui rappelle que la cuisine italienne n’est jamais juste un plat — c’est un patrimoine qui palpite.

Ici, les Abruzzes s’invitent à Genève sans passeport, les souvenirs mijotent dans la même casserole que les ambitions, et chaque bouchée raconte une histoire que l’on croyait avoir oubliée.

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Le lobby des Bergues transformé en forêt fabuleuse : un opéra de rubans, de rouges radieux et de créatures curieuses, où Noël fait son entrée en majesté scintillante (c) DR

Le tea time: théâtre de tentations
Au Salon Dufour, l’après-midi s’ouvre comme un écrin avec leur incontournable tea time. Derrière ce rituel qui rayonne, deux signatures orchestrent la scène : Michele Fortunato, maestro du moment, chorégraphe des saveurs en salle, et Lyece Major, magicien des douceurs, dompteur de textures et tailleur de tentations. Ensemble, ils transforment l’après-midi en une parenthèse en porcelaine, un pas de deux parfumé où le thé tourne, où les douceurs dansent, où les détails déploient leur délicatesse comme des ailes de soie.

Les bûches de Noël: deux noeuds, deux nuances, deux délices
Cette année, deux reines règnent sur la sucrerie : La Red Yule Log — rouge, ronde, renversante, gianduja-kalamansi en clin d’œil. La White Yule Log — blanche, belle, bénie de coco et passion. Des bûches-bijoux, sculptées comme des comètes de crème, prêtes à fondre les hivers trop rigides. Ici, le chef pâtissier noue la gourmandise en grand format avec ces deux bûches sculptées comme des nœuds festifs, clin d’œil gourmand aux guirlandes qui enlacent la façade du Four Seasons : un duo de douceurs qui déroule son charme en spirales stylées. D’un côté, le ruban rouge — chocolat, noisette et caramel — crépite, cascade, caramélise, jouant la chaleur et la rondeur en crescendo sucré ; de l’autre, le ruban blanc — noix de coco, mangue et chocolat blanc — chuchote, miroite, murmure une lumière tropicale glissée dans la neige. (Prix : CHF 80 (6 à 8 personnes).)

Une bûche-bijou, pensée comme un present poétique à partager (c) DR

Le Chocolat Chaud Signature — l’élixir qui enrobe l’hiver
La nouveauté fondante de la saison? Le chocolat chaud! Versé dans un pain brioché creusé comme un coffret de caramel, il descend en ruban sombre, satiné, presque hypnotique. Le beurre murmure, le chocolat magnétise, la vapeur raconte — une triade qui transforme chaque gorgée en étreinte sucrée. Une petite cérémonie liquide, un luxe à la cuillère, un sortilège sucré qui fait fondre l’après-midi avant même d’avoir touché les lèvres.

Izumi & Il Lago: deux tables, deux tempos
Perché sur le rooftop, Izumi joue le Japon du firmament : wagyu en clair-obscur, shabu-shabu qui fume comme un secret, panoramas qui performent la nuit comme un décor de cinéma. Le menu de Noël s’y savoure comme une constellation comestible.
Menu de Noël Izumi : CHF 240 par personne.

En contre-chant, Il Lago impose son opéra italien : huit services, huit scènes, huit symphonies où la truffe tient la baguette et la langoustine signe l’ouverture. Une mise en scène millimétrée pour palais avertis.
Menu de Réveillon Il Lago : CHF 320 par personne.

Assiette d’apparat, précision des textures, élégance des teintes : le réveillon se raconte ici en accords majeurs (c) DR

Ateliers créatifs: tresser, twister, transcender
Dans ces ateliers, on couronne le quotidien! Couronnes naturelles tressées avec panache, ornements scintillants sculptés comme des secrets. Une séance qui vire au showroom de savoir-faire, à la haute couture de houx et d’étincelles.
Ateliers dès CHF 150, pour fabriquer un souvenir à suspendre dans le temps! 

Spa Mont Blanc: rosée, repos, renaissance
Ici, le bien-être version fêtes de fin d’année se boit à même la peau : pétales qui papillonnent, buttermilk qui berce, karité qui caresse, chocolat tiède qui chavire. Le corps se défait, se déploie, se dénoue — un glissement doux vers une sérénité presque sacrée. Le massage prolonge le miracle : mouvements fluides, frictions fines, frémissements de chaleur qui réaccordent ce que l’hiver crispe. Rituel rose & chocolat — CHF 260 (60 min) 

Au Four Seasons des Bergues, la magie des fêtes ne repose pas sur un seul moment, mais sur une mosaïque d’expériences minutieusement imaginées. Ateliers inventifs, douceurs dessiné-main, soins signatures, menus en majesté : l’hôtel déploie une créativité continue, une capacité rare à réinventer l’hiver en constellation d’instants. Rien n’est laissé au hasard, tout est pensé, peaufiné, poétisé — du premier ruban noué aux dernières notes de truffe.

Cette effervescence, cette énergie d’inventer, d’explorer, d’oser, donne aux fêtes une dimension nouvelle : un lieu qui ne propose pas, mais compose ; qui ne suit pas la saison, mais la stimule ; qui ne célèbre pas Noël, mais le chorégraphie!

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L’Opernhaus Zürich ©Andrin Fretz

L’enjeu des femmes à l’opéra revient sur le devant de la scène. Vous invitez plusieurs talents à diriger en fosse ou en mise en scène, mais pas de compositrices au programme… A quand une pièce de Barbara Strozzi par exemple ? 
Cette saison j’ai invité beaucoup de femmes talentueuses à la mise en scène, par exemple Tatjana Gürbaca, Lilli Fischer, Anna Bernreitner, Valenmtina Carasco. C’est aussi le cas des cheffes d’orchestre, à l’image de Giedrė Šlekytė qui dirige la première de Hänsel und Gretel ce soir ! Concernant les œuvres, il y a un projet en cours, mais je ne peux pas encoreen parler à ce stade. Les choses ne peuvent se faire d’un claquement de doigts, il faut chercher et trouver les œuvres pour en faire des succès. Cela demande un développement organique, qui prend un peu de temps. On y est presque.

Hänsel und Gretel, une fable sur la machine à créer, mise en scène en scène par Thom Luz, à l’invitation de Matthias Schulz ©Herwig Prammer

A Berlin, vous avez créé le Kinderopernhaus, à Zurich vous créez le Kinderorchester. Hänsel und Gretel est un conte pour enfants. L’opéra doit jouer un rôle particulier auprès des plus jeunes?
Oui c’est très important. Vous savez je suis père de 5 enfants. Ce soir, mon ado vient à la première avec ses copains. Je trouve essentiel que tous les enfants puissent vivre cette expérience, et la partager. Avec le Kinderorchester, nous travaillons avec des enfants de 8 à 13 ans dans 36 écoles du Canton, qui jouent dans un orchestre souvent pour la première fois. Si à la fin de l’expérience, leurs copains disent «moi aussi je veux faire ça!», alors c’est gagné !

La pandémie de Covid-19 et ses mesures ont provoqué de lourdes conséquences sur le public des salles, notamment en France. Est-ce le cas à Zurich ?
Il existe des différences oui, mais rien de grave. Au moment d’acheter des places, le public se décide plus tard. Plus de jeunes qui viennent à l’opéra, et ils veulent de la nouveauté, quelque chose de moderne, pas uniquement du répertoire. On doit donc continuer à créer. Un autre détail que j’ai remarqué : le public s’habille de manière plus informelle.

La nouvelle production de Hänsel et Gretel est déjà la quatrième création de votre première saison, après Der Rosenkavalier, La forza del destino, le ballet Oiseaux Rebelles (et la production expérimentale Wie du warst, wie du bist). Pourquoi l’avoir confiée au metteur en scène suisse Thom Luz, habitué au théâtre?
J’avais rencontré Thom à Berlin au Staatsoper, où il avait monté la performance Werckmeister Harmonien en 2022. Il entretient une relation toute particulière avec l’OpernhausZürich, qui occupe un grand rôle dans son parcours artistique et théâtral. Enfant, il a joué sur la scène ! Dans Hänsel undGretel, il livre un conte sur la mise en scène, le monde magique des coulisses, le spectacle en train de se faire. Il s’agit vraiment d’un spectacle accessible à tous, de 7 à 99 ans !

Matthias Schulz, nouveau Directeur de l’Opéra de Zurich ©maurice_haas

Ce spectacle marque aussi l’ouverture de votre projet Opernkinotag…
Absolument ! Il s’agit d’une première. Notre idée consiste à diffuser en direct l’opéra dans 15 cinémas à travers tout le Canton. Vous savez, il nous finance de manière très importante et nous voulons assurer une réelle présence dans le territoire. D’ailleurs, je trouve que l’opéra est un art qui se prête bien aux salles obscures.

En quoi votre projet se distingue d’Andreas Homoki, votre prédécesseur. En quoi vous lui ressemblez ?
Je crois qu’on partage l’idée d’avoir une stratégie pour toute la vie [rires]. À l’opéra c’est pareil, on doit gérer une sorte d’opération émotionnelle. Il y a tellement d’éléments à prendre en compte, anticiper, des risques à maîtriser. Et au final, on ne peut rien prévoir. Imaginez un spectacle où tout paraît sous contrôle, mais en réalité rien ne marche ! Finalement, nos métiers demandent beaucoup d’empathie, puisqu’on propose des spectacles pour des personnes, créés par des personnes. Et c’est toute la beauté de l’opéra.

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FREITAG x Hender Scheme, ou comment apprivoiser le chaos chromatique (C) Freitag

Les deux modèles détournés, F52 MIAMI VICE et F250 SONNY, deviennent des hymnes à l’upcycling intelligent : anses en cuir revisité, bandoulière longue façonnée à partir des anciennes poignées de bâche… un jeu d’emboîtements qui transforme l’existant sans jamais le trahir.

Le matériau comme mémoire
Chez FREITAG, chaque bâche est une biographie. Traces de freinage, frottements d’orage, éclats de soleil : tout reste visible. Hender Scheme ne recouvre pas cela — il le souligne, comme un calligraphe qui complète une phrase commencée par le vent.

Le geste précis qui sculpte le vécu : chaque toile rescapée devient fragment d’avenir. La route se découpe, le design se dessine (c) Freitag

Le cuir naturel, laissé volontairement clair, va se patiner, foncer, absorber nos jours et nos détours. Deux matières qui vieillissent, mais jamais pareil. Deux rythmes, une seule route!

Dans les mains, le cuir encore candide. Dans l’atelier, la promesse d’une patine future. Matière sage aujourd’hui, mémoire sauvage demain (C) Freitag

Deux sacs, deux tempéraments

• F250-HS SONNY (12,6 L)
  Compact, carré, nerveux. Le sidekick urbain qui nous suit partout : métro, studio, meeting, planeur créatif.
• F52-HS MIAMI VICE (~20 L)
  Plus ample, plus théâtral, silhouette de sac en papier suisse mais âme de baroudeur japonais. Le cabas qui dit « je suis stylée mais je ne me prends pas au sérieux! ».

L’ingéniosité en filigrane
Là où d’autres masquent, FREITAG et Hender Scheme détournent. L’anse d’origine devient bandoulière: pas un déchet, pas un regret!  Le cuir devient pont, la bâche devient récit. C’est du design circulaire qui ne cherche pas l’applaudissement : il cherche la cohérence. Et il l’atteint.

Cuir clair, sangle détournée, allure insolente. L’hybride qui porte autant qu’il raconte (c) Freitag

Une collaboration qui a du caractère
Ce n’est pas pour les accros aux tendances éclair. C’est pour les personnes qui aiment qu’un sac ait une vie avant eux… et une vie après! Un sac qui ne dit pas « je suis neuf », mais « je suis là pour durer! ». Et on aime ça.

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Sous les rideaux carmins, l’entrée se métamorphose en quai d’époque : sapin majestueux, groom en livrée et malles anciennes annoncent l’embarquement vers une nuit d’ailleurs (C) DR

Pour “The Grand Departure of the Geneva Express”, l’icône genevoise a troqué son marbre quotidien pour une atmosphère de gare d’antan, façon Orient Express sous stéroïdes poétiques. Tapis rouge, hall Belle Époque, quatuor à cordes : on entrait, on oubliait Genève et on respirait un autre temps. Les convives étaient devenus des passagers — élégants, intrigués, un peu grisés — prêts à traverser une nuit où tout semblait chorégraphié.

Un dîner comme une destination
Le Living Room n’était plus un salon, mais une voiture-restaurant, nappée d’intentions et d’ombres dorées. Quatre actes culinaires signés par les Chefs du Ritz-Carlton, une partition précise, presque cinématographique. Un service qui glissait, des assiettes qui dansaient, un luxe sans lourdeur, qui murmurait plutôt qu’il n’éblouissait.

Dans la voiture-restaurant réinventée, une apparition lumineuse couronnée de chandelles glisse entre les tables : l’art de dîner comme une procession enchantée (c) DR

Le spectacle : un train d’artistes en mouvement
Danseurs virevoltants, musiciens en crescendo, chanteuse lyrique suspendue au-dessus des tables : la soirée n’était pas simplement animée, elle était habitée! Le FRED Bar, relooké en piano-bar des années 1920, a mis le point final : cognac, cocktails vintage, caviar au clair-obscur. Un after où le temps s’étirait et où l’on ne voulait surtout pas descendre du train.

Un voyage qui ouvre la saison des fêtes
Cette nuit mythique n’était que le sifflet de départ. Le Ritz-Carlton a dévoilé l’itinéraire du Geneva Express, un calendrier qui fait de décembre une série de haltes enchantées :

• 10 décembre — A Late Checkout Show
• 24 décembre — Nuit de Noël Enchantée
• 25–28 décembre — Brunchs Festifs
• 31 décembre — Gala Étincelant du Réveillon
• 1–4 janvier — Brunchs de la Nouvelle Année

Un mois de féerie calibrée, d’élégance en escale, de convivialité cousue-main.

Les danseuses-fleurs, silhouettes lilas et plissés scintillants, encadrent une pièce montée façon rêve baroque : la fantaisie en tenue de soirée (C) DR

Certains hôtels accueillent. D’autres reçoivent. Le Ritz-Carlton, lui, met en scène. “The Grand Departure of the Geneva Express” n’était pas une soirée : c’était un départ. Celui d’un hôtel qui fête ses 160 ans non pas avec des souvenirs, mais avec des horizons. Prochain arrêt : la magie?

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Portrait du chef Santiago Lastra Le magicien de l’agave, l’alchimiste des îles britanniques, le sourire tranquille d’un homme qui cuisine la mémoire (c) KOL

Aujourd’hui, KOL est étoilé Michelin, mais cet archéologie du goût parle encore comme s’il débutait — humble, habité, bricolant le sacré dans le quotidien. Il transforme la pluie de Londres en braise mexicaine. Il fait des herbes britanniques des souvenirs d’Oaxaca. Il prouve qu’on peut faire voyager un pays entier… sans le transporter. KOL n’imite pas le Mexique : il le rêve. Il l’évoque comme un parfum qu’on aurait respiré autrefois sans retenir son nom, mais dont le sillage revient obstinément.

La salle : un soleil clandestin
Chez KOL, la salle ne reçoit pas : elle enveloppe. La lumière oscille comme une veillée. Les murs, couleur terre brûlée, semblent respirer doucement. Le bois, la céramique, les fibres naturelles — tout dialogue avec la cuisine ouverte, comme une cérémonie discrète où rien n’est décoratif, tout est signifiant. On observe, on devine, on salive.

Un salon d’ocre et de silence, où Londres se met à parler avec un accent mexicain (c) KOL

Le menu: crescendo d’incandescence
On entre dans le menu comme on entrerait dans un pays interdit : à pas feutrés, le cœur déjà un peu chaviré. Tout commence par une quesadilla qui n’en est pas une, un pli de maïs qui s’ouvre sur un short rib qui fond littéralement en aveu. La truffe noire, elle, n’assaisonne pas : elle chuchote. Elle met du velours là où la viande met de la braise. Déjà, Londres disparaît.

Puis vient le tamal colado, ce flan de maïs au cochon fumé, radis insolent, caviar Kaluya posé comme une étincelle. On dirait un souvenir d’enfance retravaillé par un parfumeur. Un plat qui avance masqué : simple en apparence, redoutablement technique dans l’ombre.

Débarque ensuite le coco — seiche, céleri, cèpes, noix de coco, algue dúlaman — un paysage marin où l’iode flirte avec le sous-bois, un plat qui sent le rivage autant que la forêt, comme un poème bilingue.

Langoustine-signature : la bouchée-totem de KOL : un soleil d’écaille posé sur un tapis de mémoire (c) KOL

Et la langoustine arrive, fumée juste ce qu’il faut, enveloppée dans une tortilla qui raconte mille kilomètres de nostalgie. Le piment fumé et l’argousier lui sculptent un accent, une façon de dire “je viens de loin, mais je suis chez moi ici”.

Les setas — portobello, pasilla, pepita macha, œuf de caille — offrent un moment de répit, mais un répit incandescent : un plat terrestre, un plat brun, un plat qui goûte la pluie, la sève, le bois mouillé. L’œuf de caille, lui, brille au centre comme un soleil miniature.

Puis le zacahuil apparaît, massif et délicat à la fois : truite de rivière, kabocha fondante, mezcal de truite, fleurs de sureau. Une bouchée qui avance lentement, comme un animal mythique. Une douceur qui marche au pas d’une force tranquille.

Le mole final, lui, ne négocie rien. Canard, carotte violette, piment pequin, koji. Un plat qui avance poitrine en avant. Le genre d’assiette qui raconte une histoire plus ancienne que nous. Ici, la douceur n’existe qu’à travers le feu.

La fameuse Paleta: dessert aux fourmis Une petite bombe glacée : paleta bicolore, piquée de fourmis, entre insolence et haute voltige (c) KOL

Et quand on pense avoir tout vu, la salle bascule dans l’insolence joyeuse de KOL : le dessert aux fourmis. Une paleta poire-betterave-piment pêche-yaourt… et ces fameuses fourmis, craquantes, citronnées, malicieuses. Elles arrivent comme la dernière phrase d’un roman : inattendues, mais absolument nécessaires. Les fourmis ne décorent pas : elles réveillent. Elles tordent le palais, elles décuplent la lumière. Elles signent le repas comme un point d’exclamation.

La Mezcaleria : le cœur battant sous le plancher
Descendre à la Mezcaleria, c’est passer de la cérémonie à l’instinct. Ici, on rit plus fort. On boit plus profond. La pièce basse, ombrée, parfumée de bois et d’agave, ressemble à une confidence qu’on se chuchote entre étrangers.

La Mezcaleria au sous-sol, la cachette vibrante du lieu : ici, l’agave mène la danse et la nuit fait claquer sa langue (c) KOL

Les cocktails jouent la double nationalité : Hot & Cold, Sorrel & Hop Sour, des créations où l’agave rencontre le climat britannique — et où personne ne semble choqué par l’union. Les Antojitos, eux, sont la gourmandise qui casse les codes : truffe dans la quesadilla, wagyu dans l’empanada. Du street-food réinventé, réhaussé, réenchanté.

KOL : exil en éveil
C’est ça, finalement, la vraie force du lieu : cuisiner un pays sans l’importer. Faire survivre une mémoire sans l’exotiser. Honorer un héritage sans le figer dans le formol des cartes postales. Lastra ne cherche pas la fidélité : il cherche la vérité! Et sa vérité brûle bas, tourbillonne haut, murmure loin, éclaire juste! Toque basse maestro.

Le chariot des esprits : une procession d’agaves en bouteille, prête à raconter ses secrets sous la lueur des murs patinés (c) KOL

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Un parfum discret mais habité, qui traduit en notes olfactives l’esprit du lieu : son calme, sa précision, son attachement aux matières qui prennent forme lentement, patiemment.

Un flacon qui torsade l’air comme les colonnes du musée
Le flacon, imaginé par le céramiste Lucien Bovard, est une pièce d’art à lui seul : de la porcelaine émaillée, torsadée, réinventant les colonnes iconiques du hall. Un objet qui pourrait siéger sur les étagères du musée… ou sur les tables de nuit des esthètes les plus avertis. Ici, même le contenant est un conte.

IROISE x Ariana : quand l’olfactif flirte avec le sculptural
Julie Barretta compose des parfums comme d’autres écrivent des poèmes : chaque note est une syllabe, chaque accord un paragraphe. Pour TERRE, elle orchestre une rencontre entre matière, émotion et patrimoine, et offre au Musée Ariana ce qu’aucune scénographie ne pouvait capturer : son propre souffle.

Un parfum né de la matière
TERRE, s’ouvre comme une page minérale : une fraîcheur boisée et crayeuse, presque la respiration de l’argile qu’on vient de tourner. Un départ net, franc, qui évoque les ateliers encore tièdes, les mains poudreuses, les gestes qui sculptent.

Le basilic s’y glisse comme un souffle vert, un éclat végétal qui nettoie l’air et l’ouvre en grand — pas un basilic domestiqué, mais un basilic sauvage, herbeux, presque indiscipliné. La fleur blanche de Chine apporte alors son halo : une lumière douce, laiteuse, comme le reflet nacré qui court sur un vase en porcelaine.

Puis viennent s’installer en profondeur le vétiver et le patchouli, non pas pour assombrir mais pour enraciner, pour donner ce poids chaleureux et tellurique qui rappelle la terre, les fondations, la lenteur du temps.

TERRE, c’est ce que pourrait sentir la matière avant de devenir œuvre : un mélange de fraîcheur, de végétal, de lumière et de profondeur — une respiration de musée mise en bouteille.

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Quitter une adresse, emporter une histoire
Vingt ans dans les mêmes pièces… Cela laisse des traces, des rires, des confidences, des transformations murmurées sous la lumière d’une lampe médicale. Quitter ces murs, c’est comme détacher une dernière étreinte : un pincement doux-amer, un souffle entre nostalgie et élan.

Mais c’est aussi accepter que la beauté, comme la peau, vit de renouveaux. Que l’on grandit en changeant d’écrin.

Le mouvement comme renaissance

Le 3 rue du Commerce s’annonce plus lumineux, plus fluide, pensé pour accueillir l’avenir avec un nouveau flow. Un espace repensé pour amplifier ce qui fait la force de Forever : la précision, le savoir-faire et cette délicatesse particulière qui flotte entre le scientifique et le sensible. La transition n’est jamais un long fleuve tranquille : cartons empilés, plans d’architecte, retards, poussière. Mais derrière chaque chaos se cache un éclat. Et derrière ce chantier, une évidence : Forever avance, se réinvente, respire autrement.

Une nouvelle porte, la même portée
L’institut fermera ses portes du 22 décembre à 15h au 7 janvier matin. Un temps suspendu, comme une inspiration profonde avant de refleurir. Et puis janvier glissera, avec son souffle frais, ouvrant une porte nouvelle sur un chapitre encore vierge. Avec la même équipe, la même chaleur humaine, la même exigence. Car si l’adresse se transforme, l’âme, elle, reste parfaitement immuable.

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Tonhalle galvanisée : la salle entière debout, saisie par l’onde de Mahler, tandis que l’orchestre reçoit une ovation qui résonne comme un souffle collectif (c) Gaetan Bally

Orchestre rugissant
À Zurich ce soir-là, l’Orchestre de la Tonhalle a été rugissant, puissant, alerte, sous la baguette de Paavo Järvi. Le premier mouvement « Allegro maestoso » donne le ton, où piano et fortissimo se succèdent. Sans attendre, le maestro passe directement au second mouvement (Andante moderato) alors que Mahler conseillait de laisser respirer le public. Au 4ème mouvement « Urlicht », la mezzo-soprano Anna Lucia Richter chante avec autorité des vers des Knaben Wunderhorn et dialogue à merveille avec le violoniste Klaidi Sahatçi, qui livre un solo d’une grande expressivité.

Du frémissement..
Le dernier mouvement « Im Tempo des Scherzos » émerge dans une tension palpable, avec une musique mystérieuse, comme si le son venait d’ailleurs. Une idée de Mahler : un « Fernorchester », prévu dans la partition. Dans la Tonhalle, l’effet est renversant : des trompettes, cors et percussions sont cachés derrière les murs, créant une étrange sensation, presqu’insaisissable. Exposés, sans filet, trompettes et cors distillent leur morceau de bravoure qu’on savoure.

Paavo Järvi, le geste affûté, menant des cordes en pleine incandescence — un ballet de coups d’archet où chaque note semble taillée dans l’urgence (c) Gaetan Bally

Arrivent les voix, à commencer par le chœur de la ZürcherSing-Akademie, un véritable moment de recueillement, triple piano, murmure au souffle imperceptible. Suit Anna Lucia Richter qui chante dans une retenue racée, alors que la soprano Mari Eriksmoen, vue récemment à Genève en Mélisande, déploie un vibrato et un volume excessif, plus adaptée à une scène lyrique.

…à la tempête
Une bataille se livre ensuite entre les cuivres et percussions d’un côté et cordes et bois de l’autres. Ce soir-là, les seconds luttent avec les premiers. Vient ensuite l’extase, le chœur, les solistes, l’orchestre, tous ensemble, offre un moment au lyrisme intense ! Les cuivres vibrent, les percussions claquent, les cordes luttent, les bois soufflent à plein. Le rythme monte, le volume aussi, tout s’accélère, en maintenant un crescendo qui paraît ne jamais se terminer, que seule l’apothéose pourrait régler. Le concert terminé, la salle se lève et applaudit à tout rompre.

Plus lyrique que spirituel
« Pourquoi as-tu vécu ? Pourquoi as-tu souffert ? Tout cela n’est-il qu’une grande et terrible plaisanterie ?  A ces questions je réponds dans le dernier mouvement » disait Mahler. Ici, on a eu le sentiment que le chef impose un rythme à marche forcée, sans laisser respirer, sans équilibrer ses pupitres, peut-être débordé par l’immense masse orchestrale.L’interprétation est lyrique plus que spirituelle, qui préfère l’effet de manche à la profondeur intérieure.

« Je ne lis jamais les journaux, cela m’agace trop » disait Mahler. Peut-être l’actuel maestro se dira la même chose en lisant ces lignes.

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Ne culpabilisez pas si certains jours vous traînez un peu plus longtemps au lit. Une routine se construit lentement, avec patience et expérimentation. Si une habitude ne tient pas, ce n’est pas un échec : c’est l’occasion d’observer votre état d’esprit et d’ajuster le tir. Une routine n’est pas une prison, c’est un soutien, un petit cocon avant que le monde n’envahisse vos matins.

Vos matins peuvent être riches de petites victoires. Quelques lignes dans un carnet pour poser vos pensées, noter vos priorités, ou méditer quelques minutes suffisent à clarifier l’esprit et vous donner ce délicieux sentiment de contrôle. Savourer un café chaud, respirer, s’installer dans le calme… ces gestes simples deviennent des rituels puissants. Une douche rapide, un petit-déjeuner équilibré, marcher quelques minutes dehors : ces détails anodins boostent l’énergie, stimulent la concentration et mettent votre journée sur de bons rails.

Ces gestes qui transforment vos matins
Le vrai secret ? La régularité et la bienveillance envers soi-même. Commencez doucement, adaptez votre routine à vos besoins, et surtout, prenez du plaisir à chaque geste. Chaque matin est une chance de choisir ce qui compte vraiment pour vous, de créer un moment de calme et de sens avant que la journée ne s’emballe. Tester, ajuster, savourer : c’est ainsi que vos matins se transforment en parenthèse de calme, d’énergie et de contrôle, un petit luxe à vous offrir avant d’affronter le reste du monde.

Dompter mes matins sans stress
Je me lève vers 5h30, quand Genève dort encore et que la ville semble m’appartenir. Le silence est presque luxueux. Premier réflexe : étirements et méditation. Juste assez pour dire “je gère” avant que le monde ne vienne hurler à ma fenêtre. Ensuite, direction la douche. Rapide, efficace, un petit choc pour réveiller chaque cellule endormie et rappeler que la journée ne va pas se gérer toute seule.

Le petit-déjeuner arrive comme une petite récompense : simple, nourrissant, juste ce qu’il faut pour tenir jusqu’au bureau sans sombrer dans la faim ou le stress. Puis vient ma routine skincare, presque cérémoniale : sérum, crème hydratante, crème solaire. Parce que oui, protéger sa peau avant le chaos urbain, c’est aussi une victoire personnelle.

Vient ensuite mon moment préféré : m’installer avec mon carnet, un peu de musique en fond, et écrire. Pas de notifications, pas de likes, rien d’autre que mes pensées, mes idées, mes petits plans pour la journée. Quelques minutes pour respirer, réfléchir, créer… et me rappeler que je suis aux commandes, même avant 9 heures.

Puis vient le moment de partir. Le bureau m’attend, les emails aussi, mais je me sens prête. Ma routine m’a donné du calme, de l’énergie et cette petite dose de contrôle que je ne troquerais pour rien au monde. Avec ça, mes matins ne sont plus un combat contre l’alarme, mais un rituel à moi, qui me permet de commencer la journée avec style et sérénité.

Au final, une morning routine n’est pas qu’une succession de gestes matinaux : c’est un espace, ce petit luxe quotidien avant que le monde ne reprenne ses droits. Elle permet de démarrer chaque journée avec énergie, clarté et ce sentiment de contrôle qu’on ne troquerait pour rien. Et même si certains matins sont plus chaotiques, ce rituel reste un repère, un point d’ancrage, la preuve qu’il suffit de quelques minutes pour prendre le pouvoir sur sa journée et la vivre à notre manière.

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