Sous la verrière végétale, le Jardin d’Hiver déroule sa jungle feutrée (c) Molitor

Un jardin intérieur qui parle toutes les langues du vivant
Dans la salle transformée en serre botanique, les rideaux en toile de Jouy semblent respirer, le kiosque en fer forgé fait office de portail vers un ailleurs, et les plantes dansent comme si le bassin extérieur soufflait encore un peu d’été. C’est un décor qui glisse, qui murmure, qui floute la frontière entre rêve et réalité. Le mobilier de jardin devient écrin, l’ambiance sonore une invitation au dépaysement. On n’est plus dans un restaurant : on est dans une halte onirique où l’on prend le temps… d’oublier le temps!

Gambas rôties et bouillabaisse légère : la Méditerranée chuchotée au cœur du 16ᵉ (c) Molitor

Un chef qui compose en chlorophylle majeure
Aux commandes du Jardin d’Hiver? Le Chef Tony Goncalves quiorchestre une cuisine vivante. Formé chez Maison Pic, au Café de l’Homme et passé par les grandes maisons parisiennes, il revient chez Molitor comme on revient à une source — lui qui y fut commis il y a plus de dix ans. Aujourd’hui, il signe une partition végétale traversée de vents d’orient : ceviche de cabillaud à la mangue et lait de coco, poulpe tendre sur polenta et Romesco, sashimi de daurade aux agrumes, poké de saumon comme une escale fraîcheur. Une cuisine précise, en mouvement, où la mer dialogue avec le végétal et où chaque assiette semble renouer avec la lumière du lieu.

Ravioles de légumes baignées à la théière : le jardin infusé en plein cœur d’assiette (c) Molitor

À ses côtés, la Cheffe pâtissière Camilla D’Ambrosio déploie un registre sucré non des moins gourmands : baba St-Germain et kalamansi, chou Caraïbes à la cardamome, praliné-mandarine…Des douceurs qui renversent l’hiver en arrière et Ensemble, ils composent un duo où le goût s’énonce comme un voyage intérieur — délicat, vibrant, inattendu.

Jeu d’ombres et douceur tiède : une tarte fine caramel/pomme qui murmure la dernière lumière (c) Molitor

Le bar : boussole liquide
Au milieu du Jardin d’Hiver se dresse le bar : une sculpture vivante, totem de verre et de végétal. Les mixologues y composent des carnets de voyages liquides : infusions florales, herbes fraîches, agrumes d’évasion, épices confidentielles. On s’y perd, on s’y retrouve et on s’y rencontre. On y boit un verre avant le dîner comme on ouvre une parenthèse. On y revient après, pour prolonger l’instant. C’est la place du village version Molitor : chic, vibrante, parfaitement orchestrée.

Un cocktail en clair-obscur, comme une gorgée de jardin sous verrière (c) Molitor

La nature comme refuge, Paris comme horizon
Dans ce havre qui mêle chlorophylle et Art Déco, on lunche, on dîne, on brunch, mais surtout, on respire. Déjeuners d’affaires qui se détendent, dîners romantiques enveloppés de lumière douce, brunchs en famille suspendus entre bassin bleu et fougères gracieuses…Molitor signe ici une invitation à ralentir, savourer, contempler. Un lieu où l’art de chiller n’est jamais une pose, mais une atmosphère.

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Entre course, stands et effervescence : Palexpo bat comme un cœur collectif! Dix jours où Genève respire au rythme de ses passions (c) DR

Comment faire danser l’âme populaire des Automnales avec cette exigence curatoriale nouvelle ?
C’est tout l’enjeu ! Nous restons fidèles à notre ADN populaire tout en élargissant les horizons. Les trois espaces — Food Festival, Market, Émotion — offrent chacun des parcours pensés pour différents publics : familles, jeunes, seniors, curieux. Concerts chaque soir, concours de chant, tyrolienne, ateliers, halle gastronomique, plus de 200 animations… L’idée est de parler à tout le monde, sans perdre la chaleur et la convivialité qui font le succès des Automnales depuis toujours.

Du burger signature au jardin éponge : comment marier palais et planète, plaisir et conscience ?
Nous avons imaginé une expérience plurielle, où plaisir et responsabilité se nourrissent mutuellement. Le Food Festival en est le meilleur exemple : plus de 40 restaurateurs et food trucks célèbrent la gourmandise tout en valorisant les producteurs locaux et les pratiques durables. On peut se régaler tout en restant attentif à ce que l’on consomme. Pas de morale verte, juste l’envie sincère de bien faire, dans la joie.

Le Food Festival devient une fête sensorielle : karaoké, DJ sets, concours, émotions… Quelle est la recette secrète pour que la gourmandise reste légère ? L’équilibre ! Le Food Festival se vit comme une balade à travers les quatre saisons — chaque univers a sa scénographie, ses saveurs, son ambiance. On y croise des plats du terroir, des bars à huîtres, des food trucks venus d’ailleurs, et une table gastronomique animée par des chefs locaux. Ce rythme saisonnier permet de varier les plaisirs sans jamais saturer. On déguste, on danse, on rit, on recommence.

Cette année, la nature s’invite au cœur de Palexpo. Que murmure ce “Green City Forum” sur notre futur urbain ?
Il raconte que la nature n’a pas dit son dernier mot. Même au cœur des villes, elle peut retrouver sa place. Le Green City Forum invite à réfléchir à la “ville éponge” : une cité capable d’absorber, de stocker et de restituer l’eau de pluie pour rafraîchir, reverdir et recréer du lien entre humains et environnement. C’est un projet poétique et concret à la fois — une ville qui respire et inspire.

“Ville éponge”, “sols vivants”, “jardins immersifs”… on dirait un poème écologique. Comment rendre le développement durable désirable, presque sensuel ?
Il faut d’abord émerveiller avant de convaincre. Avec la Fondation Hortus et ses jardins immersifs, nous voulons parler de durabilité par le beau et le sensible. On n’impose rien, on invite à la flânerie, à la curiosité. Ce n’est pas une leçon de morale, mais un éveil doux à la conscience écologique.

Peut-on dire que les Automnales deviennent un laboratoire citoyen, ou préférez-vous parler d’un terrain de jeu collectif ?
Un terrain de jeu collectif, sans hésiter ! Les Automnales ne se veulent pas militantes, mais inspirantes. C’est un lieu pour se retrouver, découvrir, s’émerveiller, apprendre sans s’en rendre compte. Nous joignons l’utile à l’agréable, tout simplement.

140 000 visiteurs et pourtant l’esprit de village demeure. Quel est votre secret pour garder cette chaleur humaine dans l’ampleur de Palexpo ?
En restant profondément locaux. Nos exposants, nos partenaires, nos talents : la majorité vient de la région. Ce sont des visages familiers, des histoires partagées. On cultive cette âme genevoise, simple, accueillante, chaleureuse. C’est ce qui fait la magie du lieu : on s’y sent comme chez soi.

Si le public devait repartir avec un souvenir symbolique — une émotion, une rencontre, une idée — lequel aimeriez-vous qu’il garde ?
Un sourire, une rencontre inattendue, une envie de revenir. Que chacun, selon ses envies, reparte avec un petit supplément d’âme. Un souvenir qui fait du bien, qui reconnecte au plaisir simple d’être ensemble.

Et vous, Jennifer, quel est ce moment suspendu qui vous rappelle chaque année pourquoi vous faites tout ça ?Quand je vois les gens profiter à fond. Les enfants qui rient, les amis qui trinquent, les artisans qui partagent leur passion. Ces instants de vie me rappellent que l’essence même des Automnales, c’est le lien. Créer des moments qui rassemblent, qui font rêver. C’est ça, ma plus belle récompense.

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L’art d’échouer avec panache
Antoine Defoort fait partie de ces artistes qui prennent la complexité du monde pour un terrain de jeu. Là où d’autres cherchent à simplifier, lui préfère dérégler, douter, remettre en question. Son spectacle ne cherche pas à délivrer une méthode magique pour réussir vos projets (désolé pour les amateurs de développement personnel) : il s’agit plutôt d’un éloge de l’essai, du demi-succès, du bricolage permanent.

La méthode itérative qu’il défend, il ne la réduit pas à un concept technique sorti d’un manuel de start-up. Elle devient, sous sa plume et sur sa scène, une philosophie de vie. On avance, on tâtonne, on ajuste. Et parfois, c’est dans le ratage que se cache la beauté du geste.

L’artiste transforme la scène en laboratoire d’idées, un espace où le spectateur n’est plus seulement témoin, mais compagnon d’expérimentation. On rit, on s’interroge, on se reconnaît parfois dans ces hésitations méthodiques, dans ces tentatives obstinées. Et surtout, on ressort avec l’impression que le monde est moins figé qu’il n’y paraît.

Utopie méthodique et joyeux désordre
Avant d’être un créateur de formes, Antoine Defoort est un curieux invétéré. Son parcours, marqué par un background scientifique, imprègne profondément sa démarche artistique. Il y a chez lui un goût pour les protocoles, les expériences, les hypothèses absurdes ou fécondes. Mais la rigueur scientifique n’exclut pas le plaisir du jeu : bien au contraire. Il s’amuse à brouiller les pistes entre la démonstration rationnelle et l’élan poétique. Ses spectacles ne sont pas des cours magistraux, ce sont des expériences partagées, où l’on apprend autant qu’on s’émerveille. Cette manière de travailler la matière intellectuelle avec humour et légèreté, tout en refusant le cynisme, fait de lui une figure singulière du théâtre contemporain européen.

Conférence ou théâtre ? Un peu des deux, beaucoup d’autre chose
Dès les premières minutes, le public comprend que Sauvez vos projets n’a rien d’un spectacle classique. Antoine Defoort ne se cache pas derrière un personnage : il s’adresse directement à la salle, partage ses réflexions, ses doutes, ses trouvailles. La scène devient un espace de pensée en mouvement, où les idées s’échangent comme des balles de ping-pong. On passe d’une démonstration pseudo-scientifique à une digression poétique, d’un schéma dessiné à main levée à une anecdote sur la procrastination créative.

Cette liberté formelle crée un climat de complicité. On rit souvent, non pas parce que la blague est attendue, mais parce que la situation est étonnamment familière. Qui n’a jamais recommencé cent fois un projet, tenté de « sauver » un plan bancal, bricolé pour tenir une idée debout ? Le spectacle nous tend un miroir, pas celui qui juge, mais celui qui nous fait un clin d’œil.

L’auteur de ce spectacle inédit ne livre pas de morale, mais une proposition. Une sorte de philosophie appliquée à la scène, qui fait du processus de création un miroir du processus de transformation du monde. Chaque raté devient une chance. Chaque détour, une ouverture. Et chaque recommencement, une promesse de renouveau.

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Loin des opéras à effectifs pachydermiques, entre multiples intrigues et tableaux monumentaux, celui créé en 1887 comporte une réelle efficacité dramaturgique. En quelques mots, le général Otello revient triomphant par les mers déchaînées à Famagouste, à une époque où la République de Venise régnait de la côte dalmate jusqu’à la Crète. Mais son homme-lige Iago, frustré d’une promotion non-confirmée, distillera le poison de la jalousie au vainqueur, contre l’épouse Desdémone. On devine la fin.

Otello de Verdi à l’opéra National du Rhin (c) Klara Beck

Manque de propos
C’est là que le bât blesse : la mise en scène paraît bien prévisible. Si Ted Huffman s’inspire de « l’Italie méditerranéenne du milieu du XXe siècle : un monde où violence et raffinement cohabitent », on est déçu du propos –ou son absence– sur la violence faite aux femmes. Dans la proposition de l’artiste New-yorkais, Otello apparaît violent mais surtout comme une victime manipulée par un Iagocharismatique. Au lieu de questionner le « crime passionnel » propre à de nombreux féminicides, au lieu d’offrir une lecture qui complète un argument éculé –la femme victime, acceptant un destin injuste mais qui pardonne. On aurait pu espérer autre chose, un regard déconstruit sur la masculinité toxique. Si le thème est parfois passé au chausse-pied du spectacle vivant, il aurait ici toute sa pertinence. En revanche, on peut saluer le jeu des protagonistes, incarné, travaillé, propre à créer une proximité. Ainsi chaque membre du chœur est actif etsollicité. Par ailleurs, le dispositif scénique permet de basculer parfaitement des moments intimes aux grands tableauxd’ensemble.

Fosse énergique
En fosse, la cheffe d’orchestre Speranza Scappucci, élève de Riccardo Muti passée par la Juilliard School, pratique une conduite de caractère, présente et précise. En seconde partie, la maestra a tendance imposer sa battue aux chanteurs dans certains airs, alors qu’elle devrait les accompagner. L’Orchestre philharmonique de Strasbourg déploie une ampleur sonore qui fait merveille dans la salle de l’Opéra du Rhin. Comme dans La Walkyrie de Wagner, Otello débute par une tempête, figurée ici avec vigueur. Les bois sont proprement délicieux d’expressivité délicate, et solo du violoncelle d’une tendresse infinie. On peut regretter des cuivres tièdes par moments, mais les Chœurs des opéras du Rhin et de Lorraine réunis l’occasion font fort impression (« Fuoco di gioia! »).

Des voix à suivre
Sur le plateau, Mikheil Sheshaberidze prend le rôle-titre à bras-le-corps, avec une présence scénique et vocale marquante. En seconde partie, il affine son chant et son jeu pour mieux rugir ensuite (« À terre, et pleurs ! »). Pour le ténor issu de la grande tradition géorgienne du chant, un petit regret, les aigus parfois difficiles. Le public genevois a pu l’apprécier en Micaëla dans la Carmen signée RheinhildHoffmann à l’Opéra des Nations : Adriana González s’est magnifiquement révélée en Desdemona. A l’aise, incarnée, elle chante magnifiquement son rôle, notamment les pianissimos à couper le souffle, par exemple « Ô Saule » à l’acte IV. A côté d’un Joel Pietro en Cassio charmeur, drôle et naïf, le Iago campé par Daniel Miroslaw est brillant. Rôle souvent campé en petit courtisan séducteur, c’est ici un manipulateur au faîte de son pouvoir, un réel « villain » charismatique.

De cet Otello, plateau et fosse subliment une partition dont la mise en scène aurait pu offrir une interprétation plus inspirée.

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En tête, le Rosewood Hong Kong, palme du raffinement vertical, domine la baie comme un diamant suspendu. L’Asie confirme son règne, entre minimalisme d’influence zen et excès ciselé à la perfection.

Design-boutique : l’Italie fait chambre à part
Et pendant que les géants dressent leurs tours d’or, Passalacqua, sur les rives du lac de Côme, ourle la dolce vita dans sa plus belle version artisanale. Classé n° 4 du monde et sacré Best Boutique Hotel 2025 ainsi que Best Hotel in Europe, l’ancien palais du XVIIIᵉ siècle, restauré par la famille De Santis, prouve qu’un hôtel peut être un roman d’artisanat. Vingt-quatre clés seulement, mille détails et cette lumière qui plisse les rideaux comme un sourire.

Chaque chambre y respire la musique du silence : rideaux en soie, baignoires d’opéra, miroirs baroques où la lumière s’attarde comme un amant. Ici, le design ne s’affiche pas, il se chuchote ; le luxe ne s’exhibe pas, il s’insinue — un hôtel qui fait battre le cœur du lac au rythme du beau.

L’empire du geste : Four Seasons ou la grammaire du raffinement
Cette année, le groupe Four Seasons s’offre la plus belle des reconnaissances : le Ferrari Trento Art of Hospitality Award 2025, une distinction qui ne salue pas une adresse, mais une philosophie entière — celle du service élevé au rang d’art. Chez Four Seasons, l’hospitalité ne se déclare pas, elle se ressent : dans le pli d’un drap, la cadence d’un pas, la musique d’un sourire.

De Bangkok à Megève, de Kyoto à Bora Bora, chaque maison compose sa propre variation autour du même refrain : élégance, attention, émotion. Un groupe qui fait de la constance une vertu, et du soin un langage universel.

Et la Suisse dans tout ça ?
Elle avance à pas feutrés, sans fanfare ni trompette, mais avec cette élégance horlogère qui ne perd jamais la mesure du temps. Le Badrutt’s Palace de St. Moritz figure dans la liste élargie des 100 meilleurs hôtels du monde — seul représentant helvétique dans ce bal des géants. Une institution centenaire où les miroirs reflètent les montagnes comme des bijoux, où le feu crépite avec la rigueur d’un concerto alpin.

Pas besoin de podium pour briller : à 1 800 mètres d’altitude, l’excellence se passe de projecteurs. Là-haut, le luxe respire plus lentement — en soie et en silence.

Une géographie du désir
Cette édition 2025 trace une carte du monde en nuances de velours. On y lit la sensualité du Four Seasons Bangkok (2ᵉ), la grâce tropicale du Mandarin Oriental Bangkok, le raffinement feutré du Aman Tokyo, et l’épure du La Mamounia à Marrakech, toujours fidèle à sa splendeur de riad royal.

Chaque adresse raconte une philosophie : celle du temps suspendu, du détail qui murmure, du geste qui effleure… et de l’émotion qui s’attarde, comme un parfum qu’on ne veut plus quitter. Et si le voyage commençait quand tout s’arrête ?

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Le disque compte vingt morceaux, dont cinq collaborations qui forment à elles seules un casting à faire pâlir n’importe quelle tracklist : Kid Cudi, Theodora, Iliona, Prinzly, et Laurent Voulzy. Cinq univers distincts, cinq énergies que Disiz relie à sa manière, dans un ensemble qui promet d’être aussi cohérent qu’audacieux.

Des featurings qui racontent une histoire
Le nom de Kid Cudi intrigue forcément. “Try Try Try”, leur morceau commun, fait figure d’événement. On imagine déjà la rencontre de deux sensibilités proches, deux artistes qui ont toujours exploré la vulnérabilité, la mélancolie, la fuite, la nuit. La présence de Laurent Voulzy, elle, surprend autrement : douce, poétique, presque lunaire, elle ouvre une porte inattendue sur un dialogue générationnel. À leurs côtés, Theodora, Iliona et Prinzly apportent des nuances plus contemporaines, plus brumeuses, entre pop et néo-soul, entre caresse et douleur.

Deux titres ont déjà été dévoilés, comme des éclats avant la tempête. “La Rosée”, d’abord, ouvre le bal avec un ton contemplatif, presque méditatif. Le morceau agit comme une porte d’entrée vers l’intimité de Disiz : voix posée, texte limpide, émotion contenue. Puis vient “Mélodrama”, en duo avec Theodora, qui confirme la direction artistique du projet. C’est une chanson de rupture, mais une rupture observée à distance, sans pathos, avec une élégance de funambule.

La production, signée Max Baby, Emmanuel Camy, Neon Valley et Disiz lui-même, est à l’image de l’ensemble : aérienne, précise, rêveuse. Max Baby, qu’on a entendu aux côtés de Clara Luciani, apporte cette touche pop instinctive ; Emmanuel Camy, déjà présent sur “Quarante-cinq”, connaît les respirations du rappeur. Neon Valley, enfin, fait le lien entre Disiz et Theodora, après avoir travaillé sur L’Amour et sur le dernier album de la chanteuse. Ensemble, ils tissent une toile sonore à la fois légère et chargée, un espace suspendu où la voix se fait instrument et l’émotion, décor.

Trois albums qui nous ont marqués pour toujours
Pour comprendre où il en est, il faut aussi se souvenir d’où il vient. Pacifique, en 2017, reste pour beaucoup l’un de ses albums les plus complets. Vingt titres déjà, une mosaïque d’influences où se croisaient introspection, sensualité et engagement. Des morceaux comme “Ils ont de la chance”, “La fille de la piscine, “Ça va aller” ou “Radeau” ont façonné le Disiz moderne : plus mélodique, plus narratif, plus vulnérable. C’est avec cet album qu’il a trouvé un équilibre entre rap et chanson, entre verbe et mélodie. Et, on était déjà conquis.

Mais pour saisir l’ampleur du virage, il faut remonter un peu plus loin encore, jusqu’à Extra-Lucide (2012). Vingt morceaux là aussi, mais une énergie brute, une urgence presque fébrile. On y découvrait un Disiz à nu, sincère, puissant, capable d’enchaîner les introspections existentielles et les uppercuts sonores. Des titres comme “Combien de temps”, “Everything” ou “Life is good”témoignaient déjà de cette tension entre gravité et lumière, entre foi et désillusion. À l’époque, c’était un manifeste : un cri contre la superficialité, un album écrit avec le cœur, les nerfs et la tête.

Puis il y a eu L’Amour, sorti en 2022, certifié platine, devenu l’un des albums les plus marquants de sa carrière récente. Double disque, riche, généreux, où l’on retrouvait des morceaux comme “Emoji soleil jaune”, “Mode d’emploi”, “Quarante-cinq” ou “Rencontre”avec Damso. C’est un album solaire, fait de contradictions assumées : entre douceur et désordre, passion et résilience. “L’Amour” avait fait l’unanimité, prouvant que Disiz pouvait toucher le grand public sans se trahir.

Une écriture plus épurée
Aujourd’hui, “On s’en rappellera pas” semble vouloir aller plus loin, dans une direction encore plus libre, presque conceptuelle. Le projet promet de parler du souvenir, du passage, de ce qu’on garde malgré soi. Ce qui se devine derrière les premiers morceaux, c’est une écriture plus minimaliste, une esthétique atmosphérique, un jeu sur les silences et les textures. Disiz ne cherche plus à tout dire, mais à dire juste.

Dans un paysage musical souvent saturé, “On s’en rappellera pas” a tout pour s’imposer comme un album d’auteur. Une œuvre exigeante, sincère, traversée de lumière et de mélancolie. Le genre d’album qui, paradoxalement, s’imprime en nous précisément parce qu’il ne cherche pas à le faire.

Le 21 novembre, Disiz ne revient pas seulement avec un nouveau disque. Il revient avec une proposition, une respiration, un regard. Et s’il affirme qu’on ne s’en rappellera pas, on sait déjà qu’il se trompe. Parce qu’un artiste comme lui, on ne l’oublie pas.

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THE DANISH WOMAN – les tempêtes du quotidien
Après Woman at War, Benedikt Erlingsson signe une nouvelle ode aux femmes insoumises. Dans The Danish Woman, on suit une retraitée danoise installée à Reykjavik, interprétée par la fascinante Trine Dyrholm, dont la rigueur militaire secoue la quiétude de son voisinage. Sous ses airs de satire domestique, la série interroge avec humour et mélancolie le poids des conventions et la colère rentrée d’une génération trop souvent invisible. Lundi 3 novembre, 20h15 – Les Cinémas du Grütli (Salle Simon)

The Danish woman (c) DR

UN POETA – la beauté cabossée des mots
Dans ce drame colombien signé Simón Mesa Soto, la poésie devient un acte de résistance. Óscar, poète désenchanté, rencontre Yurlady, une adolescente d’un milieu modeste au talent brut. De ce duo naît une relation à la fois poétique et tragique, où l’ambition, la tendresse et la fatalité se mêlent dans un désordre profondément humain. Un Poeta frappe par sa sincérité et la douceur fragile de ses silences. Dimanche 2 novembre, 16h30 – Théâtre Pitoëff / Mercredi 5 novembre, 14h30 – Cinérama Empire

UN POETA © Juan Sarmiento G.

THE CHRONOLOGY OF WATER – Kristen Stewart, côté caméra
Après des années devant l’objectif, Kristen Stewart passe derrière et signe un premier film viscéral. Adapté des mémoires de Lidia Yuknavitch, The Chronology of Water explore les eaux sombres du trauma et de la renaissance. Lidia (Imogen Poots, magnétique) y lutte contre ses fantômes à travers la littérature, dans une mise en scène brute, presque cathartique. Une œuvre trempée dans la douleur et la lumière. Dimanche 2 novembre, 19h30 – Théâtre Pitoëff / Jeudi 6 novembre, 14h00 – Cinérama Empire

GOUROU – Pierre Niney x Yann Gozlan
Après avoir enfilé l’épée du Comte de Monte-Cristo, Pierre Niney s’improvise maître à penser sous la direction de Yann Gozlan. Gourou nous plonge dans les dérives d’un coach charismatique, figure fascinante et inquiétante à la fois, happé par sa propre soif de contrôle. Thriller psychologique au cordeau, co-écrit par Niney, le film questionne la séduction du pouvoir et la fragilité de ceux qui s’y laissent prendre. Vendredi 7 novembre, 20h00 – Théâtre Pitoëff

Pierre Niney dans Guru (c) DR

MOTHER – la foi mise à l’épreuve Strugar Mitevska (réalisatrice de Dieu existe, son nom est Petrunya) s’empare cette fois de la figure de Mère Teresa, non pas en sainte, mais en femme confrontée au doute. En 1948, la religieuse doit choisir entre les règles de son ordre et la compassion humaine. Mother est une relecture audacieuse, presque hérétique, qui bouscule les certitudes avec une douceur implacable. Mercredi 5 et samedi 8 novembre, 20h00 – Cinérama Empire

Mother (c) DR

Le GIFF 2025 s’annonce comme un kaléidoscope d’émotions et d’audaces, un espace où la création s’invente à chaque projection. À Genève, le mois de novembre aura des airs de laboratoire, de catharsis et de fête

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Sur la berge des Bains des Pâquis, les murs deviennent des pages ouvertes. Chaque valise exposée au grand air raconte une histoire d’exil et d’espérance. (c) Valérie Frossard

Des objets comme des boussoles
Le projet a germé au sein de l’HUMA, cette structure d’accueil née en 2019 à Vernier, aujourd’hui refuge pour quatre-vingts âmes venues de Mongolie, du Pérou, du Cameroun ou d’ailleurs. Les familles y séjournent trois mois, le temps de reprendre souffle avant la suite du voyage. Trois mois pour se reconstruire, pour que les enfants retrouvent l’école, pour que les parents puissent, un instant, poser le poids de la route.

“Dans ma valise, il y a… un doudou El Nini.” – Pérou Deux petites mains, un ours en peluche, des crayons de couleur. Le poids de la tendresse face à la légèreté du rêve (c) Valérie Frossard

Photographier l’humanité
De cette expérience, l’HUMA a voulu tirer un projet d’humanité partagée : offrir aux familles un espace pour raconter leur histoire autrement avec un objet, choisi comme témoin: une robe cousue par les grands-parents au Cameroun, des bonbons de Mongolie, une main dessinée par un enfant… Autant de symboles du lien, du courage, de la survie.

La photographe Valérie Frossard a monté un studio éphémère dans une chambre inoccupée du foyer. Les familles ont choisi leur objet, posé avec lui, puis sélectionné la photo qui leur ressemblait le plus. Les enfants y ont ensuite apposé leurs dessins — des traits d’encre pour conjurer le déracinement.

“Dans ma valise, il y a… des bijoux.” – Bangladesh Des éclats d’argent pour dire la beauté, même en exil (c) Valérie Frossard

L’art comme refuge
Cette exposition n’est pas qu’un projet artistique : c’est une manière de ré-humaniser la migration, de faire exister ces récits invisibles autrement que dans les statistiques. Pour les travailleurs sociaux comme pour les familles, c’est une respiration. « On découvre les gens à travers leurs forces, pas seulement leurs difficultés », confie Cécile Poulaillon, coresponsable de l’UMA.

Chaque photographie devient un miroir inversé : celui d’un monde où la fragilité est aussi une force, où la mémoire se tisse entre les cultures, et où la main tendue — celle de l’autre — devient le plus beau cadre possible.

“Dans ma valise, il y a… un poncho.” – Pérou Un panda emmitouflé dans les Andes imaginaires. L’enfance comme abri, le dessin comme boussole (c) Valérie Frossard

Tête-à-tête avec Cécile Poulaillon, coresponsable du projet HUMA

Quel a été le moteur de cette exposition ?
On voulait donner aux familles la possibilité de se raconter autrement. Pas à travers les papiers administratifs ou les démarches, mais à travers ce qu’elles choisissent de montrer d’elles-mêmes : leurs objets, leurs souvenirs, leurs racines.

Comment les familles ont-elles vécu ce projet ?
Avec beaucoup d’émotion. Certaines sont revenues exprès pour le vernissage, alors qu’elles avaient déjà quitté Genève. Elles étaient fières, surtout de voir leurs enfants participer, de se sentir regardées autrement.

Et vous, qu’est-ce que cela vous a apporté personnellement ?
C’est un projet qui redonne foi en l’humain. Dans un contexte d’urgence sociale, on est souvent happé par la gestion, la fatigue, l’impuissance. Là, on a retrouvé la beauté, la créativité, la rencontre.

“Dans ma valise, il y a… un kit à insuline.” – Bulgarie Un sac à dos rayé, deux peluches et la rigueur de la survie. Parce qu’on transporte aussi ce qui soigne, ce qui maintient en vie (c) Valérie Frossard

Si vous deviez retenir une image ?
Une petite fille dessinant sur la photo de sa mère. Un geste d’amour simple, presque sacré. Comme si, en ajoutant sa trace, elle prolongeait le fil de la vie.

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Au sein de l’industrie, Grace Wales Bonner, ici en train d’observer les silhouettes en coulisses lors de l’un de ses défilés, est perçue comme une créatrice réfléchie, contemplative et profondément intellectuelle. (c) Clara Vannucci pour The New York Times.

Une tête bien faite, un style bien né
Au-delà de son âge ou de son passeport britannique, Wales Bonner incarne une autre grammaire du style : cérébrale, feutrée, habitée. Son premier défilé, Ebonics, était une leçon d’élégance et de conscience : pantalons évasés, vestes à col châle et mailles brodées « The Black Genius », accompagnées d’un carnet de références littéraires — James Baldwin, Ralph Ellison, tout un panthéon de penseurs noirs.

Depuis, son approche quasi académique l’a hissée au rang d’intellectuelle du vêtement : elle puise tour à tour dans les universités afro-américaines, la Renaissance italienne ou les campus britanniques, sculptant ses silhouettes comme des thèses vivantes.

Grace Wales Bonner, vêtue d’une veste personnelle, de la chemise Long River, du pantalon Harmony et des mocassins Earth, signés Wales Bonner (c) Koto Bolofo pour The Washington Post

En dix ans, elle a conquis les podiums et les galeries :

• Habillé Lewis Hamilton pour le Met Gala et collaboré avec Solange.

• Réinterprété la veste Bar de Dior en macramé, collaboré avec Adidas sur des sneakers cultes (la Samba revisitée en croco, léopard ou crochet).

• Curaté une exposition au MoMA de New York et orchestré des performances musicales à la Serpentine Gallery avec Sampha et Laraaji.

• Couronnée d’une pluie de prix et d’un titre de Member of the Order of the British Empire.

Puisant dans la richesse de la diaspora noire, les collections de Grace Wales Bonner ont, au fil de la dernière décennie, oscillé entre un sportswear artisanal et un tailoring royal (c) Wales Bonner

Un parcours cousu d’audace et d’équilibre, entre art conceptuel, business visionnaire et couture incarnée!

Un vent d’incarnation
Hermès, bastion du silence et de l’excellence, choisit enfin de parler autrement. Avec Wales Bonner, la maison ne s’offre pas un buzz — elle s’offre un souffle. Celui d’une génération qui fait rimer artisanat et ancestral, coupes et conscience, élégance et identité. Janvier 2027, première collection : l’attente est déjà désir.

Un symbole cousu main
Première femme noire à diriger une grande maison de luxe européenne : le geste dépasse la mode. C’est un fil d’histoire qui se retisse, un dialogue entre Paris et Kingston, entre les savoirs et les saveurs. Le vestiaire Hermès ne sera plus seulement intemporel : il sera traversé.

Créatrice aux collaborations éclectiques, elle a travaillé aussi bien avec des artistes comme ici avec Kerry James Marshall qu’avec des géants comme Adidas (c) Jack Day

Le luxe se réécrit, lentement, puissamment
Et dans ce murmure, Grace Wales Bonner vient de signer la plus belle note de la partition Hermès. Un pas de côté. Un pas d’avant.

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Après une première partie plutôt timide, la Rhapsodie sur un thème de Paganini de Rachmaninov n’a pas rendu justice au talent d’Anna Vinnitskaya. Premier Prix du Concours Reine Elisabeth (2007), la pianiste qui préfère l’excellence à l’esbroufe virtuose n’a pu se déployer, la partition se caractérisant par une série de variations somme toute assez linéaire, excepté le 18ème tableau. Dommage pour cette œuvre composée non loin de là, au bord du lac des Quatre-Cantons.

Luzerner Sinfonieorchester a ouvert sa saison au KKL © Luzerner Sinfonieorchester/Philipp Schmidli

Mahler monumental
Le contraste avec la Symphonie n°1 de Mahler est tellement saisissant. La partition riche, polychrome, s’étend sur un large spectre du pianissimo avec solo au fortissimo en tutti. Ce soir donc, la star, c’était l’orchestre de Lucerne. Dès le premier mouvement à l’évocation pastorale, des bois se font cantabile et les cordes murmurent avec une intensité contenue par le maestro Michael Sanderling, fils du célèbre Kurt. On sent ici l’expérience du marathonien qui ménage ses ressources avant de laisser le crescendo se révéler. « Solennel et mesuré », le troisième mouvement met en avant instruments et mélodies aux accents Klezmer (la clarinette de Stojan Krkuleski et le solo violon de Gregory Ahss), peut-être une façon pour le compositeur d’origine juive de répondre aux relents antisémites de son époque.

Final étincelant
Au quatrième mouvement, les cuivres insolents ont été étincelants, dévorant l’espace sonore, portés par des percussions rugissantes ! Et la salle du KKL joue ici pleinement son rôle, déployant son et vibrations à travers tout le public. On ne remerciera jamais assez l’acousticien américain Russel Johnson qui a fait du bâtiment signé Jean Nouvel une merveille pour les oreilles. Et l’on comprend aussi la love story entre la salle et le répertoire de Mahler, qui a fait les grandes heures du Festival de Lucerne sous les années Abbado. Ce soir-là, toute la salle est emplie des émotions de la partition, dans un crescendo qui n’a semblé connaître aucune limite : cuivres, cordes, percussions à l’unisson. Vous avez dit « Stürmisch bewegt ? »

On dit souvent de Mahler qu’il aimait le ton aigre doux, l’ironie et le grotesque, peut-être comme une manière de se moquer de la mort qui le hantait tant. On ne peut pourtant ignorer la dimension ample, optimiste, puissante, réconciliatrice –et peut-être éternelle– de son final. Une soirée comme un aller simple vers l’éternité.

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Sous la loupe du temps: l’or, la couleur et le geste précis dialoguent à l’unisson. Piaget x Warhol, quand l’art se règle à la seconde près (c) Piaget

Toile à porter
Derrière son nom, un hommage vibrant à la pièce que Warhol portait dès 1973 : un bijou noir et or devenu légende. En 2025, Piaget la réinvente comme une déclaration d’art. Marqueterie d’onyx, de serpentine, d’opale rose et de chrysoprase : quatre pierres, quatre teintes, quatre battements chromatiques. Le cadran devient tableau, la seconde, coup de pinceau.

La montre vue à travers la loupe : entre art et précision, le temps vu à travers l’œil du mythe (c) Piaget

Le cœur sous la couleur
Sous cette mosaïque minérale, un cœur bat avec discrétion — le calibre 501P1, pur produit des ateliers de La Côte-aux-Fées. 40 heures d’autonomie, autant que de rêveries, de conversations ou de soupirs à la lumière d’un musée. L’or jaune 18 carats se fait soleil, le bracelet vert, audace feutrée. Tout respire l’artisanat, la précision, la démesure maîtrisée.

Le dos gravé : l’icône gravée dans l’or : Warhol, éternel reflet d’un tic légendaire (c) Piaget

L’art du détail
Car ici, pas question de “Pop pour Pop”. Le geste est pensé, mesuré, presque liturgique. Stéphanie Sivrière, directrice artistique de Piaget, a fouillé les archives new-yorkaises du maître pour capter son esprit sans tomber dans la citation facile. Pas de banane ni de Marilyn, mais l’ombre vibrante d’un homme qui faisait de chaque seconde une scène.

Du Polaroid au poignet: la métamorphose pop (c) Piaget

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