Boiseries, toile de Jouy et lumière d’après-midi : la chambre murmure la tendresse d’un autre temps (c) DR

Mais la véritable magie se joue à table. Dans la salle du Valucien, la lumière s’attarde sur les assiettes comme sur des toiles. Le chef Franco Bowanee, étoilé depuis 2019, orchestre une cuisine d’auteur où la Bourgogne flirte avec l’île Maurice, son pays d’origine. À ses côtés, la cheffe pâtissière Karina Laval, fraîchement élue Meilleure Pâtissière Bourgogne Franche-Comté 2024 par le Gault & Millau, signe des douceurs d’une précision d’orfèvre. Ensemble, ils forment un duo complice, fusionnel, presque musical.

La Table du Valucien Sous la douce lumière du soir, la table devient confidentielle : un tête-à-tête entre forêt et cristal (c) DR

La carte est un poème en quatre saisons condensé dans une assiette :les asperges blanches de Fleury-la-Vallée en préambule, les cuisses de grenouilles en clin d’œil à la tradition, les langoustines comme un voyage salin, le black bass aux reflets d’étang, les ris de veau comme un cœur battant, et les fraises aux fleurs d’acacia, dessert-paysage, ode aux champs et à la mémoire gustative. Chaque bouchée est une confidence entre le terroir et l’audace, entre le sol et le souffle.

Piscine sous voûte Sous la pierre médiévale, une eau bleue chuchote La piscine du château — chapelle aquatique pour âmes fatiguées (c) DR

Dans cette demeure de 75 hectares, l’air semble plus dense, plus doux aussi. Le silence n’est jamais vide : il palpite du bruissement de l’eau, du froissement des feuilles, du murmure du feu dans les cheminées. On se surprend à respirer plus lentement. À écouter le temps tomber, comme des pétales. Vault-de-Lugny, c’est un luxe à l’état pur — celui du calme, de l’espace, du sens. Un lieu qui ne cherche pas à impressionner, mais à élever.

Entre pierre blonde et palmiers sages, la terrasse invite à savourer le luxe du rien faire — celui d’un café au soleil, d’un livre oublié, d’un instant suspendu (C) DR

Un repaire pour ceux qui aiment les nuits étoilées, les plats qui racontent, les séjours qui soignent l’âme autant que le corps. Sous les voûtes médiévales, la modernité se fait discrète, et le raffinement s’exprime en silence. On quitte ce château comme on referme un livre précieux, la tête encore pleine de saveurs et le cœur un peu plus léger.

Les arbres veillent et filtrent la lumière — la forêt de Vault-de-Lugny, c’est un tableau de calme et d’or (c) DR

Franco Bowanee, l’alchimiste des saisons

Il est des cuisines qui respirent la vigne et la mousse des sous-bois, d’autres qui portent le sel de l’océan et les embruns de l’île. Celle de Franco Bowanee, au Château de Vault-de-Lugny en Bourgogne, réunit ces deux respirations : la précision d’une gastronomie française enracinée dans le terroir, et la chaleur parfumée de Maurice, son île natale. Les saisons deviennent son alphabet, chaque légume une strophe, chaque plat une escale poétique. Son ambition ? L’excellence, mais aussi la transmission, comme une partition qui se joue à plusieurs mains. Une cuisine d’ancrage et d’évasion, à la croisée des forêts et des tropiques.
Rencontre avec un chef pour qui chaque légume devient protagoniste, chaque plat une escale, chaque assiette un voyage.

Le chef étoilé Franco Bowanee, maître des saveurs et des saisons au Château de Vault-de-Lugny — entre rigueur de la technique et poésie du goût (c) DR

Vous n’étiez pas destiné à manier le feu ni à dompter les saveurs. Comment cette vocation s’est-elle allumée en vous ?
Au départ, je n’avais pas prévu ce métier! J’ai suivi des études classiques, puis, par hasard, je suis tombé dans la cuisine. Et j’y ai trouvé une évidence. J’ai commencé à l’île Maurice dans les années 2000, travaillé plusieurs années, puis tenté ma chance aux États-Unis avant de revenir en Europe. Ce qui m’a accroché ? Le plaisir immédiat de cuisiner et la créativité infinie.

Entre les sous-bois de Bourgogne et les parfums de Maurice, votre cuisine trace un pont délicat. Comment faites-vous danser la rigueur et la chaleur dans une même assiette ?
C’est une cuisine de saison, structurée par la technique française mais traversée de notes mauriciennes : un zeste de combava, une touche citronnée, une épice discrète. Toujours sans dénaturer le produit. J’aime travailler les légumes comme des joyaux : chaque mois, la carte change pour suivre leur apogée. L’idée est de les décliner, les surprendre, les révéler autrement.

Un ballet de textures et de fleurs : le caviar se dépose comme une pluie noire sur un nuage d’écume (c) DR

On sent chez vous la rigueur d’une école française, mais aussi cette liberté héritée de Maurice. Quels maîtres ont nourri cette double appartenance ?
J’ai eu la chance de travailler six ans avec le chef Nizam Peero à Maurice. C’est lui qui m’a transmis ce regard : associer la rigueur française au terroir local. J’ai aussi appris auprès de Gérard Besson à Paris. Mais, en réalité, mes racines et mon mentorat viennent surtout de l’île Maurice, de cette façon instinctive de mêler produits locaux et haute technique.

Chez vous, le légume n’est jamais une garniture, mais une muse…
Oui totalement! Actuellement, nous sommes sur les courgettes de saison. On les décline en crème, en texture croquante, en légume phare de l’assiette. La semaine prochaine, elles laisseront la place aux tomates, travaillées en plusieurs préparations. J’aime surprendre les convives avec des légumes auxquels on ne donne pas toujours la vedette, comme la betterave ou l’artichaut.

Langoustine, sabayon, salicorne — un paysage marin au bord de la terre (c) DR

Quel est cet ingrédient madeleine de Proust, celui qui vous replonge aussitôt dans les parfums de votre enfance
J’en ai deux : le poulpe, que je pourrais manger et travailler sans fin, et le cèpe, que j’ai découvert en arrivant en France. Cueillir des champignons dans la forêt, c’est une expérience qui m’a marqué : apaisante, sensorielle, presque méditative. Le cèpe est pour moi le roi, puissant, boisé, noble.

Votre tandem avec votre épouse, cheffe pâtissière- Carina Laval, semble couler de source . Comment cette alchimie s’est-elle imposée dans vos assiettes ?Carina et moi avons des parcours parallèles, commencés ensemble à Maurice. Elle se concentre davantage sur les fruits, moi sur les légumes. Ensemble, on crée des équilibres. Son millefeuille à la vanille de Madagascar, travaillé dans une coque croustillante, est devenu une signature. Quant à moi, j’assume volontiers le pigeon, retravaillé en salmis mauricien : un plat d’identité.

Duo d’excellence et de douceur : Franco Bowanee et Karina Laval, deux âmes unies par la précision, l’émotion et la flamme étoilée (c) DR

Quelle est votre philosophie culinaire ?Respecter le produit! Le comprendre, le sublimer, sans le trahir. Ensuite seulement, viser l’excellence. Mais l’excellence n’existe pas sans transmission : il faut que les équipes comprennent le pourquoi de chaque geste. L’un ne va pas sans l’autre selon moi.

Un défi actuel ?
Conserver les équipes, maintenir l’envie, le lien. Le métier est exigeant, il faut écouter, encadrer, motiver. Mon second est à mes côtés depuis 2011, Carina depuis 22 ans : c’est cette fidélité qui fait la force de notre cuisine.

Asperge blanche de Fleury-la-Vallée L’asperge s’y fait reine : noble, droite, délicate, posée comme un trait de lumière sur l’assiette (c) DR

Une anecdote liée au Château de Vault-de-Lugny ?
J’ai été recruté presque par hasard. J’avais cuisiné pour deux clients anonymes dans un restaurant mauricien : c’étaient en réalité les propriétaires du château qui cherchaient un chef. Quelques mois plus tard, je débarquais ici. Depuis, la maison a grandi avec nous : d’une petite table bourguignonne à une adresse reconnue, portée par un vrai projet gastronomique!

L’article le Château de Vault-de-Lugny; voûtes & volupté est apparu en premier sur Go Out!.

Ici, le passé n’est pas figé, il improvise en jazz avec le contemporain. Les fauteuils anciens croisent les regards modernes, les curiosités chinées deviennent complices des toiles d’aujourd’hui. Le Rotary ne conserve pas l’histoire, il la fait swinguer.

L’art de l’accueil, l’accueil de l’art
Nassima Antri ne dirige pas un hôtel, elle orchestre une partition. Les clefs de chambre deviennent des notes, les couloirs des portées, et chaque hôte une mélodie singulière. « Genève est une ville riche, mais qui garde l’âme d’un village », dit-elle. Et c’est ce contraste que le Rotary embrasse : cosmopolite et intime, vibrant et feutré, héritier et pionnier.

Un vernissage comme boussole
Le 30 septembre, l’hôtel se fait kaléidoscope. Vingt œuvres, onze artistes, autant de miroirs tendus à la ville. La nature, la féminité, les émotions deviennent autant de fils conducteurs d’un récit pluriel. Ici, l’art n’est pas accroché, il respire. Il ne se contemple pas, il se partage.

Le Rotary se rêve ainsi : une maison ouverte où l’élégance rime avec bienveillance, où chaque détail devient symbole, où le patrimoine ne se regarde pas dans le rétroviseur mais trace une route vers demain.

L’article Rotary : l’art de tourner la page sans fermer le livre est apparu en premier sur Go Out!.

L’entrée passée, les espaces publics en béton ciré, coiffés de plafond en miroir, en double-hauteur, sont généreux. A cette première impression minérale succède une atmosphère chaleureuse, dans la salle de concert, aux coloris dorés du laiton et teintes noires du bois lasuré. Ici, point de vignoble, mais un parallélépipède, une Shoebox. Un concept moderne ?Pas vraiment, puisqu’on le retrouve notamment dans la Goldene Saal de la Musikverein à Vienne. L’innovation, c’est la salle dans une boîte, une structure à double-peau afin d’éviter les vibrations des trains passant juste à côté. A l’image du 2M2C à Montreux et du l’élégant KKL de Lucerne, l’élégante salle de 550 places sert également pour des congrès. Un regret, le nom NODA BCVS, ou quand le sponsor finit par prendre une place qui n’est pas la sienne, dans une stratégie de « naming » autocentré.

Avec son béton ciré au sol, les miroirs au plafond, les larges baies et double-hauteur, le foyer est généreux (c) DR

La première saison donne le ton
L’Orchestre de la Suisse Romande et Janine Jansen à l’inauguration, Gabriela Montero, Bertrand de Billy, Alexandre Tharaud, Andras Schiff, le Mahler ChamberOrchestra, le Filarmonica della Scala, des artistes suisses de premier plan, comme Lorenzo Viotti, Emmanuel Pahud ouPhilippe Jordan… la première saison des 18 concerts donne le ton, et il est juste, ambitieux et donne envie.

Ce soir-là c’est le concerto pour piano n°5 de Beethoven qui résonne sous les doigts de Francesco Piemontesi, aux côtés du Mahler Chamber Orchestra dirigé par Gianandrea Noseda. Une partition magnifiquement maîtrisée par des musiciens qui aiment se regarder et s’écouter. La pulsion du maestro impulse la phalange, dont les bois sont une merveille de musicalité cantabile. Au clavier, le pianiste dévoile un jeu très précis, au cordeau, avec peu de pédale, ce qui laisse apprécier chaque note de la partition, dans clarté qui rappelle Glenn Gould(1957, Sony). Volontiers cabotin, il joue des équilibres mains gauche et droite tout en offrant un déploiement émotionnel de premier rang, comme chuchoté. La lecture est plus classique que romantique, et c’est très bien.

Gianandrea Noseda a dirigé le Mahler Chamber Orchestra, avec Francesco Piemontesi au piano (c) DR

Questions à Giada Marsadri, directrice artistique
Journaliste musicale passée à la RSI, formée au management culturel à Bâle, programmatrice au Lugano arte et cultura(LAC), Giada Marsadri a aussi travaillé aux prix musicaux de l’office fédéral de la culture à Berne. Avec Jean-Pierre Parlong, elle partage la direction de NODA. Entretien juste avant le concert, entre deux verres de bulles et trois coups de fil urgent, pour terminer d’accordage du piano.

Giada Marsadri, directrice artistique de NODA (c) DR

Ouvrir une telle salle en Valais, si attendue, c’est un défi ! Comment répond le public à ce stade ?
Il y avait beaucoup d’intérêt et de curiosité au moment d’inaugurer NODA il y a quelques semaines. Tout de suite après l’ouverture, nous avons participé au Sion Festival et accueilli la Schubertiade, et c’est une belle surprise de voir autant de gens présents !

Votre première saison affiche de grands noms comme les chefs Philippe Jordan, Gianandrea Noseda, la violoncelliste, Anastassia Kobekina, le pianiste Nelson Goerner, le flûtiste Emmanuel Pahud… Comment avez-vous su convaincre ces nombreux artistes ?
Je ne vais pas vous mentir, certains artistes m’ont répondu« où est Sion » ? Grâce à Verbier, ceux-là ont pu faire le lien. Mais tous ont réalisé une chose : avec NODA d’un côté, le Conservatoire, la Haute école de musique et les festivals réunis en campus de l’autre, Sion se profile comme une capitale musicale, nous vivons un moment en or pour la musique. Et les artistes nous font confiance, c’est une chance !

Lugano, Bâle, Sion, Berne… vous avez fréquenté la Suisse culturelle. Quelles sont les spécificités ici, en Valais ?
Je ne m’attendais pas à une telle richesse culturelle, une offre variée, à l’image du Palp festival, qui est tout à fait unique. Deux aspects m’ont attirée ici : la page blanche, à l’image du LAC ouvert en 2015. La Ville de Lugano avait changé grâce à cette salle. Je sens qu’il y a une même énergie ici. Par ailleurs, je sens ici une réelle bienveillance, une envie commune d’aller dans la même direction, population et autorités. Enfin, il y a cet esprit où l’on peut essayer, tester, ce qui est très fécond pour la création.

Quelle est l’identité artistique de NODA ?
Comme il n’y a pas d’orchestre professionnel permanent en Valais, qu’il existe déjà beaucoup de festivals consacrés à la musique de chambre, nous défendons l’ambition d’une saison philharmonique. J’ai voulu me concentrer sur ce répertoire, avec une douzaine de concerts, avec la volonté de compléter par de la musique de chambre, qui d’adresse peut-être à un public plus « niche ». Du côté des interprètes, je voulais aussi montrer que de jeunes artistes sont capables d’avoir déjà une belle carrière, à l’image de la violoncelliste AnastassiaKobekina, et qui nourrissent le désir de travailler sur un temps plus long, par exemple en résidence ou en proposant des masterclass.

L’article Écrin alpin est apparu en premier sur Go Out!.

Le Chou: dentelle de croustillant et velours chocolaté : un sablé breton à la fleur de sel, une feuillantine délicate et un crémeux Bejofo de Madagascar signent cette partition aérienne (C) DR

TOUT CHOCOLAT, c’est un nom qui claque. Quelle était l’idée derrière ce projet ?
Avec l’équipe Gourmet Brothers, on voulait un lieu 100 % cacao. Pas une pâtisserie classique avec une vitrine parmi d’autres, mais un laboratoire ouvert où l’on assume notre monomanie. Le chocolat est partout : flan revisité, Paris-Brest corsé, chou au crémeux de Madagascar. C’est une immersion totale!

Justement, quel est votre “chouchou” dans cette collection ?
Le Carré. Inspiré de mes goûters d’enfant avec le petit écolier. C’est un biscuit sablé, décliné nature, pistache ou chocolat, parfois géant pour les anniversaires. Ça a la simplicité du souvenir, mais la puissance du cacao Orfève. C’est ma madeleine de Proust… en carré.

Le Carré : souvenir d’enfance réinventé : un biscuit de voyage en sablé nature, chocolat ou pistache, couronné d’un carré Orfève qui scelle la mémoire sucrée de Yohan Coiffard (c) DR

On sent une exigence derrière chaque création. Vous êtes dur avec vous-même ?
Je suis très strict, oui. J’aime aller au bout des choses. Je travaille avec des chocolats d’exception, je n’ai pas le droit de les “sous-utiliser”. Le produit m’impose une rigueur, mais c’est aussi un moteur. Quand le cacao est grand, la création doit l’être aussi.

Le Moelleux Meringué: un duo sans gluten entre profondeur et légèreté : base fondante de chocolat double cuisson, surmontée d’une meringue au cacao aérienne et croquante, comme une étreinte entre intensité et délicatesse (c) DR

On parle beaucoup de votre moelleux meringué…C’est un clin d’œil sucré-salé à mes origines et à ma vie en Suisse. C’est mon “best”, celui que les gens réchauffent chez eux pour retrouver toute son intensité.

Votre boutique ressemble à un écrin design. Pourquoi ce choix esthétique ?
YKRA Design a créé un espace qui respire le chocolat : minéral, bois, inox, lumières chaudes. On voulait une atmosphère accueillante mais élégante, presque comme un bijou qu’on découvre. Et le labo est ouvert : je veux que les gens voient, sentent, comprennent le geste.

Et après, quels rêves pour TOUT CHOCOLAT ?
Continuer à inventer, décliner les saisons, surprendre les clients. Et surtout garder ce plaisir enfantin : croquer dans un carré, se laisser fondre, oublier le temps!

La Tarte Pistache: sous sa pâte sablée cacao et son croustillant pistache, un cœur crémeux au chocolat San Ignacio d’Orfève s’unit à une crème légère et à un praliné pistache, pour une alliance audacieuse (c) DR

L’article Tout Chocolat : le cacao comme credo est apparu en premier sur Go Out!.

Une Cardinale candide et radieuse, saisie dans l’éclair d’un éclat de rire — l’instant suspendu d’une icône immortelle (c) DR

Avec Visconti, Fellini, Leone, elle a dessiné la cartographie sensuelle d’un cinéma en majesté. Dans Il Gattopardo, elle traverse le bal comme une comète baroque ; dans Il était une fois dans l’Ouest, son regard porte la poussière des plaines et la promesse des lendemains. Claudia n’a pas seulement joué, elle a habité l’écran, l’a possédé de sa grâce indomptée.

Féministe avant que le mot devienne slogan, engagée pour l’eau, la dignité, la mémoire, elle a porté ses combats comme ses robes Dior : avec élégance et détermination. Elle a refusé d’être seulement une muse ; elle a été une actrice consciente, une femme debout, une icône qui regarde le monde droit dans les yeux.

Éclat incarné : dans une robe corail sertie d’étoiles, Claudia rayonne comme une comète mondaine au firmament des sixties (c) DR

Et puis il y a cette voix — un grain de sable, une caresse rauque — qui semble dire à chaque phrase : « la vie est rude, mais elle est belle. » Claudia Cardinale est de celles qui ne disparaissent pas, même quand l’écran s’éteint. Elle est entrée dans la rétine collective, dans cette galerie de mythes où chaque battement de cils devient éternel.

Claudia Cardinale, impériale, coiffée d’un diadème de lumière — un visage qui défie le temps (c) DR

L’article La grâce à l’état cardinal est apparu en premier sur Go Out!.

Les fantômes de Baz Kalet – Yann Botrel
Un polar ésotérique qui joue avec les frontières du réel. Un avocat accepte de défendre un homme accusé du meurtre de sa femme sur une île isolée. Mais rapidement, des phénomènes étranges surgissent, menaçant son équilibre mental. Huis clos angoissant, atmosphère brumeuse, suspens psychologique : Les fantômes de Baz Kalet s’annonce comme une découverte marquante pour les amateurs de thrillers singuliers, où la tension se nourrit autant du mystère que de la fragilité des personnages.

Invisible – Jacques Saussey
Jacques Saussey est connu pour ses intrigues à la mécanique précise. Avec Invisible, il frappe fort dès la scène d’ouverture : une femme est retrouvée nue, impalée sur une aire d’autoroute. Une jeune gendarme, tout juste sortie de l’école, se retrouve confrontée à une enquête aussi sordide qu’incompréhensible. Entre violence crue, enquête minutieuse et plongée dans les ténèbres humaines, Saussey confirme sa place parmi les grands du polar français.

Avec ma tête d’Arabe – Aïda Amara
Dans ce récit autobiographique, Aïda Amara témoigne de son expérience après avoir survécu aux attentats. Son livre interroge le poids du regard des autres, les assignations identitaires et le racisme latent qu’elle affronte au quotidien. En choisissant un ton à la fois intime et politique, elle éclaire avec force ce que signifie porter une identité stigmatisée dans la France contemporaine. Avec ma tête d’Arabe est à la fois un texte de mémoire, de colère et de résilience.

Échos stellaires – David Bry
David Bry, déjà remarqué pour ses incursions dans l’imaginaire, propose avec Échos stellaires une fresque de science-fiction ambitieuse. Dans un univers en guerre, un pilote rongé par ses souvenirs doit tenir une promesse impossible. Entre rébellion, radiations mortelles et intelligences artificielles incontrôlables, ce roman conjugue aventure spatiale et méditation sur la mémoire, le temps et les choix qui façonnent une existence. Une lecture vertigineuse, où la SF devient miroir de nos propres angoisses contemporaines.

Une rentrée sous le signe de la diversité
Cette rentrée littéraire 2025 prouve une fois encore sa diversité et son énergie. Entre fresques familiales, récits intimes, polars psychologiques et textes engagés, il y en a pour tous les goûts. C’est le moment idéal pour flâner en librairie, se laisser surprendre par des découvertes inattendues et repartir avec ces histoires qui restent en tête bien après la dernière page.

L’article Rentrée sous couverture : nos livres fétiches est apparu en premier sur Go Out!.

Chaque projection est une première, une étincelle. Plus de 25 films inédits jailliront pour raconter l’époque, ses failles et ses flamboyances. Vous n’irez pas “voir un film”, vous irez rencontrer une génération.

Une agora sous les étoiles
Le Parc Hentsch deviendra, le temps d’un soir, cinéma à ciel ouvert, tandis que le campus HEAD bruissera de débats, masterclasses et dialogues. On y croisera Amandine Gay, voix puissante du cinéma documentaire, ou encore Elene Naveriani, alum primé·e au Prix du Cinéma suisse 2024. Ici, les trajectoires se croisent, les récits se tissent, les regards se confrontent.

Le festival ne se contente pas de projeter : il propage. Une onde, un appel, un besoin de cinéma vivant.

Le cinéma comme miroir, comme moteur
Le Festival de Cinéma de la HEAD est la preuve que le cinéma n’est pas qu’une industrie, mais un langage qui bat, qui brûle, qui bouscule.

Vous pensiez assister à un festival ? Vous serez happé par une communauté en mouvement. Vous pensiez découvrir des films ? Vous découvrirez des mondes.

L’article HEAD Cinéma Festival : l’écran des possibles est apparu en premier sur Go Out!.

Les visages derrière la vision – un duo créatif qui insuffle l’âme de Moussse: Hélène Chammas et son mari (c) DR

Comment est née l’idée de Moussse ? Une révolte intime de la peau, ou l’élan de signer une alternative helvétique dans la galaxie cosmétique ?
J’ai grandi en Suisse sans jamais avoir de problèmes de peau. Mais à Berlin, New York puis Londres, ma peau a changé : inflammations, plaques, rosacée, boutons. Rien ne fonctionnait : ni les produits haut de gamme que je testais via mon mari (ex-CEO chez Barbara Sturm), ni les lasers, ni les crèmes médicales. En revanche, chaque retour en Suisse calmait tout. Avec mon mari, nous avons compris que c’était l’environnement urbain qui agressait ma peau : pollution, eau, stress. Alors nous avons décidé de développer nos propres formules, pensées pour les citadins, mais créées en Suisse, là où ma peau respirait de nouveau.

Pourquoi ce baptême effervescent : Moussse ?
Nous aimions ce mot qui évoque des textures multiples : la mousse du lac, la mousse de forêt, la mousse du bain, la mousse au chocolat… un mot du quotidien, organique et gourmand. Le troisième “s” est venu comme une signature visuelle et poétique, pour se l’approprier.

Le visuel est acide, la formule est tendre! 
(c) Moussse

Si vous deviez mettre des mots sur la beauté, lesquels souffleriez-vous ?
Un éclat naturel, un “less is more”. Se sentir bien dans sa peau, sans surcharge, sans camouflage. La peau est notre carte de visite : la beauté, c’est d’abord la confiance en soi.

Les Alpes comme alliées, les labos suisses comme relais — était-ce une route toute tracée ?
Nous travaillons avec un laboratoire de l’arc lémanique, spécialisé en biotechnologie. Ils nous ont permis de développer nos propres formules, de zéro, à notre image. La biotechnologie permet de recréer en laboratoire des ingrédients plus tolérants et plus durables. C’est comme les diamants de synthèse : un luxe qui respecte la planète.

La bulle Moussse plane au-dessus des Alpes (c) Moussse

Quel soin raconte votre histoire comme un poème en flacon ?
La Moisture Rush, notre crème hydratante, est notre hero product! Douze versions ont été nécessaires pour atteindre cette texture idéale : aérienne et pourtant ultra hydratante. Elle apaise immédiatement, donne du glow sans alourdir, et son packaging en tube d’aluminium recyclable avec clé intégrée assure d’utiliser chaque goutte. Une crème pensée jusqu’au bout.

Depuis que Moussse existe, quel souvenir reste suspendu comme une perle de rosée ?
L’été dernier, en quittant l’île d’Yeu sur un petit bateau, une inconnue norvégienne m’a demandé : “Est-ce que votre marque s’appelle Moussse ? J’en entends parler partout.” Ce moment m’a donné des frissons : au milieu de la mer, une parfaite étrangère connaissait notre nom.

Moisture Rush Cream — tubes ligotés dans une chorégraphie pop, hydratation sous tension créative! (c) Moussse

Votre ambition est-elle de rester confidentielle ou de “faire mousser” Moussse au-delà des frontières suisses ?
Nous voulons rester une maison de niche, mais avec une vocation internationale. Nous sommes déjà distribués en Europe et préparons une ouverture aux États-Unis. Mais la Suisse reste notre cœur, notre socle.

Si votre marque était une œuvre d’art ou une gourmandise ?
Une mousse au chocolat : simple et intense, légère mais inoubliable. Le plaisir pur, avec des ingrédients de qualité.

Quand la mousse rencontre la mèche — collab’ avec Katya, maison londonienne, pour une pince à cheveux pensée comme alliée du nettoyage de peau. Une première étincelle créative avant d’autres bulles d’accessoires (c) Moussse

Quels gestes écrivent la musique quotidienne de votre peau ?
Elle est simple : cleanser, sérum, Moisture Rush. Un soir sur trois, nos gouttes exfoliantes. Parfois, un masque LED ou un roller. Le matin, sérum, crème et protection solaire. Less is more, toujours!

Peut-on s’attendre à des rencontres créatives qui moussent bientôt ?
Nous avons déjà lancé une pince à cheveux avec Katya, marque londonienne, pensée comme l’alliée du nettoyage de peau. Nous restons ouverts à d’autres collaborations, surtout sur des accessoires.

L’article Moussse : la beauté qui fait des vagues est apparu en premier sur Go Out!.

Protéine, cette star intouchable
Glucides diabolisés, graisses suspectes, sucres bannis : les décennies ont vu passer toutes les croisades alimentaires. Mais la protéine, elle, n’a jamais quitté le podium. On la glorifie, on la surdose, on la met au centre de l’assiette comme un totem. Résultat : “keto”, “high protein” ou “fit” suffisent à transformer un simple enrobage chocolaté en “barre miracle”.

Candy bar sous stéroïdes
Sauf que derrière les slogans musclés, la réalité est parfois moins reluisante. 16 grammes de sucre dans une Clif Bar au chocolat, 28 grammes pour la version Gatorade — soit plus qu’un donut à paillettes ! De quoi faire pâlir les dentistes plus vite que les haltères. “La plupart de ces barres sont des bonbons qui se déguisent”, rappellent les nutritionnistes.

Au fond, la barre protéinée est l’illusion d’un raccourci : un carré emballé qui promet force, santé et performance. Mais derrière le marketing tapageur se cache souvent un miroir aux alouettes. Comme toujours, le vrai luxe tient dans la simplicité : croquer une pomme, casser une noix, boire un café au soleil. Là est peut-être la seule barre qui vaille la peine d’être franchie.

L’article Protein Bars : de la barre miracle à la barre mirage est apparu en premier sur Go Out!.

Ici, chacune de leur création est une sculpture qui accepte de servir. Dans leurs mains, le quotidien devient poésie, le rangement devient théâtre, l’assise devient archipel. Le duo rappelle une évidence : le design n’est pas un objet figé, mais une pensée qui habite nos intérieurs et les élève au rang d’expérience.

Sous la lumière tamisée d’une galerie, le Pillow Sofa devient totem : archipel de coussins noirs, il reflète les ombres et absorbe la lumière comme une œuvre vivante (C) DR

Le Pillow Sofa : l’assise en oasis
Avec BD Barcelona et KASSL, le Pillow Sofa revient, plus lisible mais toujours insolent de liberté. Cuir, velours, coton laqué noir… ses matières dessinent des climats intérieurs. Ce sofa n’est pas un simple meuble : c’est une île de coussins où l’on s’échoue comme sur un nuage.

Le Perforated Cabinet : dentelle d’acier
Chez HAY, Muller Van Severen jouent la transparence. Un cabinet perforé qui cache en révélant, qui range en exposant. Comme une peau d’acier ajourée, il transforme le banal en rituel, le fonctionnel en mise en scène.

Dentelle d’acier laqué rouge, le Perforated Cabinet joue entre ombre et transparence — une armoire qui respire, où les livres deviennent silhouettes et la lumière un motif mouvant (C) DR

L’article Muller Van Severen : formes, fonctions, fictions est apparu en premier sur Go Out!.

La valise revient comme un motif récurrent dans votre œuvre. Mais ici, elle pèse d’un autre poids — celui des souvenirs serrés, des blessures repliées, des vies suspendues. Pourquoi ce symbole ? Que contient, pour vous, une valise pleine d’exil ?
La valise n’est pas qu’un objet. C’est une mémoire compacte : des souvenirs, des rêves, des blessures. Pour ceux qui quittent leur terre, tout tient là-dedans. Mon rôle n’est pas d’illustrer la souffrance, mais de montrer la dignité de ces existences déplacées.

Serwan Baran, sans titre (série bleue), 2025 Huile sur toile brute, 2025. L’une des œuvres majeures de la série bleue, où les corps masculins errent, porteurs de mémoire, entre abstraction et narration (c) DR

Comment conciliez-vous le réel et l’imaginaire dans vos toiles ?
Je pars toujours du réel, d’un fait, d’une photographie, d’un souvenir. Mais je refuse de le figer. Je veux que mes personnages puissent respirer, qu’ils échappent au documentaire. L’imaginaire leur rend une liberté que la réalité leur a volée.

Quelle place la résilience occupe-t-elle dans votre œuvre ? Est-ce une réponse intime à la douleur…
La résilience n’est pas un mot abstrait. C’est accepter de porter ce qui nous est arrivé, sans l’effacer. C’est transformer la douleur en lumière, même fragile. Dans mes tableaux, je cherche cette étincelle — le moment où l’humain tient debout malgré tout.

Lorsque l’on peint à partir des blessures d’autrui, soigne-t-on… ou risque-t-on de raviver ? Comment habiter cette douleur sans la voler
Parfois, je ressens de la culpabilité, parce que je peins à partir de la douleur des autres. Je me demande : en ai-je le droit ? Est-ce que je rajoute à leur peine ? Mais quand je vois quelqu’un se reconnaître dans cette douleur, dire : ‘Ça me ressemble’ — je sens alors que ce n’est pas de l’exploitation, mais du partage.

Portrait de Serwan Baran, devant l’un de ses triptyques rouges, 2025 Un regard calme et pénétrant. L’artiste pose devant ses figures en marche, nimbées de rouge — couleur de chair, d’exil, de lutte, de vie (c) Mina Sidi Ali

Quel rôle joue l’imperfection dans votre esthétique ?
J’aime l’art où l’on sent la main humaine, l’imperfection. Quand on voit un fil qui dépasse, une couleur qui manque — ça ne diminue pas la beauté, au contraire, ça lui donne du sens. Parce que l’être humain est imparfait, inachevé. Et l’art devrait refléter cela.

Votre rapport au temps semble très organique. Comment naît une œuvre chez vous ?
Je travaille lentement, je n’aime pas me presser. Chaque pièce prend son temps, comme un enfant qui grandit. Parfois, je laisse une œuvre de côté pendant des mois, puis j’y reviens avec un autre regard, un autre état d’âme.

L’art est-il pour vous un lieu d’aveu ? De vulnérabilité ?
Pour moi, l’art est un espace où je peux être sincère. Je n’ai pas peur d’apparaître vulnérable, je n’ai pas peur des questions ni de l’ambiguïté. Les gens aiment la clarté… mais moi, je trouve la beauté dans ce qui reste inexpliqué.

Qu’est-ce qu’un tableau inachevé vous permet de dire que la finition ne pourrait pas ? Est-ce une forme de pudeur… ou un espace laissé ouvert à la rêverie de l’autre ?
Les tableaux que je laisse inachevés sont souvent ceux qui attirent le plus les gens. Quand tu vois un vide, tu veux le remplir. Quand tu vois un silence, tu veux l’écouter. Je n’aime pas tout donner. J’aime que le spectateur continue l’histoire à sa manière. Une toile peut être un cri, une prière, ou juste un silence. Je ne veux pas la réduire à une seule fonction. Je veux qu’elle soit libre — comme un oiseau, qui va où il veut, et revient quand il veut. Ainsi, je préfère laisser certaines questions ouvertes, même dans mes œuvres. Je n’aime pas quand une pièce se justifie trop. Je veux qu’elle pose des questions, pas qu’elle réponde. Quand l’art répond trop, il devient un discours — plus une émotion.

L’incertitude fait-elle partie du processus de création ?
Parfois, j’expose une œuvre et j’ai peur. Peur du regard des gens, des interprétations. Mais l’art ne peut pas réussir s’il est trop sûr de lui. Il doit oser, trembler, se remettre en question. Sinon, il reste juste une belle image accrochée au mur. La vraie trace ne vient pas du bruit, mais de la sincérité. J’aime les œuvres qui restent en toi, même une fois que tu as quitté la salle. Pas celles qui choquent, mais celles qui murmurent… et ne te quittent plus.

Exposer une œuvre, est-ce aussi un arrachement ? Un deuil ?  
Chaque œuvre que j’expose, c’est comme si je disais adieu à une partie de moi. Je ne la revois jamais de la même façon. Je ne peux plus la toucher sans ressentir une sorte de pincement. Mais c’est ça, l’art : donner… puis laisser partir. Coudre… puis couper. Créer… puis se détacher

Y a-t-il un souvenir marquant sur cette exposition?
Une fois, une petite fille s’est arrêtée devant une œuvre sans parler. Puis elle m’a dit : “Ça me fait comme quand je suis seule à la maison, et qu’il n’y a pas un bruit.” Cette phrase a allumé quelque chose. J’ai compris que même un enfant peut ressentir, même s’il ne peut pas expliquer.

L’article Serwan Baran, l’écho des ombres est apparu en premier sur Go Out!.

Nuptse réinventé : Doudoune moutonnée aux teintes forestières, layering graphique et bonnet logotypé : la chaleur alpine devient pièce de style (c) DR

Dans cette rencontre, chaque pièce devient un manifeste : l’homme moderne n’a plus à choisir entre résister aux éléments ou briller dans la ville — il fait les deux, avec panache.

Silhouette noire intégrale, toggles métalliques et tote bag technique : l’outdoor s’invite sur l’asphalte avec élégance (C) DR

L’article The North Face x Aimé Leon Dore : l’élégance en cordée est apparu en premier sur Go Out!.