Synthesa – The Fox The Folks (c) DR

Pierres numériques : l’architecture sous LSD lumineux
Chaque jeudi, vendredi et samedi soir, Metz devient la scène d’un opéra lumineux en plein air. Porté par le commissaire artistique Jérémie Bellot, le parcours nocturne Pierres Numériques sublime le patrimoine messin à coups de mappings hypnotiques, d’installations immersives et de lasers en état d’apesanteur créative. Mention spéciale à Terraforma, un mapping cosmique sur la Cathédrale signé Nexus VI, qui transforme la nef en navette intersidérale pour une odyssée entre science, fiction et onirisme.

Autre clou céleste : le concours de mapping vidéo 360° au cloître des Trinitaires. Cinq artistes internationaux, un seul trophée astral. France, Roumanie, Allemagne, Indonésie… c’est une guerre des pixels à ciel ouvert. À vous de voter pour l’étoile montante qui fera le plus vibrer votre rétine.

Ataraxie de Maxime Houot – Collectif Coin © Amélie Bargellini – Ville de Metz

Ataraxie, cages et lasers : la tension douce du réel
Des faisceaux rouges traversent la nef de la Basilique Saint-Vincent. Ce n’est pas un mirage, c’est Ataraxie, une installation du Collectif Coin, qui interroge la quête de sérénité dans un monde au bord de l’implosion. Plus loin, ENCAGED, du collectif media.tribe, transforme l’Église des Trinitaires en cage lumineuse. Le laser devient langage. Le confinement, chorégraphie. C’est brutal, beau, bouleversant.

En plein jour : l’art urbain en trompe-l’esprit
Quand le soleil se lève, l’art prend les murs d’assaut. Myriama Idir, commissaire du programme diurne, mise sur le trompe-l’esprit, ce vertige visuel qui fait vaciller nos repères. Le festival infiltre l’espace urbain comme une onde poétique, disséminant ses œuvres dans les interstices de la ville.

La Mécanique Céleste – WOSE HERE

Coup de cœur pour WOSE HERE, dont La Mécanique Céleste déploie une fresque anamorphique sur les murs de la rue de l’Abreuvoir : illusion d’optique, perspective fracturée, et cette impression délicieuse de perdre le nord pour mieux retrouver le sens. À l’École Saint-Martin, Missy & Stom500 signent La Rencontre, une fresque bestiaire qui bondit à la croisée du rêve et de l’écologie. Et puis il y a Vanessa Steiner, qui pixelise une cascade en plein boulevard Poincaré avec All Water, comme une méditation sur notre avenir liquide.

Un festival comme constellation
Constellations, ce n’est pas une suite d’événements. C’est une carte céleste d’expériences à vivre. C’est une ville qui vibre au rythme de la lumière, qui joue avec les illusions, qui défie les perceptions. C’est un million de visiteurs attendus, vingt lieux investis, une trentaine d’artistes et autant de fulgurances esthétiques.

Vortex-X investit la Porte des Allemands (c) DR

Ici, l’art n’est pas une contemplation, c’est une collision. Entre réels augmentés, illusions bien réelles et utopies pixelisées, Constellations de Metz brouille les pistes, fait vibrer les failles, et vous rend acteur d’un monde en perpétuelle réinvention. Inclusif, accessible, généreux : ce festival gratuit fait de l’art une aventure collective. Visites en LSF, ateliers pour tous les publics, rencontres avec les artistes… l’art sort des musées pour se glisser dans la peau des passants. Et pour ceux qui aiment lire les signes dans les cieux, sachez que derrière chaque œuvre se cache une mythologie contemporaine. On y croise des Hélios numériques, des Cassiopée en graffiti, des Orion en LED et même des Prométhée pixelisés, défiant l’Olympe avec un vidéoprojecteur.

Cet été, que vous soyez amateur de street-art, passionné de data-poésie ou simple curieux du crépuscule, suivez le fil des étoiles. À Metz, les constellations ne se regardent pas, elles se vivent. Et parfois, elles vous regardent en retour. Alors levez les yeux, laissez tomber la gravité du quotidien.

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La Scène du Lac : crépuscules et crescendos
5’500 personnes, les pieds presque dans l’eau, les yeux dans les nuages, les oreilles en transe. Pour sa dernière édition avant le retour du Festival dans son Centre de Congrès historique, la Scène du Lac se fait écrin d’émotions brutes et coucher de soleil en Dolby Surround. Un air de Woodstock plane, avec les retours conjoints de Santana et Neil Young – deux totems de 69 réunis pour le bouquet final d’une scène devenue mythique en à peine deux ans.

Saint Levant se produira le 16 juillet (c) DR

Le Casino : intime, organique, légendaire
C’est l’âme du MJF. La salle où Nina Simone ordonnait le silence, où Miles Davis s’illustrait, où Quincy improvisait des nuits entières. Cette année encore, la Scène du Casino joue la carte de l’intimité en grand : Finneas, Leon Bridges, Jorja Smith, Max Richter, Beth Gibbons… Une constellation d’émotions taillées sur mesure pour un public en quête d’intensité.

Jorja Smith se produira à la Scène du Casino le 8 juillet (c)DR

Du groove sur les quais, des beats dans les parcs
Du côté des scènes gratuites, c’est la fête à ciel ouvert : la Spotlight Stage repère les talents pop et urbains, la Super Bock Stage invite à chiller bière à la main, Ipanema fait onduler les corps, El Mundo fait monter la température latino. Le tout ponctué de vinyles au Jazz Loft, de ciné et de jam sessions à la Lake House, et d’un air d’été qui vous colle à la peau.

Une affiche psyché, un message en capitales
Montreux, ce n’est pas un festival. C’est un sortilège. Une alchimie rare entre un lieu, un son et des âmes en quête d’absolu. Un jazz qui ne se joue pas seulement en notes, mais en sensations. Alors, prêts à vibrer ? Vous savez où aller : au bord du miracle. Montreux.

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Mais très vite, le feu prend. Il se forme, bourlingue, découpe, observe. Il apprend sur le tas, dans les petites brigades et les grandes maisons. Espagne, France, Dubaï. Il bosse même avec Marc Fosh à Palma de Mallorca. Un parcours riche, mais rugueux. « J’étais rebelle. Chef exécutif ou pas, dès qu’un patron me disait quoi faire, je bloquais. »

Un crash à Milan, une renaissance à Genève
Fatigué du système, il plaque tout. Part à Milan pour suivre une histoire d’amour. Et s’effondre. « L’Italie, c’est dur. Surtout quand t’as goûté à la Suisse. Là-bas, j’étais personne. J’ai dû me retrouver. »

C’est à Genève qu’il rebondit. Il atterrit d’abord dans un hôtel-restaurant valaisan puis dans une brasserie genevois où il démissionne au bout d’un mois et demi. « J’étais vraiment dans une situation délicate vu que ma copine me quittait également à ce moment. » Et c’est là que surgit l’idée de génie. Ou plutôt l’instinct de survie.

Une valise pleine de truffes
Avec sa petite valise rouge pleine de truffes, Marco sillonne les rues de Genève, tape aux portes des restos, vend, négocie, charme. « J’avais des contacts en Italie. Ils me faisaient confiance. Je payais après avoir vendu. » Le commerce ambulant comme dernier souffle. Un jour d’octobre, sous une pluie fine, bloqué au feu rouge, il se met à rire. « Je me suis dit : un jour, tu te rappelleras de ce moment-là et tu en riras. »

L’allié providentiel : Davide
Quelques semaines plus tard, il rencontre Davide. Un Genevois d’origine italienne, entrepreneur discret mais au flair aiguisé. Au début, il devait simplement lui confier la gérance d’un lieu. Finalement, ils montent une société ensemble. 50/50. « En trois semaines, on était associés. Aujourd’hui, on est comme des frères. »

DaMa : la pâte comme manifeste
Leur projet ? Un concept inédit à Genève : une boutique de pâtes fraîches artisanales, sans œufs, vendues au poids, comme dans les pastifici italiens. Mais avec une touche résolument moderne. Tu choisis ta pâte, ta sauce maison, tu emportes ou tu manges sur place. Pas de blabla, pas de nappes à carreaux. Juste de la pâte, brute et sincère. « Nos recettes sont toutes à nous. Les sauces, les farces, tout est calibré, fignolé. » Du ricotta-épinard ultra végétal à la mozzarella-buffala citronnée, du cacio e pepe soyeux à la putanesca explosive. Et puis, il y a les pépites ponctuelles : les culurgiones sardes, les tortellinis, les raviolis au caviar.

“The Way of Ravioli” : un menu en forme de parcours initiatique
Un des projets phares ? “The Way of Ravioli”. Un menu tout ravioli, de l’entrée au dessert. Salés, sucrés, frits ou fondants. « En juin, j’ai servi un dîner privé avec 15 personnes autour de ça. C’était un carton. » Des raviolis Nutella-ricotta en dessert, de la gorgonzola en ouverture, du jambon de Parme au milieu. Un hommage vibrant à la créativité.

Une pâte sans œufs, mais pleine de sens
Marco revendique une pâte sans œuf — de la semoule de blé dur, de l’eau, basta. « C’est plus digeste, plus éthique. Et surtout, ça me permet de jouer avec les textures. » Il vend aussi de la farine — manitoba, spéciale pizza, pour desserts, pour pâtes fraîches — et fait office de traiteur pour les privés.

Vendre plus qu’un plat : vendre une âme
Ce que les clients aiment ici, au-delà du goût ? « Notre chaleur. Notre sourire. On vend la pâte, oui. Mais on vend surtout l’Italie. Notre manière d’être. » Dans ce local encore un peu discret, à deux encablures des grands axes, l’équipe mise sur l’authenticité. L’objectif ? Ouvrir cinq adresses à Genève et couvrir tous les quartiers. »

De la cave au sixième étage
Quand on lui demande ce que la pâte représente pour lui, Marco répond sans hésiter : « La vie. Elle m’a sauvé. Elle m’a rendu visible. » Il se rappelle ses nuits sur un matelas à même le sol. Aujourd’hui, il vit au sixième étage, avec balcon et vue. Il a repris possession de lui-même.

Il y a des destins qui se tissent avec des étoiles Michelin. D’autres avec un fil de semoule, une valise rouge et une rage douce de s’en sortir. Marco est de ceux-là.

Et s’il a appris une chose de tout ça, c’est celle-ci : “Continue de croire à ta vision. Même quand tout s’écroule. Surtout quand tout s’écroule.”

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Un manifeste affranchi
Portée par Valérie Gans, écrivaine prolifique (JC Lattès, Flammarion, Payot) et chroniqueuse littéraire durant 17 ans pour Madame Figaro, la maison défend une vision rare : celle d’une « écologie éditoriale ». Produire moins, mais mieux. Publier des textes forts, sans compromis. Refuser la surproduction, refuser le pilon, et accompagner chaque livre avec respect. Son modèle : des tirages courts, imprimés localement, doublés d’une version Kindle, et une diffusion directe qui contourne lescircuits classiques. Une Autre Voix place la relation auteur–lecteur au centre de tout, avec un dialogue constant et sincère.

Six textes, six affirmations littéraires
Depuis son lancement, Une Autre Voix a déjà publié six ouvrages, portés par cinq auteurs et un collectif. Chacun reflète la mission fondatrice de la maison : faire entendre des voix que l’on marginalise.

• La Question interdite (Valérie Gans) : un roman qui se dresse face aux non-dits de la société, et interroge la violence systémique que subissent encore les femmes.

• Les Enfants inutiles (Malédicte) : un texte bouleversant qui explore l’abandon, l’exil intérieur et la reconstruction, et a déjà retenu l’attention de plusieurs médias.

• L’Or des mots (collectif) : une ode à la littérature comme acte de résistance, rassemblant des voix multiples autour d’une écriture engagée.

• Trois autres ouvrages — sans titre précisé dans le dossier — complètent ce catalogue inaugural, portés par la même exigence : défendre des récits puissants, souvent écartés par l’édition traditionnelle, et créer des passerelles vers un lectorat avide de perspectives nouvelles.

Ces six parutions incarnent l’ambition de la maison : porter haut une littérature de la nuance, de la complexité, et du refus des facilités.

Un projet à taille humaine, à taille d’âme
Dans la philosophie d’Une Autre Voix, aucun texte n’est produit à la chaîne. Chaque livre est accompagné avec soin, dans un dialogue étroit entre auteurs et éditeur. La maison privilégie la proximité, la transparence et la liberté, loin des logiques impersonnelles de l’industrie. Son approche, que Valérie Gans qualifie de responsable et engagée, offre une véritable alternative : publier des œuvres qui ne sacrifient ni la forme ni le fond, et renouer avec un lectorat prêt à se laisser déranger.

Des perspectives ouvertes
Poursuivant son essor, Une Autre Voix compte intensifier sa présence digitale, explorer la traduction anglaise, et développer des formats audio, toujours avec la même promesse : respecter la liberté des mots, défendre la singularité des voix, et préserver la littérature comme un espace vivant et indispensable.

Dans un monde où la parole se censure parfois d’elle-même, Une Autre Voix insuffle un vent deliberté rare et précieux — pour que lire rime, à nouveau, avec penser.

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Une exposition pour un anniversaire tourbillon 
Pour fêter ses 20 ans, la FHH dévoile une exposition gratuite, immersive et sensorielle: “Watch Makers”. Une plongée dans les arcanes de la précision suisse. En coulisses?  Trente maisons horlogères complices. En surface? Un hommage vivant à l’art de dompter la seconde. Et au menu ? Assembler un mouvement, sertir un diamant, graver un boîtier ou jouer les orfèvres du bois. Parce qu’ici, l’artisanat ne se contemple pas, il se touche, s’apprend, se vit. Ici, les partenaires horlogers offrent leur savoir-faire au public, comme on tend un trésor. Parmi les virtuoses qui ont mis la main à la pâte (ou plutôt au calibre).

• Audemars Piguet, Girard-Perregaux, Cartier – les fondateurs, les piliers.

• Jaeger-LeCoultre, Hermès, Piaget, Chanel, Bvlgari – les créateurs d’émotion.

• MB&F, Ressence, Czapek, Trilobe – les esprits libres, les poètes mécaniques.

• IWC, Vacheron Constantin, Ulysse Nardin, Roger Dubuis – les gardiens de l’excellence.

Autant de signatures, autant d’univers. Toutes réunies pour faire vibrer Genève, une vis à la fois.

Un regard vers hier, deux battements vers demain
Retour à l’origine avec Franco Cologni, visionnaire et horloger des mots. Celui qui en 2005 a soufflé à l’oreille d’Audemars Piguet, de Girard-Perregaux et de Richemont l’idée folle d’une fondation dédiée à la culture du temps. Deux décennies plus tard, plus de 40 000 formés, 15 000 certifiés. Un écosystème tissé autour de trois piliers : Watches and Culture, FHH Academy, FHH Forum. Mais aujourd’hui, il ne s’agit plus seulement de préserver. Il s’agit de propulser. Vers de nouveaux publics. De nouveaux langages. De nouveaux désirs.

La Fondation Haute Horlogerie souffle ses vingt bougies, mais n’a pas une ride. Mieux : elle aiguise ses lignes, affûte ses discours, polit ses valeurs. Elle ne se contente plus de célébrer le passé. Elle chorégraphie le futur. Et dans cette danse cadencée, chaque tic résonne comme un appel à créer, transmettre, vibrer.

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Filles nues, fauteuils roulants et pneus crevés

Oubliez les autoportraits sages et les corps idéalisés. Chez Rama, la chair déborde, suinte, se dévisse. On y croise des femmes cyclopéennes, des langues qui lapent l’interdit, des silhouettes amputées de convenance. Elle peint comme on respire après l’asphyxie. Avec une urgence animale.

Dès les premières salles, ses aquarelles de l’Appassionata font tanguer les regards : sexualité féminine crue, poses fétichistes, larmes acides. Et ce n’est que le début.

8 chapitres pour 70 ans de désobéissance

L’expo déroule huit décennies de furie esthétique. Des débuts sulfureux aux assemblages post-industriels, Rama découpe le réel comme on découpe une prothèse : sans ménagement. Période abstraite ? Oui, mais toujours traversée de latex, de fils, de dents et de viscères. Même quand elle bricole avec du caoutchouc de vélo, c’est pour mieux dire l’enfermement, le désir, la rage.

Pas besoin de mode d’emploi : ses œuvres t’avalent d’un coup, comme un cri sans ponctuation.

Délirante, impure, sublime

Rama ne coche aucune case. Elle les brûle. Ni tout à fait surréaliste, ni franchement pop, ni docilement féministe, elle invente sa propre langue — une langue faite de fluide, de silence, et de chaos. Dans ses dernières œuvres, les corps sont réduits à des fragments : seins sans buste, jambes sans sol, visages sans regard. Et pourtant, tout regarde. Tout hurle.

La revanche d’une oubliée

Boudée pendant des années, ignorée des institutions, Rama n’a jamais cherché à plaire. Elle a continué, dans l’ombre, à désosser l’âme humaine. Jusqu’à ce que le monde de l’art se souvienne — un Lion d’Or à Venise en 2003, puis des expositions en cascade. Celle de Berne est l’une des plus complètes à ce jour. Une claque bien méritée.

Pourquoi  y aller ?
Parce qu’on a besoin de femmes qui dérangent. D’images qui dérapent. D’œuvres qui ne demandent pas l’autorisation d’exister. Carole Rama ne rassure pas, elle secoue. Et son art, entre douleur et désir, continue de poser cette question : Que reste-t-il quand on a tout perdu, sauf la rage de créer ?

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Aux commandes de cette escale ibérique ? Toufik Seddik, un amoureux fou de la culture espagnole. De ses voyages, il a ramené bien plus que des inspirations : une conviction. Celle qu’il fallait offrir à Paris un lieu vivant, authentique, vibrant de soleil et de convivialité. Un lieu ouvert toute la journée, comme là-bas : du café du matin au dernier verre du soir, sans interruption ni cérémonial.

Ce lieu, c’est avant tout une atmosphère. Quelque part entre un décor de film d’Almodóvar et un bar de quartier madrilène, l’endroit claque de couleurs, de rires, de clins d’œil. Ici, rien de figé ni de surjoué : on y vit, on y mange, on y parle fort, on y rit. On s’y sent vite chez soi, même si l’on vient d’ailleurs. Et surtout, on y revient.

Toufik Seddik ne cherche pas à copier l’Espagne : il la convoque, il l’habite, il la respire. Chaque plat, chaque détail raconte un souvenir, un éclat de voyage, une envie de partage. Buenas n’est pas un restaurant comme les autres : c’est une déclaration d’amour, une parenthèse chaleureuse où le temps ralentit et les saveurs s’enflamment.

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Une parenthèse maîtrisée, calibrée au millimètre émotionnel
On commence par une consultation. Non pour cocher une case, mais pour poser les bonnes bases : de quoi votre peau a-t-elle vraiment besoin ? Quel état émotionnel l’habite ? Quel rythme respecter ? Le soin signature Enea — mi-Kobido, mi-méditation faciale — commence alors. Et là, c’est le corps qui se tait. Les doigts dessinent des lignes invisibles, le visage se défroisse, les pommettes se réhaussent sans tricher, les tempes s’apaisent.

L’effet est immédiat, mais pas tapageur. Vous sortez avec votre vrai visage, mais reposé, réaccordé. Le teint est vivant, pas figé. Les yeux s’ouvrent autrement. Et à l’intérieur, quelque chose a bougé — comme une respiration qu’on aurait oublié de prendre depuis trop longtemps.

Un luxe qui ne se montre pas, mais qui se ressent

Ce qui fait la singularité du Spa Alaena ? Ce refus du spectaculaire. Tout ici est fluide, feutré, juste. De la lumière tamisée à l’accueil sans emphase, du hammam aux senteurs légères jusqu’aux produits sans parfum de synthèse, chaque détail est une déclaration silencieuse à la beauté sans artifices. On est loin du bling, loin du fake zen. Ici, c’est de l’organique, de l’intime, du pensé.

Et pour prolonger ?
On peut s’offrir un massage en duo, un atelier yoga, ou rester lire en silence avec une infusion aux herbes médicinales. On peut aussi consulter un micronutritionniste, s’initier au reiki, ou suivre un protocole holistique sur plusieurs mois. Ce n’est pas un spa : c’est une philosophie incarnée. Un lieu qu’on aimerait garder secret. Celui où l’on vient quand on a besoin d’un vrai soin, d’un vrai lieu, d’une vraie écoute. À Paris, c’est rare. Alors on y revient. Discrètement. Comme à un refuge qui sait tenir ses promesses.

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Le fil rouge ? Le déséquilibre. Celui qui fait tomber, qui remet en question, qui invite à se relever autrement. Chaque spectacle, chaque création (37 semaines de plateau dédiées, excusez du peu), est une tentative de réinvention. Corps, langues, genres, mémoires, désirs, tout se transforme sur scène.

VUDÚ (3318) BLIXEN d’Angelica Liddell (C) DR

Avec des focus qui tabassent (cirque d’un nouveau genre, créatrices qui n’ont pas froid aux mots), des partenariats qui font vibrer (La Bâtie, Antigel, Groove’N’Move…), et un théâtre qui refuse d’être une tour d’ivoire. Ici, on décloisonne. On installe des marchés, on danse à la Saint-Valentin, on ouvre grand les bras – Relax, surtitré, tactile, accessible. Parce que l’art, c’est pour tout le monde, et surtout pour ceux à qui on ne le donne pas assez.

Et comme dit la directrice : « un théâtre qui fait de l’émotion un savoir, du trouble une puissance, et du sensible une manière de penser ensemble. » À la Comédie, c’est le cœur qui parle – et le plateau qui hurle.

Cette année, le fil rouge n’est ni rouge, ni fil. Il est faille. Déchirure. Déséquilibre. Et c’est de là que jaillit le feu. À l’heure où tant de scènes jouent la sécurité, la Comédie, elle, choisit le vertige. Et c’est précisément pour ça qu’on y revient. Parce qu’ici, le théâtre ne console pas. Il réveille.

Notre sélection à ne pas louper :

Honda Romance – Vimala Pons, ou 150 émotions à la minute
Elle ne joue pas, elle vibre. Vimala Pons, circassienne de l’intime et funambule des affects, entre en scène comme on ouvre une boîte noire. Honda Romance, c’est un voyage à travers 150 émotions à la seconde, une partition de l’intérieur, un Instagram de la psyché, une poésie neurologique dopée au casque EEG. Les données cérébrales deviennent matière scénique, les chœurs chantent nos vertiges, le satellite parle, et le corps balance entre danse et déséquilibre. Ici, la performance ne se consomme pas, elle se vit en pleine peau.

Oracle – Alan Turing remixé en techno-scène cyberlatine
Alan Turing en version lettonne, dystopique, queer et totalement hors du temps ? Oui, Oracle de Łukasz Twarkowski, c’est une rave mentale de 3h30 où l’IA, les fantômes historiques et les glitchs identitaires se superposent. On navigue entre biographie éclatée, art numérique et théâtre augmenté. C’est déroutant, vertigineux, somptueusement fou. Comme si Blade Runner rencontrait Sophocle dans une boîte underground de Riga.

Vudú (3318) Blixen – Angélica Liddell invoque ses morts
Ne cherchez pas le confort dans ce rite. Angélica Liddell, prêtresse du théâtre sacrilège, arrive avec Vudú, spectacle-fleuve de cinq heures trente, ode brutale à la vengeance et au pouvoir transfigurant de la douleur. Ici, on ne joue pas à faire semblant. On saigne, on incante, on brûle. Blixen pactise avec le Diable, la performeuse avec ses propres abîmes. C’est une messe noire, un autoportrait en plaie, une cérémonie de la parole sauvage. Fascinant, dérangeant, vital.

Lacrima – Haute couture, fil d’or et sueurs tamoules
Une robe de mariée pour princesse, mille mains invisibles, et un théâtre documentaire cousu au point de croix. Dans Lacrima, Caroline Guiela Nguyen relie Paris, Mumbai et Alençon par un fil délicat qui raconte l’amour, la mondialisation, l’effacement des artisans. Sur scène, ça parle tamoul, LSF, anglais, français, et ça pleure parfois. Parce qu’on comprend qu’à travers la dentelle, c’est tout un monde d’efforts, de silences, de savoir-faire en voie d’extinction qui se joue. Ce n’est pas de la fiction : c’est de la mémoire vivante.

Le Voyage de la Vénus Noire – Kayije Kagame dans l’art de la réappropriation
Une femme noire qui visite les musées du monde à la recherche de ses doubles effacés. Kayije Kagame, portée par la mise en scène d’Alice Diop et le texte fulgurant de Robin Coste Lewis, incarne un voyage de réparation. Un manifeste poétique contre l’invisibilisation. Ici, l’art ne se regarde plus, il s’interroge. Chaque mot est un pied de nez à l’histoire de l’art blanche, chaque image un fragment de dignité retrouvée. Court, intense, magnifiquement nécessaire.

Neró – Una Puta Historia de Amor – Chute libre dans l’effondrement amoureux
Entre deux crises climatiques, un effondrement intime. Dans Neró, Anna Lemonaki et Julie Gilbert envoient grimper leurs personnages sur les parois de la passion comme sur celles d’un rocher mexicain. L’amour y est chute, envol, désespoir. Le monde brûle, les cœurs aussi. Une fresque sensible où l’intime devient politique, et où le vertige du sentiment se mêle à celui de la planète.

Et aussi…

Rébecca Balestra qui réincarne Jacqueline Maillan dans une rêverie hallucinée sur le refus de mourir sans jouer une dernière fois. Stephan Eicher qui pose guitare et synthé dans la grande salle pour une traversée musicale en mode confession. Et un Focus Créatrices qui élargit son spectre aux scènes francophones d’Europe, avec des artistes qui osent les silences qui crient, les gestes qui mordent, les mots qui guérissent.

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Un Ravel d’anniversaire, un Boléro d’anthologie
À l’honneur cette année : Maurice Ravel, 150 ans et pas une ride. Trois matinées dédiées à son œuvre de chambre – un nectar servi par une escouade de jeunes musiciens éclatants – et en apothéose, une soirée avec l’immense Martha Argerich, l’Orchestre National du Capitole de Toulouse et ce Concerto en sol majeur qu’on écouterait en boucle jusqu’au bout de la nuit. Cerise sur la portée : le Boléro dansé par le Béjart Ballet Lausanne, version chorale et organique, un crescendo de sensualité brute sous la houlette de Léo Warynski. Sensations garanties.

La Grange au Lac (c) Franck Juery

Capuçon & co : des duos de feu et des premiers frissons

Quand Renaud Capuçon joue avec son frère Gautier, c’est plus qu’un concert : c’est un dialogue d’âmes. Ensemble, ils reprennent le Double Concerto de Brahms, sans chef, juccste eux et la musique – comme une confidence à ciel ouvert. Et puis il y a ceux qu’on découvre et qu’on n’oubliera plus : Arielle Beck, 16 ans, claviériste cosmique ; Jaemin Han, 19 ans, violoncelliste venu d’un autre monde ; ou encore l’Ensemble Astera, quintette surdoué passé par le feu du Concours Nielsen.

Les Rencontres Musicales d’Évian – du 25 juin au 5 juillet à la Grange au Lac (C) DR

Un festival qui prend le large

Cette édition ne se contente pas de jouer sur partition : elle explore, elle ose, elle décloisonne. John Williams rencontre Anne-Sophie Mutter pour un feu d’artifice hollywoodien ; William Christie dirige Haendel comme une leçon d’éternité ; Yuja Wang ferme le bal en dirigeant Chopin et Tchaïkovski depuis son piano, tout feu tout flamme. Le tout dans ce joyau acoustique qu’est La Grange au Lac, bientôt rejoint par La Source Vive, nouvelle salle semi-enterrée et déjà légendaire avant même sa première note.

La Grange vue de l’extérieur dans son écrin végétal (c) Franck Juery

Plus qu’un festival, une constellation

Entre concerts en apesanteur, masterclasses, expositions, festival Off et billets suspendus pour partager la musique avec tous, les Rencontres Musicales d’Évian composent une galaxie généreuse. L’art y est partout, vibrant, incarné, engagé. On vient y chercher un frisson, on repart avec une claque.

Et cette année encore, ce sera grand. Ce sera beau. Ce sera… Évian.

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Little Simz – Lotus (6 juin)
Rap introspectif & écriture souveraine. Little Simz écrit comme on médite. Lotus s’annonce comme une suite plus dépouillée de Sometimes I Might Be Introvert, où chaque mot s’avance avec retenue mais précision. Simz n’élève jamais la voix, mais ses textes résonnent longtemps. C’est un album qui prend le temps — et vous en offre, en retour.

Pulp – More (6 juin)

Ils n’étaient pas attendus, ils reviennent. Et bien sûr, c’est exactement ce qu’il fallait. More est un disque de retrouvailles — avec une époque, un ton, une forme d’insolence vieillissante qui devient, presque malgré elle, une sagesse. Jarvis Cocker n’a rien à prouver, mais il sait encore raconter. Et c’est tout ce qu’on demande.

Brian Eno & Beatie Wolfe – Luminal (6 juin) Expérimentation sensible & écoute en apesanteur. Luminal n’est pas un disque : c’est une atmosphère. Brian Eno, pionnier de l’ambient, et Beatie Wolfe, exploratrice sonore, nous offrent une œuvre suspendue, presque immatérielle. Elle n’impose rien, elle suggère tout. Une respiration musicale pensée pour ralentir les pensées, ou les déplier.

Lil Wayne – Tha Carter VI (6 juin)

Lil Wayne est un virtuose de l’instinct. Tha Carter VI ne cherche pas à s’excuser de son exubérance, il l’assume, l’élève, la cisèle. Entre fulgurances absurdes et rimes-haïkus, il continue de tordre les codes avec l’aisance de ceux qui n’ont plus besoin de convaincre. Le chaos devient style. L’excès, un art.

Babymetal – Metal Forth (13 juin)

Et si le trop devenait une forme de poésie ? Babymetal continue de défier les formats avec Metal Forth, fusion entre violence sonore et esthétique pop. Une proposition artistique radicale, quelque part entre le concept et l’adrénaline. À ne pas comprendre, mais à vivre.

Trois albums comme trois astres, trois visions du monde qui s’accordent en silence, trois façons d’habiter le son comme on habite un rêve. Le 6 juin n’est pas une date — c’est un alignement. Une constellation d’écoutes à accueillir. Il faudra ouvrir grand les oreilles. Et laisser de la place dans le temps. Ce mois de juin n’est pas là pour habiller le bruit ambiant. Il propose d’écouter pour ralentir, ressentir, déplacer le curseur. Ces six albums tracent des lignes sensibles dans l’épaisseur du quotidien. Ils ne changent pas le monde, mais ils nous rappellent qu’on peut, à tout moment, changer d’état.

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