Sammy Baloji (*1978, DRC) … and to those North Sea waves whispering sunken stories, 2020 Terrarium et plantes exotiques 

Les 26 œuvres présentées ont été pensées pour ce contexte si particulier, allant au-delà du simple décor d’un lieu public. Du 10 juin au 30 septembre nous pourrons alors découvrir des créations imaginées tout spécialement pour ces lieux réalisées par Ana Alenso, Mathias Pfund, David Douard, et Céline Condorelli. Les œuvres préexistantes de Sophia Al-Maria, Nina Beier ou Elif Erkan trouvent elles aussi facilement leur place dans ces contextes et semblent avoir été faites pour les lieux. On se laisse tout particulièrement charmer par le terrarium de Sammy Baloji, presque ironique en pleine nature mais plaçant au cœur de son œuvre la notion de l’enfermement. Oil Intervention #7 d’Ana Alenso nous entraîne sur l’eau, alors que la sculpture In Lieu of What is d’Alain Farid nous confronte directement aux questions de la pollution. Des créations très diverses, s’éloignant souvent de la sculpture en temps que telle pour emprunter à l’architecture, au design, à l’ingénierie, ou encore aux arts audio-visuels. Une balade dans le parc tout simplement inoubliable. 

Zuzanna Czebatul Macromolecule Exploiting some Biological Target, 2020 Chlorure de polyvinyle 300 x 300 x 150 cm Photo ©Bert Heinzelmeier Courtesy Goethe-Institut

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CLARINS Boutique & Skin Spa Genève

Le pouvoir de la main

Pour les massages, ici exit les rituels visage et corps ultra superficiels et machines futuristes voire parfois carrément gadgets, et place à un savoir faire de plus de 60 ans! Les soins Clarins sont prodigués avec des gestuelles minutieuses, effectuées par des mains expertes. Ce que l’on nomme – l’art du toucher. Ce dernier se trouve au coeur de la philosophie de Clarins qui depuis 1954 célèbre, lors de ses protocoles dispensés en Institut, la science des plantes, la connaissance de la peau, mais aussi le mélange des formules. L’usage de produits dotés des exceptionnels pouvoirs aromatiques et phytothérapiques des huiles essentielles contribuent grandement à l’efficacité des soins. Lors d’un rituel en cabine, le geste est primordial : la partie de la main utilisée, le poids, la pression, la vitesse choisie, tout est parfaitement calculé pour un bénéfice précis au niveau des tissus, du système circulatoire, de la lymphe. Rien n’est laissé au hasard. Le but ultime du soin?  Offrir un moment unique de reconnexion à soi. Et les oreilles des expertes de la boutique sont la clé du succès de cet objectif. Les perles de l’institut proposent une véritable immersion sensorielle à travers ce voyage immobile qui permet de s’échapper du quotidien. Ainsi, chez Go Out! un rituel en cabine au bénéfice durable est devenu le parfait complément de notre routine bien-être. Moins de matérialisme, plus de sensations et surtout plus de sens : notre nouveau mantra!

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Amorphose de Giancarlo Bello

Etait-ce important pour vous que vos créations soient fabriquées de A à Z sur le territoire Suisse ?
Oui, je crois que dans une période où le concept de durabilité a un aspect fondamental, la production locale est très importante. D’autant plus que de pouvoir développer et soutenir tous les métiers d’atelier en interne ça n’a pas de prix.

Quelle est l’histoire que vous avez souhaité raconter à travers votre dernière collection, Kallisto ? Et comment l’avez-vous transposé à vos designs ?
Pour ma dernière collection « Kallisto » je me suis inspirée de la nymphe grecque transformée en ourse par Era et qui, avant de mourir, devient la constellation de la grande ourse. Je trouvais très intéressant l’aspiration qui nous guide à l’éternel, pouvoir devenir quelque chose de totalement éphémère mais qui puisse être un guide pour les autres. Je l’ai transféré dans une collection amusante avec des références aux classiques Teddy bears, certaines formes presque aliens et des ciels étoilés réalisés en cristallisant directement la soie.

Amorphose SS22 collection “24/7“ 

En observant vos vêtements on ressent une véritable matérialité du vêtement. La texture est-elle importante dans votre processus de création ?
La plasticité lors de la création à un aspect fondamental. Une robe est choisie souvent pour son esthétique mais pouvoir créer une expérience au touché et en la portant rend le tout plus épanouissant et gratifiant.

Vos créations sont complexes, presque oniriques, et mettent en avant un véritable artisanat. Est-ce que l’on peut parler d’artification dans le cadre de vos designs ? Souhaitez-vous allez au-delà de la mode avec ces coupes sculpturales, ou simplement élever le vêtement en tant que tel ?
Mon objectif depuis toujours est de pouvoir créer des pièces qui dépassent la simple utilité, je ne sais pas si on peut parler d’artification – même si mon côté créateur en serait très flatté ! – mais j’aime que mes pièces puissent  raconter une histoire avec l’espoir de rester dans le temps. Même dans les créations les plus simples j’aime ajouter un détail, parfois caché, qui les rendent uniques .

Que peut-on vous souhaiter pour la suite ?
Pouvoir rester libre et indépendant dans ma création !

Amorphose de Giancarlo Bello

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Pleasant Plants

Derrière ce projet se cache un désir de durabilité résolument dans l’air du temps. Conçue localement par des personnes en situation de handicape au centre APPISBERG, cette jardinière du futur est équipée de LED optimisées en collaboration avec l’institut de recherche suisse Agroscope pour booster la croissance en utilisant peu d’énergie. L’utilisation d’eau est elle aussi drastiquement réduite, les pesticides ne passent pas le pas de la porte, et plus local n’existera pas. Pour les créateurs de la start-up, Jenny Held et Alexander Smirnow, tous deux diplômés de l’EPFZ, ces jardins connectés sont l’avenir en matière de consommation durable et locale, « Pour les personnes qui aiment manger sain et vert, cela devrait être une aubaine. Les jardins d’intérieur automatiques comme l’APPA peuvent contribuer fortement à une production alimentaire plus durable, grâce à la réduction des transports et des émissions de CO2, à la diminution des déchets alimentaires, à la réduction des gaspillages et à la diminution de la pollution des champs par les pesticides » expliquent-ils. 

Que vous souhaitiez créer vos propres bouquets de fleurs, satisfaire vos envie de cocktails avec de la menthe qui aura poussé à côté de votre plaque de cuisson, ou épater la galerie avec une salade de vos tomates-cerises, l’APPA s’occupe de tout et plus jamais vous ne tuerez vos innocentes plantes. 

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Il est toujours délicat de demander son âge à une femme. Pour prévenir et soigner le relâchement de la peau du visage, du cou ou des mains, et berner les plus indélicats qui tenteraient de vous assigner un âge précis, que préconisez-vous?

Je propose la technique des Nanofat qui corrige les effets néfastes du temps et du vieillissement cutané. Son premier intérêt réside dans le fait qu’il s’agit d’utiliser la graisse de son propre corps en ce sens, cette technique est autologue, sans utilisation de corps étranger. La graisse dont on extrait ensuite la substantifique moelle: un concentré de cellules régénératives appelé Nanofat est prélevée généralement au dessus du genou afin de ne pas laisser de cicatrices visibles. Il s’agit d’une technique de prélèvement et de réinjection graisseuse. La zone traitée s’auto-régénère naturellement et progressivement. Les effets sont naturels et durables et il n’y a pas risque de rejet ni d’effet secondaire.

© Clinique Nescens

Comment est née cette méthode révolutionnaire ?

Elle a été créée en 2013 par deux belges chirurgiens-plasticiens : les Dr. Patrick Tonnard et Alexis Verpaele. Tous deux sont très créatifs en matière de rajeunissement facial chirurgical. Ils travaillaient déjà la graisse pour de la chirurgie esthétique lors de lifting ou lipofilling. Ils avaient cependant besoin d’une graisse plus fine afin de remplir les ridules au-dessus de la lèvre. Ils ont été les premiers à émulsifié (liquéfié) et filtrés cette dernière. Ils ont ensuite injecté cette graisse fine composée de cellules souches et ont réalisé que les résultats sur les petites rides étaient incroyables. Le Nanofat était né. C’est en me rendant à un congrès sur la médecine régénérative en 2016 que j’ai eu un coup de foudre pour cette technique. Je suis allée ensuite chez le Pr. Guy Magalon à Marseille me former à la méthode.

Vous avez développé votre propre technique avec une anecdote digne de celle de la tarte tatin…

Effectivement, car lors de ma formation, je n’avais pas filmé le processus en salle d’opération. Une fois de retour en Suisse, je me procure les kits et arrivée devant la pa- tiente, j’arrive à la conclusion logique que ce produit qui régénère la peau doit pouvoir être disposé sous la peau comme un tapis afin que cette dernière soit intensément hydratée. Ainsi, ce jour-là, j’ai décidé de l’injecter avec une canule sous la peau. J’ai rapidement obtenu de très beaux résultats que j’ai envoyés au bout de 3-6 mois au Pr. Guy Magalon qui, très surpris, s’est déplacé en Suisse afin de constater le rendu très satisfaisant. À ses yeux, personne ne pratiquait la méthode de cette manière. Il m’a de suite proposé de partager ma technique à l’IMCAS, le plus grand congrès pour chirurgiens esthétiques et dermato- logues. Le premier jour où j’ai parlé, je ne pourrai jamais l’oublier! Je me suis fait critiquer par le corps chirurgical esthétique français ! Heureusement, un éminent chirurgien américain – Steve Cohen – m’a approché en me félicitant et m’a fait part de son avis de changer sa technique de travail en s’inspirant de la mienne.

Comment se déroule concrètement la procédure ?

Cela se passe dans un bloc opératoire en ambulatoire, et j’ai la chance d’en avoir un flambant neuf à la Clinique Nescens. Lors de la procédure, comme souligné plus haut, on va prélever un très petit volume de graisse au niveau de la face interne du genou – car c’est une très belle graisse dépourvue de fibre – pour pouvoir l’injecter ailleurs. On va photographier la patiente et analyser sa peau et ses volumes. Un prélèvement sanguin sera également réalisé afin de créer du PRP – plasma riche en plaquettes qui sera ajouté aux Nanofat. Cela va permettre aux cellules de mieux s’implanter, proliférer et se différencier en d’autres cellules. Une fois prélevée, la graisse est lavée, puis émulsifiée grâce à une procédure mécanique. Ainsi, dans le cadre d’un nanofat, ce n’est pas le volume graisseux final qui est recherché mais le pouvoir de régénération du contenu. Il n’y a aucune injection de lobule de graisse, ni effet volumateur possible avec ce traitement. En effet, nous savons qu’avec les cellules graisseuses se trouvent les cellules souches contenant des facteurs de croissance. Ce sont ces cellules qui sont injectées. L’effet attendu est un renforcement de l’épaisseur et de la qualité tissulaire, et une néo-vascularisation. Elle s’effectue sans anesthésie générale, selon un protocole que j’ai établi et publié scientifiquement.

© Clinique Nescens

Est-ce que la procédure est douloureuse?

Non du tout, le prélèvement est indolore, il est réalisé avec du matériel spécifique grâce à une canule de prélèvement dont l’orifice est millimétrique. La réinjection dure 15-20 minutes. Pour les plus sensibles, nous prévoyons une sédation. La procédure entière dure 2 heures, entre le moment où la patiente arrive au rendez-vous et ressort de ce dernier. Après le traitement, on peut reprendre le sport dès le lendemain s’il n’y a pas de douleur au niveau des zones donneuses. Évidemment il faut faire attention à tout ce qui pourrait gêner l’implantation des cellules souches. Ainsi, on évitera de fumer, boire à outrance ou prendre des médicaments.

Quand perçoit-on les résultats ?

Les effets se font ressentir au bout de 3 mois avec l’hydratation de la peau dans un premier temps. Il faut attendre 6 mois à 1 an pour un effet wow et voir les rides et les taches disparaître. Les effets se poursuivent dans le temps. J’ai débuté en 2017 et pour l’instant, les résultats sur les premières patientes continuent de s’améliorer chaque jour.

Quelle est la différence entre Nanofat et Microfat ?

Le Nanofat ne se contente pas de régénérer les cellules déclinantes, elles améliorent aussi considérablement la qualité de la peau. Quant à la technique du Microfat , elle consiste à restaurer les volumes en comblant notamment les cernes et les plis du visage, avec les petits lobules de graisse qui n’ont pas été émulsifiés.

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Comme annoncé, l’atout majeur de ce nouveau smartphone est assurément son quadruple appareil-photo qui réalise des images d’une qualité professionnelle de jour comme de nuit ! L’intelligence artificielle modifie automatiquement l’éclairage afin d’apporter la bonne luminosité et d’éclaircir de manière optimale les photos sombres. Les résultats obtenus lors de vos shooting nocturnes seront aussi surprenants qu’épiques. Ainsi, finies les photos de soirées floues et sur-pixélisées. Avec le Galaxy S22 faire de bonnes photos la nuit ne tient plus du miracle mais de la technologie. 

Le Galaxy S22 Ultra

L’autre grande nouveauté du S22 Ultra est l’intégration du S Pen directement dans l’appareil. Rendant hommage à la gamme Note, le stylet incite à la créativité en permettant de prendre des notes en un rien de temps, et de dessiner partout. L’écran de grande taille bénéficiant d’une luminosité éclatante offre un confort de lecture remarquable même en pleine exposition au soleil. Par ailleurs, l’ajout du premier processeur 4 nm garantit des performances optimales et maximales de même qu’une autonomie de batterie inédite. 

Côté design, l’appareil ne s’éloigne pas de l’esthétique sobre et moderne qui fait la patte de la marque. De format anguleux et linéaire, le S22 Ultra est équipé d’un châssis en aluminium poli renforcé ainsi que d’un verre ultra résistant pour éviter le drame en cas de chute. Quant aux coloris, le mobile se décline en quatre teintes : noir et blanc, pour les plus sobres, ainsi que bordeaux et vert pour une légère touche de couleur. Un smartphone de compétition multi-usages, aussi beau que pro. À découvrir ! 

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Le campus Novartis de Bâle s’agrandissait encore un peu plus en avril dernier, avec l’ouverture le 30 de son dernier bâtiment en date, le Pavillon Novartis. Au coeur de ce projet, le désir de rendre la science accessible à tous, de faire entrer le visiteur dans ce lieu futuriste pour lui parler de l’industrie pharmaceutique, mais aussi du futur du système de santé, le faire pénétrer dans un univers où l’apprentissage dans ce domaine n’est plus niche et élitiste, mais ouvert à tous. Pour donner forme à ce rêve, les architectes de l’AMDL CIRCLE, accompagnés du designer milanais Michele de Lucchi, ont imaginé un dôme de bois, de verre et de métal, une structure digne d’un film de science fiction déposée délicatement sur les rives du Rhin, et accessible directement par le St. Johanns-Hafen-Weg. Divisé en deux étages, le bâtiment a pour objectif de remplir différentes fonctions. Se voulant avant tout espace de rencontre, le rez-de-chaussée du pavillon est constitué d’un vaste foyer central, où à l’avenir se tiendront rencontres et conférences portant sur des thématiques scientifiques, avec une programmation qui si elle n’a pas encore été dévoilée promet d’être riche. Mais ce premier étage est avant tout un lieu d’exposition, le SchoolHub, consacré à la science qui permet d’en explorer les différentes facettes grâce à la réalité augmentée. L’espace a alors été pensé comme un foyer ouvert, aéré, où le bois tient une place de choix. Le bâtiment totalement vitré laissé entrer la lumière naturelle, et offre à l’espace une dimension aérienne et un sentiment d’ouverture. Le premier étage est quant à lui la pièce maîtresse du pavillon, qui accueille l’exposition multimédia Wonders of Medicine. On se laisse guider par la configuration des lieux qui nous entraînent d’un bout à l’autre de l’exposition, nous donnant l’opportunité de découvrir une architecture aussi futuriste, que durable. 

© Novartis

Un bâtiment durable, tourné vers le futur

Au cœur de ce projet résidait le désir de créer un nouveau lieu qui présenterait les merveilles de la science, sans pour autant impacter négativement la planète par sa construction. C’est pour cette raison qu’AMDL CIRClE et Michele Lucchi ont mis à l’honneur des techniques et des matériaux durables dans ce projet qui n’en perd pas pour autant son caractère architectural résolument futuriste. La première chose que l’on remarque est sa façade. Un dôme de verre impressionnant qui permet à la fois à la lumière naturelle de pénétrer dans le bâtiment, mais aussi l’accueille d’exposition numérique. Cet aspect-ci du projet était capital pour Novartis, mais il devait également pouvoir être conjugué avec une construction durable. « La luminosité de cette façade média lumineuse à énergie zéro est assurée par un voile de cellules photovoltaïques et de lampes LED alimentées durablement à l’électricité solaire. L’effet lumineux de la façade est produit par un contraste lumineux minimal avec l’environnement. La lumière ambiante est mesurée en permanence et l’éclairage du bâtiment, légèrement plus intense, est adapté en permanence. Ceci permet de réduire la consommation d’énergie » explique l’équipe Novartis. Au-delà de cette technologie, le bâtiment met également à l’honneur des matériaux durables à l’image du bois qui tient une place de choix dans la conception du pavillon.  C’est en effet ce matériau qui a été sélectionné pour réaliser la totalité de la structure. Pour le designer Michele de Lucchi, « la combinaison de matériaux naturels et de technologie est une opportunité de créer un environnement parfait pour les rencontres ».  Une conception aussi durable qu’accueillante pour le public, le lieu idéal pour accueillir de l’art. 

L’animation Oculus de Daniel Canogar sur le Pavillon Novartis

L’art contemporain à ciel ouvert 

Si la science est au cœur de ce projet, l’art à la part belle dans ce nouveau bâtiment. Sa fameuse façade lumineuse à énergie zéro a été choisie pour sa capacité d’accueil d’œuvres d’art numériques. Grâce à ses 30’000 LED, elle est capable d’afficher textes et images sans dépenser d’énergie. Au coucher du soleil, tous les jours, la façade est le spectacle d’œuvres pensées expressément pour le lieu pour une période de 30 minutes. Toutes en lien avec la science, elles créent un pont entre ces deux univers et ce grâce à l’architecture du bâtiment. Depuis le 30 avril, le Pavillon est également devenu une galerie à ciel ouvert pour trois artistes européens,Daniel Canogar, Esther Hunziker, et le duo Semiconductor. L’artiste espagnol Daniel Canogar nous propose de découvrir son projet Oculus, une animation abstraite réagissant en temps réel aux changements climatiques. Grâce à un algorithme développé par son studio, Oculus est capable d’analyser les données de différentes bases météorologiques, allant du niveau de dioxyde de carbone dans l’air, en passant par la fonte de la calotte polaire, les anomalies de température, ou encore les incendies. Ces données sont par la suite réinterprétées par des visuels, pour une œuvre qui nous parle de l’urgence climatique, conçue sur un bâtiment pensé de manière durable. La boucle est bouclée. 

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Titouan Claudet, le talentueux Chef pâtissier de The Woodward

Comment est née votre passion pour la pâtisserie? 

Je suis originaire de Besançon en Franche-Comté, à deux heures de voiture de Genève. Inspiré par ma mamie et ma mère que j’observais mijoter des petits plats, j’ai très jeune développé une passion pour la cuisine en général. Après un BAC économique et social, j’avais envie d’embrasser deux carrières: avocat ou psychologue! (rires) J’ai très vite saisi que ce n’était pas ma voie. Ainsi, je me suis orienté sur un BTS (CFC en Suisse) cuisine. Suite à cela, j’ai fait plusieurs stages dont un qui m’a beaucoup marqué au Relais Bernard Loiseau, 3 étoiles Michelin encore à l’époque. Il y avait le Chef Pâtissier Benoit Charvet (aujourd’hui chez Bocuse) auprès de qui j’ai fait mes armes. C’est lui qui m’a fait réaliser que la pâtisserie pouvait être fine, élégante, rigoureuse et en adéquation avec mes envies professionnelles. J’avais enfin trouvé ma voie. Benoit Charvet est parti chez Georges Blanc à Lyon et m’a proposé de le suivre. Je suis resté 4 ans à ses côtés. Une expérience très formatrice. J’ai poursuivi 2 ans en Alsace à l’Auberge de l’Ill, maison traditionnelle ancrée dans la culture locale. Puis j’ai rejoint Sébastien Vauxion à Courchevel en qualité de sous-chef, dans l’unique restaurant de desserts étoilé du monde: le Sarkara pour une saison. Une expérience très riche à mes yeux, malheureusement écourtée par le COVID. J’y ai retenu son humanité et son exigence que j’essaie de retranscrire ici au Woodward avec mon équipe. Après une saison à gaver mes parents de desserts, j’ai trouvé une opportunité auprès d’Anne-Sophie Pic au Beau-Rivage Palace où tout s’est très bien passé. J’ai vu une annonce pour le Woodward où je ne savais pas si je devais postuler en qualité de sous-chef ou en chef. J’ai finalement opté pour la deuxième possibilité et cela a fonctionné! 

Le nuage, poire d’Hermance, cardamome verte, châtaigne et whisky

Qu’est ce qui vous plaît au Woodward?

Les deux restaurants sont sublimes et j’ai l’opportunité d’exprimer ma créativité sur deux terrains différents: l’Atelier Robuchon et le Jardinier. L’ambiance et la cuisine y diffèrent. Ainsi, je ne suis pas cantonné dans un restaurant. J’ai également la liberté de m’affirmer dans la viennoiserie au petit-déjeuner. C’est une opportunité qui ne se présente que rarement. Je suis conscient de ma chance de pouvoir collaborer dans ces très bonnes conditions avec une équipe géniale!

Vous avez développé une vraie passion pour la viennoiserie et le feuilleté. Ces viennoiseries s’apparentent à de petits bijoux…

J’avoue, c’est mon dada! Je l’ai appris au fil de mes diverses expériences et par moi-même. Je suis fasciné par ce travail de levure vivante et à en obtenir un travail quasi artistique, visuellement satisfaisant. Je suis très content de pouvoir partager avec mon équipe ce travail avec les clients de l’hôtel. 

Les viennoiseries de Titouan Claudet

Vous avez développé une passion pour les formes géométriques, véritables chefs-d’œuvres de précision et de bonheur gustatif. Le résultat est d’une netteté bluffante. Quelle est votre technique ? 

Pour la petite histoire, il faut savoir qu’au début, on taillait au scalpel! J’y passais des heures et je rentrais du travail à 3 heures du matin! Je me suis dès lors inspiré d’une application provenant de l’univers de la couture et des origamis pour la découpe géométrique. J’ai développé une technique afin que toute mon équipe puisse reproduire précisément le même design sur les desserts. On vient poser un chablon sur assiette ainsi le décor est toujours identique. Ici, cela me tenait à coeur d’avoir une constance dans la qualité du visuel du dessert servi. 

Qui vous inspire lors de la création de vos desserts ou viennoiseries ?

Je suis très inspiré par l’art contemporain. Je suis beaucoup d’artistes sur les réseaux sociaux. Par exemple, pour ma dernière création à la meringue, j’ai été inspiré par le sculpteur norvégien Hakon Anton Fageras. Il crée des coussins froissés en marbre, très réalistes. J’aime beaucoup également le street-artiste Jordane Saget pour ses arabesques et lignes ondoyantes très ornementales. Il y a aussi le graffeur Aaron de La Cruz pour ses oeuvres très géométriques. Sinon, je renie pas le fait que les autres pâtissiers m’inspirent, je garde toutefois une ligne de conduite stricte: ne jamais reproduire et m’approprier le travail d’autrui. 

Noisette en variation gourmande au sucre soufflé et confit de coing au poivre Voatsiperifery, crémeux chocolat noir à l’anis vert

Le sucre est proclamé ennemi numéro un pour la santé. Qu’en pensez-vous de cette tendance à alléger le sucre dans les desserts ? 

Il est vrai que je ne fais pas de dessert trop gras ni sucré mais clairement mon but n’est pas de dé-sucré ces derniers. Ce qui compte avant tout à mes yeux, c’est l’équilibre entre les goûts, entre l’acidité et le sucre. Avec mon équipe, on travaille surtout les produits locaux pour des desserts qui correspondent à toutes les attentes. Pour les vegan, on ne va pas se limiter à une salade de fruits ou une assiette de sorbets. Dernièrement, on proposait un dessert avec diverses textures autour de la myrtille avec une émulsion citronnelle et là on va passer à une création autour de l’abricot et curcuma frais. D’ailleurs, on crée des tuiles à base de pulpe de fruit. 

Votre rêve ou challenge professionnel ? 

De créer une boutique de viennoiseries! 

LA FORÊT NOIRE comme un champignon, parfumée aux griottes, mousse légère au kirsch et crémeux chocolat

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WE – ME / Dix. Muhammad Ali, 2007 © Succession Markus Raetz / ProLitteris

Dans l’exposition présentée par la fondation, le public parcourt alors toute une vie d’art et de réflexion. Nous plongeons dans l’intimité du processus de création grâce à ses carnets, démontrant sans difficulté l’importance du dessin dans son œuvre. Et puis le matériau entre en jeu. Des lettres en laiton qui changent tandis que nous tournons autour de la sculpture, des créations et installations qui nous poussent à la réflexion, le tout et le rien chacun posé sur une étagère. Mais aussi la passion de l’écrit, de l’encre sur le papier qui se vérifie par ses nombreux dessins, où le mot se fait œuvre, où l’énigme est encore une fois présente. Et l’amour du parlé, retranscrit à merveille par ses croquis d’une bouche prononçant les voyelles de l’alphabet, nous démontrant une nouvelle fois cette obsession pour la lettre en tant que telle. Au-delà du matériel, le sens est bien là oui, mais Markus Raetz ne donnait pas toutes les clés à ses spectateurs. Que signifie le tout ? Le rien ? Ceci ? Cela ? Après le sens premier, comment se comprennent ces mots ? Comment les lisez-vous, les entendez-vous, les comprenez-vous ? Jeux de mots, homophonies, langues étrangères, écritures faussement illisibles, pour l’artiste l’écriture était un jeu. Un jeu complexe, auquel rend honneur la fondation qui place en son cœur les acteurs de l’écrit, et auquel on se prend avec plaisir. Quand les mots deviennent magiques…

Ambigramme OUI NON sculpture anamorphosique de Markus Raetz

Ambigramme OUI-NON sis à la place du Rhône

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Toilet Paper : magazine 

Clichés ultra léchés, lumières très travaillées sans photoshop, Toilet Paper clashe dans la galaxie des magazines. Maurizio Cattelan le crée en duo avec le photographe Pierpaolo Ferrari en 2010. Son esthétique kitsch et haute en couleur tapisse ce media insolent certes, mais inoffensif. Ses images disruptives sans légendes s’inscrivent dans la tradition des publications irrévérencieuses façon Hara-Kiri du professeur Choron dans les années 1970, offrant des visuels tordus et visionnaires. On y salue le fabuleux sens du marketing de Maurizio et Pierpaolo qu’y interrogent notre obsession pour les images en explorant nos désirs et pulsions les plus indicibles. Chaque photographie, minutieusement construite au sein d’un environnement mental spécifique combine photographie commerciale, récits visuels décalés et imagerie surréaliste pour créer une série de tableaux saisissants, mélanges de normalité dérangeante et de troublante ambiguïté, devant lesquels l’effroi se mêle au plaisir visuel. Un régal qui a inspiré notre cover mais également une version revisitée par Lucie, notre graphiste d’une série d’images dingues de pâtisseries aux couleurs criardes, teintée d’une atmosphère de ménagère des années 1950. À découvrir sur nos réseaux sociaux!

Maurizio Cattelan, Toiletpaper magazine, Calendrier 2022

Maurizio Cattelan, Toiletpaper magazine, Calendrier 2022

Maurizio Cattelan : franc-tireur qui affronte la mort

Avec sa dernière installation « You », Maurizio Cattelan s’attaque à la mort avec un autoportrait sis à la galerie Massimo de Carlo de Milan. L’œuvre représente l’artiste vêtu d’un costume bleu suspendu, un bouquet de fleurs à la main, dans une opulente salle de bains de marbre vert. Au fur et à mesure que les visiteurs déambulent dans la galerie, la sculpture suspendue se découvre au fur et à mesure et à distance, conviant le spectateur prudent à s’approcher. La galerie décrit l’installation comme « une hallucination, une image simultanée de contrôle et d’échec. Geste de bienvenue généreux ou adieu triste et inévitable, YOU explore le rôle de l’individu dans le domaine collectif : un aveu d’abandon, ou peut-être une affirmation de bienveillance ». Cette nouvelle intervention du trublion de l’art contemporain affirme la mort des grandes puissances, tout en insufflant une nouvelle énergie dans la force de l’individu. Malgré la tentative de créer une distance entre l’œuvre et le spectateur, « YOU » de Maurizio Cattelan nous rapproche. L’installation nous fait réfléchir sur les sentiments humains tels que l’amour, l’amitié, l’affection, le pouvoir, la perte et la défaite. Entre, effroi, étonnement et curiosité, Maurizio Cattelan nous déroute, nous dégoute mais jamais ne nous laisse de marbre. 

Maurizio Cattelan, You, 2021, Galerie Massimo De Carlo

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C’est une histoire qui commence à s’écrire en 1881 quand est construit ce kiosque à musique dans le parc des Bastions, l’un des premiers de la ville. Véritable madeleine de Proust des genevois, le Café restaurant des Bastions était une institution, mais avec la ville qui évolue autour de lui un changement de look était devenu nécessaire. Plus de 140 ans plus tard, le bâtiment continue de vivre et vient tout juste de faire peau neuve avec l’arrivée d’une nouvelle équipe à l’objectif clair : redynamiser ce lieu emblématique faisant partie intégrante du patrimoine genevois. Si l’espace a été résolument modernisé, sous la houlette de Studio Julia Christ s’inscrivant sans aucun doute dans la veine contemporaine, le lieu fait un clin d’œil à son histoire par son nom, rappelant le kiosque à musique des origines. Une page de plus qui s’écrit au présent.

Le Kiosque des bastions pensé par Studio Julia Christ ©Christophe Voisin

Un bistrot au coeur de la ville

Côté cuisine, c’est un retour aux bonnes choses simples qui s’est opéré. Au cœur des valeurs du Kiosque ? Des produits régionaux, et des plats qui évoluent au fil des saisons, pour une cuisine de bistrot aussi simple et réconfortante qu’élaborée et sophistiquée. Les convives pourront se régaler ce printemps de tataki de thon en robe de pavot, de filets de perches du Léman, ou encore de gnocchis aux aubergines et stracciatella de burrata.  Sur la terrasse mythique on boit des cafés tout au long de la journée en dégustant des plats à partager. Enfin, le dimanche au Kiosque c’est brunch. Deux services, le premier à 11h pour les familles, et le second à 13h30 pour une ambiance conviviale et musicale. Le Kiosque c’est aussi un bar où l’on laisse nos papilles se faire séduire par un vin des Grisons ou un cocktail original pensé par les artisans de la maison !  

Une serre art-déco contemporaine

Si l’enveloppe reste identique, et conserve l’histoire de ce bâtiment, en pénétrant dans le Kiosque nous nous laissons emporter dans un lieu où l’art-déco se mêle à la perfection au design contemporain. L’espace entouré de verre se transforme en serre, avec partout dans les lieux des plantes qui nous font plonger dans une jungle de chlorophylle. Le verre pastel nous tape à l’œil, tandis que le mobilier à la fois simple et design, élégant, s’adapte à tout type de public. Le pari du Kiosque ? Devenir un incontournable pour chacun, des étudiants aux femmes et hommes d’affaires, des familles aux touristes. Les yeux perdus dans la verdure, nous savons déjà que le pari est réussi. La madeleine de Proust continue d’écrire son histoire. 

Le Kiosque des bastions pensé par Studio Julia Christ ©Christophe Voisin

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