Mais Garorock ne se limite pas à ses concerts. Entre deux sets, le site se transforme en véritable terrain de jeu. Les festivaliers déambulent entre les nombreux stands et attractions, prennent de la hauteur dans les manèges, tentent leur chance aux différents jeux et se laissent surprendre par les animations disséminées un peu partout.

L’art de vivre un festival en quelques heures
Parmi les expériences les plus appréciées de la soirée, le stand de maquillage fluorescent, qui révèle toute sa magie une fois la nuit tombée, a rencontré un franc succès. Plus loin, une boîte de nuit cachée, baptisée Le Club, attire les plus curieux. Une parenthèse festive au cœur même du festival, où l’on danse quelques morceaux avant de repartir à la découverte du site.

Sur la scène CTRL + B, le spectacle de Michel Hubert a également marqué les esprits. Avec ses nombreux changements de costumes et sa proximité avec le public, le chanteur a offert un show décalé et généreux, transformant son concert en véritable moment de partage. Pour immortaliser cette édition particulière, les photocalls installés sur le site n’ont pas désempli. Les groupes d’amis se succèdent devant les objectifs, conscients de vivre une édition qui restera singulière dans l’histoire du festival.

Des décibels et des saveurs
L’expérience Garorock passe aussi par les saveurs. Entre les cornets de frites maison, les stands mettant à l’honneur les fruits et légumes de saison et l’incontournable bar à vin, chacun a trouvé de quoi prolonger la soirée autour de quelques découvertes gourmandes.

Puis la nuit a pris une autre dimension avec les performances de Big Flo & Oli, Last Train, Major Lazer, Mosimann et de Timmy Trumpet. Les artistes ont offert une fin de soirée résolument festive, transformant le site en immense dancefloor à ciel ouvert et rappelant, une dernière fois, la force de rassemblement de la musique.

Si cette 30e édition n’aura pas eu le déroulé espéré, elle aura tout de même prouvé une chose : il suffit parfois d’une seule soirée pour retrouver l’esprit d’un festival et repartir avec l’impression d’avoir vécu un moment à part.

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Au fil des années, Garorock continue de séduire les habitués comme les nouveaux venus. Parce qu’au fond, on ne vient pas seulement pour voir des artistes. On vient pour vivre l’été avant tout le monde. Et si la saison avait un point de départ, il pourrait bien se trouver ici, au cœur du Lot-et-Garonne. Garorock fête sa 30e édition.  Et nous, on a hâte d’y être.

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5 juin — Converge — Hum of Hurt
Le même jour, mais dans une direction totalement opposée, Converge impose une autre forme de tension. Hum of Hurt s’inscrit dans cette logique hardcore / mathcore où tout est fragment, rupture, impact. Rien n’est lisse ici, rien ne cherche à l’être. C’est unemusique qui ne raconte pas : elle frappe, elle insiste, elle laisse des traces. Deux albums, une même date — et déjà une fracture dans le mois.

12 juin — Olivia Rodrigo — You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love
Le 12 juin change complètement de matière. Olivia Rodrigo arrive avec un titre déjà presque narratif, presque roman. ‘You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love’ s’inscrit dans une pop plus introspective, où l’émotion n’est jamais immédiate mais filtrée, observée, retournée. C’est une musique qui regarde les sentiments au lieu de simplement les exprimer. Il y a une forme de distance, mais jamais de froideur.

12 juin — Yes — Aurora
Le même jour, Yes déplace encore le centre de gravité. Aurora ne s’inscrit pas dans le présent immédiat. C’est une œuvre qui semble flotter au-dessus du calendrier, dans une temporalité plus large, presque cosmique. Le rock progressif y devient un espace plutôt qu’un style : quelque chose qui se déploie, qui respire lentement, qui refuse la ligne droite. Après Olivia Rodrigo, on passe de l’intime observé à l’immensité structurée. Deux façons très différentes de dire la même chose : le temps passe autrement selon l’endroit où l’on se place.

19 juin — Placebo — RE:CREATED
Puis vient un basculement. RE:CREATED de Placebo n’est pas vraiment un nouvel album, mais une reconstruction. Une relecture du passé à travers le filtre du présent. Il y a quelque chose de volontairement instable dans cette démarche : comme si les chansons pouvaient changer de sens simplement parce qu’on les regarde à nouveau. C’est un geste de mémoire, mais une mémoire qui bouge. Mis ensemble, ces albums ne racontent pas une tendance. Ils racontent une coexistence de directions. Slift et Converge ouvrent le mois dans la matière brute, le choc, l’intensité. Olivia Rodrigo et Yes déplacent le regard vers deux formes d’introspection très différentes : l’émotion et l’espace. Placebo referme temporairement le cercle en réécrivant le passé.

Ce mois-ci, quelque chose se dessine : non pas une scène unique, mais plusieurs manières d’habiter le temps musical. Juin n’a pas une seule identité. Il en a plusieurs, qui cohabitent sans se résoudre. Et peut-être que c’est ça, le plus intéressant : la musique ne choisit plus une direction. Elle les maintient toutes en même temps.

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Aperture, ou l’art d’ouvrir la nuit
Dès les premières secondes, le morceau respire. Une nappe de synthé, presque diaphane, s’installe avec la délicatesse d’un lever de rideau. Rien de frontal. Rien de brutal. La lumière s’allume progressivement, comme si la chanson nous habituait à voir autrement. Puis la pulsation arrive — discrète mais irrésistible — une rythmique disco contenue, élégante, qui rappelle les nuits qui ne cherchent pas à être vues mais à être vécues. La production, façonnée avec Kid Harpoon, joue avec les textures plus qu’avec les effets. Une basse chaude qui enveloppe, des percussions feutrées qui battent comme un cœur un peu trop lucide, des respirations laissées volontairement audibles. Tout est question de retenue.

Le refrain ne surgit pas, il s’élève. Il ne cherche pas l’explosion mais l’élévation. Il ne hurle pas l’émotion, il la laisse monter, presque à contre-jour. Et au centre de tout, la voix d’Harry : plus grave, plus posée, presque fragile par moments. Une voix qui ne performe plus, qui confesse. Qui s’adresse à quelqu’un ou peut-être à nous.

Aperture n’est pas un single conçu pour saturer les playlists. C’est un morceau qui s’infiltre lentement, comme un parfum sur une veste qu’on garde trop longtemps. Il parle de distance, d’intimité, de regard, de ce qui s’ouvre quand on accepte enfin de voir clair, même dans la pénombre. On imagine la scène : lumières tamisées, silhouettes en mouvement, tissus fluides, paillettes qui captent juste ce qu’il faut de lumière. Ce n’est pas une fête tapageuse. C’est une communion douce, presque introspective. Une danse qui ressemble à une conversation.

Nos coups de cœur, là où Harry touche juste
Chez Harry Styles, certaines chansons dépassent le simple statut de succès pour devenir des refuges. Des morceaux qu’on écoute seuls, tard, quand la ville ralentit.

Sign of the Times (2017) ouvre le bal comme une déclaration d’indépendance artistique. Ballade dramatique, presque théâtrale, elle explose en crescendo rock avec une ampleur qui rappelle les grandes fresques des années 70. C’est une chanson d’adieu et de renaissance, portée par une intensité vocale brute. Dès ce premier single solo, Harry annonçait la couleur : il ne serait jamais là où on l’attend.

Avec Falling, extrait de Fine Line, il change radicalement de décor. Piano minimaliste, voix presque tremblante, confession sans filtre. Falling est une chute intérieure, une exploration de la culpabilité et de la solitude. Pas d’arrangements spectaculaires pour se cacher : juste l’émotion nue. On y entend les silences autant que les notes. C’est fragile, imparfait, et donc profondément humain.

Dans le même album, Fine Line agit comme une catharsis. Long morceau évolutif, il commence dans une douceur mélancolique avant de s’ouvrir progressivement vers quelque chose de presque lumineux. Les harmonies s’empilent, les instruments prennent de l’ampleur, comme si la tristesse finissait par se dissoudre dans l’acceptation. Fine Line n’est pas une chanson de rupture, c’est une chanson de passage — le moment précis où l’on comprend que la douleur fait aussi partie de l’équilibre.

Enfin, Matilda, issue de Harry’s House, est sans doute l’une des plus délicates. Ici, Harry se fait presque narrateur, consolateur. Sur une instrumentation douce et organique, il adresse un message à celles et ceux qui ont dû grandir trop vite, qui ont appris à se construire seuls. Matilda n’est pas une chanson spectaculaire — c’est une étreinte. Une manière de dire : “Tu as le droit de partir. Tu as le droit de choisir ta paix.”

Qu’il soit grandiloquent ou minimaliste, solaire ou introspectif, Harry Styles a cette capacité rare : transformer ses vulnérabilités en hymnes collectifs. Et c’est peut-être là, dans cet équilibre fragile — cette fine line — que réside toute sa force.

L’élégance du contraste
Avec ‘Kiss All The Time. Disco’ , Occasionally, Harry semble vouloir explorer les zones grises : la joie teintée de mélancolie, l’euphorie traversée par le doute, le désir mêlé à la pudeur. Il ne choisit pas entre la lumière et l’ombre. Il les fait cohabiter. Il ne revient pas pour occuper l’espace médiatique. Il revient pour créer une atmosphère. Et dans un monde qui crie plus qu’il n’écoute, cette délicatesse-là a quelque chose de radical. 2026 sera peut-être disco mais seulement occasionnellement. Le reste du temps, ce sera intime. Et infiniment vivant.

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Orlando observe les amours de Medoro (Paul Figuier) et Angelica (Marie Lys) (c) Dr

Un Orlando épuré
« Il me semblait nécessaire de rapprocher de nous ces chevaliers, cette princesse, cette bergère » explique Mariame Clément dans la note d’intention. Sur scène, la dramaturgie concentre l’œuvre sur les sentiments plutôt que sur un grand drame épique entre héros à la recherche d’un fait d’armes. Elle poussera d’ailleurs l’idée en faisant du rôle-titre, dont la jalousie le conduit à la folie, à le présenter en patient placé en psychiatrie. Les vicissitudes amoureuses sont tournées en dérision, avec délice et humour. Ainsi dans son air de défi « fammi combattere » (acte I), Orlando en fait des tonnes et la destinataire Angelica paraît franchement embarrassée. D’autres scènes sont très drôles, notamment le duo entre Orlando et Dorinda (acte II) et les monstres grotesques qui peuplent l’imaginaire de cet anti-héros (acte II), à qui l’on applique un suivi thérapeutique rapproché. Inventive et pragmatique, l’idée perd un peu en saveur en deuxième partie, la faute peut-être à vouloir trop concilier les registres ?

Sur le plateau, une immense coiffe d’infanterie à pinces, sorte de casque de réalité virtuelle, vous envoie une fois dans un bar, une fois dans les bosquets, selon les besoins du récit.L’effet plastique est garanti. Aux costumes également, Kaspar Glarner présente des tenues du quotidien et les références épiques qui ressemblent plutôt à des déguisements qu’à des reconstitutions savantes, ce qui renforce l’aspect dérisoire. Les lumières signées Valerio Tiberi soulignent les profondeurs ouau contraire portent l’attention sur le proscénium, par exemple dans la scène du songe (acte II), un classique dans le baroque.

Dorinda, incarnée avec talent par d’Ana Vieira Leite crédits Carole Parodi (c) DR

Un écrin pour le clavecin
L’Opéra de Lausanne est à n’en pas douter une très belle salle pour le répertoire baroque, par sa taille et sa fosse. L’Orchestre de chambre de Lausanne y a dévoilé un jeu expressif, alternant solos ou duos contemplatifs avec des temporale (scènes de tempêtes) très rythmés. Mentions spéciales au chef d’orchestre Christopher Moulds et Paolo Corsi, qui donnent au clavecin un rôle en soi, loin des ennuyeuses scansions sans intention (le fameux « ploum, ploum »). Cela se retrouve à la scène, où les protagonistes déploient tout leur jeu, ce qui donne aux récitatifs toute leur saveur dramatique et formelle. N’oublions pas enfin le solo au violoncelle de Joël Marosi à l’ineffable douceur, qui accompagne Medoro à l’acte I (« Se’l cor mai ti dirà »).

Sur scène, le contre-ténor Paul-Antoine Bénos-Djian est très présent, sollicité par la partition autant que la mise en scène, par exemple son énergique « Fammi combattere » (acte I) et son air de la folie (« Ah! stigie larve », fin de l’acte II), pour lequel il déploie tout un répertoire d’émotions, de rythme, de souffles. Son adversaire Medoro (Paul Figuier), est plus effacé, avec un jeu empesé pour un rôle d’éternel soupirant qui se prêterait parfaitement à l’humour. Impériale, altière, l’Angelica de Marie Lys déploie ses accents éclatants et ornements inventifs de talent, malgré un jeu parfois retenu. C’est tout le contraire de la présence engagée, inspirante et incarnée d’Ana Vieira Leite en Dorinda. Elle semble adorer ce rôle et lui offre toute une palette expressive, à savourer par exemple dans « Amore è qual vento » (acte III).​

Enfin, il faut relever le beau timbre de Callum Thorpe, qui campe un Zoroastro à l’autorité évidente, un rôle pivot, ou selon la metteuse en scène, il est « moins un personnage qu’une fonction », celle d’assurer un peu d’ordre en ce monde. Et il en a bien besoin en ces moments.

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Vanessa Paradis Crédit : © Paléo Festival / Photo officielle

Une pop qui oscille entre nostalgie et next gen, entre souvenirs d’adolescence et vertiges contemporains. 

Rock, noirceur et romantisme électrique
Place à la nuit. À ses nappes sombres, ses guitares viscérales, ses pulsations profondes. The Cure revient comme une incantation gothique — éternelle, envoûtante, presque mystique. À leurs côtés, Gorillaz brouille les frontières entre réel et virtuel, tandis que Twenty One Pilots injecte son rock hybride, nerveux, imprévisible. Ici, la musique ne se joue pas. Elle s’habite. Elle s’infiltre. Elle vous choisit.

Saint Laurent Crédit : © Paléo Festival / Photo officielle

Orelsan Crédit : © Paléo Festival / Photo officielle

Hip-hop : flow frontal et poésie brute
Le hip-hop, lui, ne demande plus la permission — il prend la scène. Orelsan affine ses mots comme des lames sensibles, pendant que Theodora impose son aura de “Boss Lady” entre rap, pop et bouyon. Ajoutez à ça Keny Arkana, toujours en feu militant, disiz en introspection pop, et Saint Levant en voix globale : le genre ne se contente plus d’évoluer, il mute.

Électro : la montée en transe
Quand la nuit tombe, Paléo bascule. Amelie Lens sculpte la techno comme une architecture mentale, Bob Sinclair injecte ses classiques solaires, et Timmy Trumpet transforme la clôture en explosion euphorique. Une rave maîtrisée, une extase scénarisée, un lâcher-prise millimétré.

Nord magnétique & scène suisse vibrante
Cette année, le Village du Monde regarde vers le Nord — glaciers sonores, folk mystique et black metal féministe. Pendant ce temps, la Suisse joue à domicile : The Young Gods, Mosimann ou encore Marie Jay rappellent que le talent local n’a rien d’un échauffement. 

Le chiffre qui claque
103 artistes. Plus de 200 concerts. 250’000 corps en mouvement. Paléo, ce n’est pas un festival mais une ville éphémère, un organisme vivant, un battement collectif à ciel ouvert.

Marée humaine, chapiteau signature — ici, 250’000 battements de cœur s’alignent sur un même tempo. Paléo, version grand angle : monumental, presque irréel.
Crédit : © Paléo Festival / Photo officielle

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Oxmo Puccino : le poète urbain
Lorsque Oxmo Puccini s’empare de la scène, ce n’est pas seulement un concert qui commence, c’est un paysage entier qui se déploie. Sa voix grave ouvre des chemins, ses mots avancent avec la précision d’un poète et la douceur d’un conteur. On n’écoute pas seulement ses morceaux : on s’y laisse glisser, porté par un flow qui raconte, questionne et remue. Et lorsque les lumières retombent, ses phrases continuent souvent de tourner quelque part en nous. À retrouver le 17 mars à l’Alhambra!

Oxmo Puccino ©Jérémy Beaudet

Luiza : le soleil entre dans la salle
Quand Luiza monte sur scène, c’est comme si le soleil entrait dans la salle. Sa voix chaude et lumineuse, à la fois douce et puissante, vous enveloppe et vous emporte dans un voyage aux couleurs du Brésil et de la pop française. Chaque note raconte une histoire, chaque mélodie fait danser le cœur et sourire l’âme. Entre rythmes entraînants et moments suspendus, son concert est une célébration de la vie, de la joie et des émotions partagées. C’est un rendez‑vous à ne pas manquer : le 19 mars à l’Alhambra, pour se laisser porter par sa musique, vibrer, sourire, et peut‑être même danser pieds nus sur les nuages. Une soirée qui promet d’être inoubliable.

Astéréotypie : quand le chaos devient poésie vivante
Quand Astéréotypie apparaît sur scène, c’est comme si une tempête sonore s’échappait d’un poème habité! Né d’un atelier de poésie, ce collectif post‑punk a fait de ses mots mordants et de ses rythmes rugissants un univers où tout peut prendre feu, rire ou guérir : des textes qui frappent l’imaginaire, des voix qui scandent des vérités sans filtre, et une énergie brute qui vous emporte dès les premières secondes. Si vous aimez les concerts qui secouent, surprennent et restent gravés dans l’esprit, ne manquez pas Astéréotypie le 21 mars au Rez‑Usine à Genève. Une soirée qui promet d’être intense, vivante et profondément humaine.

Astereotypie @Zazzo

Piotr : quand le rap se fait miroir de soi
Lorsque Piotr investit la scène, ce n’est pas seulement un concert qui commence : c’est une rencontre intime avec soi‑même. Rappeur venu de Lausanne, il tisse ses textes avec une précision rare, où chaque mot pèse, respire, et semble sorti d’une pensée profonde et sincère. Ce concert sera un de ces moments où l’on sort bouleversé, touché, peut‑être transformé — comme si quelqu’un avait murmuré à notre oreille ce que l’on pensait sans oser le dire. Ne manquez pas cet instant de poésie urbaine le 20 mars à la Salle communale de Plainpalais à Genève

Bekar : entre souvenirs et émotions
Quand Bekar prend le micro, l’atmosphère se fait profonde et vraie — comme une nuit d’hiver où chaque souffle semble raconter une histoire. Originaire du nord de la France, l’artiste construit sa musique comme un paysage de souvenirs et de sentiments : des vérités murmurées, des questions intimes, des mélodies qui s’impriment dans le cœur. Ne manquez pas cet instant suspendu de rap et d’émotions — le 20 mars à la Salle communale de Plainpalais à Genève : une soirée où le son devient miroir, où les souvenirs se mêlent à la musique, et où chaque mot compte.

Un festival qui ne cherche pas à faire grand bruit, mais qui finit toujours par résonner longtemps.

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C’est aussi un projet tentaculaire, vivant et visionnaire, qui circule entre écrans et scènes, entre captations sensibles et concerts incarnés. Une fabrique d’émotions produite par Montreux Media Ventures, où la musique se filme autant qu’elle se vit, se partage autant qu’elle se ressent. Le futur s’y archive en temps réel.

À Villars, puis à Montreux en juillet, et de nouveau à l’automne, Spotlight trace une trajectoire annuelle, une constellation cohérente, soutenue par Julius Baer, qui parie sur l’intuition plutôt que sur la tendance. Ici, on ne suit pas la hype — on la précède.

Six signatures sonores, six séismes sensibles
Il y a quelque chose de presque initiatique à assister à un concert à Villars. La neige absorbe le bruit, l’altitude affine l’écoute, le décor impose la lenteur. Tout devient plus précis. Plus dense. Plus vrai. C’est dans cette atmosphère feutrée que les Spotlight Sessions déploient leur magie : pas de superflu, pas d’artifice. Une scène, une voix, une vibration. Et ce frisson très particulier d’assister à un commencement. Chaque date est une promesse. Chaque soir, une brèche ouverte dans le futur.

Etta Marcus
Voix brumeuse, pop viscérale, écriture charnelle. À 25 ans, la South Londoner façonne une musique qui fouille le corps autant que l’esprit. Passée par un conservatoire de jazz trop normé, qu’elle quitte en cours de route, Etta Marcus passe depuis son temps à désapprendre pour retrouver l’instinct.

De The Death of Summer & Other Promises à l’EP Devour, elle étire sa palette entre indie-rock, folk et pop, influencée par Portishead, Björk ou Fontaines DC. Soutenue très tôt par BBC Radio 1 et la presse indé, elle s’impose comme une voix en devenir, capable de plonger dans la condition humaine et d’en ressortir le cœur encore battant.

Ino Casablanca
Rap solaire, groove métissé, trajectoire plurielle. Né de racines marocaines, passé par l’Espagne avant de s’installer en France à l’adolescence, Ino Casablanca transforme l’exil et le déplacement en moteur créatif. Autodidacte, il compose dès 14 ans une musique instinctive, nourrie de ses cultures croisées.

Avec TAMARA puis EXTASIA, il dynamite les codes du rap français, mêlant rap, acoustique et textures électroniques, infusées de rythmes caribéens, maghrébins et latins. Lauréat du Prix Joséphine 2025, il avance vite, porté par une énergie libre, difficile à enfermer — et déjà impossible à ignorer.

Steve Ibrahim
Écriture à vif, folk fragile, émotion tenue. Repéré très jeune dans les studios du 94, Steve Ibrahim fait d’abord ses armes comme musicien avant d’oser la mise à nu. En 2024, guitare à la main, il partage ses premières démos personnelles et affirme une voix singulière.

Avec Le Bleu du Ciel, puis l’EP L’Oiseau Bleu (2026), il dessine une folk hybride en français, entre Bon Iver et Mustafa. Des chansons comme des confidences nocturnes, sobres et sincères, où la pudeur devient puissance.

Friqtao
Pianiste nomade, improvisateur libre. Révélé par ses performances spontanées dans les gares, Friqtao fait du clavier un terrain d’expérimentation permanent. Classique, hip-hop, pop : tout se croise, tout circule.

Chez lui, la virtuosité n’écrase jamais l’émotion. Chaque concert est une rencontre avec l’instant, une prise de risque joyeuse, un pas de côté assumé. Un talent hors cadre, qui refuse les cloisons.

Sekou
Voix profonde, soul habitée, présence magnétique. Né à Leicester, nourri de gospel et des grandes voix noires américaines, Sekou découvre très tôt que chanter est une nécessité. De l’église à Londres, de l’anonymat aux grandes scènes, il affine un baritone riche et enveloppant.

Repéré sur les réseaux, signé chez Good Soldier Records, nommé aux BRITs et BBC Sound of 2024, il traverse aussi le silence avant de renaître artistiquement. Avec le projet In A World We Don’t Belong, il affirme une musique plus noire, plus joyeuse, plus ancrée — un chant de liberté, entre héritage et futur.

Mathilde Fernandez
Artiste totale, voix caméléon, pop radicale. Issue des arts visuels et vivants, Mathilde Fernandez explore la voix comme un espace de performance et de transformation. Après plusieurs EP et le succès du duo ascendant vierge, elle choisit le dépouillement.

Avec Piano-Voix, son premier album solo officiel, elle ralentit, défait, reconstruit. Un piano, une voix captés presque en live, pour revisiter son répertoire et sonder la mémoire, le désir, la vulnérabilité. Une mise à nu frontale, où douceur et fureur se répondent.

À Villars, le silence fait caisse de résonance. Les voix annoncent, les notes devinent. Pas de certitudes ici — seulement des frémissements, des éclats naissants, des lendemains qui s’esquissent.

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Tamino (c) DR

Murmuration – Danse sur glace
Les 6 et 7 février, au Centre Sportif Sous-Moulin à Thônex, la compagnie Le Patin Libre transforme la patinoire en un poème en mouvement. Quinze patineurs glissent comme une seule entité, leurs trajectoires dessinant une chorégraphie fascinante inspirée des murmures d’oiseaux. Chaque glissade devient un souffle de magie hivernale, un instant suspendu où virtuosité et poésie se rencontrent, capturant l’essence même d’Antigel.

Apparat – Électro immersive
Le 7 février, à l’Alhambra de Genève, Apparat électrise la scène avec son électro cinématique et immersive. Entre morceaux inédits et atmosphères futuristes, le musicien berlinois ouvre une porte sonore vers des territoires inexplorés. Ce concert est une plongée dans une expérience sensorielle totale, où lumière, son et espace se fondent en une immersion unique.

Apparat (c) DR

Anna von Hausswolff – Orgues en transe
Le 13 février, à l’Alhambra de Genève, Anna von Hausswolff déploie sa voix et ses orgues comme un souffle monumental. Chaque vibration transforme le lieu en cathédrale sonore, sombre et lumineuse à la fois. Son concert est un voyage intense et hypnotique, une expérience qui frappe le corps et l’âme, où la musique devient monumentale et profondément émotionnelle.

(C) Philip Svensson

Tamino – Folk rock élégant au Victoria Hall
Le dimanche 22 février à 19h00, Tamino, chanteur‑auteur belge d’origine égyptienne, montera sur la scène du Victoria Hall à Genève pour une performance exceptionnelle dans le cadre du Festival Antigel. Reconnu pour l’une des voix les plus captivantes de sa génération, Tamino mêle une sensibilité folk à des accents de rock alternatif et des résonances du Moyen‑Orient, héritage de ses racines. Sa musique, marquée par une poésie introspective et des arrangements raffinés, explore des thèmes universels comme l’amour, la solitude et la quête d’identité, tout en puisant dans les influences de figures majeures telles que Jeff Buckley, Leonard Cohen ou Radiohead, mais avec une signature bien à lui.

Dans ce festival où chaque espace devient scène et chaque instant précieux, Antigel 2026 nous rappelle que l’hiver peut être brûlant de vie et de poésie. Du piano bouleversant de Sofiane Pamart aux arpèges envoûtants de Tamino, des mouvements fluides de Murmuration aux orgues hypnotiques d’Anna von Hausswolff… La ville tout entière devient un écrin pour l’art, et chaque spectateur un voyageur, emporté dans un hiver transformé en poème vivant, vibrant et inoubliable.

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Damso — BĒYĀH (30 mai)
Damso revient avec “BĒYĀH”, un album dense, crépusculaire, où chaque mot semble avoir été taillé comme une pierre noire. Le rappeur bruxellois s’y dévoile à demi, alternant confessions murmurées et coups de scalpel lyrical. C’est brut, élégiaque, parfois dérangeant — toujours maîtrisé. Une exploration de l’identité, du corps, des racines, menée avec cette signature damsoïenne : l’art de dire sans tout dire. Nos titres coup de cœur : “impardonnable”, “JCVDEMS”, “Kaki” & “Wolof”.

Little Simz — Lotus (6 juin)
Little Simz signe avec Lotus l’un des albums les plus flamboyants de l’année. La rappeuse britannique y navigue avec une aisance déconcertante entre boom bap 90’s, afro-caribéen, nu soul et jazz contemporain. Le titre “Flood” — tacle cinglant à l’industrie — donne le ton : Simz frappe fort, belle et précise, comme une athlète du verbe. Elle qui, enfant, rêvait de devenir footballeuse, joue ici un dribble parfait entre les styles. Lotus respire l’aisance, la force et la renaissance. À écouter en boucle : “Flood”, “Only” & “Lion”.

Olivia Dean — The Art of Loving (26 septembre)
Deux ans après “Messy”, Olivia Dean revient avec un album lumineux, sensuel, presque thérapeutique. The Art of Loving explore l’amour sous toutes ses formes — tendre, maladroit, éclatant, déchirant — dans une pop-soul délicate et maîtrisée. La chanteuse affirme son univers : une douceur qui n’occulte jamais la profondeur, une voix qui console autant qu’elle secoue. Un disque qui fait du bien. Nos morceaux favoris : “Nice to each other”, “Lady lady” & “Loud”.

The Last Dinner Party — From the Pyre (17 octobre)
Après “Prelude to Ecstasy”, The Last Dinner Party revient avec un album totalement irrésistible : théâtral, baroque, exalté. “From the Pyre” convoque sorcières modernes, féminité en feu, échos queer et luttes collectives, dans un son à la croisée du rock opératique et de la pop ultra-mise en scène. Le groupe pousse tout plus loin : les arrangements, les chœurs, les références. Leur single “This is the Killer Speaking” confirme qu’ils sont prêts à conquérir autant les scènes de festivals que les salles d’opéra. Oui, rien que ça. À ne pas manquer : “This is the Killer Speaking”, évidemment.

Rosalía — Lux (7 novembre)
Avec Lux, Rosalía signe son œuvre la plus audacieuse à ce jour : une cantate contemporaine, chantée en treize langues, embrasée de mystique et de classicisme réinventé. Ici, elle cherche plus qu’un son : elle cherche l’élévation. Le résultat ? Une traversée spirituelle, presque initiatique, où voix, orchestration et dramaturgie se répondent. Lux n’est pas un album : c’est une ascension, un chef d’œuvre. Nos moments de grâce : “Mio cristo piange diamanti”, “Berghain”, “La rumba del perdon” & “Magnolias”.

Si 2025 a une bande-son, c’est incontestablement celle de ces six projets : engagés, puissants, intimes, visionnaires. Des albums qui n’ont pas seulement accompagné l’année, mais qui l’ont façonnée, qui l’ont racontée autrement, à travers leurs fractures, leurs fêtes, leurs blessures et leurs élans de lumière. Chacun d’eux capture quelque chose de l’époque — une peur, une colère, un désir d’émancipation, une quête spirituelle, une envie de danser malgré tout. Ils témoignent d’un monde qui gronde et qui, pourtant, cherche encore la beauté, la réconciliation, la magie dans les détails. Ils sont la preuve qu’en 2025, la musique n’a pas seulement diverti : elle a réuni, réveillé, réparé. Et parfois, elle a fait tout ça en même temps.

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Le disque compte vingt morceaux, dont cinq collaborations qui forment à elles seules un casting à faire pâlir n’importe quelle tracklist : Kid Cudi, Theodora, Iliona, Prinzly, et Laurent Voulzy. Cinq univers distincts, cinq énergies que Disiz relie à sa manière, dans un ensemble qui promet d’être aussi cohérent qu’audacieux.

Des featurings qui racontent une histoire
Le nom de Kid Cudi intrigue forcément. “Try Try Try”, leur morceau commun, fait figure d’événement. On imagine déjà la rencontre de deux sensibilités proches, deux artistes qui ont toujours exploré la vulnérabilité, la mélancolie, la fuite, la nuit. La présence de Laurent Voulzy, elle, surprend autrement : douce, poétique, presque lunaire, elle ouvre une porte inattendue sur un dialogue générationnel. À leurs côtés, Theodora, Iliona et Prinzly apportent des nuances plus contemporaines, plus brumeuses, entre pop et néo-soul, entre caresse et douleur.

Deux titres ont déjà été dévoilés, comme des éclats avant la tempête. “La Rosée”, d’abord, ouvre le bal avec un ton contemplatif, presque méditatif. Le morceau agit comme une porte d’entrée vers l’intimité de Disiz : voix posée, texte limpide, émotion contenue. Puis vient “Mélodrama”, en duo avec Theodora, qui confirme la direction artistique du projet. C’est une chanson de rupture, mais une rupture observée à distance, sans pathos, avec une élégance de funambule.

La production, signée Max Baby, Emmanuel Camy, Neon Valley et Disiz lui-même, est à l’image de l’ensemble : aérienne, précise, rêveuse. Max Baby, qu’on a entendu aux côtés de Clara Luciani, apporte cette touche pop instinctive ; Emmanuel Camy, déjà présent sur “Quarante-cinq”, connaît les respirations du rappeur. Neon Valley, enfin, fait le lien entre Disiz et Theodora, après avoir travaillé sur L’Amour et sur le dernier album de la chanteuse. Ensemble, ils tissent une toile sonore à la fois légère et chargée, un espace suspendu où la voix se fait instrument et l’émotion, décor.

Trois albums qui nous ont marqués pour toujours
Pour comprendre où il en est, il faut aussi se souvenir d’où il vient. Pacifique, en 2017, reste pour beaucoup l’un de ses albums les plus complets. Vingt titres déjà, une mosaïque d’influences où se croisaient introspection, sensualité et engagement. Des morceaux comme “Ils ont de la chance”, “La fille de la piscine, “Ça va aller” ou “Radeau” ont façonné le Disiz moderne : plus mélodique, plus narratif, plus vulnérable. C’est avec cet album qu’il a trouvé un équilibre entre rap et chanson, entre verbe et mélodie. Et, on était déjà conquis.

Mais pour saisir l’ampleur du virage, il faut remonter un peu plus loin encore, jusqu’à Extra-Lucide (2012). Vingt morceaux là aussi, mais une énergie brute, une urgence presque fébrile. On y découvrait un Disiz à nu, sincère, puissant, capable d’enchaîner les introspections existentielles et les uppercuts sonores. Des titres comme “Combien de temps”, “Everything” ou “Life is good”témoignaient déjà de cette tension entre gravité et lumière, entre foi et désillusion. À l’époque, c’était un manifeste : un cri contre la superficialité, un album écrit avec le cœur, les nerfs et la tête.

Puis il y a eu L’Amour, sorti en 2022, certifié platine, devenu l’un des albums les plus marquants de sa carrière récente. Double disque, riche, généreux, où l’on retrouvait des morceaux comme “Emoji soleil jaune”, “Mode d’emploi”, “Quarante-cinq” ou “Rencontre”avec Damso. C’est un album solaire, fait de contradictions assumées : entre douceur et désordre, passion et résilience. “L’Amour” avait fait l’unanimité, prouvant que Disiz pouvait toucher le grand public sans se trahir.

Une écriture plus épurée
Aujourd’hui, “On s’en rappellera pas” semble vouloir aller plus loin, dans une direction encore plus libre, presque conceptuelle. Le projet promet de parler du souvenir, du passage, de ce qu’on garde malgré soi. Ce qui se devine derrière les premiers morceaux, c’est une écriture plus minimaliste, une esthétique atmosphérique, un jeu sur les silences et les textures. Disiz ne cherche plus à tout dire, mais à dire juste.

Dans un paysage musical souvent saturé, “On s’en rappellera pas” a tout pour s’imposer comme un album d’auteur. Une œuvre exigeante, sincère, traversée de lumière et de mélancolie. Le genre d’album qui, paradoxalement, s’imprime en nous précisément parce qu’il ne cherche pas à le faire.

Le 21 novembre, Disiz ne revient pas seulement avec un nouveau disque. Il revient avec une proposition, une respiration, un regard. Et s’il affirme qu’on ne s’en rappellera pas, on sait déjà qu’il se trompe. Parce qu’un artiste comme lui, on ne l’oublie pas.

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Nouvelle École, saison 4 — quand Netflix transforme le clash en art scénique (c) DR



La saison marque également le départ de Aya Nakamura, figure emblématique de la saison précédente. Son absence se fait sentir, mais Netflix compense avec un épisode spécial. Les anciens talents révélés par l’émission, parmi lesquels Youssef Swatt’s, Leys ou Warren, reviendront sur le devant de la scène pour rappeler que Nouvelle École n’est jamais seulement une compétition. L’épisode spécial agit comme une passerelle entre passé et présent, montrant que le programme est un véritable tremplin pour les carrières.

Intensité et dramaturgie
Avec la nouvelle formule, la saison 4 met en avant l’intensité et le rythme. Chaque duel est un affrontement stratégique où charisme, créativité et présence comptent autant que le talent pur. Les spectateurs ne sont plus de simples observateurs : ils vivent la compétition, ressentent les tensions et suivent chaque décision, chaque mot, chaque geste.Le face-à-face SCH/SDM promet de catalyser cette tension. Deux visions du rap s’affrontent, deux univers différents se confrontent. Le duel devient spectacle, et le spectacle devient un terrain d’expression où les flows rivalisent de puissance et de précision. La saison 4 promet ainsi une expérience immersive, plus viscérale que jamais.

La nouvelle ère de Nouvelle École s’annonce électrique (c) DR



Un tremplin pour la scène rap
Au-delà des battles et des clashs, Nouvelle École reste un baromètre des tendances et un révélateur de nouveaux talents. La compétition devient une vitrine, un tremplin où chaque artiste peut s’exposer, se mesurer et se lancer. La saison 4, avec sa formule renouvelée et son épisode spécial, illustre parfaitement cette ambition : allier intensité dramatique et rôle de catalyseur pour la culture hip-hop.

Le 31 octobre, Nouvelle École saison 4 sera disponible sur Netflix. Les équipes se formeront, les flows s’affronteront, et chaque punchline sera décortiquée. Entre spectacle, compétition et révélateur de talents, cette nouvelle saison promet de confirmer que le show reste un rendez-vous incontournable, capable de surprendre tout en restant fidèle à sa mission : mettre en lumière la scène rap française et ses artistes émergents.

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