Atelier Magic House en collaboration avec La Ville de Carouge, Le Musée de Carouge et Caran d’Ache, l’artiste Lauren Thiel a conçu sa Magic House dans le cadre de son Master en Media Design à la HEAD — Genève ©DR

Au programme, treize sessions compétitives et une conviction qui dépasse des marges : quelques minutes peuvent suffire à déplacer des montagnes intérieures. La création suisse côtoie les découvertes internationales, le laboratoire des formes dialogue avec le documentaire. Même les petits prennent les grandes décisions : dans les programmes adaptés de 3 à 16 ans, les jeunes spectateurs votent pour leur film préféré. Le discernement n’attend pas le permis de conduire.

Des merveilles et des morsures
L’animation sait aussi appuyer là où le monde fait mal. Seize courts métrages composent la compétition documentaire, traversée par la guerre, les troubles mentaux et la liberté de la presse. Le trait délie ce que les mots nouent. Il donne une forme au vertige, un contour au silence, une voix à ce qui reste coincé dans la gorge. Sous les pigments, les sentiments. Sous la douceur apparente, la secousse. Le dessin autorise ce paradoxe précieux : s’éloigner des apparences pour approcher une vérité. Le réel passe par l’imaginaire et revient, parfois, plus difficile à esquiver.

Souris sous surveillance
Avec Decorado, Alberto Vázquez met un rongeur dans l’engrenage. Sa souris sans emploi soupçonne le monde ultralibéral et ultraconnecté qui l’entoure de n’être qu’un vaste décor. Le doute grignote, la façade se fendille. The Truman Show prend du poil de la bête, et la crise existentielle des airs de piège à fromage. À découvrir en avant-première genevoise au Cinéma Bio.

Decorado d’Alberto Vázquez ©DR

Dans la famille des empêcheurs de rêver en rond, Autour de Minuit fête ses 25 ans avec deux cartes blanches, pour enfants et adultes, présentées par son fondateur Nicolas Schmerkin. Daniel Šuljić, qui a dirigé Animafest Zagreb pendant seize éditions, apporte aussi ses Daniel’s Bangers : deux sélections où poésie et provocation se passent les allumettes. De quoi éclairer quelques zones d’ombre. Ou mettre le feu aux idées fixes!

Noir de rire
Phil Mulloy, lui, taillait ses crayons comme on aiguise une objection. Disparu en 2025, le réalisateur britannique fait l’objet d’un hommage en onze courts métrages au Grütli. Mythes virils, conformisme, autorité, peur de l’autre : ses silhouettes rudimentaires déshabillent des mécanismes autrement sophistiqués.

Arco de Ugo Bienvenu ©DR

Le trait paraît simple. L’attaque porte juste. Sous le grotesque, un miroir ; dans le rire, une écharde. Un cinéma qui gratte le vernis jusqu’à faire apparaître les petites lâchetés bien propres sur elles. Les bonnes manières peuvent patienter dehors.

Totoro, tendre rempart
Après les griffes, la fourrure. Mon voisin Totoro, introduit par le spécialiste de l’animation japonaise Ilan Nguyen, rejoint une réflexion autour du soin, en écho à l’exposition de la Bibliothèque de la Cité Bonjour, ça va ? Petites histoires pour créer du lien. Cette question qu’on lance souvent sans attendre la réponse retrouve soudain sa profondeur. Écouter, accueillir, consoler : la tendresse a du travail.

Mon voisin Totoro ©DR

Avec Arco, Ugo Bienvenu ouvre une autre fenêtre. En 2075, Iris voit tomber du ciel un garçon venu du futur. Sous sa combinaison arc-en-ciel, une aventure où l’écologie rencontre la poésie, où demain garde une chance de ne pas déchanter. Mary Anning, de Marcel Barelli, regarde pour sa part vers une pionnière de la paléontologie longtemps laissée dans l’ombre. Les fossiles remontent à la surface, les préjugés accusent leur âge.

L’imagination déménage
Le festival ouvre aussi la boîte à malices. Pierre-Luc Granjon partage avec le jeune public ses procédés artisanaux, dont le rarissime écran d’épingles : piquer la curiosité devient presque littéral. Au Musée de Carouge, la Magic House de Lauren Thiel transforme les dessins réalisés au sol en images animées. Les idées courent sur le papier avant de prendre leurs jambes à leur cou.

À l’Alhambra, quatre œuvres en réalité virtuelle invitent les spectateurs dès 12 ans à franchir le cadre. Et pour achever de décoiffer les rétines, WTF OFF promet une clôture mordante et délirante. Dix jours de traits libres et d’esprits frondeurs. À Genève, les dessins s’animent. Les idées arrêtées feraient bien d’en faire autant!

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Si tu penses bien — 16 septembre
Quand l’amour ressemble d’abord à une évidence… avant de devenir une emprise. À Dubaï, Gil rencontre Jacques. Quelques regards, un coup de foudre et un mariage précipité. Sur le papier, le début parfait d’une grande histoire. Mais derrière la promesse romantique se dessine bientôt une fracture. Jacques vit sa foi avec une intensité que Gil ne partage pas. Peu à peu, il tente de lui imposer sa vision du monde, jusqu’à transformer les mots d’amour en injonctions. Un film sur ce qui se joue lorsque l’on aime quelqu’un sans vouloir devenir quelqu’un d’autre.

Primetime — 23 septembre
Les années 2000. La télévision en pleine lumière. Et derrière les projecteurs, une histoire qui dérange. En 2006, Chris Hansen, présentateur de To Catch a Predator, entreprend de marquer l’histoire de la télévision. Dans une époque où l’écran devient peu à peu le miroir de nos obsessions, Primetime nous replonge dans les coulisses d’un phénomène télévisuel qui interroge autant le pouvoir des images que les frontières du spectacle. Un voyage dans un autre temps médiatique, pas si lointain, où faire de l’audience pouvait parfois vouloir dire aller toujours plus loin.

Le Fantôme de l’Opéra — 23 septembre
Sous les dorures de l’Opéra Garnier, les histoires les plus sombres vivent dans l’ombre. Anastasia a 18 ans. Elle danse, rêve et découvre les coulisses de l’Opéra Garnier. Jusqu’au jour où elle attire l’attention d’un homme mystérieux, défiguré, qui vit dans les profondeurs labyrinthiques du bâtiment. Un ballet entre beauté et ténèbres, où les couloirs deviennent des passages secrets, où les ombres semblent avoir une vie propre et où l’amour se confond dangereusement avec l’obsession.

Verity — 30 septembre
Il y a les maisons dans lesquelles on entre. Et celles dont on aurait peut-être mieux fait de rester loin. Jeremy Crawford engage Lowen Ashleigh pour terminer les romans de son épouse, Verity, écrivaine à succès désormais incapable d’écrire après un mystérieux accident. Lowen s’installe alors dans leur maison. Elle ouvre les manuscrits. Elle cherche l’inspiration. Puis elle découvre quelque chose qu’elle n’aurait probablement jamais dû lire. À mesure que les pages se tournent, la frontière entre fiction et réalité se brouille. Les secrets s’accumulent. Et une question s’installe : qui était vraiment Verity ?

Cinq histoires pour traverser la rentrée autrement : des secrets à déterrer, des fantômes à apprivoiser, des passions à questionner et quelques frissons à savourer. Parce qu’au fond, le vrai luxe de septembre, c’est peut-être ça : s’offrir deux heures pour disparaître dans une autre histoire.

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Les Nana Benz du Togo (c) Arnold Anani

Vingt ans plus tard, près de 900 films ont traversé les écrans lausannois. Pas mal pour ce qui était au départ une histoire de passionnés décidés à ouvrir une fenêtre là où le paysage culturel avait curieusement laissé un mur.

Car le problème commence peut-être avec ce fameux singulier : « l’Afrique ». Un mot immense dans lequel on voudrait parfois faire tenir 54 pays, des milliers de langues, des mémoires, des diasporas et quelques milliards de nuances. Le FCAL préfère le pluriel. Celui des regards, des territoires, des esthétiques et surtout des histoires.

Son Panorama aligne cette année 43 œuvres récentes venues de 27 pays : fiction, documentaire, animation, expérimental… aucun genre n’obtient le monopole du bon goût. Le seul videur à l’entrée s’appelle qualité.

Prière de laisser les clichés au vestiaire
Ici, pas d’Afrique-safari sous filtre sépia. Pas de continent transformé en éternel dossier humanitaire. Encore moins de jolies cases « diversité » cochées au stabilo pour se donner bonne conscience.

Le cinéma reprend quelque chose de beaucoup plus précieux : le droit au hors-champ. Celui d’être drôle sans devoir être folklorique. Politique sans devenir démonstratif. Tendre, chaotique, queer, violent, amoureux, urbain, ancestral, ultra-contemporain. Bref, humain. Le Festival défend depuis vingt ans cette multiplicité des récits et refuse les représentations réductrices qui ont longtemps enfermé le continent dans des scénarios écrits ailleurs. Et pour cette édition anniversaire, le voyage est particulièrement bien monté.

Mawu-Sika plonge dans l’univers des Nana Benz du Togo, entre héritage familial et pouvoir économique féminin (c) DR

Le Togo prend le premier rôle avec un focus réunissant notamment Mawu-Sika, Cent Douze et Abalo & Afi. Le Burkina Faso, lui, rembobine plusieurs décennies d’histoire avec Traversée du cinéma Burkinabé : mémoire, résistance et modernité. Pas une rétrospective poussiéreuse sous naphtaline : plutôt une façon de rappeler combien le pays occupe une place centrale dans l’histoire du cinéma africain. 

Alger voit la vie en violet
Et puis il y a Alea Jacarandas. Forcément, celui-là nous cueille un peu plus près du cœur. Hassen Ferhani filme Alger dans le sillage de son père, Ameziane, écrivain habité par ces fameux arbres violets. Au fil de cette chasse aux jacarandas, la ville effeuille ses souvenirs : un quartier, une rue, une présence, une absence. La caméra se glisse entre filiation, transmission et amour, jusqu’à faire de la beauté bien plus qu’un joli plan : une forme douce de résistance.

Hassen Ferhani parcourt Alger sur les traces de son père dans Alea Jacarandas (c) DR

La mémoire ressemble finalement beaucoup aux jacarandas : elle perd parfois ses fleurs, jamais vraiment ses racines.

Le générique finit, la fête commence
Parce que rester sagement vissé à son fauteuil pendant quatre jours manquerait sérieusement de mouvement, le FCAL fait joyeusement déborder le cinéma hors de l’écran.

Le 14 août, Nana Benz du Togo monte le son avant que Spice & Curls ne récupère les platines. Le lendemain, Christian Mukuna débarque avec Et si c’était le dernier ?, présenté pour la première fois à Lausanne, précédé de Mamari. DJ sets, tables rondes, studio photo et séances jeune public viennent joyeusement déranger l’idée selon laquelle un festival de cinéma devrait obligatoirement parler à voix basse. 

Et puis il y a cette affiche. Une simple chaise rouge en plastique. Celle du café, de la cour, du mariage, du salon improvisé sur le trottoir. Celle qu’on tire pour quelqu’un en disant : assieds-toi.

Créée par Antoine Brack du Studio LA, elle symbolise l’hospitalité et le partage. Difficile d’imaginer meilleur générique pour ces vingt années. Une chaise. Un écran. Des histoires. Et enfin, ceux qui les vivent derrière la caméra.

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Dans un autre registre, Pegah Ahangarani (Rehearsals for a Revolution) et Christophe Dimitri Réveille (Les survivants du Che) s’inscrivent dans une zone plus politique, où l’histoire ne se referme jamais totalement. Elle se rejoue, se déplace, se contredit parfois.

Premiers gestes, premières secousses
Il y a dans cette sélection une place importante laissée aux débuts, à ce qui n’est pas encore totalement fixé. Printemps de Rostislav Kirpičenko, « Le Triangle d’or » d’Hélène Rosselet-Ruiz, ou encore « Tangles » de Leah Nelson (film d’animation) portent cette fragilité particulière des premiers films : celle d’un cinéma qui cherche encore sa propre langue.

Corps, territoires, fissures
Diego Luna propose avec « Ceniza en la boca » une matière plus intime, presque brûlée de l’intérieur. Joshua et Rebecca Tickell, avec Groundswell, ferment ce paysage en mouvement avec une sensation plus large, presque environnementale, comme si le cinéma regardait aussi les rythmes du monde.

Films qu’on attend déjà
Au-delà des titres déjà très commentés, la sélection réserve d’autres propositions qui attisent la curiosité.

Les Matins merveilleux – Avril Besson
Un titre qui évoque une lumière fragile, comme si le film cherchait à capter ce moment précis entre nuit et jour, entre doute et commencement.

Richard Avedon – Ron Howard
Au-delà du portrait, c’est peut-être une réflexion sur ce que la photographie fait au temps : comment elle fige, mais aussi comment elle révèle.

L’Affaire Marie Claire – Lauriane Escaffre & Yvo Muller
Un récit qui semble s’inscrire dans une tension entre réalité et reconstruction, entre faits et perception.

Rehearsals for a Revolution – Pegah Ahangarani
Déjà très attendu pour sa manière d’aborder la politique comme un mouvement permanent, jamais totalement figé.

Groundswell – Joshua et Rebecca Tickell
Un film qui laisse imaginer un rapport presque organique au monde, entre forces naturelles et récits humains.

Une sélection qui ne cherche pas à conclure
Les Séances spéciales de Cannes 2026 ne racontent pas un monde uni. Elles montrent des fragments, des hésitations, des lignes qui ne se rejoignent pas toujours. Mais c’est précisément dans cette dispersion que quelque chose se dessine : un cinéma qui ne cherche pas à fermer les récits, mais à les laisser respirer.

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Le dernier pour la route — 8 avril
Certains films ressemblent à des fins d’été. Le dernier pour la route appartient à cette catégorie rare : celle des récits qui s’effacent doucement, mais laissent une empreinte durable. Il y est question de départs, de ces moments suspendus où l’on retarde l’inévitable. Les corps sont encore là, les voix aussi, mais quelque chose s’éloigne déjà. Le film capte cette sensation avec une délicatesse presque tactile — comme si chaque scène était une tentative de retenir ce qui, par nature, échappe.

La corde au cou  — 15 avril
Plus radical, La corde au cou installe une tension sourde, presque physique. Ici, le récit avance comme une pression continue — invisible, mais impossible à ignorer.Le film explore ce moment précis où les choix deviennent irréversibles. Pas de grand éclat, mais une montée lente, maîtrisée, où chaque silence pèse davantage que les mots. Il en résulte une sensation d’étouffement maîtrisé, une forme de cinéma qui se vit autant qu’elle se regarde.

Michael — 22 avril
Avec Michael, Antoine Fuqua signe bien plus qu’un biopic : une tentative de capturer l’insaisissable. Comment raconter une icône sans la figer ? Comment approcher Michael Jackson sans en réduire la complexité ? Le film avance sur cette ligne fragile, entre fascination et vertige. Les performances musicales deviennent langage, presque mémoire, tandis que l’intime affleure — discret, mais essentiel. Derrière le mythe, il y a une solitude, une exigence, une démesure. Et c’est peut-être là que le film touche juste.



La fille du Konbini  — 22 avril 


Minimaliste, presque silencieux, La fille du Konbini impose une autre temporalité. Inspiré du roman de Sayaka Murata, le film suit une jeune femme qui trouve dans la répétition du quotidien une forme de stabilité. Chaque geste devient rituel, chaque journée se répète — et dans cette répétition naît une forme de poésie inattendue. Mais derrière cette harmonie apparente, une question persiste : faut-il forcément entrer dans le rythme du monde pour exister ? Un film délicat, presque contemplatif, qui s’inscrit dans une esthétique du détail et de l’épure.

Le Diable s’habille en Prada 2  — 29 avril 


Il y a des retours qui tiennent du fantasme collectif. Le Diable s’habille en Prada 2 appartient à ceux-là. Vingt ans après, l’univers de la mode retrouve ses lignes acérées, ses silences chargés de pouvoir, ses regards qui jugent en un instant. Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci — autant de silhouettes devenues iconiques, prêtes à réinvestir un monde où l’image n’a jamais été aussi centrale. Mais plus qu’une suite, c’est une relecture qui se dessine : celle d’une époque où le style est devenu langage, où l’influence redéfinit les règles, et où l’élégance reste, malgré tout, une forme de pouvoir.

Avril se referme comme une respiration retenue — entre éclats de lumière et zones d’ombre, ces films laissent derrière eux une empreinte discrète mais persistante, celle des récits qui continuent de vivre bien après la dernière image.

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Rosalía dans la saison 3 d’Euphoria par Marcell Rév pour HBO

Retour vers le passé pour comprendre la prochaine saison
Dès la première saison, le spectateur est plongé dans l’univers de Rue Bennett, une adolescente en lutte contre ses addictions et contre elle-même. Son regard sert de porte d’entrée dans un monde où les émotions sont exacerbées, où les relations sont instables et où chaque personnage semble avancer sur un fil. À travers Rue, la série explore des thèmes aussi lourds que la dépendance, la recherche d’identité ou encore la violence des relations amoureuses et familiales. Ce qui frappe, au-delà de la narration, c’est l’identité visuelle : une photographie saturée, des jeux de lumière presque irréels, une esthétique qui transforme le quotidien en une sorte de rêve fiévreux. La relation entre Rue et Jules, empreinte de tendresse et de confusion, devient rapidement le cœur émotionnel de cette première saison, incarnant à elle seule les contradictions de l’attachement et de la dépendance affective.

Barbie Ferreira et Alexa Demie dans la série Euphoria. © HBO

La deuxième saison, quant à elle, marque un tournant plus sombre. Les personnages ne sont plus simplement en construction, ils sont confrontés aux conséquences de leurs choix. Rue s’enfonce davantage dans ses addictions, mettant à l’épreuve ses relations les plus proches. Autour d’elle, les trajectoires s’intensifient : Cassie se retrouve happée dans une spirale émotionnelle qui la pousse à franchir des limites inattendues, tandis que Nate continue de cristalliser les tensions à travers un rapport au contrôle et à la domination de plus en plus inquiétant. Maddy, de son côté, gagne en assurance, affirmant une personnalité qui semblait jusque-là contenue.

Cette deuxième saison est souvent perçue comme plus nerveuse, plus dérangeante aussi. Elle ne cherche pas à lisser les émotions, mais à les exposer dans leur forme la plus brute. Le style reste central, mais il s’efface parfois derrière l’intensité dramatique, laissant place à des épisodes marquants par leur mise en scène et leur densité émotionnelle. La performance de Zendaya y est particulièrement saluée, incarnant une Rue à la fois vulnérable et insaisissable, capable de basculer d’une extrême à l’autre en un instant.

Sydney Sweeney dans la saison 3 d‘Euphoria (2026). © HBO

Au-delà de son récit, la série a aussi imposé une véritable empreinte dans la culture contemporaine. Elle a influencé la mode, la beauté et même les codes esthétiques d’une génération entière, au point de devenir une référence visuelle immédiate. Euphoria n’est pas seulement regardée, elle est imitée, inspirée, reproduite.

Qu’en est-il de la prochaine saison ?
Alors que la saison 3 se fait attendre, les attentes sont à la hauteur de l’impact de la série. Peu d’éléments ont été dévoilés, mais une évolution naturelle semble se dessiner. Un saut dans le temps est évoqué, laissant imaginer des personnages désormais sortis du cadre du lycée, confrontés à de nouveaux enjeux, plus adultes, plus ancrés dans le réel. Cette transition pourrait offrir à la série l’opportunité d’explorer les conséquences à long terme des choix faits dans les premières saisons, tout en renouvelant ses dynamiques narratives.

De nouvelles présences, de nouvelles énergies
Et puis il y a les nouvelles présences, celles qui viennent troubler l’équilibre, introduire une autre tonalité, une autre énergie. Parmi elles, Rosalía, artiste aux contours multiples, et Sharon Stone, icône intemporelle. Deux noms qui résonnent comme des éclats inattendus, deux signatures qui promettent d’enrichir encore l’univers déjà dense de la série.

Dans un paysage télévisuel en constante évolution, “Euphoria” s’apprête ainsi à franchir une nouvelle étape. Reste à savoir si elle parviendra à conserver ce qui fait sa force : cette capacité unique à mêler beauté et chaos, et à capturer, avec une justesse parfois dérangeante, les turbulences de la jeunesse contemporaine.

La série revient, donc, non pas comme un simple retour, mais comme une continuité. Une suite attendue, désirée, presque imaginée par celles et ceux qui n’ont jamais vraiment quitté cet univers. Dans cette attente, il y a quelque chose de profondément humain : le besoin de retrouver ce qui nous a touchés, ce qui nous a traversés, comme si certaines histoires ne nous quittaient jamais vraiment. “Euphoria” s’est imposée comme un phénomène culturel autant qu’un drame générationnel. Elle ne se contente pas de raconter l’adolescence : elle la dissèque, la fragmente et la sublime, parfois jusqu’à l’inconfort.

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À l’heure où l’autoritarisme gagne du terrain et où les institutions internationales semblent parfois perdre leur souffle, le festival pose une question simple mais vertigineuse : comment défendre les libertés quand le monde se durcit ?

La rapporteuse spéciale à l’ONU Francesca Albaneseà sera présente à l’issue de la projection de Disunited Nations, qui rend compte de l’inaction de la communauté internationale face au génocide en cours à Gaza (c) DR

Pour nourrir ce dialogue, le FIFDH convoque cinéastes, activistes et penseur·ses venus du monde entier. Parmi eux, Adèle Haenel, Francesca Albanese, Yara El-Ghadban, Claire Denis, Vanessa Eileen Thompson, Susan Stryker ou encore Féris Barkat. Autant de voix qui font du festival un véritable carrefour entre cinéma, politique et conscience citoyenne.

Autoritarisme : les ombres qui s’étendent
Le thème de cette édition est clair : scruter les dérives autoritaires qui redessinent la carte du monde. Avec Le Cas Meloni, présenté en première mondiale, Anna Bonalume et Jérémy Frey plongent dans les mutations du pouvoir en Europe. D’autres forums se penchent sur les États-Unis, où certaines pratiques politiques fragilisent les équilibres démocratiques, ou encore sur l’Europe, où la liberté de manifester, l’indépendance de la justice et la pluralité médiatique subissent des pressions croissantes.

Giorgia Meloni, le 19 février 2026, à Rome. — © FILIPPO ATTILI /CHIGI PALACE PRE / keystone-sda.ch

Le festival élargit également la focale vers l’Argentine, la Chine ou l’Iran, révélant une mécanique universelle : lorsque les régimes se durcissent, ce sont presque toujours les minorités qui encaissent les premiers coups.

Le documentaire Just Kids de Gianna Toboni explore ainsi les offensives politiques contre les personnes trans, tandis que la chercheuse Vanessa Eileen Thompson interroge les violences policières et les fractures raciales.

Just Kids de Gianna Toboni (c) DR

L’ordre international : une architecture qui se lézarde
Mais le FIFDH ne se contente pas d’observer les régimes autoritaires. Il examine aussi les fissures du système international censé les contenir. Avec Disunited Nations, le réalisateur Christophe Cotteret dissèque l’impuissance de la communauté internationale face aux crises contemporaines. La projection donnera lieu à un échange avec Francesca Albanese, rapporteuse spéciale de l’ONU, autour d’un multilatéralisme qui semble parfois vaciller sous le poids des intérêts géopolitiques.

Autre film marquant : Palestine 36 d’Annemarie Jacir. En remontant au soulèvement palestinien de 1936 contre l’administration coloniale britannique, la réalisatrice éclaire les racines historiques d’un conflit devenu l’un des symboles les plus brûlants des failles de l’ordre mondial.

Palestine 36 d’Annemarie Jacir (c) DR

Le festival évoque également les guerres oubliées — au Soudan ou dans l’est du Congo — où les populations civiles vivent au cœur d’un engrenage violent nourri par les ressources et les rivalités internationales.

Résister : quand l’art devient refuge
Face à ces secousses, le FIFDH ne se contente pas de dresser un constat. Il explore les formes de résistance qui émergent dans les interstices du monde. Avec From GAZA with LOVE, le reporter Charles Villa laisse la parole aux enfants de Gaza à travers une série de courts métrages réalisés par des cinéastes gazaouis. Une manière de rappeler que, même au cœur du chaos, l’image peut devenir mémoire, témoignage et acte de survie.

From Gaza with Love (c) DR

Le film Portuali de Perla Sardella suit quant à lui les dockers de Gênes engagés dans une lutte syndicale contre le commerce d’armes. La projection donnera lieu à un forum avec Adèle Haenel et l’écrivaine militante Sarah Schulman, autour d’une question simple et redoutable : comment transformer la solidarité en force politique ?

La programmation explore aussi des résistances plus intimes. Dans Mailin, María Silvia Esteve suit le combat d’une femme pour faire reconnaître les abus d’un prêtre. Black Water de Natxo Leuza relie migrations forcées et crise climatique. Et dans A Fox Under a Pink Moon, l’art devient refuge pour une jeune Afghane confrontée à la violence patriarcale et à l’exil.

Le cinéma pour changer le réel
Au-delà des projections, le FIFDH revendique une ambition plus vaste : faire du cinéma un levier de transformation sociale. Avec ses Impact Days, le festival accompagne des films encore en production pour amplifier leur portée politique et médiatique. La section Impact Spotlight présentera notamment Yurlu | Country de Yaara Bou Melhem, consacré aux ravages de l’amiante sur les populations autochtones australiennes.

Autre projet marquant : Molly vs the Machines de Marc Silver, qui raconte le combat d’un père contre la plateforme Meta après le suicide de sa fille. Ici, les films ne s’arrêtent pas au générique. Ils cherchent à prolonger leur impact dans le réel.

Molly vs the Machines de Marc Silver (c) DR

Claire Denis, dernière lumière
La 24ᵉ édition s’achèvera le 15 mars avec la projection en première suisse du nouveau film de Claire Denis, Le Cri des gardes. Une rétrospective consacrée à la cinéaste se poursuivra ensuite à la Cinémathèque suisse. Une manière élégante de refermer cette édition : avec un cinéma qui refuse de détourner les yeux. Car au FIFDH, l’écran n’est jamais une échappatoire. C’est un miroir tendu au monde, parfois fissuré, souvent inconfortable, mais toujours nécessaire.

Isaach de Bankolé dans «Le Cri des gardes», de Claire Denis. — © Les Films du Losange

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Les Rencontres 7e Art ont cette singularité précieuse : elles ne se contentent pas de projeter des films, elles invitent ceux qui les fabriquent. Réalisateurs, acteurs, artisans de l’ombre ou magiciens de la lumière viennent raconter leurs images, partager leurs secrets de tournage, ouvrir les coulisses d’un art qui se vit souvent à distance. Dans la pénombre des salles lausannoises, le cinéma reprend sa dimension la plus vivante : celle d’une conversation.

Wes Anderson, l’orfèvre des mondes miniatures
Chez Wes Anderson, chaque film ressemble à une maison de poupée ouverte sur l’imaginaire. Les couleurs semblent sorties d’une boîte d’aquarelles, les personnages avancent comme dans un ballet étrange et chaque décor raconte une histoire avant même qu’un mot ne soit prononcé. Rushmore, La Famille Tenenbaum ou encore The Grand Budapest Hotel ont sculpté un univers immédiatement reconnaissable : un mélange de fantaisie, de mélancolie et d’humour délicatement absurde.

Aux Rencontres 7e Art, le cinéaste viendra présenter plusieurs de ses films, dont son dernier opus The Phoenician Scheme, et dialoguer avec le public. Un moment rare où le maître des cadres parfaits entrouvre les coulisses de ses mondes soigneusement orchestrés.

Laurence Fishburne, gravité et feu intérieur
À ses côtés, une autre forme de légende : Laurence Fishburne. Certains acteurs occupent l’écran. Lui semble lui donner du poids. Depuis son apparition dans Apocalypse Now jusqu’à l’iconique Morpheus dans Matrix, sa présence traverse les décennies avec une intensité presque mythologique.

Acteur, producteur, homme de théâtre, Fishburne incarne une génération d’artistes capables de faire résonner chaque mot comme une note grave dans une symphonie cinématographique.

Aux Rencontres 7e Art, il présentera plusieurs films marquants de sa carrière avant une conversation avec le public — une plongée dans les coulisses d’un parcours qui a marqué durablement l’histoire du cinéma.

Le cinéma comme transmission
Au cœur du festival, une idée simple mais essentielle : transmettre. Le Trophée Chaplin remis à Wes Anderson et Laurence Fishburne célèbre des trajectoires singulières, mais il rappelle surtout que le cinéma est une mémoire vivante. Une lumière qui se transmet d’un écran à l’autre, d’un réalisateur à un acteur, d’une génération de spectateurs à la suivante.

Et pendant quelques jours, Lausanne se transforme en pellicule vivante, déroulant image après image une certitude simple : le cinéma n’est jamais aussi grand que lorsqu’il se partage.

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Nino : la fragilité comme force
Dans “Nino” de Pauline Loquès, Théodore Pellerin compose un personnage d’une délicatesse bouleversante. Le film avance comme une respiration : lente, parfois suspendue, toujours vibrante. Il parle de la maladie sans pathos, de la vie sans héroïsme, et trouve dans cette retenue une poésie rare. Pour nous, c’est l’un des portraits les plus touchants de l’année. Un cinéma qui murmure mais qui reste longtemps en nous.

NINO (c) Blue Monday Productions – France 2 Cinéma

La Petite Dernière : l’adolescence à vif
Avec “La Petite Dernière”, Hafsia Herzi signe un film d’une grande justesse sur la construction de soi. Nadia Melliti, l’une des Révélations 2026, y impressionne par une présence à la fois douce et tranchante. Le film interroge la foi, le désir, la famille et l’émancipation, sans jamais tomber dans la leçon morale. On en sort remué, habité par le regard de cette jeune héroïne.

L’Épreuve du feu : une génération sous tension
Porté par Félix Lefebvre, “L’Épreuve du feu” capte l’énergie d’un groupe d’amis pris entre désir de liberté et poids des responsabilités. L’été devient ici une métaphore de la montée des émotions : tout brûle, tout se transforme. Le film touche par sa sincérité, son rythme et sa capacité à traduire le tumulte intérieur d’une génération.

L’Epreuve du feu © Move Movie

La Pampa : une France périphérique
Dans “La Pampa”, révélé par la performance de Sayyid El Alami, le cinéma s’éloigne des grandes villes pour capter une France rurale souvent invisibilisée. Le film trouve une beauté brute dans les paysages, les silences et les relations humaines. C’est un cinéma social sans lourdeur, profondément humain, qui résonne particulièrement avec notre sensibilité helvétique aux territoires et aux marges.

Qui brille au combat : la lumière dans l’effort
Premier long métrage de Joséphine Japy, “Qui brille au combat” impose d’emblée une écriture sensible et un regard profondément humain. À travers le parcours de ses personnages, le film observe la quête de reconnaissance, le dépassement de soi et la solidarité au sein d’un univers exigeant. Loin du spectaculaire, la réalisatrice privilégie l’intime : des gestes, des silences, des regards qui disent tout.

La 51ᵉ édition des César s’annonce marquée par la transmission et le renouvellement. Entre la présidence de Camille Cottin, l’animation de Benjamin Lavernhe et le César d’honneur remis à Jim Carrey, la soirée mêlera prestige international et vitalité française.

L’affiche de la 51ème cérémonie des Césars 2026

Mais au-delà du tapis rouge, ce sont ces films — et ces visages nouveaux — qui font battre le cœur du cinéma. Pour nous, en Suisse, regarder vers Paris le 27 février, c’est célébrer un art que nous partageons, aimons et défendons aussi dans nos propres salles et festivals.

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THE DANISH WOMAN – les tempêtes du quotidien
Après Woman at War, Benedikt Erlingsson signe une nouvelle ode aux femmes insoumises. Dans The Danish Woman, on suit une retraitée danoise installée à Reykjavik, interprétée par la fascinante Trine Dyrholm, dont la rigueur militaire secoue la quiétude de son voisinage. Sous ses airs de satire domestique, la série interroge avec humour et mélancolie le poids des conventions et la colère rentrée d’une génération trop souvent invisible. Lundi 3 novembre, 20h15 – Les Cinémas du Grütli (Salle Simon)

The Danish woman (c) DR

UN POETA – la beauté cabossée des mots
Dans ce drame colombien signé Simón Mesa Soto, la poésie devient un acte de résistance. Óscar, poète désenchanté, rencontre Yurlady, une adolescente d’un milieu modeste au talent brut. De ce duo naît une relation à la fois poétique et tragique, où l’ambition, la tendresse et la fatalité se mêlent dans un désordre profondément humain. Un Poeta frappe par sa sincérité et la douceur fragile de ses silences. Dimanche 2 novembre, 16h30 – Théâtre Pitoëff / Mercredi 5 novembre, 14h30 – Cinérama Empire

UN POETA © Juan Sarmiento G.

THE CHRONOLOGY OF WATER – Kristen Stewart, côté caméra
Après des années devant l’objectif, Kristen Stewart passe derrière et signe un premier film viscéral. Adapté des mémoires de Lidia Yuknavitch, The Chronology of Water explore les eaux sombres du trauma et de la renaissance. Lidia (Imogen Poots, magnétique) y lutte contre ses fantômes à travers la littérature, dans une mise en scène brute, presque cathartique. Une œuvre trempée dans la douleur et la lumière. Dimanche 2 novembre, 19h30 – Théâtre Pitoëff / Jeudi 6 novembre, 14h00 – Cinérama Empire

GOUROU – Pierre Niney x Yann Gozlan
Après avoir enfilé l’épée du Comte de Monte-Cristo, Pierre Niney s’improvise maître à penser sous la direction de Yann Gozlan. Gourou nous plonge dans les dérives d’un coach charismatique, figure fascinante et inquiétante à la fois, happé par sa propre soif de contrôle. Thriller psychologique au cordeau, co-écrit par Niney, le film questionne la séduction du pouvoir et la fragilité de ceux qui s’y laissent prendre. Vendredi 7 novembre, 20h00 – Théâtre Pitoëff

Pierre Niney dans Guru (c) DR

MOTHER – la foi mise à l’épreuve Strugar Mitevska (réalisatrice de Dieu existe, son nom est Petrunya) s’empare cette fois de la figure de Mère Teresa, non pas en sainte, mais en femme confrontée au doute. En 1948, la religieuse doit choisir entre les règles de son ordre et la compassion humaine. Mother est une relecture audacieuse, presque hérétique, qui bouscule les certitudes avec une douceur implacable. Mercredi 5 et samedi 8 novembre, 20h00 – Cinérama Empire

Mother (c) DR

Le GIFF 2025 s’annonce comme un kaléidoscope d’émotions et d’audaces, un espace où la création s’invente à chaque projection. À Genève, le mois de novembre aura des airs de laboratoire, de catharsis et de fête

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Nouvelle École, saison 4 — quand Netflix transforme le clash en art scénique (c) DR



La saison marque également le départ de Aya Nakamura, figure emblématique de la saison précédente. Son absence se fait sentir, mais Netflix compense avec un épisode spécial. Les anciens talents révélés par l’émission, parmi lesquels Youssef Swatt’s, Leys ou Warren, reviendront sur le devant de la scène pour rappeler que Nouvelle École n’est jamais seulement une compétition. L’épisode spécial agit comme une passerelle entre passé et présent, montrant que le programme est un véritable tremplin pour les carrières.

Intensité et dramaturgie
Avec la nouvelle formule, la saison 4 met en avant l’intensité et le rythme. Chaque duel est un affrontement stratégique où charisme, créativité et présence comptent autant que le talent pur. Les spectateurs ne sont plus de simples observateurs : ils vivent la compétition, ressentent les tensions et suivent chaque décision, chaque mot, chaque geste.Le face-à-face SCH/SDM promet de catalyser cette tension. Deux visions du rap s’affrontent, deux univers différents se confrontent. Le duel devient spectacle, et le spectacle devient un terrain d’expression où les flows rivalisent de puissance et de précision. La saison 4 promet ainsi une expérience immersive, plus viscérale que jamais.

La nouvelle ère de Nouvelle École s’annonce électrique (c) DR



Un tremplin pour la scène rap
Au-delà des battles et des clashs, Nouvelle École reste un baromètre des tendances et un révélateur de nouveaux talents. La compétition devient une vitrine, un tremplin où chaque artiste peut s’exposer, se mesurer et se lancer. La saison 4, avec sa formule renouvelée et son épisode spécial, illustre parfaitement cette ambition : allier intensité dramatique et rôle de catalyseur pour la culture hip-hop.

Le 31 octobre, Nouvelle École saison 4 sera disponible sur Netflix. Les équipes se formeront, les flows s’affronteront, et chaque punchline sera décortiquée. Entre spectacle, compétition et révélateur de talents, cette nouvelle saison promet de confirmer que le show reste un rendez-vous incontournable, capable de surprendre tout en restant fidèle à sa mission : mettre en lumière la scène rap française et ses artistes émergents.

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Sélection Animatou – l’animation dans tous ses états : tendre, impertinente, politique, toujours libre

Le festival est une mosaïque : rétrospectives émouvantes, hommages à des pionniers comme le studio GDS, soirées festives où l’écran se prolonge sur la piste de danse. Bref, un laboratoire à ciel ouvert où l’animation n’est pas un genre mineur, mais une arme poétique, politique et sensorielle.

Raman Djafari, l’alchimiste des images
Au cœur de cette 20ᵉ édition, Raman Djafari déploie son imaginaire foisonnant. Réalisateur germano-iranien installé à Berlin, il a imposé son esthétique organique et surréaliste bien au-delà des frontières de l’animation indépendante. On retrouve sa patte dans des pages du New Yorker, dans des collaborations avec de grandes marques, mais surtout dans l’univers musical où ses images ont fait date.

Elton John, Dua Lipa – Cold heart (c) Raman Djafari

Le clip Cold Heart, né de la rencontre entre Elton John et Dua Lipa, l’a propulsé sous les projecteurs internationaux. Djafari ne se contente pas d’illustrer une chanson : il lui donne un corps mouvant, des visages liquides, des figures qui se tordent comme nos émotions. Ses images sont des métaphores palpables : elles respirent, elles transpirent, elles nous happent.

Genève, capitale d’un soir onirique

Djafari se livre au public genevois à travers deux rendez-vous marquants :

• Le 2 octobre à la HEAD – Genève (Midis de l’illustration) : une plongée au cœur de son processus créatif, où il dévoilera ses obsessions visuelles et ses alchimies techniques.

• La nuit du 3 octobre au Spoutnik : une rétrospective en forme de transe collective. À minuit, ses clips hypnotiques défilent sur grand écran, avant que la salle ne bascule dans une fête dansante — comme si les pixels avaient décidé de sortir de l’écran pour nous emporter avec eux.

Raman Djafari – invité d’honneur : son univers surréaliste et émotionnel, où les visages se liquéfient et les corps deviennent pulsations

Une animation viscérale
Ce qui distingue Djafari, c’est cette capacité à traduire l’invisible. Ses films explorent les zones grises de l’âme : solitude, désir, étrangeté, mais aussi tendresse et résilience. Sa palette digitale n’a rien de froid : elle est charnelle, elle respire, elle tremble. Comme si chaque image était une peau à toucher, une émotion à traverser.

Vingt ans après sa naissance, Animatou prouve qu’il n’a rien perdu de sa fougue. Avec Raman Djafari, l’animation prend feu : elle devient miroir liquide, fête sensorielle, langage universel. Et Genève, l’espace de dix jours, s’offre comme un grand écran vibrant.

L’affiche officielle d’Animatou 2025 signée Thomas Perrodin, un gâteau-Babel qui flotte entre rêve et vertige, pour célébrer les 20 ans du festival

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