Rosalía dans la saison 3 d’Euphoria par Marcell Rév pour HBO

Retour vers le passé pour comprendre la prochaine saison
Dès la première saison, le spectateur est plongé dans l’univers de Rue Bennett, une adolescente en lutte contre ses addictions et contre elle-même. Son regard sert de porte d’entrée dans un monde où les émotions sont exacerbées, où les relations sont instables et où chaque personnage semble avancer sur un fil. À travers Rue, la série explore des thèmes aussi lourds que la dépendance, la recherche d’identité ou encore la violence des relations amoureuses et familiales. Ce qui frappe, au-delà de la narration, c’est l’identité visuelle : une photographie saturée, des jeux de lumière presque irréels, une esthétique qui transforme le quotidien en une sorte de rêve fiévreux. La relation entre Rue et Jules, empreinte de tendresse et de confusion, devient rapidement le cœur émotionnel de cette première saison, incarnant à elle seule les contradictions de l’attachement et de la dépendance affective.

Barbie Ferreira et Alexa Demie dans la série Euphoria. © HBO

La deuxième saison, quant à elle, marque un tournant plus sombre. Les personnages ne sont plus simplement en construction, ils sont confrontés aux conséquences de leurs choix. Rue s’enfonce davantage dans ses addictions, mettant à l’épreuve ses relations les plus proches. Autour d’elle, les trajectoires s’intensifient : Cassie se retrouve happée dans une spirale émotionnelle qui la pousse à franchir des limites inattendues, tandis que Nate continue de cristalliser les tensions à travers un rapport au contrôle et à la domination de plus en plus inquiétant. Maddy, de son côté, gagne en assurance, affirmant une personnalité qui semblait jusque-là contenue.

Cette deuxième saison est souvent perçue comme plus nerveuse, plus dérangeante aussi. Elle ne cherche pas à lisser les émotions, mais à les exposer dans leur forme la plus brute. Le style reste central, mais il s’efface parfois derrière l’intensité dramatique, laissant place à des épisodes marquants par leur mise en scène et leur densité émotionnelle. La performance de Zendaya y est particulièrement saluée, incarnant une Rue à la fois vulnérable et insaisissable, capable de basculer d’une extrême à l’autre en un instant.

Sydney Sweeney dans la saison 3 d‘Euphoria (2026). © HBO

Au-delà de son récit, la série a aussi imposé une véritable empreinte dans la culture contemporaine. Elle a influencé la mode, la beauté et même les codes esthétiques d’une génération entière, au point de devenir une référence visuelle immédiate. Euphoria n’est pas seulement regardée, elle est imitée, inspirée, reproduite.

Qu’en est-il de la prochaine saison ?
Alors que la saison 3 se fait attendre, les attentes sont à la hauteur de l’impact de la série. Peu d’éléments ont été dévoilés, mais une évolution naturelle semble se dessiner. Un saut dans le temps est évoqué, laissant imaginer des personnages désormais sortis du cadre du lycée, confrontés à de nouveaux enjeux, plus adultes, plus ancrés dans le réel. Cette transition pourrait offrir à la série l’opportunité d’explorer les conséquences à long terme des choix faits dans les premières saisons, tout en renouvelant ses dynamiques narratives.

De nouvelles présences, de nouvelles énergies
Et puis il y a les nouvelles présences, celles qui viennent troubler l’équilibre, introduire une autre tonalité, une autre énergie. Parmi elles, Rosalía, artiste aux contours multiples, et Sharon Stone, icône intemporelle. Deux noms qui résonnent comme des éclats inattendus, deux signatures qui promettent d’enrichir encore l’univers déjà dense de la série.

Dans un paysage télévisuel en constante évolution, “Euphoria” s’apprête ainsi à franchir une nouvelle étape. Reste à savoir si elle parviendra à conserver ce qui fait sa force : cette capacité unique à mêler beauté et chaos, et à capturer, avec une justesse parfois dérangeante, les turbulences de la jeunesse contemporaine.

La série revient, donc, non pas comme un simple retour, mais comme une continuité. Une suite attendue, désirée, presque imaginée par celles et ceux qui n’ont jamais vraiment quitté cet univers. Dans cette attente, il y a quelque chose de profondément humain : le besoin de retrouver ce qui nous a touchés, ce qui nous a traversés, comme si certaines histoires ne nous quittaient jamais vraiment. “Euphoria” s’est imposée comme un phénomène culturel autant qu’un drame générationnel. Elle ne se contente pas de raconter l’adolescence : elle la dissèque, la fragmente et la sublime, parfois jusqu’à l’inconfort.

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À l’heure où l’autoritarisme gagne du terrain et où les institutions internationales semblent parfois perdre leur souffle, le festival pose une question simple mais vertigineuse : comment défendre les libertés quand le monde se durcit ?

La rapporteuse spéciale à l’ONU Francesca Albaneseà sera présente à l’issue de la projection de Disunited Nations, qui rend compte de l’inaction de la communauté internationale face au génocide en cours à Gaza (c) DR

Pour nourrir ce dialogue, le FIFDH convoque cinéastes, activistes et penseur·ses venus du monde entier. Parmi eux, Adèle Haenel, Francesca Albanese, Yara El-Ghadban, Claire Denis, Vanessa Eileen Thompson, Susan Stryker ou encore Féris Barkat. Autant de voix qui font du festival un véritable carrefour entre cinéma, politique et conscience citoyenne.

Autoritarisme : les ombres qui s’étendent
Le thème de cette édition est clair : scruter les dérives autoritaires qui redessinent la carte du monde. Avec Le Cas Meloni, présenté en première mondiale, Anna Bonalume et Jérémy Frey plongent dans les mutations du pouvoir en Europe. D’autres forums se penchent sur les États-Unis, où certaines pratiques politiques fragilisent les équilibres démocratiques, ou encore sur l’Europe, où la liberté de manifester, l’indépendance de la justice et la pluralité médiatique subissent des pressions croissantes.

Giorgia Meloni, le 19 février 2026, à Rome. — © FILIPPO ATTILI /CHIGI PALACE PRE / keystone-sda.ch

Le festival élargit également la focale vers l’Argentine, la Chine ou l’Iran, révélant une mécanique universelle : lorsque les régimes se durcissent, ce sont presque toujours les minorités qui encaissent les premiers coups.

Le documentaire Just Kids de Gianna Toboni explore ainsi les offensives politiques contre les personnes trans, tandis que la chercheuse Vanessa Eileen Thompson interroge les violences policières et les fractures raciales.

Just Kids de Gianna Toboni (c) DR

L’ordre international : une architecture qui se lézarde
Mais le FIFDH ne se contente pas d’observer les régimes autoritaires. Il examine aussi les fissures du système international censé les contenir. Avec Disunited Nations, le réalisateur Christophe Cotteret dissèque l’impuissance de la communauté internationale face aux crises contemporaines. La projection donnera lieu à un échange avec Francesca Albanese, rapporteuse spéciale de l’ONU, autour d’un multilatéralisme qui semble parfois vaciller sous le poids des intérêts géopolitiques.

Autre film marquant : Palestine 36 d’Annemarie Jacir. En remontant au soulèvement palestinien de 1936 contre l’administration coloniale britannique, la réalisatrice éclaire les racines historiques d’un conflit devenu l’un des symboles les plus brûlants des failles de l’ordre mondial.

Palestine 36 d’Annemarie Jacir (c) DR

Le festival évoque également les guerres oubliées — au Soudan ou dans l’est du Congo — où les populations civiles vivent au cœur d’un engrenage violent nourri par les ressources et les rivalités internationales.

Résister : quand l’art devient refuge
Face à ces secousses, le FIFDH ne se contente pas de dresser un constat. Il explore les formes de résistance qui émergent dans les interstices du monde. Avec From GAZA with LOVE, le reporter Charles Villa laisse la parole aux enfants de Gaza à travers une série de courts métrages réalisés par des cinéastes gazaouis. Une manière de rappeler que, même au cœur du chaos, l’image peut devenir mémoire, témoignage et acte de survie.

From Gaza with Love (c) DR

Le film Portuali de Perla Sardella suit quant à lui les dockers de Gênes engagés dans une lutte syndicale contre le commerce d’armes. La projection donnera lieu à un forum avec Adèle Haenel et l’écrivaine militante Sarah Schulman, autour d’une question simple et redoutable : comment transformer la solidarité en force politique ?

La programmation explore aussi des résistances plus intimes. Dans Mailin, María Silvia Esteve suit le combat d’une femme pour faire reconnaître les abus d’un prêtre. Black Water de Natxo Leuza relie migrations forcées et crise climatique. Et dans A Fox Under a Pink Moon, l’art devient refuge pour une jeune Afghane confrontée à la violence patriarcale et à l’exil.

Le cinéma pour changer le réel
Au-delà des projections, le FIFDH revendique une ambition plus vaste : faire du cinéma un levier de transformation sociale. Avec ses Impact Days, le festival accompagne des films encore en production pour amplifier leur portée politique et médiatique. La section Impact Spotlight présentera notamment Yurlu | Country de Yaara Bou Melhem, consacré aux ravages de l’amiante sur les populations autochtones australiennes.

Autre projet marquant : Molly vs the Machines de Marc Silver, qui raconte le combat d’un père contre la plateforme Meta après le suicide de sa fille. Ici, les films ne s’arrêtent pas au générique. Ils cherchent à prolonger leur impact dans le réel.

Molly vs the Machines de Marc Silver (c) DR

Claire Denis, dernière lumière
La 24ᵉ édition s’achèvera le 15 mars avec la projection en première suisse du nouveau film de Claire Denis, Le Cri des gardes. Une rétrospective consacrée à la cinéaste se poursuivra ensuite à la Cinémathèque suisse. Une manière élégante de refermer cette édition : avec un cinéma qui refuse de détourner les yeux. Car au FIFDH, l’écran n’est jamais une échappatoire. C’est un miroir tendu au monde, parfois fissuré, souvent inconfortable, mais toujours nécessaire.

Isaach de Bankolé dans «Le Cri des gardes», de Claire Denis. — © Les Films du Losange

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Les Rencontres 7e Art ont cette singularité précieuse : elles ne se contentent pas de projeter des films, elles invitent ceux qui les fabriquent. Réalisateurs, acteurs, artisans de l’ombre ou magiciens de la lumière viennent raconter leurs images, partager leurs secrets de tournage, ouvrir les coulisses d’un art qui se vit souvent à distance. Dans la pénombre des salles lausannoises, le cinéma reprend sa dimension la plus vivante : celle d’une conversation.

Wes Anderson, l’orfèvre des mondes miniatures
Chez Wes Anderson, chaque film ressemble à une maison de poupée ouverte sur l’imaginaire. Les couleurs semblent sorties d’une boîte d’aquarelles, les personnages avancent comme dans un ballet étrange et chaque décor raconte une histoire avant même qu’un mot ne soit prononcé. Rushmore, La Famille Tenenbaum ou encore The Grand Budapest Hotel ont sculpté un univers immédiatement reconnaissable : un mélange de fantaisie, de mélancolie et d’humour délicatement absurde.

Aux Rencontres 7e Art, le cinéaste viendra présenter plusieurs de ses films, dont son dernier opus The Phoenician Scheme, et dialoguer avec le public. Un moment rare où le maître des cadres parfaits entrouvre les coulisses de ses mondes soigneusement orchestrés.

Laurence Fishburne, gravité et feu intérieur
À ses côtés, une autre forme de légende : Laurence Fishburne. Certains acteurs occupent l’écran. Lui semble lui donner du poids. Depuis son apparition dans Apocalypse Now jusqu’à l’iconique Morpheus dans Matrix, sa présence traverse les décennies avec une intensité presque mythologique.

Acteur, producteur, homme de théâtre, Fishburne incarne une génération d’artistes capables de faire résonner chaque mot comme une note grave dans une symphonie cinématographique.

Aux Rencontres 7e Art, il présentera plusieurs films marquants de sa carrière avant une conversation avec le public — une plongée dans les coulisses d’un parcours qui a marqué durablement l’histoire du cinéma.

Le cinéma comme transmission
Au cœur du festival, une idée simple mais essentielle : transmettre. Le Trophée Chaplin remis à Wes Anderson et Laurence Fishburne célèbre des trajectoires singulières, mais il rappelle surtout que le cinéma est une mémoire vivante. Une lumière qui se transmet d’un écran à l’autre, d’un réalisateur à un acteur, d’une génération de spectateurs à la suivante.

Et pendant quelques jours, Lausanne se transforme en pellicule vivante, déroulant image après image une certitude simple : le cinéma n’est jamais aussi grand que lorsqu’il se partage.

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Nino : la fragilité comme force
Dans “Nino” de Pauline Loquès, Théodore Pellerin compose un personnage d’une délicatesse bouleversante. Le film avance comme une respiration : lente, parfois suspendue, toujours vibrante. Il parle de la maladie sans pathos, de la vie sans héroïsme, et trouve dans cette retenue une poésie rare. Pour nous, c’est l’un des portraits les plus touchants de l’année. Un cinéma qui murmure mais qui reste longtemps en nous.

NINO (c) Blue Monday Productions – France 2 Cinéma

La Petite Dernière : l’adolescence à vif
Avec “La Petite Dernière”, Hafsia Herzi signe un film d’une grande justesse sur la construction de soi. Nadia Melliti, l’une des Révélations 2026, y impressionne par une présence à la fois douce et tranchante. Le film interroge la foi, le désir, la famille et l’émancipation, sans jamais tomber dans la leçon morale. On en sort remué, habité par le regard de cette jeune héroïne.

L’Épreuve du feu : une génération sous tension
Porté par Félix Lefebvre, “L’Épreuve du feu” capte l’énergie d’un groupe d’amis pris entre désir de liberté et poids des responsabilités. L’été devient ici une métaphore de la montée des émotions : tout brûle, tout se transforme. Le film touche par sa sincérité, son rythme et sa capacité à traduire le tumulte intérieur d’une génération.

L’Epreuve du feu © Move Movie

La Pampa : une France périphérique
Dans “La Pampa”, révélé par la performance de Sayyid El Alami, le cinéma s’éloigne des grandes villes pour capter une France rurale souvent invisibilisée. Le film trouve une beauté brute dans les paysages, les silences et les relations humaines. C’est un cinéma social sans lourdeur, profondément humain, qui résonne particulièrement avec notre sensibilité helvétique aux territoires et aux marges.

Qui brille au combat : la lumière dans l’effort
Premier long métrage de Joséphine Japy, “Qui brille au combat” impose d’emblée une écriture sensible et un regard profondément humain. À travers le parcours de ses personnages, le film observe la quête de reconnaissance, le dépassement de soi et la solidarité au sein d’un univers exigeant. Loin du spectaculaire, la réalisatrice privilégie l’intime : des gestes, des silences, des regards qui disent tout.

La 51ᵉ édition des César s’annonce marquée par la transmission et le renouvellement. Entre la présidence de Camille Cottin, l’animation de Benjamin Lavernhe et le César d’honneur remis à Jim Carrey, la soirée mêlera prestige international et vitalité française.

L’affiche de la 51ème cérémonie des Césars 2026

Mais au-delà du tapis rouge, ce sont ces films — et ces visages nouveaux — qui font battre le cœur du cinéma. Pour nous, en Suisse, regarder vers Paris le 27 février, c’est célébrer un art que nous partageons, aimons et défendons aussi dans nos propres salles et festivals.

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THE DANISH WOMAN – les tempêtes du quotidien
Après Woman at War, Benedikt Erlingsson signe une nouvelle ode aux femmes insoumises. Dans The Danish Woman, on suit une retraitée danoise installée à Reykjavik, interprétée par la fascinante Trine Dyrholm, dont la rigueur militaire secoue la quiétude de son voisinage. Sous ses airs de satire domestique, la série interroge avec humour et mélancolie le poids des conventions et la colère rentrée d’une génération trop souvent invisible. Lundi 3 novembre, 20h15 – Les Cinémas du Grütli (Salle Simon)

The Danish woman (c) DR

UN POETA – la beauté cabossée des mots
Dans ce drame colombien signé Simón Mesa Soto, la poésie devient un acte de résistance. Óscar, poète désenchanté, rencontre Yurlady, une adolescente d’un milieu modeste au talent brut. De ce duo naît une relation à la fois poétique et tragique, où l’ambition, la tendresse et la fatalité se mêlent dans un désordre profondément humain. Un Poeta frappe par sa sincérité et la douceur fragile de ses silences. Dimanche 2 novembre, 16h30 – Théâtre Pitoëff / Mercredi 5 novembre, 14h30 – Cinérama Empire

UN POETA © Juan Sarmiento G.

THE CHRONOLOGY OF WATER – Kristen Stewart, côté caméra
Après des années devant l’objectif, Kristen Stewart passe derrière et signe un premier film viscéral. Adapté des mémoires de Lidia Yuknavitch, The Chronology of Water explore les eaux sombres du trauma et de la renaissance. Lidia (Imogen Poots, magnétique) y lutte contre ses fantômes à travers la littérature, dans une mise en scène brute, presque cathartique. Une œuvre trempée dans la douleur et la lumière. Dimanche 2 novembre, 19h30 – Théâtre Pitoëff / Jeudi 6 novembre, 14h00 – Cinérama Empire

GOUROU – Pierre Niney x Yann Gozlan
Après avoir enfilé l’épée du Comte de Monte-Cristo, Pierre Niney s’improvise maître à penser sous la direction de Yann Gozlan. Gourou nous plonge dans les dérives d’un coach charismatique, figure fascinante et inquiétante à la fois, happé par sa propre soif de contrôle. Thriller psychologique au cordeau, co-écrit par Niney, le film questionne la séduction du pouvoir et la fragilité de ceux qui s’y laissent prendre. Vendredi 7 novembre, 20h00 – Théâtre Pitoëff

Pierre Niney dans Guru (c) DR

MOTHER – la foi mise à l’épreuve Strugar Mitevska (réalisatrice de Dieu existe, son nom est Petrunya) s’empare cette fois de la figure de Mère Teresa, non pas en sainte, mais en femme confrontée au doute. En 1948, la religieuse doit choisir entre les règles de son ordre et la compassion humaine. Mother est une relecture audacieuse, presque hérétique, qui bouscule les certitudes avec une douceur implacable. Mercredi 5 et samedi 8 novembre, 20h00 – Cinérama Empire

Mother (c) DR

Le GIFF 2025 s’annonce comme un kaléidoscope d’émotions et d’audaces, un espace où la création s’invente à chaque projection. À Genève, le mois de novembre aura des airs de laboratoire, de catharsis et de fête

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Nouvelle École, saison 4 — quand Netflix transforme le clash en art scénique (c) DR



La saison marque également le départ de Aya Nakamura, figure emblématique de la saison précédente. Son absence se fait sentir, mais Netflix compense avec un épisode spécial. Les anciens talents révélés par l’émission, parmi lesquels Youssef Swatt’s, Leys ou Warren, reviendront sur le devant de la scène pour rappeler que Nouvelle École n’est jamais seulement une compétition. L’épisode spécial agit comme une passerelle entre passé et présent, montrant que le programme est un véritable tremplin pour les carrières.

Intensité et dramaturgie
Avec la nouvelle formule, la saison 4 met en avant l’intensité et le rythme. Chaque duel est un affrontement stratégique où charisme, créativité et présence comptent autant que le talent pur. Les spectateurs ne sont plus de simples observateurs : ils vivent la compétition, ressentent les tensions et suivent chaque décision, chaque mot, chaque geste.Le face-à-face SCH/SDM promet de catalyser cette tension. Deux visions du rap s’affrontent, deux univers différents se confrontent. Le duel devient spectacle, et le spectacle devient un terrain d’expression où les flows rivalisent de puissance et de précision. La saison 4 promet ainsi une expérience immersive, plus viscérale que jamais.

La nouvelle ère de Nouvelle École s’annonce électrique (c) DR



Un tremplin pour la scène rap
Au-delà des battles et des clashs, Nouvelle École reste un baromètre des tendances et un révélateur de nouveaux talents. La compétition devient une vitrine, un tremplin où chaque artiste peut s’exposer, se mesurer et se lancer. La saison 4, avec sa formule renouvelée et son épisode spécial, illustre parfaitement cette ambition : allier intensité dramatique et rôle de catalyseur pour la culture hip-hop.

Le 31 octobre, Nouvelle École saison 4 sera disponible sur Netflix. Les équipes se formeront, les flows s’affronteront, et chaque punchline sera décortiquée. Entre spectacle, compétition et révélateur de talents, cette nouvelle saison promet de confirmer que le show reste un rendez-vous incontournable, capable de surprendre tout en restant fidèle à sa mission : mettre en lumière la scène rap française et ses artistes émergents.

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Sélection Animatou – l’animation dans tous ses états : tendre, impertinente, politique, toujours libre

Le festival est une mosaïque : rétrospectives émouvantes, hommages à des pionniers comme le studio GDS, soirées festives où l’écran se prolonge sur la piste de danse. Bref, un laboratoire à ciel ouvert où l’animation n’est pas un genre mineur, mais une arme poétique, politique et sensorielle.

Raman Djafari, l’alchimiste des images
Au cœur de cette 20ᵉ édition, Raman Djafari déploie son imaginaire foisonnant. Réalisateur germano-iranien installé à Berlin, il a imposé son esthétique organique et surréaliste bien au-delà des frontières de l’animation indépendante. On retrouve sa patte dans des pages du New Yorker, dans des collaborations avec de grandes marques, mais surtout dans l’univers musical où ses images ont fait date.

Elton John, Dua Lipa – Cold heart (c) Raman Djafari

Le clip Cold Heart, né de la rencontre entre Elton John et Dua Lipa, l’a propulsé sous les projecteurs internationaux. Djafari ne se contente pas d’illustrer une chanson : il lui donne un corps mouvant, des visages liquides, des figures qui se tordent comme nos émotions. Ses images sont des métaphores palpables : elles respirent, elles transpirent, elles nous happent.

Genève, capitale d’un soir onirique

Djafari se livre au public genevois à travers deux rendez-vous marquants :

• Le 2 octobre à la HEAD – Genève (Midis de l’illustration) : une plongée au cœur de son processus créatif, où il dévoilera ses obsessions visuelles et ses alchimies techniques.

• La nuit du 3 octobre au Spoutnik : une rétrospective en forme de transe collective. À minuit, ses clips hypnotiques défilent sur grand écran, avant que la salle ne bascule dans une fête dansante — comme si les pixels avaient décidé de sortir de l’écran pour nous emporter avec eux.

Raman Djafari – invité d’honneur : son univers surréaliste et émotionnel, où les visages se liquéfient et les corps deviennent pulsations

Une animation viscérale
Ce qui distingue Djafari, c’est cette capacité à traduire l’invisible. Ses films explorent les zones grises de l’âme : solitude, désir, étrangeté, mais aussi tendresse et résilience. Sa palette digitale n’a rien de froid : elle est charnelle, elle respire, elle tremble. Comme si chaque image était une peau à toucher, une émotion à traverser.

Vingt ans après sa naissance, Animatou prouve qu’il n’a rien perdu de sa fougue. Avec Raman Djafari, l’animation prend feu : elle devient miroir liquide, fête sensorielle, langage universel. Et Genève, l’espace de dix jours, s’offre comme un grand écran vibrant.

L’affiche officielle d’Animatou 2025 signée Thomas Perrodin, un gâteau-Babel qui flotte entre rêve et vertige, pour célébrer les 20 ans du festival

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Une Cardinale candide et radieuse, saisie dans l’éclair d’un éclat de rire — l’instant suspendu d’une icône immortelle (c) DR

Avec Visconti, Fellini, Leone, elle a dessiné la cartographie sensuelle d’un cinéma en majesté. Dans Il Gattopardo, elle traverse le bal comme une comète baroque ; dans Il était une fois dans l’Ouest, son regard porte la poussière des plaines et la promesse des lendemains. Claudia n’a pas seulement joué, elle a habité l’écran, l’a possédé de sa grâce indomptée.

Féministe avant que le mot devienne slogan, engagée pour l’eau, la dignité, la mémoire, elle a porté ses combats comme ses robes Dior : avec élégance et détermination. Elle a refusé d’être seulement une muse ; elle a été une actrice consciente, une femme debout, une icône qui regarde le monde droit dans les yeux.

Éclat incarné : dans une robe corail sertie d’étoiles, Claudia rayonne comme une comète mondaine au firmament des sixties (c) DR

Et puis il y a cette voix — un grain de sable, une caresse rauque — qui semble dire à chaque phrase : « la vie est rude, mais elle est belle. » Claudia Cardinale est de celles qui ne disparaissent pas, même quand l’écran s’éteint. Elle est entrée dans la rétine collective, dans cette galerie de mythes où chaque battement de cils devient éternel.

Claudia Cardinale, impériale, coiffée d’un diadème de lumière — un visage qui défie le temps (c) DR

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Chaque projection est une première, une étincelle. Plus de 25 films inédits jailliront pour raconter l’époque, ses failles et ses flamboyances. Vous n’irez pas “voir un film”, vous irez rencontrer une génération.

Une agora sous les étoiles
Le Parc Hentsch deviendra, le temps d’un soir, cinéma à ciel ouvert, tandis que le campus HEAD bruissera de débats, masterclasses et dialogues. On y croisera Amandine Gay, voix puissante du cinéma documentaire, ou encore Elene Naveriani, alum primé·e au Prix du Cinéma suisse 2024. Ici, les trajectoires se croisent, les récits se tissent, les regards se confrontent.

Le festival ne se contente pas de projeter : il propage. Une onde, un appel, un besoin de cinéma vivant.

Le cinéma comme miroir, comme moteur
Le Festival de Cinéma de la HEAD est la preuve que le cinéma n’est pas qu’une industrie, mais un langage qui bat, qui brûle, qui bouscule.

Vous pensiez assister à un festival ? Vous serez happé par une communauté en mouvement. Vous pensiez découvrir des films ? Vous découvrirez des mondes.

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Redford, cowboy moderne, dégainait des sourires plus rapides que son ombre (c) DR

Mais Robert Redford n’était pas qu’un cowboy au regard clair. C’était aussi un jardinier d’utopies. Avec Sundance, il a planté une graine dans le désert du cinéma. Une graine qui a percé l’asphalte d’Hollywood, brisant le bitume des studios trop sages. Il en a fait une oasis, un champ de bataille fertile où poussent les films rebelles, les voix neuves, les récits qui ne rentrent pas dans les cadres. Sundance, c’est son héritage : un refuge d’ombres et de lumières pour les indociles. Il a semé des voix, arrosé des visions, récolté des films qui bousculent les certitudes et qui murmurent autrement que les blockbusters. Un festival qui n’a pas seulement révélé des réalisateurs : il a donné de l’oxygène aux indociles.

Robert Redford, balcon de Sundance L’acteur fondateur, penché sur Park City comme sur un rêve indépendant (c) DR

Et puis il y a l’autre Redford, l’activiste en jean brut, le poing levé face aux bulldozers. L’homme qui défendait les forêts comme d’autres défendent des secrets. Celui qui criait “Clean Air, Clean Water” comme d’autres crient “Action !”. Pour lui, la planète n’était pas un décor mais le rôle principal. Le charbon, les autoroutes, les projets insensés ? Il leur a opposé la poésie concrète des montagnes, le droit ancestral des peuples autochtones, la beauté comme arme de résistance.

Redford était l’acteur qui ne voulait pas seulement des rôles, mais aussi des causes. Pas seulement des films, mais des fondations. Pas seulement des prix, mais des victoires sur l’indifférence.

Un café, un félin, une pause dans la lumière d’hiver : l’homme derrière la légende… (c) DR

Aujourd’hui, le projecteur s’est éteint. Mais son héritage flamboie encore : une constellation de films, un festival qui pulse, des rivières qu’il a protégées, des cinéastes qu’il a guidés.

Robert Redford, c’était un soleil rouge au couchant. Le rideau tombe, l’écran se noircit, mais l’horizon reste embrasé. Car certaines étoiles, même disparues, continuent d’éclairer la nuit.

Broadway, chapeau levé : hier Redford saluait New York, aujourd’hui c’est le monde entier qui le salue (C) DR

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Too Much
Créée par Lena Dunham et son mari Luis Felber, cette rom‑com londonienne met en scène Megan Stalter en New-Yorkaise blessée d’amour qui se relève à Londres. Avec à ses côtés Will Sharpe, la série promet de l’humour tendre, des retrouvailles familiales et un casting ultra-hype.

French Lover — été 2025
Premier film français Netflix, réalisé par Nina Rives avec Omar Sy et Sara Giraudeau. Une comédie romantique francophone haut de gamme signée Netflix en collaboration avec TF1 — l’union parfaite entre glamour, émotion et rires estivaux .Pride and Prejudice (mini‑série) — juillet‑août Réinterprétation du classique de Jane Austen, avec Emma Corrin et Jack Lowden en couple vedette. Adaptée par Dolly Alderton et dirigée par Euros Lyn, cette six‑épisode ravive avec finesse les éclats de cœur et les tensions de l’Angleterre régence.

Untamed — 17 juillet
Ce drama criminel ancré dans les paysages sauvages du parc national Yellowstone explore tensions humaines et mystères enfouis. Premier opus d’une mini‑série sombre et atmosphérique, parfaite pour les amateurs de nature et de suspense ().

The Vince Staples Show (saison 2) — 17 juillet
Retour du talk-show décalé du rappeur californien, mélangeant humour, réflexions culturelles et invités marquants. Une série rafraîchissante pour les amateurs de pop‑culture et de moments inattendus. C’est peut-être ça, la promesse Netflix de cet été : la capacité de surprendre, d’émouvoir, de faire réfléchir — et surtout, de faire vibrer, grâce à des productions soignées et une palette d’émotions XXL. En clair, votre téléviseur n’aura jamais été aussi bien habillé

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“Le défi du film, c’était la liberté” dit-il dans Trois Couleurs. Mission accomplie. On vibre avec lui dans ce road trip mental, où l’on cueille la mort sans pathos, avec l’élégance d’un dernier salut et la fantaisie d’un hommage pop. Proche d’un cinéma thérapeutique, Sacha affirme qu’avec Berthe, il a utilisé le cinéma comme outil de deuil.

Berthe, l’éternelle
Actrice mythique du théâtre suisse, Berthe devient ici le cœur battant d’un récit intergénérationnel. Pas de nostalgie figée : du mouvement, de l’humour, des souvenirs en surimpression. La mémoire comme un kaléidoscope, où les images font danser les fantômes. Où l’absence devient présence. Où le chagrin prend des paillettes.

Un tour du monde en festivals
Le film trace sa route comme un météore : New York (DOC NYC), Tel Aviv (Docaviv), Madrid (Alcine), Bruxelles, Saguenay, Lussas, Évreux… La planète cinéma s’enflamme pour ce bijou inclassable. Coup de cœur du public, prix du jury jeune, meilleure œuvre documentaire… et surtout, une vraie reconnaissance pour une œuvre qui ne triche pas.

La relève est là
Sacha Trilles, c’est le nom du prodige (25 ans) à retenir. Une plume visuelle, une présence en creux, une audace douce. Et surtout, une capacité rare : transformer la perte en poésie, et l’intime en manifeste collectif (mais sans slogans). Avec lui, même la mort semble tendre. Et le cinéma, plus vivant que jamais.

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