Mais au-delà du projet, c’est surtout une méthode que j’ai intégrée : une rigueur presque brutale et une ouverture liée au travail collectif. On était en dialogue permanent avec d’autres architectes, d’autres visions. C’est une école de l’exigence, mais aussi de l’humilité.

Le Siège administratif MJM à Épagny-Gruyères (c) Archilab

Vous avez côtoyé des figures majeures comme Richard Meier ou Bob Stern. Qu’est-ce qu’elles vous ont transmis ?
Elles marquent forcément. Richard Meier, par exemple, a influencé ma manière de structurer un projet, d’envisager la lumière, les volumes. Mais il faut savoir s’en détacher. À un moment donné, on digère ces influences pour construire son propre langage. Sinon, on reste dans la citation, pas dans la création.

Entre Milan, Florence, Rome… puis New York et la Suisse, comment ces géographies ont-elles sculpté votre regard ?
Énormément. On parle souvent des États-Unis, mais pour moi, l’Italie reste un socle fondamental. J’ai eu la chance de grandir entre Milan, Florence et Rome, au milieu d’une architecture d’une richesse incroyable. Se promener dans ces villes, c’est déjà une leçon en soi.

Le siège de MSC à Genève (c) Archilab

Très tôt, j’ai développé une habitude qui m’a énormément formé : dessiner ce que je voyais. Pas photographier mais dessiner. Parce que le dessin oblige à comprendre. Quand on redessine un bâtiment de la Renaissance ou du baroque, on en saisit les règles, les proportions, la logique. Tout est déjà là : l’ordre, la séquence, la superposition.

Ensuite, New York a apporté autre chose : une méthode, une ouverture, une intensité. Une manière de penser à grande échelle, de travailler vite, de collaborer avec d’autres visions. Et puis la Suisse, où je me sens profondément à l’aise, m’a permis de trouver une forme de synthèse. Une manière d’ancrer cette culture, cette énergie, dans des projets plus précis, plus contextualisés via Archilab. 

Aujourd’hui, je dirais que mon architecture est contemporaine, bien sûr mais toujours consciente de ce qui l’a précédée. On ne crée jamais à partir de rien. Il y a toujours un bagage, une mémoire, une histoire avec laquelle on dialogue.

La Villa Epalinges (c) Archilab

Vous évoquez souvent la notion de palimpseste. Pourquoi cette idée revient-elle autant dans votre travail ?
Parce qu’on ne construit jamais sur une page blanche. Il y a toujours une mémoire, une trace, une structure préexistante. L’architecture, pour moi, c’est une écriture dans le paysage. Et comme dans un palimpseste, on écrit par-dessus, sans totalement effacer. Les différentes couches restent perceptibles, en tension, en dialogue.

Vous cherchez donc à laisser transparaître ce qui existait avant ?
Oui, dès que c’est possible. Même lorsqu’un bâtiment disparaît, j’essaie d’en conserver une logique : une trame, une orientation, une proportion. C’est une manière de reconnaître ce qui a été fait avant nous. Une forme de respect, mais aussi de continuité. On ne part jamais de zéro, même quand on le croit.

La Fondation Bodmer à Cologny (c) Archilab

Votre architecture est souvent décrite comme “sans compromis”. Est-ce une forme de résistance aujourd’hui ?
C’est surtout une discipline. Chaque projet recommence à zéro. On analyse l’espace, le temps, le programme, le client. Et seulement ensuite, on propose une réponse. Mais bien sûr, les compromis existent. Les contraintes sont nombreuses : budgets, normes, réglementations. Ce qui est plus problématique aujourd’hui, c’est parfois l’excès de protection. On veut tout figer, tout conserver, au point d’empêcher toute évolution. Or une ville, comme un paysage, est faite pour se transformer.

Vous avez cette formule : “profession agriculteur, hobby architecte”. Une provocation ?
Une boutade… mais avec une part de vérité!L’architecture est une passion, presque un privilège. Mais travailler la terre en Toscane, produire de l’huile, c’est un rapport direct, physique, au temps et à la matière. Et au fond, il y a un lien entre les deux : on s’inscrit dans une temporalité longue. On plante, on attend, on construit.

La Clinique Genolier (c) Archilab

Si vos bâtiments pouvaient parler dans cent ans, que diraient-ils ?
J’aimerais qu’ils transmettent une forme d’optimisme. L’architecture est une opportunité : celle de créer quelque chose pour les autres. Une enveloppe, un espace de vie, un lieu d’expérience. Si, dans cent ans, quelqu’un ressent encore cette générosité, alors le projet aura eu du sens.

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La Fondation CAB et son écrin radical signé Jean Michel Wilmotte (c) DR

Derrière ce lieu hors du temps ? Hubert Bonnet. Collectionneur passionné, entrepreneur à l’élégance discrète, il imagine la Fondation CAB comme une ode au minimalisme, une respiration dans le vacarme visuel ambiant. Après avoir inauguré la première CAB à Bruxelles en 2012 dans un ancien garage Art déco, il réitère l’expérience dans une villa moderniste des années 50, signée Jean-Michel Wilmotte. Le béton, ici, s’écoute autant qu’il se regarde.

À la Fondation CAB sise à Saint-Paul-de-Vence tout est tension et retenue. La lumière glisse, les œuvres respirent, l’espace écoute. Le lieu n’impose rien, il propose. Et dans ses murs — ou plutôt entre ses vides — le minimalisme dialogue avec l’essentiel. On y croise des œuvres de Donald Judd, Dan Flavin, Charlotte Posenenske ou Josef Albers, comme des balises. On s’y perd dans des expositions ciselées, souvent monographiques, toujours pensées avec une précision d’orfèvre.

Felice Varini fait vibrer l’œil entre illusion et architecture : ses cercles orange peints sur la vitre du bookshop transforment l’entrée en une œuvre optique saisissante (C) DR

Supports/Surfaces : quand la toile se libère
Plus qu’un espace d’exposition, CAB Saint-Paul est un laboratoire. De formes, de matières, d’idées. On y célèbre le mouvement Support/Surfaces né dans le sud de la France à la fin des années 60, qui démonte la peinture pour mieux en découdre. Et ce à travers une exposition – Partenaires Particuliers (SUPPORTS, SURFACES, DISSÉMINATION) – pensée par Hugo Vitrani ( curateur du Palais de Tokyo) à zieuter entre ombre du figuier et clarté méditerranéenne jusqu’au 29 septembre. Exit le cadre, bonjour l’éclatement. Les noms ? Louis Cane, Noël Dolla, Claude Viallat, Daniel Dezeuze… et d’autres figures majeures de ce courant qui a renversé la table — et tendu la toile sur les arbres. La fondation ne collectionne pas, elle propose. Elle invite. Elle met en tension. Comme un fil tiré entre l’histoire de l’art et les sensibilités d’aujourd’hui.

Partenaires particulaires explore une peinture sans cadre ni frontières, entre héritage radical et gestes contemporains © Antoine Lippens

Vue de l’installation « Partenaires particulaires » © Antoine Lippens

La Fondation CAB ne regarde jamais l’histoire sans l’ouvrir. À côté de ces pionniers du dépouillement, on retrouve des artistes contemporains qui poursuivent ce dialogue avec la matière, la couleur, l’espace. Une passerelle vibrante entre héritage plastique et abstraction présente.

Dans les entrailles modulaires de la maison Prouvé (c) DR

Un art de vivre à la verticale
Et parce qu’on ne pense jamais mieux que dans le silence, le lieu est aussi résidence d’artistes. Un jardin de sculptures, des chambres d’hôtes design, une table d’hôtes signée Omer Bar & Cuisine et une librairie qui cultive le goût de l’objet imprimé : l’ensemble compose un écosystème où l’art vit, dort, et s’expose à la lumière du Sud. Tout respire l’épure. Même le café y a l’air conceptuel. Mais jamais froid. La chaleur vient de l’attention portée à chaque détail, de la justesse des gestes et de la générosité discrète du lieu.

Parmi les trésors discrets du domaine, une maison démontable signée Jean Prouvé — architecte de l’essentiel, artisan du progrès. Posée là comme un éclat d’ingéniosité en tôle pliée, cette structure de 6×6 mètres, pensée en 1944 pour reloger les sinistrés de guerre, raconte une vision audacieuse : celle d’un habitat léger, mobile, et d’une beauté brute. Prouvé y déploie son intelligence constructive : montage express, économie de moyens, lignes franches. Et cerise sur le cube : on peut y dormir. La maison se loue pour une nuit hors du temps, entre design iconique et retraite méditative.

Une fondation qui ne crie pas, mais qui marque
À l’heure où tout flashe, elle choisit la durée. À l’époque du flux, elle préfère la structure. Et depuis cet été, la Fondation CAB s’est alliée à De Bethune — maison horlogère suisse et visionnaire — pour une expérience où chaque seconde prend tout son sens.

CAB, comme une cabane mentale pour amateurs d’alignements, de lumière rasante et de silences éloquents. Ici, on ne vient pas pour “faire une expo”. On vient pour se faire traverser. Par une ligne, une texture, une idée. Pour se réaccorder à une autre forme de perception. La Fondation CAB, c’est l’antidote à l’art consumé, l’antichambre d’un regard retrouvé. En somme, un luxe rare : celui du vide habité.

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Son art a de l’autonomie, du caractère, de l’instinct de révolte. Perceuses qui s’activent toutes seules, néons au bord du burn-out, chaises de bureau en pleine crise existentielle. Une sorte de soulèvement silencieux et mécanique, qui vous colle au mur bien plus sûrement qu’un texte de salle.

Delphine Reist ©DR

Exposée au Centre Pompidou, au MACRO de Rome ou encore au musée Tinguely, Delphine Reist enseigne aussi à la HEAD – autant dire qu’elle sait manier la matière comme la pensée. Le rendez-vous du 22 mai promet d’être vibrant, dans tous les sens du terme. Et pour celles et ceux qui aiment l’art avec un fond sonore et un verre à la main, un apéro suivra. Évidemment.

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Sicli ©DR

En partant des origines de ces lieux de soin, revenant sur l’histoire des hôpitaux, de leur implantation dans le tissu urbain, mais aussi de leur architecture, l’exposition avance dans le temps, ne manquant jamais de justifier ses postulats par des exemples en nombre de lieux passés ou présents. Des portraits de lieux, mais aussi des thématiques exemplifiées à travers différents médiums, de la photographie à la maquette en passant par des installations. Mais l’exposition ne se contente pas d’analyser des hôpitaux comme nous les connaissons. Elle interroge la notion même de lieu et d’espace de soin, ses frontières, et ses différentes formes existantes et possibles, venant redéfinir ce que nous englobons dans ce terme. Une exposition importante, qui nous ouvre les yeux sur tout un système et ses possibles à travers le filtre de l’architecture.

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Nouvelles acquisitions, rétrospective
De passage au musée, nous en profitons pour partir à la découverte de la seconde exposition organisée par le MIH consacrée à ses nouvelles acquisitions de la dernière année. « L’année écoulée restera gravée dans les annales du MIH, tant les 280 pièces achetées et reçues revêtent une importance significative pour l’histoire de l’horlogerie. Parmi une vingtaine de donatrices et donateurs différents, mentionnons deux personnalités singulières, récemment disparues, dont la générosité enrichit notablement les collections du MIH : Michel Hubert et Eduard Streit » précisent les équipes du musée. À découvrir jusqu’au 28 février 2025.

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Lamento ©Cyril Marcilhacy

Pour son installation à la Maison Cartier, c’est cette relation qu’il a tenté de mettre en place en invitant une multitude de matériaux à s’exprimer dans l’espace. Ainsi, la terre et la brique côtoient la pierre et l’eau. Mais d’autres éléments, plus fugaces, omniprésents mais moins visibles, sont aussi convoqués. Parmi ceux-ci, la gravité et la légèreté, les jeux d’ombre et de lumière. Mais aussi le silence, que Bijoy Jain place au cœur de Souffle de l’architecture. « Le silence a un son, nous l’entendons résonner en nous. Ce son connecte tous les êtres vivants. C’est le souffle de la vie. Il est synchrone en chacun de nous. Le silence, le temps et l’espace sont éternels, tout comme l’eau, l’air et la lumière, qui sont notre construction élémentaire. Cette abondance de phénomènes sensoriels, de rêves, de mémoire, d’imagination, d’émotions et d’intuition provient de ce réservoir d’expériences, ancré dans les coins de nos yeux, dans la plante de nos pieds, dans le lobe de nos oreilles, dans le timbre de notre voix, dans le murmure de notre souffle et dans la paume de nos mains » confiait-il aux commissaires de l’exposition. 

©Cyril Marcilhacy

Les éléments se côtoient alors et échangent dans l’espace. Des sculptures en terracotta s’installent à côté d’éléments vernaculaires de l’architecture urbaine indienne, tandis que structures en bambous et constructions en briques s’additionnent aux créations invitées de la dessinatrice chinoise Hu Liu et aux travaux modelés de la céramiste danoise Alev Ebüzziya Siesbye. Un dialogue entre les matériaux et les formes qui se calque toujours sur l’espace, en réalité matière centrale à la pratique de Bijoy Jain, qui confiait, « L’espace et l’architecture doivent être inclusifs ». Une expérience spatiale, matérielle, métaphysique, à découvrir jusqu’au 21 avril prochain.

©Cyril Marcilhacy

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Sis au coeur de la forêt norvégienne, The Twist, le Musée Kistefos au nord d’Oslo ©DR

Perdu au milieu de la forêt de conifères, c’est un musée qui se visite pour sa collection, mais également pour son architecture. Imaginé par le groupe BIG-Bjarke Ingels, il se fait pièce maîtresse de l’institution Kistefos qui accueillait déjà par le passé un imposant parc de sculptures rassemblant des œuvres des artistes les plus influents du 20ème et 21ème siècle. Désormais, c’est une sculpture monumentale qui vient mettre un point final à ce projet, se faisant à la fois objet d’art et d’architecture, pont, et espace d’exposition. « The Twist est un lieu hybride qui couvre plusieurs catégories traditionnelles : c’est un musée, c’est un pont, c’est une sculpture habitable. Comme un pont, il reconfigure le parc de sculpture en transformant le voyage à travers le parc en une boucle continue. En tant que musée, il relie deux espaces distincts : une galerie verticale intérieure et une galerie horizontale extérieure avec vue panoramique sur la rivière. Un troisième espace est créé par la création entre ces deux galeries du twist. La forme qui en résulte devient une autre sculpture parmi les sculptures du parc » expliquent les curateurs du lieu culturel. Monument hybride, c’est également sa situation géographique qui le rend unique en son genre. Loin de la capitale d’Oslo, le musée est en immersion totale dans la forêt norvégienne, une conception humaine émergent de la nature dense et sauvage rythmée par les forêts et la rivière Randselva. L’aluminium réfléchissant de sa façade souligne ce contraste, servant également de rappel au passé industriel des lieux, mais invite aussi à l’immersion dans son paysage. Au fil des saisons, les couleurs de la nature se reflètent alors dans les tôles, faisant pour ainsi dire disparaître la construction hybride une fois venus l’hiver et ses épaisses neiges.

Prouesse architecturale désignée par le groupe BIG-Bjarke Ingels ©DR

Une merveille d’esthétisme qui porte en elle une grande technicité. La structure rectiligne subit en son centre une torsion à 90°, venant conférer au Twist sa forme si singulière, et par la même occasion lui donner son nom. Le visiteur du musée est alors invité à explorer ses formes aux esthétiques à la fois organiques et industrielles. Depuis la berge boisée menant à l’entrée de l’institution, nous sommes entraînés dans la première galerie proposant des expositions temporaires dédiées à l’art contemporain. Parmi les curations proposées, par le passé le musée a eu l’occasion d’accueillir des pièces du sculpteur anglais Tony Cragg, de l’artiste coréen Do Ho Suh, ou encore les installations du projet Liquid Life. Une plongée dans le monde de l’art contemporain profondément immersive, la première partie du bâtiment n’offrant aucune ouverture vers l’extérieur. Et puis tout à coup les fenêtres se multiplient et s’agrandissent, pour laisser place à une baie vitrée donnant tout le loisir aux visiteurs d’observer la rivière et ses deux berges bordées de forêt. L’espace d’exposition sert alors également de pont, permettant aux visiteurs du Kistefos de compléter la boucle qui fait le tour du jardin de sculptures, en passant par la Nybruket Gallery proposant un autre programme, dans une ancienne usine dont l’architecture de briques rouges traditionnelles de l’ère industrielle a été préservée. À travers la forêt se dévoilent alors les sculptures d’Olafur Eliasson, Fernando Botero, Yayoi Kusama, et au détour d’un sapin, on aperçoit le Twist dans toute sa splendeur au-dessus des flots agités de la Randselva. 

Prouesse architecturale désignée par le groupe BIG-Bjarke Ingels ©DR

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À l’intérieur nous sommes alors transportés dans les entrailles de l’accessoire. Comme à l’extérieur, c’est ici le blanc qui domine dans un design des plus minimalistes seulement agrémenté d’un bar à la courbe géométrique devançant les étagères sur lesquelles reposent les bouquets de lisianthus monogrammés du Café Fleurs. La couleur elle ne se manifeste qu’à travers les accessoires, dont font bien évidemment partie les sacs Bambimou, cette fois-ci en taille réelle, déclinés dans des tonalités tantôt solaires, tantôt pastels. Un nouveau coup marketing réussi pour Jacquemus dont on attend maintenant avec impatience de nouvelles surprises passant du monde virtuel au monde réel.

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Une architecture hors du temps
Imaginée durant les années 1960, la Maison Xasteros se veut comme un projet de petite demeure préfabriquée, d’une surface habitable de 50 mètres carrés, comprenant un salon, une chambre, une cuisine et une salle de bain. Un espace habitable donc, mais dont le design hors du commun vient le démarquer des constructions de ce même type. Entièrement réalisée en fibre de verre, elle rend possible la création de formes ovoïdes et organiques aboutissant à une esthétique rappelant sans effort les représentations de vaisseaux OVNI. Les pieds sur lesquels elle est posée, ainsi que l’escalier dépliable donnant l’accès, ne font qu’accentuer ce caractère encore renforcé par le coloris immaculé. À l’origine de ce projet vivait alors la volonté de concevoir des maisons faciles à fabriquer, et pouvant être installées dans n’importe quel lieu. Une loi interdisant l’installation de préfabriqués sur des parcelles de taille réduite à mis fin au projet, qui n’a finalement vu naître que dix exemplaires. Malgré tout, Nikolaos Xasteros est encore aujourd’hui reconnu comme pionnier, ayant imaginé une architecture alliant à la fois technologie par l’utilisation extensive de la fibre de verre, la production de masse, et la mobilité sans sacrifier l’esthétique ni la practicalité.

Écrin de design
Si elle fut imaginée pour accueillir des habitants, la Maison Xestaros se fait dans le domaine viticole de Terra Remota un espace d’exposition consacré au design. Le collectionneur et galeriste Clément Cividino allie alors ses deux passions en exposant dans la maison préfabriquée des objets de design de collection créés dans les années 1960 et 1970. Dans l’espace de 50m2 on retrouve alors le célèbre lampadaire Manta Ray du designer Louis Durot, mais aussi des créations de Mario Sabot ou encore Michel Dumas. La maison se prête à merveille à cette installation, un white cube ovoïde en quelques sortes. Mais le dialogue fonctionne dans les deux sens. Si l’espace valorise l’objet, l’objet vient rendre sa fonction à l’espace. Abandonnée et oubliée la maison reprend son rôle premier en étant meublé, ne serait-ce que l’espace de quelques semaines.

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Laboratoire d’expérimentations
Une construction hors du commun pour l’époque, la Villa « Le Lac » l’était sans aucun doute. Mais elle fut également un terrain d’expérimentations sans pareil pour Le Corbusier qui allait dans ce projet poser les fondations de son travail, mettant ici en place trois des « cinq points d’une architecture nouvelle ». Si la construction atteint une surface de seulement 64m2, elle permet à l’architecte d’expérimenter avec le plan libre, la fameuse fenêtre en longueur, et le toit-jardin. Plaçant en son centre l’ergonomie et le fonctionnalisme, l’architecture de la Villa se dessine sur une travée unique, jouant sur l’étroitesse du terrain qui ne se fait plus entrave au projet, et est à l’inverse désirée. Une typologie qui vient en réalité créer la maison idéale pour ses habitants, où le confort se fait central, et la valorisation pratique des volumes s’exemplifie. Autre point majeur de la Villa, le rapport entre intérieur et extérieur, le lac, et le jardin, semblant faire partie intégrante de la maison grâce aux nombreuses et vastes ouvertures vitrées.

Pour fêter ça…
Au-delà de l’exposition, c’est tout un panel d’événements qui s’articule autour de cet anniversaire. Parmi les rendez-vous à ne pas rater, une programmation de cinéma en plein air dans le jardin de la villa, mais aussi des conférences aux thématiques variées toujours axées autour de l’univers de l’architecture. Le jardin se fera aussi scène avec des concerts, on relève notamment le 15 juillet un concert de piano de Jérémie Conus qui interprétera des pièces du répertoire de la mère et du frère de Le Corbusier. Enfin, impossible de rater le concours canin dont le premier opus aura lieu le 9 juillet, première des dix dates, où les petits chiens pourront venir se mesurer sur le tremplin créé par Le Corbusier pour permettre au fox terrier de sa mère d’aboyer à sa guise sur les passants !

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Près de 60 ans plus tôt
Tout commence en 1964, lors de l’Exposition nationale. Dans le cadre de cet événement un immense pavillon dédié à la culture est construit, incluant ce qui est aujourd’hui le Théâtre de Vidy. C’est sous la direction de l’architecte et designer élève du Bauhaus Max Bill que le projet prend vie, et grâce à la volonté de Charles Apothéloz qu’il subsiste alors que sa durée d’existence ne devait se limiter qu’à six mois. Ardemment défendu dans sa conservation, il continue d’occuper sa fonction originelle : celle d’un théâtre, faisant la part belle à la création originale. En 1972 son destin bascule à nouveau quand il devient propriété de la Ville de Lausanne. En quelques années le lieu s’affirme comme un haut lieu du théâtre en Suisse romande, mais également un véritable pôle de création reconnu à l’échelle européenne. Épicentre culturel, l’architecture du théâtre subit cependant les affres du temps. N’ayant pas été construit pour durer, sa fragilité s’affiche rapidement, et les travaux de rénovations et de remaniements se multiplient. Les dix dernières années font également état d’une obsolescence technique désormais impossible à ignorer, tout comme les carences en question de sécurité et d’énergie. Mais les besoins de Vidy ont eux aussi évolués. Centre de création reconnu à l’échelle européenne, le théâtre nécessitait la construction d’une salle de répétition, aujourd’hui ajoutée à la composition des lieux dans le respect de l’esthétique du bâti référent. La remise aux normes du bâtiment ne peut plus être repoussée, et est alors lancée la délicate opération de son remaniement, assurant à celui qui était voué à l’éphémère une pérennité incalculable.

Héritage identitaire
Si au fil des ans les bâtiments additionnels se sont multipliés au sein du théâtre, ici toute l’attention est portée au pavillon bâti par Max Bill auquel vient s’ajouter une nouvelle salle de répétition. Un défi majeur qui doit répondre à deux enjeux : respecter et conserver au maximum le patrimoine architectural des lieux, et réaliser des changements qui ancreront le théâtre dans les besoins de son époque. Pour les architectes de PONT12 une question se pose : comment rénover/restaurer l’existant et comment le prolonger par le nouveau volume de la salle de répétition? Les décennies précédentes ont été le théâtre de nombreux travaux qui ont modifié les lieux. Les façades ont été remplacées, l’espace divisé, mais pour les architectes de PONT12 le plus important est là : la base.

On retrouve dans la structure la géométrie nette et presque tranchante de l’espace sous la main de Max Bill et les influences de son école. Une identité visuelle très forte qui elle n’a pas disparu, et permet aux architectes de cette rénovation de marcher dans ses pas. Au centre de leur préoccupation, on retrouve l’identité visuelle du théâtre qui ne doit pas être perdue au prix de la modernisation. « Dans l’esprit de Max Bill, les interventions sont nettes, simples, répétitives et apparentes, pensées et réalisées avec le minimum de moyens » expliquent les architectes en charge du projet. Il s’agit en effet ici d’un patrimoine rare, le dernier témoin de l’intervention de l’architecte et designer sur la ville des rives du Léman, mais aussi l’un de ses projets les plus importants et persistant dans le domaine public, avec l’École de design de Ulm. Le plus grand défi pour les architectes de PONT12 vit cependant dans l’extérieur des lieux. Dans chacun de ses projets, Max Bill vouait une attention toute particulière au contexte et aux aménagements extérieurs. Adepte d’une approche rationnelle et raisonnée, le travail de l’architecte tend vers une sensibilité empruntée à sa passion pour le Japon  et ses jardins. Dans sa nouvelle version, le théâtre accentue cette relation à l’extérieur avec une composition offrant une ouverture sur le lac et les jardins. Dans le parc, le Théâtre de Vidy se détache alors sur le vert de la végétation environnante comme une œuvre d’art à part entière à qui auraient été rendue ses lettres de noblesse. Si le métal reluisant de l’acier inoxydable porte avant tout en lui la réalisation des normes énergétiques et acoustiques, difficile de ne pas admirer cette façade géométrique miroitante comme une sculpture. Une nouvelle peau qui vient également accueillir la création d’une œuvre d’art imaginée pour l’espace. 

Rencontres sous le regard de l’art
C’est une œuvre d’Augustin Rebetez qui vient mettre un point final à cette rénovation et annoncer la réouverture du théâtre en janvier dernier. S’inscrivant dans le cadre du Pour-cent culturel, cette commande à l’artiste n’est pas anodine. En effet, Augustin Rebetez a souvent été accueilli à Vidy dans le cadre de sa pratique, et cette contribution au nouveau théâtre tombe sous le sens. Il imagine et réalise alors un projet répondant aux deux lignes directrices de la commande : une œuvre visible de loin, et reliant les différents bâtiments du théâtre entre eux. Pour se faire, l’artiste fait le choix de deux interventions distinctes. La première réalisée en néon représente deux visages se faisant face, et symbolisant les Rencontres possibles que l’on peut réaliser dans le cadre de l’institution culturelle. « On peut y voir une relation amoureuse, un débat d’idées, un échange, quelque chose de circulaire, en mouvement. Et aussi quelque chose qui grandit, menaçant, et se tourne vers nous » explique l’artiste. La seconde partie de l’installation sera elle réalisée prochainement aux alentours du théâtre et viendra parer d’un décor peint son sol. Ces peintures figuratives viendront ainsi jouer le rôle d’une œuvre d’art, mais également guider le public vers les différentes entrées de Vidy, chacune d’entre elles dévoilant un nouveau monde à découvrir.

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Quand l’architecture raconte une histoire
En partant en vacances à l’autre bout du monde, c’est un dépaysement et une incursion dans la culture locale que l’on espère. De la gastronomie à la culture, en passant également par l’architecture et le décor dans lequel nous séjournerons. À Cabo San Lucas, destination mexicaine phare, la designer et architecte d’intérieur Jennifer Kranitz, du studio PROjECT basé à Chicago, voulait offrir aux futurs locataires de cette villa de vacances une véritable plongée dans l’histoire et la culture mexicaine. En parlant de son projet, elle déclare sans équivoque la nécessité de donner une âme à une maison qui n’en possédait alors pas, un espace de location de plus dans un complexe de vacances uniforme. La villa de Cabo San Lucas est indéniablement enrichie d’une personnalité à part entière. Le projet, partant pour ainsi dire d’une page blanche, se devait avant tout de raconter une histoire aux futurs occupants, et à travers le choix du mobilier, des matériaux, des œuvres d’art, raconter l’histoire d’une région et d’une culture. À une époque où tout s’importe depuis l’étranger, et paradoxalement où l’apologie de la consommation locale est faite au quotidien, l’architecte avait pour souhait de trouver la majorité des matériaux et objets dans la plus grande proximité de la villa. « Une maison mexicaine devrait être remplie d’objets mexicains. Expédier des matériaux de Chine ou de San Diego à Cabo ? Pas question ! Nous voulions réduire notre impact » explique-t-elle. Une logique qui pendant des décennies a appartenu au passé, et qui pourtant est toujours restée très ancrée dans les constructions du pays d’Amérique Centrale, favorisant une architecture vernaculaire.

Le grand retour de l’organique
Dans le projet mené par Jennifer Kranitz, c’est le caractère organique de la demeure qui ressort au premier regard. Le choix de matériaux dans cette rénovation fait la part belle à la nature non altérée, aux matériaux bruts, et à la mise en valeur des ressources locales. Les coloris de la villa s’inscrivent dans une grande neutralité, au service d’une élégance épurée qui ne retire en rien le caractère organique du design. Les sols réalisés en pierre sourcée dans la région viennent répondre par leur tonalité effacée aux murs peints dans une couleur leur étant très proche, ponctuée par des cabinets en bois lui aussi puisé dans la région de manière durable. Mais au-delà de la base de la villa, ce sont ses apports décoratifs qui viennent faire toute la différence. Du côté du mobilier, le bois tzalam est à l’honneur, et vient répondre aux portes des différentes pièces et des espaces de rangement. Matériau omniprésent dans le projet, il est issu de diverses essences et a subi des traitements variés permettant son accumulation dans les objets tout en conservant un relief et en évitant un caractère uniforme. Pour l’adoucir, le tissu tient une place de choix, notamment dans la pièce à vivre. La pierre du sol est ici recouverte par un tapis en jute de la marque mexicaine La Metropolitana, tandis que le mobilier d’assise apporte de la texture grâce au bouclé du canapé et d’une chaise recouverte de fils végétaux. Naviguant dans les tons bruns, gris, et beige dans la totalité de la villa, Jennifer Kranitz se joue alors des textures, laissant une place de choix à l’organique. Ici pas de plastique ni d’artificiel, tous les matériaux sont naturels, se complétant les uns les autres et rappelant sans cesse la beauté du naturel. La table de la salle à manger reste l’exemple le plus flagrant. Elle aussi sourcée localement, elle offre au regard les imperfections du bois donnant immédiatement du caractère à la pièce. Objet fort, la table est entourée de chaises réalisées par un designer mexicain qui apportent un caractère indéniablement contemporain, utilisant ici une nouvelle fois le bois. Un travail de la matière qui est le résultat de créations d’artistes et artisans locaux, point d’orgue de cette villa de Cabo San Lucas.

Valoriser l’artisanat
Comme le disait Jennifer Kranitz en présentant son projet, une maison mexicaine doit être remplie d’objets mexicains. Et c’est en suivant cette adage que l’architecte d’intérieur a sélectionné le mobilier et les éléments décoratifs de la villa. Ainsi, les pièces imaginées par des créateurs locaux s’accumulent. Dans le salon, une chaise entièrement fabriquée à la main et recouverte de centaines de fibres d’agave – un produit récupéré ici qui est généralement jeté comme déchet dans la production du mezcal – a été réalisée par l’artiste Angela Damman, basée dans le Yucatan, et elle côtoie une création AD HOC, soit un tabouret en noyer et laine tissée à la main. Les interventions d’artistes sont omniprésentes dans la villa, du mobilier aux objets décoratifs à l’image de l’imposant lustre tissé en corde de coton par la créatrice de bijoux Daniela Bustos Maya, possédant un atelier à Merida. Conçu exclusivement pour ce projet, le lustre s’impose comme une œuvre d’art au-dessus de la table en bois de la salle à manger. Oeuvre d’art aussi, mais cette fois-ci peinte à-même les murs dans la chambre réservée aux enfants. Plutôt que d’utiliser du papier peint, qui aurait été importé, Jennifer Kranitz décide de faire appel à l’artiste de Guadaljara Priscila Gonzalez Urrea pour venir représenter sur les murs la faune de la région. La villa de vacances imaginée par PROjECT se propose alors comme un voyage en elle-même. C’est une plongée dans l’univers du design et de l’art mexicain qui est ici réalisée, le tout avec en tête tout au long de sa réalisation la réduction de l’empreinte carbone et la valorisation du local. Une preuve que parfois il ne faut pas aller chercher si loin de chez soi pour trouver des merveilles.

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