Comment devient-on Kyrie Kristmanson ?
C’est un chemin de vie, rester fidèle à ce qui nous habite profondément. Comme un projet d’âme. Très tôt, je me suis promise de ne jamais trahir cette authenticité, même si cela devait prendre plus de temps. Sans concessions. Chaque jour, je renouvelle ce pacte. Il n’y a pas de méthode, juste une intuition tenace et le choix de ne pas suivre le courant dominant. C’est un mouvement en devenir, avec ses jours de doute. Et c’est très bien comme ça.

Croyez-vous en la notion de vieille âme ?
Je crois que certaines rencontres, certaines perceptions, échappent au rationnel. Un jour, après un concert, un petit garçon est venu me voir très sérieusement pour me dire qu’on s’était aimés dans une autre vie. C’était touchant et drôle à la fois. Il y croyait vraiment. Je lui ai d’ailleurs dédié la chanson “Songe d’un ange”. Parfois, mes chansons me traversent comme si elles venaient d’ailleurs. J’ai souvent l’impression de ne pas les avoir écrites. Comme si elles naissaient d’un dialogue entre les âmes, au-delà du temps. 

Kyrie Kristmanson ©DR

Dans l’une de vos publications, vous parlez du Royaume de l’Ombre. Comment vivez-vous dans celui-ci ? Et comment remontez-vous à la surface ?
C’est un lieu régi par d’autres lois. Un espace de dialogue avec les voix d’avant, les fantômes des siècles passés. Il faut y descendre pour en extraire quelque chose. C’est une terre sombre mais fertile, où vivent nos peurs, nos traumas, notre honte. En s’y confrontant, on remonte avec une matière précieuse. En tant qu’artistes, nous faisons souvent ce voyage. Pour nous, mais aussi pour celles et ceux qui n’ont pas le temps ou l’espace pour le faire. Les chansons sont des élixirs, nées de cette traversée. Elles portent une expérience absorbée, digérée, transformée.

Vous êtes musicienne, chercheuse, conteuse… Vous vous sentez plus proche des sciences, de la magie, ou des deux ?
Je vis mon chemin artistique comme une quête. Tous les outils sont bons pour avancer. Ma mission, c’est le ré enchantement du monde. La science peut y contribuer. La physique quantique, par exemple, me bouleverse. L’intrication, par exemple, est une idée belle, poétique, et réelle — deux choses restent mystérieusement liées, même à distance, comme si elles se souvenaient l’une de l’autre au-delà du temps et de l’espace.

Y a-t-il une chanson qui résume votre essence ?
La chanson de la Comtesse de Die, faite uniquement avec des percussions corporelles. J’aime quand le corps, les mots et la mélodie suffisent. C’est une pratique libre, sans scène ni artifice. On n’a pas besoin d’étudier pour créer. Chacun a une voix.

Vous avez redonné voix aux trobairitz, ces femmes troubadours oubliées… Pourquoi ce projet vous a-t-il semblé nécessaire aujourd’hui ?
L’idée est née d’un constat partagé avec le Trio SR9, un trio de percussionnistes lyonnais : malgré les discours, les compositions féminines restent très peu programmées. Alors on a eu envie de « wack the wack », d’aller au-delà des mots, de vraiment chercher, écouter, révéler. On a exploré comment, sur huit siècles, des femmes ont donné forme à leurs corps et à leurs désirs dans la musique, avec toute leur force, leur fragilité, leur mystère.

C’est un geste sincère, nourri par un vrai travail de recherche — pour les honorer dans leur pleine humanité. On redonne de la chair à ces voix avec un instrumentarium singulier : piano préparé, marimba, glockenspiel, verres d’eau accordés. Ce n’est pas académique. C’est vivant, incarné, presque théâtral.

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Heavy Heavy à L’Épicentre le 8 février ©DR

Chris Watson à l’Abri PC Plan-les-Ouates – 9 février
Après l’effervescence, place à la contemplation. Dimanche bien-être oblige, on plonge dans The Sound of Sanctuary, une expérience immersive signée Chris Watson, maître du field recording (l’art d’enregistrer les sons de l’environnement naturel ou urbain pour capturer des ambiances sonores authentiques). Il capture les sons du monde avec une précision saisissante, et pour Antigel, il nous emmènera au cœur de la forêt tropicale de la montagne d’Ambre, à Madagascar. Les bruissements des insectes, les chants d’oiseaux et les échos d’amphibiens rares offriront une plongée au cœur de la nature préservée. 

Christone “Kingfish” Ingram à Les Los Gatillos  – 11 février
Place au blues, à la pureté des cordes qui vibrent sous les doigts d’un prodige. Christone “Kingfish” Ingram, à seulement 24 ans, est déjà une référence, inscrit dans la lignée de B.B. King, Jimi Hendrix et Albert King. Son album Live In London capture l’intensité d’un live brut, chargé d’émotions et de solos électrisants. Rolling Stone le qualifie de “l’un des guitaristes les plus excitants de ces dernières années”. Ce concert à l’Alhambra s’annonce comme une immersion totale dans l’âme du blues.

Christone “Kingfish” Ingram à Les Los Gatillos le 11 février ©DR

De La Soul à la Salle du Lignon – 14 février
L’énergie ne redescend pas avec De La Soul, véritable monument du hip-hop old school. Groovy, inventifs, joyeux, les pionniers du rap alternatif ont marqué des générations avec des hits comme Ring Ring Ring (Ha Ha Hey) ou All good avec Chaka Khan. Longtemps privés de leurs propres albums à cause de problèmes de droits, ils reviennent en force, prêts à offrir une soirée empreinte de nostalgie et de pur bonheur musical. Le 14 février, De La Soul impose un dilemme : amour ou boom bap ? À vous de trouver l’excuse parfaite pour emmener votre crush là-bas. 

FaceSoul au Temple de Carouge – 18 février
Du hip-hop conscient au blues introspectif, il n’y a qu’un pas. Dans l’atmosphère solennelle du Temple de Carouge, FaceSoul, alias Faisal Salah, livrera une performance empreinte de profondeur et de spiritualité. Son EP A Beautiful Patience capte l’essence du déracinement et des transitions, entre mélancolie et espoir. Une performance à la croisée de la soul et du spoken word, empreinte de sincérité.

FaceSoul au Temple de Carouge le 18 février ©DR

Sam Quealy à Le Groove – 20 février
Sam Quealy, alias la techno pop princess, électrise la scène avec un mélange explosif d’électro, de punk et de sensualité assumée. Membre de la légendaire vogue house Comme des Garçons, elle fusionne musique et performance visuelle pour un spectacle hors norme. Avec Thea en ouverture, cette soirée promet une montée d’adrénaline et une immersion totale dans un univers fiévreux et hypnotique.

Mayra Andrade au Victoria Hall – 21 février
Après la fureur des beats électroniques, place à la grâce et à l’authenticité de Mayra Andrade. Icône capverdienne, elle investira le majestueux Victoria Hall avec sa voix envoûtante et sa présence lumineuse. Entre créole, portugais et français, elle tisse un lien entre tradition et modernité, mêlant rythmes insulaires et sonorités contemporaines pour une parenthèse musicale hors du temps.

Mayra Andrade au Victoria Hall le 21 février ©DR

Palms Trax au Motel Campo – 22 février
Palms Trax est un DJ qui insuffle une énergie irrésistible dans une salle, enchaînant les tracks avec une fluidité naturelle qui embarque le public dès les premières minutes. DJ et producteur britannique, il a fait ses armes à Londres avant de poser ses valises à Berlin, où il a affiné son style entre house vintage, disco ésotérique et sonorités underground du Royaume-Uni. Son talent s’illustre autant en studio que derrière les platines, où il navigue avec aisance entre références old-school et trouvailles avant-gardistes. Son set de cinq heures au Grand Central promet une immersion totale dans son univers sonore envoûtant.

Mairo à L’Usine – Le Rez – 1er  mars
Figure incontournable du rap genevois, Mairo incarne une nouvelle génération d’artistes qui façonnent le paysage musical local. Son style, mêlant rap incisif et influences électroniques, bouscule les codes et impose une signature unique. À l’Usine, il s’apprête à livrer une performance intense, où ses textes percutants et son énergie brute trouveront un écho puissant auprès du public. Un final explosif pour clôturer Antigel en beauté.

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Du live à l’accompagnement sur mesure
Le collectif les Attitudes privilégie les groupes live plutôt que les solistes. « On aime voir des musiciens et musiciennes sur scène, ressentir une vraie énergie collective », partage Lou Ciszewski. Parmi les artistes accompagnés, on retrouve des talents prometteurs comme Super Hasard, 24Kiara, ou encore O.U.M.P.H., un groupe de onze instrumentistes issus de l’AMR, qui produisent de la techno avec des instruments de fanfare.

L’accompagnement dépend du besoin de chaque projet : « On fait du sur-mesure. Certains groupes viennent juste pour enregistrer en studio, d’autres pour du booking ou même pour structurer un calendrier de sorties », explique l’équipe. Le jeune label veille aussi à guider les artistes sur des choix stratégiques, comme les moments opportuns pour sortir un single ou organiser une tournée, le merchandising, la coordination, etc. « Parfois, après une tournée, mieux vaut attendre et repenser l’identité scénique et visuelle avant de revenir sur le devant de la scène.»

Un engagement pour la diversité et la scène localeL’ADN des Attitudes, c’est aussi un engagement pour la diversité et la valorisation des talents locaux. « À Genève, le territoire est limité, mais il regorge d’artistes incroyables qu’on veut mettre en lumière », affirme Laurence. Une attention particulière est portée à la représentativité dans la programmation afin d’éviter les plateaux entièrement masculins. « On valorise les artistes qui chantent en français, mais on ne se limite pas à un style : rock, pop, rap, tout y passe, tant que les projets sont authentiques et porteurs de valeurs fortes », ajoute Lou.

Mobile et connecté
Le label ne se contente pas d’un studio fixe : il est en constante collaboration avec des lieux emblématiques comme Les Caves de Versoix, La Gravière ou L’Écurie. Leur quartier général, la Corne à Vin, un ancien caveau à vin rénové près de la gare Cornavin, sert de lieu central pour les répétitions et certains événements. Côté promotion, l’association mise sur la créativité et le réseau. « On travaille avec des graphistes différents pour chaque affiche, et nos réseaux sociaux sont un véritable canal de partage », explique Lou. Le label est aussi présent sur Bandcamp, regroupant tous ses projets pour une diffusion et une vente simplifiée.

Leurs évènements à ne pas rater
L’année 2024 s’annonce prometteuse pour le label. En janvier, le trio 24Kiara dévoilera deux singles, tandis que O.U.M.P.H. et Prune sortiront leurs EP en février. Deux événements sont déjà en préparation : une soirée aux Caves de Versoix le 22 février et un double vernissage à La Gravière (date à confirmer). Avec les Attitudes, la scène musicale genevoise prouve qu’elle n’a pas besoin de chercher bien loin pour vibrer au rythme des talents. La suite promet d’être aussi riche que surprenante.

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Pourquoi était-il important pour vous de raconter ces histoires ?
On parle souvent de l’immigration, mais rarement de la « post-migration », des enfants d’immigrants qui n’ont pas un parcours migratoire à proprement parler, qui ont grandi en Suisse, mais dont les origines, les codes et parfois les langues diffèrent. En grandissant, on développe une « seconde peau » pour s’adapter : on apprend à être d’une certaine manière à la maison, et complètement différent à l’extérieur. C’est une dualité, presque une double vie, qui touche bien plus de gens qu’on ne le pense et qui soulève des questions universelles.

C’est votre première pièce de théâtre. Comment s’est déroulé le processus de création ? Qu’est-ce qui vous a surpris ?
Je me suis entourée des comédiennes autour de ce concept il y a un an. Nous avons démarré avec un corpus de textes, puis entamé un travail intense de coécriture. Chacune apportait sa sensibilité, son parcours, ses mots. Nous avons lu, fait des interviews, regardé des documentaires, sondé. Après un an, nous avions un spectacle, qui est d’ailleurs en perpétuelle évolution. Ce qui nous a surpris, c’est qu’on avait du contenu pendant quatre heures…

Pour vous, qu’est-ce qui fait une bonne pièce de théâtre ?
C’est un peu difficile à répondre. Pour moi, c’est une pièce qui vous touche ou qui vous fait rire, réfléchir ou où l’on se sent représenté. Une pièce qui ne nous ennuie pas.

Que souhaitez-vous que cette représentation aux Créatives apporte au public et à la pièce ?
Premièrement, je suis hyper fière qu’on puisse présenter notre pièce dans le cadre d’un festival 100% féministe à la programmation incroyable ! C’est fou. Ensuite, l’un de nos grands objectifs est d’amener un public plus jeune au théâtre, et de le rendre plus accessible, lui donner un côté moins élitiste.

Quels autres spectacles ou artistes avez-vous l’intention de voir aux Créatives ?
J’aimerais aller voir le spectacle Troubles, de Virginies Despentes Virginie Despentes, Béatrice Dalle, Casey et Zëro et Tir Sacré de Marine Colard.

Comment gérez-vous le stress avant de monter sur scène ?
La veille, je suis très stressée. Mais une fois sur place, entourée de mes *co*équipières, ça va mieux. On n’est pas seules, on sait que dans le pire des cas, on peut compter les unes sur les autres. Le jour même, l’excitation prend le dessus : c’est le moment de jouer, de partager le fruit de tout ce travail.

En tant qu’actrice, préférez-vous le théâtre ou le cinéma ? Avez-vous des limites dans le jeu ?
Le théâtre est ma passion depuis toujours, c’est le fil conducteur de ma vie. Pour l’instant, je ne me vois pas faire autre chose. Jouer, que ce soit au théâtre ou au cinéma, c’est pour moi l’art de se transformer et de raconter une histoire. Ce que j’adore, c’est ressentir des émotions qu’on ne vit pas dans la vie de tous les jours, se mettre dans des états complètement différents. Si je pense aux limites, ça me rappelle le moment où j’ai commencé mes études de théâtre, j’étais l’une des rares issues de l’immigration. On me poussait souvent dans un rôle « exotique » d’Albanaise, et on me faisait parler en albanais. Aujourd’hui, il est important pour moi de ne pas être cantonné à ce rôle, mais d’écrire pour nous (issus de l’immigration), de nous représenter par nous-mêmes, au-delà des stéréotypes.

Enfin, que diriez-vous à quelqu’un pour le convaincre de venir voir La Part de feu ?
Vous aimerez ou non, mais vous ne vous ennuierez pas. Ce n’est pas une pièce de Molière, on parle comme dans la vraie vie, et le rythme est différent. Elle touche à des émotions profondes, on y parle de douleurs intériorisées, souvent difficiles à exprimer. La communauté a réagi avec beaucoup d’émotions. On a été heureuses de constater que cette pièce rassemble le public, peu importe l’âge et l’origine, un moment où on libère sa part de feu !

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Ava Duvernay récompensée du Prix Film & Beyond
Le GIFF mettra à l’honneur Ava DuVernay, l’une des voix les plus influentes et engagées du cinéma contemporain. À la tête de sa propre compagnie de production, elle s’est imposée avec des œuvres marquantes telles que Middle of Nowhere et When They See Us, où elle s’attaque aux préjugés racistes et sexistes avec audace et sensibilité. Vous aurez l’occasion d’assister à la remise du le prix Film & Beyond et à sa conférence le 3 novembre prochain au Théâtre Pitoëff.

Middle of Nowhere ©DR

Nos préférés
Parmi les films et séries qui ont attiré notre attention au GIFF, quelques-uns se démarquent. D’abord, l’adaptation du roman éponyme de l’auteure romande Elisa Shua Dusapin, Hiver à Sokcho (2 et 8 novembre), qui suit le lien qui se tisse entre Soo-Ha, Franco-Coréenne, et Kerrand, touriste français dans une petite ville balnéaire de Corée du Sud. La co-production suisse-indienne Shameless (3 novembre) raconte quant à elle l’histoire d’amour entre deux femmes dans le milieu de la prostitution. Plus percutant, Kneecap (2 novembre) retrace le destin d’un professeur de Belfast qui se retrouve dans l’orbite de Naoise et Liam Óg, outsiders devenus les pionniers d’un groupe de hip-hop rappant en langue irlandaise, devenu un mouvement national pour sauver l’irlandais. Parmi nos coups de cœur figure également Escape from the First Century (9 novembre), dont les visuels quasi psychédéliques dans un univers de science-fiction et de fantasy en font un incontournable de cette édition.

Hiver à Sokcho ©DR

Côté série, ne manquez pas la première internationale de Pirate Bay (3 et 5 novembre), qui relate l’histoire vraie de Peter, Frederik et Gottfrid, à l’origine de la création de l’un des plus grands index BitTorrent en 2003. La grande gagnante du Festival Series Mania, Ceux qui Rougissent (5 novembre), suit l’évolution d’un groupe de lycéens en pleine immersion théâtrale, dans une mise en scène si brute et spontanée qu’elle flirte parfois avec le documentaire. Et enfin, découvrez Winter Palace (2 novembre) de Pierre Monnard, première collaboration entre Netflix et la RTS, qui retrace la naissance de l’hôtellerie de luxe dans les Alpes.

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Leo Tardin en plein processus de création artistique ©DR

Comment les dessins interagissent lors de vos performances ?
Dans une performance, il y a une dizaine de compositions musicales et de dessins. Pour réussir à synchroniser le tout, j’ai collaboré avec un programmeur qui m’a aidé à développer un système de gestion des dessins en temps réel pendant que je joue grâce aux pédales. Chose que je n’ai pas trouvé dans le marché. C’est un processus qui s’inspire du stop-motion, où l’évolution du dessin se fait image par image, sans ordre particulier.

Le dessin et la musique vous procurent-ils des émotions différentes ?
J’ai la chance de pouvoir passer de l’un à l’autre, ce qui me permet de retrouver une certaine fraîcheur à chaque fois. J’ai parfois l’impression de ressentir l’excitation d’un adolescent quand je change de discipline. Cependant, je n’aime pas voir l’art comme un simple exutoire. En musique, j’ai parfois l’impression de m’oublier, car elle est très liée à l’expression de mes émotions personnelles. Le dessin, en revanche, est plus terre-à-terre : je reproduis ce que je vois. Alors que dans la musique, j’invente et je crée. Cela me pousse à explorer plusieurs niveaux de création.

Comment vos performances ont-elles évolué depuis vos débuts ?
Au début, j’étais plus insouciant, car j’avais la chance d’être accompagné par un label. Depuis peu, je dois m’occuper de tout, ce qui a changé ma manière d’aborder les performances. Par exemple, quand je pars en tournée, j’ai plus d’appréhension qu’avant : est-ce que l’avion va avoir du retard ? est-ce que l’accoustique de la salle sera opérationnelle ? le projecteur serat il à la hauteur ? Cela dépend aussi du projet. Quand je joue avec d’autres artistes, mon rôle peut être plus léger. Mais pour le « Piano Illustré », je gère tout et suis au centre de l’attention.

Leo Tardin ©DR

Vous vous qualifiez de « monomane ». Pensez-vous qu’il est nécessaire de se concentrer sur une seule passion pour réussir ?
Non, c’était une vision simpliste que j’avais adolescent. Se concentrer sur une seule chose te spécialise, mais tu peux aussi manquer d’épanouissement si tu négliges d’autres aspects. J’ai eu la chance d’être encadré par un producteur, ce qui m’a permis de me focaliser sur la musique sans me disperser. Mais aujourd’hui, je réalise qu’explorer plusieurs disciplines enrichit ma créativité.

Pouvez-vous nous parler de votre résidence à Venise et de la sonorisation développée spécialement pour l’occasion ?
Lors de ma résidence à Venise, dans le cadre de Pro Helvetia, j’ai eu l’opportunité de collaborer avec Enrico Terragnoli, un artiste italien et excellent guitariste et compositeur. Nous avons travaillé ensemble sur l’orchestration musicale, avec un focus particulier sur la texture sonore. Ce travail a permis d’enrichir mes performances en solo grâce à l’ajout des compositions d’Enrico, qui venaient compléter certaines de mes illustrations. Cette résidence a été un moment précieux, car elle nous a permis de prendre le temps de peaufiner chaque détail, chose rare dans le cadre d’une création collaborative.

Vous avez mentionné l’idée de jouer dans des salles à 360 degrés. En quoi cela changerait-il vos performances ?Il existe environ 2000 globes dans le monde, équipés pour ce type de projection immersive, dont deux à Genève (au CERN et aux Nations Unies). Je pense que les performances visuelles en direct dépasseront de plus en plus le simple écran plat. Projeter dans un globe demande la création de contenu visuel en très haute résolution, ainsi qu’une adaptation du programme que j’utilise actuellement pour gérer le défilement des images via des pédales. Le format des illustrations doit également être modifié pour s’adapter à ce type de projection, ce qui influence aussi le contenu artistique en lui-même.

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Ô DeBIT, Drisco, Spaceman Paps à Groove Session ©DR

Alhambra – Ahmet Aslan
Le 8 octobre à l’Alhambra, ne manquez pas la première prestation en Suisse d’Ahmet Aslan, star kurde de la scène musicale turque. Connu pour sa voix profonde et sa virtuosité sur de nombreux instruments à cordes anatoliens, Ahmet Aslan nous prouve que la musique rassemble et unit. Fusionnant la musique traditionnelle mésopotamienne avec des sonorités contemporaines mondiales, il chante en kurde, zazaki et turc. Son concert nous emmènera dans un voyage à travers des réinterprétations de chansons folkloriques intemporelles.

Château Rouge – Papooz et Toi Or
Dès les premières notes, Papooz séduit avec une musique mêlant jazz, rock’n’roll, bossa nova et folk, le tout habillé d’une esthétique rétro des années 70. Ce duo parisien, formé par Ulysse Cottin (guitare et chant) et Armand Penicaut (guitare rythmique), font de la musique pour leur passion mais surtout pour rendre les gens heureux. Et c’est bien ce qu’ils comptent faire le 12 octobre, au Château Rouge, où ils présenteront leur dernier album Resonate Augmented, ou encore les incontournables comme Ann Wants to Dance ou Ulysses and the Sea. En première partie, nous découvrirons Toi Or, un quintet de french pop signé sur le label genevois Attitudes, avec un univers à la fois groovy et planant.

Papooz et Toi Or à Château Rouge ©DR

Rez Usine — Mae et Fredz
Une soirée placée sous le signe de la pop urbaine, le 18 octobre prochain au Rez de l’Usine. Au programme : MAE, l’une des révélations suisses 2023, par Tataki. Influencée par le RnB, son premier single Danse avec moi (en collab avec Altero) a explosé avec 7 millions de streams. Cet été, elle a pris tout le monde de court avec son premier EP Les Berceuses, où elle continue d’affirmer son identité artistique. En deuxième partie, l’incontournable Fredz, débarqué tout droit de Montréal, viendra balancer les titres de son dernier album Demain il fera beau, actuellement en tournée.

Les Docks — Ash
Virtuose de multiples instruments tels que le clavier, le pad, le saxophone ou encore la guitare, Ash est un prodige dont la musique a séduit des millions de fans à travers le monde. Originaire du Caire, il s’est fait connaître grâce à des vidéos filmées dans des lieux époustouflants, et sa musique, un mélange d’électronique et de musique traditionnelle égyptienne, est tout aussi envoûtante. Ses titres Sing it Back ou encore Mosaïque feront vibrer la salle des Docks à Lausanne le 27 octobre.

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Un défi relevé !
Bien qu’il n’ait pas encore trouvé de lieu permanent, Minuit Festival se veut une véritable expérience immersive. Pour cette deuxième édition, l’Audio a été métamorphosé. La programmation, bien que restreinte, ne déçoit pas. Chaque soirée accueillera jusqu’à 2000 festivaliers, avec de grands noms de la scène house et électro, tant internationale que locale. Le vendredi mettra en vedette Busy P, à l’origine de la découverte de Justice et Daft Punk. Le samedi, Oden et Fatzo, le groupe à l’origine du tube I Can’t Stay Forever, offriront une performance live très attendue. Ce même soir, Louie Vega, légendaire DJ classé numéro 1 des Top Artists de 2021 par Traxsource, sera également présent, aux côtés de Nina Kraviz, dont la techno puissante fera vibrer l’Audio jusque tard.

Au-delà de ses murs habituels, l’espace extérieur joue un rôle essentiel avec un stage installé dans un bus, un grand espace à l’extérieur, et des food trucks offrant une sélection de spécialités savoureuses. Les festivaliers pourront ainsi se régaler avec des plats thaïs, des pizzas, ou encore des créations d’un chef genevois réputé Danny Khezzar. Cette attention aux détails, tant sur le plan gastronomique que sur l’aménagement des lieux, permet à Minuit Festival de se démarquer des événements classiques. Le festival continue de cultiver son propre ADN. C’est avant tout une ambiance, une promesse de découvertes musicales et de moments partagés. En évitant la surmédiatisation, l’événement démontre qu’il reste fidèle à son essence en offrant une expérience authentique et des performances artistiques de haut niveau.

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Comment avez-vous découvert votre passion pour la musique, et plus particulièrement pour le rap ?
Ma passion pour la musique remonte à mon enfance. Je suis le seul dans ma famille à être passionné par cet art. A l’époque, j’écoutais beaucoup Akon et 50 Cent, Maître Gims ou encore l’artiste guinéen Instinct Killer. En arrivant en Suisse, j’ai eu l’occasion de participer à un atelier d’écriture en 2018, et c’est là que l’inspiration est venue comme un feu d’artifice. C’était un moyen pour moi de transformer mes rêves et mes pensées en paroles.

Que représente pour vous l’écriture ?
L’écriture est pour moi un moyen de transmettre des émotions et des messages que je ne pourrais pas exprimer autrement. C’est une façon de nettoyer mon cœur et de me libérer de mes fardeaux émotionnels. Quand j’écris, je transforme tout ce que j’ai sur le cœur en rap. Cela m’a énormément aidé à traverser des périodes difficiles.

Pouvez-vous nous parler un peu du syndrome de Nail Patella et de la manière dont il affecte votre vie quotidienne et votre parcours artistique ?
Le syndrome de Nail Patella est une maladie héréditaire qui a sérieusement affecté ma vue et provoqué des souffrances cérébrales. Cela prend du temps pour moi d’accomplir certaines choses, et il est important que les gens que je côtoie soient patients avec moi. Cette expérience de vie m’a fait grandir avant l’heure. J’ai évolué dans des conditions difficiles, marquées par des rejets constants depuis ma naissance. En Guinée, la notion de handicap est mal comprise. Là-bas, on te considère comme un sorcier, et les gens te fuient. Artistiquement, cela a influencé ma perspective et ma créativité, et m’a poussé à aller au-delà des apparences pour explorer la profondeur de mes émotions et expériences.

Charlito ©DR

Quelle est votre philosophie de vie ?
Ma gimmick est « profonde est la vie ». Mon entourage me trouve réfléchi, mature et philosophique. J’aborde les choses en profondeur, rarement en surface. Que ce soit dans mes relations, dans le rap ou dans les liens que je crée, j’ai besoin de temps pour échanger et me connecter.

Quel a été votre ressenti lorsque la Fondation Étoile Filante vous a proposé de réaliser votre rêve de tourner un clip pour l’une de vos chansons ?
Lorsque la Fondation Étoile Filante m’a proposé de réaliser un clip pour ma chanson, c’était comme un rêve devenu réalité. J’étais à la fois excité et reconnaissant. C’était une opportunité incroyable de partager ma musique avec un public plus large et de montrer que, malgré les défis, il est possible de réaliser ses rêves.

Comment s’est passée la collaboration avec le rappeur et réalisateur genevois Fluide pour la réalisation de votre clip ?
La collaboration avec Fluide a été exceptionnelle. Nous avons travaillé ensemble tout l’été 2023. Dès le début, nous étions sur la même longueur d’onde. L’expertise de Fluide a été indispensable à la réalisation de mes idées. Le processus de création du clip a été intense et enrichissant. J’avais déjà écrit la chanson depuis longtemps, et l’inspiration est venue d’un rappeur albinos, Kalash Criminel. Pour le tournage, nous avons choisi des lieux spécifiques à Genève et invité des amis pour jouer les figurants. Le tournage s’est déroulé sur deux jours, et malgré la pression et le stress d’être devant la caméra, j’ai réussi à relever le défi.

Quels sont vos projets futurs dans la musique ? Avez-vous d’autres rêves ou objectifs que vous aimeriez réaliser ?
Mon prochain projet est de réaliser un nouveau clip pour une chanson dont l’instrumental est un peu plus rapide. J’aime les mélodies profondes et réfléchies, et je veux continuer à explorer ces thèmes dans ma musique. Mon rêve ultime est de toucher des millions de personnes avec mes créations et d’inspirer ceux qui vivent avec des handicaps ou qui font face à des défis similaires aux miens.

Quel message aimeriez-vous transmettre aux jeunes qui, comme vous, vivent avec une maladie ou un handicap, mais qui ont des rêves et des passions ?
Mon message est d’utiliser vos passions comme un moyen de vous exprimer et de vous connecter avec le monde. Votre condition ne définit pas votre potentiel. Il est possible de réaliser ce qui semble impossible, et il est important de croire en soi et de persévérer.

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Qu’avez-vous emporté des enseignements à l’Académie ?
Cette manière de jouer, sincère et pure, m’accompagne toujours et c’est ce que j’essaie de transmettre. À l’Académie, j’ai joué en quatuor avec mon frère, une expérience marquante qui nous a éduqués en tant que musiciens. Cela m’influence encore dans mon travail quotidien, où je suis toujours en quête de sincérité et de transmission émotionnelle.

Seiji Ozawa parlait beaucoup du « même souffle », pouvez-vous nous en parler ?
L’Académie Ozawa cherche des instrumentistes capables de s’ouvrir et de communiquer en équipe. Ce travail en immersion avec d’autres musiciens, pendant douze jours, enseigne à anticiper les intentions des autres et à travailler ensemble. L’union des quatre sons crée une cohésion musicale unique, semblable à un son émanant d’un instrument à seize cordes.

L’altiste Marie Chilemme © Nicolas Lieber

En tant qu’alumni de l’Académie, pouvez-vous nous parler du processus de sélection ?
L’Académie Ozawa sélectionne de jeunes instrumentistes solistes pour les initier à la musique de chambre. Pour Seiji Ozawa, passionné par le quatuor à cordes (deux violons, un alto et un violoncelle), cette formation était indispensable pour « ouvrir les oreilles » et s’améliorer dans leur domaine. Le concours d’entrée, très exigeant, demande généralement l’interprétation d’un mouvement de Bach et de deux mouvements de Mozart. Puis, durant douze jours à Rolle, les quatuors se concentrent sur deux mouvements. Le soir, ils se retrouvent pour jouer tous ensemble. C’est une expérience qui éveille les sens et guide de manière humaniste, ce qui est rare et généreux.

Ressentez-vous encore le trac avant de monter sur scène ? Comment vos appréhensions ont-elles évolué depuis le début de votre carrière ?
Jouer avec le trac est un travail de toute une vie, tant sur le plan musculaire que respiratoire. L’intensité dépend de l’œuvre, de la présence de micros, de caméras, ou de personnalités impressionnantes dans la salle. Le trac est lié à la volonté de bien faire et de ne pas décevoir. Avec l’expérience, cela diminue, mais ça ne disparaît jamais totalement.

Vous jouez de la musique depuis l’âge de trois ans. Qu’est-ce que la musique vous a apporté dans la vie, philosophiquement ?
Spontanément, je dirais mon mari, haha. Plus sérieusement, je suis consciente que j’évolue dans une bulle qui me permet de m’évader et de moins me préoccuper des soucis quotidiens. La musique m’a aussi apporté tolérance et sérénité. L’apaisement.

Quel est votre plus beau souvenir de votre carrière ?
Celui qui me vient à l’esprit, c’est lorsque nous sommes allés visiter l’Académie Ozawa au Japon, pour les 80 ans de Seiji, pour rencontrer la filière japonaise et sa famille. Au cours de la visite, nous sommes tombés sur la légendaire Martha Argerich, en répétition. C’était hallucinant.

Vous faites partie des chanceux qui jouent d’un Stradivarius Alto de 1734. Quelle est votre relation à votre instrument ?
Mon alto de 1734, un Stradivarius prêté, est sorti de musée pour être joué. Mon devoir est d’être à la hauteur et de le faire sonner au mieux de ses capacités. Ces instruments anciens demandent respect et écoute mutuelle. C’est un instrument très sensible et il sent lorsque je suis en forme ou non, et sait se montrer compréhensif lorsque ça ne va pas musculairement.

Qu’est-ce que Marie Chilemme écoute lorsqu’elle ne joue pas ?
J’écoute beaucoup de jazz, de chansons françaises, de vieilles chansons françaises, de la pop, les classiques du jazz, de la salsa. Quelques artistes que j’écoute en ce moment sont Omara Portuondo, L’Impératrice, et Anomalie.

Quels conseils donneriez-vous aux jeunes musiciens qui aspirent à intégrer des institutions prestigieuses comme l’Académie d’Ozawa ?
Je leur conseille d’être au plus proche de leur véritable identité, d’exprimer leur musique avec sincérité. Il est essentiel de travailler avec exigence en amont, mais au moment de jouer, de se concentrer sur l’essentiel : la beauté de la musique et l’essence de la passion.

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