Imaginée avec la créatrice Fanny Blanchelande, la collection puise son inspiration dans le mandala qui compose l’emblème de la marque. Lotus, fleur de lys, cercle infini et géométrie sacrée s’entrelacent dans des créations mêlant pierres colorées, métaux précieux, céramique, titane ou encore aluminium. Trois chapitres composent cette odyssée miniature : Origin, Horizon et Odyssey, comme trois façons différentes de prendre le large sans quitter la terre ferme.

Le détail le plus intéressant reste peut-être ailleurs. Ces bijoux ne seront disponibles qu’à bord des navires Explora. Impossible de les acheter en boutique ou en ligne. Une exclusivité qui transforme les passagers en membres d’un club discret, reconnaissables entre eux comme les détenteurs d’un souvenir que l’argent seul ne suffit pas à acquérir.

Au fond, Explora ne vend pas seulement un bijou. Elle vend une appartenance. Une manière de prolonger le voyage lorsque les vagues ont disparu à l’horizon et que la valise est déjà rangée au placard.

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Palace Luzern, vers 1906 Avant les étoiles Michelin, les spas dernier cri et l’ère Mandarin Oriental, le Palace Luzern régnait déjà sur les rives du lac des Quatre-Cantons. Avec ses tourelles Belle Époque, ses façades majestueuses et les Alpes en toile de fond, l’hôtel incarnait le rêve suisse d’une clientèle venue chercher l’air pur, les panoramas grandioses et un certain art de vivre (c) Rodolf Schlatter

Face au lac des Quatre-Cantons, le Palace devient rapidement l’une des adresses les plus désirées du pays. Une sorte de paquebot Belle Époque amarré au pied des montagnes, où l’on venait autant pour être vu que pour contempler le paysage.

120 ans et pas une ride au patrimoine
Cent vingt ans plus tard, la silhouette est toujours là. Elle a vu défiler deux guerres mondiales, plusieurs krachs financiers, des têtes couronnées, des artistes, des chefs d’État et des générations de voyageurs venus chercher un peu de grandeur dans un monde devenu toujours plus pressé.

Escalier monumental, 1908 Marbre, ferronneries et courbes théâtrales : dès ses premières années, le Palace cultivait le goût de la grandeur. Plus d’un siècle plus tard, cet escalier semble toujours inviter les visiteurs à remonter le temps, à une époque où l’on voyageait avec des malles, des domestiques et beaucoup moins d’empressement (c) Rodolf Schlatter

Là où d’autres établissements ont disparu dans les plis de l’histoire, le Palace a continué de traverser les décennies avec une élégance presque insolente. Une mécanique suisse parfaitement huilée, capable d’encaisser les secousses du siècle sans jamais perdre le nord.

En 2022, après cinq années de rénovation minutieuse, le monument entre dans une nouvelle ère sous l’étendard Mandarin Oriental. Une renaissance davantage qu’une transformation. Derrière les restaurants étoilés, les suites réinventées et les clins d’œil asiatiques disséminés avec subtilité, l’âme du lieu demeure intacte.

Colonnes de marbre corail, damier d’origine et lignes contemporaines : le Palace joue les funambules entre patrimoine et modernité. Une partition à quatre mains où 1906 dialogue avec 2026 (c) MO Lucerne

Nouvelle vague de bien-être
Parmi les dernières nouveautés à souligner, l’ouverture d’un spa signé Biologique Recherche apporte une nouvelle corde à l’arc de cette institution centenaire. Une adresse où l’on vient désormais autant pour décrocher du quotidien que pour admirer le lac. Fidèle à la philosophie de la marque française, l’approche se veut pointue, personnalisée et résolument tournée vers les résultats. Une façon de rappeler qu’à 120 ans, le Palace continue d’investir dans l’avenir plutôt que de vivre sur ses souvenirs.

Service anniversaire compris
Pour célébrer cet anniversaire, l’établissement ne distribue pas des parts de gâteau mais des expériences.

Dîner ici, c’est hésiter entre regarder son assiette ou le panorama. Au sommet du Palace, le lac des Quatre-Cantons, les lumières de Lucerne et les reliefs alpins composent un spectacle qui ferait presque de l’ombre au champagne (c) MO Lucerne

L’offre « The 120th Journey » permet de profiter du palace avec jusqu’à 15 % de réduction et un crédit gastronomique de 120 francs. Une invitation à ralentir, à regarder les bateaux glisser sur le lac et à laisser le temps reprendre un rythme plus humain.

Pour ceux qui préfèrent naviguer en première classe, le forfait « Palace Riviera » déroule le grand jeu : arrivée en Rolls-Royce, suite Signature, croisière privée à bord du mythique MS Meggenhorn datant de 1926, champagne, spa et majordome personnel. La dolce vita a trouvé refuge entre les Alpes et le lac des Quatre-Cantons.

Parquet en chêne, lignes contemporaines et balcon suspendu entre lac et montagnes : au Palace Luzern, même les murs semblent avoir le sens du panorama. Le genre d’adresse où l’on ferme rarement les rideaux (c) MO Lucerne

L’art de durer
À une époque où tout s’actualise, se remplace et se consomme à vitesse accélérée, le Palace Luzern célèbre une qualité devenue presque subversive : la longévité. Cent vingt ans après son ouverture, cette grande dame Belle Époque continue de regarder les cygnes tracer leur sillage sur le lac. Le décor a changé. Le monde aussi. Mais certaines adresses possèdent ce talent rare : transformer le temps qui passe en supplément d’âme.

Depuis plus d’un siècle, cette silhouette Belle Époque contemple les eaux du lac des Quatre-Cantons et les sommets qui l’encerclent. Une vue si spectaculaire qu’elle ferait presque passer la chambre au second plan. Presque. (c) MO Lucerne

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L’aubergine fumée, sauce tomate, shatta et ail confit. Le plat qui a discrètement pris le pouvoir sur la table… et sur notre cœur (c) DR

Portée par Pamela Radealli et l’agence PR&Co, cette sixième édition voit les choses en grand. Pour la première fois, la Veggie Week s’étend sur l’ensemble du mois de juin et réunit cinq tables genevoises autour d’un même défi : démontrer que la cuisine végétale n’est ni une punition, ni un compromis, mais un formidable terrain de jeu pour les chefs.

Cette année, SACHI, L’Aparté, Ottolenghi, La Micheline et À Table chez Anou ont chacun imaginé un menu exclusif célébrant légumes de saison, créativité et gourmandise. Des influences japonaises aux inspirations ayurvédiques, en passant par la gastronomie française et la cuisine levantine, le végétal voyage, se réinvente et multiplie les personnalités.

Maxime Martin, chef d’Ottolenghi Genève et ambassadeur de la Veggie Week 2026. Une mission presque naturelle dans une maison où les légumes occupent depuis toujours le devant de la scène (C) DR

Pour prendre le pouls de cette révolution verte, c’est chez Ottolenghi, au Mandarin Oriental Genève, qu’on est allé planter notre fourchette ce midi. Fidèle à l’ADN de la maison, le chef Maxime Martin compose un menu coloré où les légumes n’ont jamais vraiment demandé la permission d’exister. Ici, les asperges grillées, relevées d’origan, de piment mariné et de dukkah, ouvrent le bal de ce menu avec panache. La burrata et ses courgettes apportent ensuite une touche de douceur avant l’arrivée du désormais incontournable shawarma de céleri-rave, véritable ambassadeur de cette cuisine qui brouille les frontières entre végétal et gourmandise.

Caramel custard, fraises, sumac, huile de basilic et amandes : une finale tout en douceur qui récolte les fruits d’un déjeuner particulièrement inspiré (c) Nicolas Bula

Mais le véritable hold-up du déjeuner porte un nom : l’aubergine fumée. Nappée d’une sauce tomate relevée de shatta et accompagnée d’ail confit, elle possède ce mélange rare de douceur, de caractère et de profondeur qui fait les plats dont on se souvient. Une aubergine qui prend tellement de place qu’elle finit par couper l’herbe sous le pied à tout le reste du menu. Notre crush du jour!

Quant au dessert, un délicat caramel custard aux fraises, sumac, huile de basilic et amandes, il vient récolter les fruits d’un déjeuner particulièrement inspiré. Une dernière note tout en équilibre qui rappelle qu’en cuisine, comme ailleurs, les meilleures surprises arrivent parfois là où on ne les attend pas.

Jusqu’au 30 juin, les légumes ont pris le pouvoir. Et contrairement à certains sommets internationaux, celui-ci débouche sur quelque chose de concret dans l’assiette.

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Jean-Léon Gérôme, Dance of the Almeh (vers 1863). Entre fascination, exotisme et mise en scène, le peintre français immortalise une danseuse orientale devenue l’un des motifs récurrents de l’imaginaire orientaliste du XIXe siècle. © Dayton Art Institute

C’est précisément ce grand mélange de fascination et de fiction que décortique Orientalism: Between Fact and Fantasy. Réunissant près de 180 œuvres, l’exposition confronte les célèbres peintures orientalistes aux objets, textiles, céramiques, armes et chefs-d’œuvre du monde islamique qui les ont inspirées. Une manière de quitter le royaume des fantasmes pour revenir aux sources.

Quand l’Alhambra devient influenceuse
Bien avant TikTok, l’Algorithme s’appelait Alhambra. Le palais andalou de Grenade est alors devenu un passage obligé pour artistes, architectes et voyageurs en quête d’exotisme. Ses arabesques, ses cours intérieures et ses jeux de lumière se répandent dans toute l’Europe comme une tendance avant l’heure. L’Orientalisme ne se limite plus aux tableaux : il envahit le mobilier, l’architecture, les arts décoratifs et jusqu’aux intérieurs bourgeois.

Avec At the Mosque Door, Osman Hamdi Bey reprend les codes de l’Orientalisme pour mieux les détourner. Là où tant d’artistes occidentaux regardaient l’Orient de l’extérieur, le peintre ottoman en livre une vision intime, érudite et profondément ancrée dans sa réalité © The Metropolitan Museum of Art, New York

Le grand bazar des influences
Mais réduire cette histoire à une simple appropriation serait aussi réducteur que les clichés qu’elle tente de déconstruire. Car les échanges circulaient dans plusieurs directions. Designers européens fascinés par les techniques islamiques, artisans inspirés par des motifs venus de Perse, collectionneurs avides d’objets orientaux : les influences se croisent, se répondent et parfois se confondent. Certaines créations sont même commercialisées comme « persanes » alors qu’elles n’ont jamais vu Téhéran. Le marketing avait déjà trouvé son désert avant le pétrole.

La revanche du regard intérieur
L’une des révélations de l’exposition porte le nom d’Osman Hamdi Bey. Formé en France mais profondément enraciné dans l’Empire ottoman, il observe son monde depuis l’intérieur alors que tant d’autres le contemplent depuis l’extérieur. Là où certains peintres collectionnent les fantasmes, lui collectionne les nuances. Ses œuvres rappellent que l’Orient n’était pas seulement un sujet regardé : il regardait aussi en retour.

Dans Young Woman Reading, Osman Hamdi Bey tourne le dos aux clichés orientalistes les plus tenaces. Pas de harem ni de spectacle exotique, mais une femme absorbée par la lecture. Une scène de savoir, de calme et d’émancipation qui rappelle que l’Orient réel était souvent plus riche et plus complexe que celui imaginé par les peintres occidentaux © Islamic Arts Museum Malaysia

Au fond, cette exposition raconte moins l’Orient que notre manière de fabriquer l’ailleurs. Hier avec des pinceaux, aujourd’hui avec des filtres. Les outils changent. Les projections, elles, voyagent remarquablement bien.

Forgé pour protéger, collectionné pour admirer. Ce casque ottoman des XVe et XVIe siècles rappelle que l’Orientalisme ne s’est pas nourri uniquement de fantasmes et de peintures. Armes, armures, textiles et objets précieux ont également façonné le regard occidental sur le monde islamique. Entre prouesse militaire et raffinement décoratif, cette pièce témoigne d’un savoir-faire où l’acier se faisait aussi élégant que redoutable Collection du The Walters Art Museum © Walters Art Museum

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L’arme du crime. Celle qui transforme une simple curiosité en addiction sportive. (c) David Lloyd Club

Le royaume genevois du padel
À Genève, le David Lloyd Country Club Geneva s’est imposé comme l’une des adresses de référence pour découvrir ou perfectionner sa pratique. Le club dispose de quatre terrains indoor permettant de jouer toute l’année, un luxe dans une région où les infrastructures couvertes restent relativement rares.

Mais l’atout majeur se trouve peut-être au bord du terrain. Parmi les coachs figure Kilian Jordan, numéro un suisse de la discipline, qui participe activement au développement du padel dans la région. Son constat est simple : rares sont les sports où quatre parfaits débutants peuvent prendre autant de plaisir dès leur première partie.

Le sport qui ne juge personne
Contrairement à d’autres disciplines nécessitant des années de pratique avant de ressentir ses premiers frissons, le padel offre une gratification quasi instantanée. Les échanges s’allongent rapidement, les règles s’apprennent en quelques minutes et les écarts de niveau se gomment plus facilement qu’ailleurs. Résultat : adolescents, parents, sportifs aguerris ou joueurs occasionnels partagent souvent le même terrain.

Cathédrale du rebond chez David Lloyd Club. Sous cette charpente, les vitres remplacent les murs du quotidien (c) David Lloyd Club

Cette démocratisation ne signifie pas pour autant que le sport manque d’intensité. Entre déplacements explosifs, réflexes permanents et changements de direction incessants, jambes, dos, abdominaux et bras sont sollicités à chaque point. Une séance de padel laisse rarement repartir avec la sensation d’avoir simplement tapé quelques balles. 

Bien plus qu’un sport
Ce qui explique sans doute le succès fulgurant du padel n’est pas seulement son aspect ludique. C’est aussi sa dimension sociale. Peu de disciplines favorisent autant les rencontres spontanées, les doubles improvisés et les troisièmes mi-temps qui s’éternisent autour d’un verre.

Au padel, on se serre la main avant le match, pendant le match et souvent autour d’un verre après le match (c) David Lloyd Club

Au David Lloyd Country Club Geneva, cette philosophie se traduit par une programmation régulière de tournois et d’événements destinés à fédérer une véritable communauté de joueurs. Une façon de rappeler que derrière chaque smash victorieux se cache souvent une bonne excuse pour partager un moment ensemble. 

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Ancien infirmier psychiatrique devenu l’un des artistes les plus convoités de sa génération, il peint les anonymes comme des légendes et les légendes comme des voisins de palier.

Ses toiles, accrochées au MoMA, au Met ou au Whitney, ressemblent moins à des portraits qu’à des fragments d’existence arrachés au quotidien. Depuis Los Angeles, l’artiste afro-américain compose depuis quarante ans une chronique sensible de son époque, quelque part entre mémoire collective, souvenirs personnels et poésie du réel. À l’heure où beaucoup d’images cherchent à impressionner, les siennes préfèrent toucher.

 

Avec cette collaboration pour COMME des GARÇONS Wallet, ses personnages quittent les cimaises pour se glisser dans nos mains. Une trajectoire presque naturelle pour un artiste qui n’a jamais séparé l’art de la vie.

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Au Rivage Café, le brunch prend des airs de service à l’anglaise : élégance discrète, lumière lémanique et promesse d’un dimanche qui s’étire délicieusement (c) Beau-Rivage

Pour cette petite révolution dominicale, le Rivage Café convoque l’esprit du Sunday Roast. Une tradition britannique vieille de plusieurs siècles qui repose sur une idée désarmante de simplicité : placer un plat au centre de la table et laisser le reste faire son œuvre. Les conversations comprises. Ainsi, ici, la star n’est pas le buffet mais le plat à partager. Celui qui oblige à lever les yeux de son téléphone, à tendre le bras vers son voisin et, idéalement, à engager une conversation. Une idée presque vieille comme le monde. Et c’est précisément pour cela qu’elle fonctionne. 

En mai dernier, le rôle principal est confié à une courgette farcie à l’italienne. Viande hachée, parmesan gratiné, sauce tomate relevée au paprika : un plat qui arrive sans artifices mais avec suffisamment de caractère pour faire taire la table quelques secondes. Le silence le plus flatteur qu’un cuisinier puisse espérer. 

Confort food en costume trois pièces
Le reste du menu joue habilement entre élégance et gourmandise. Viennoiseries, fromages, charcuteries et fruits de saison ouvrent les festivités avant une entrée qui sent bon le printemps, tandis que les œufs se déclinent façon grand-mère ou version hollandaise et saumon fumé. Puis arrive le dessert. Une tarte aux fraises parfumée à la fleur d’oranger qui rappelle qu’en cuisine comme dans la vie, la sortie compte souvent autant que l’entrée.

Viennoiseries dorées, fromages, fruits frais et douce lumière matinale : de quoi rappeler que les plus beaux dimanches commencent souvent autour d’une table bien dressée (c) Beau-Rivage

Une histoire de transmission
Au fond, ce brunch raconte peut-être quelque chose de plus vaste qu’un simple repas. Il parle de ces traditions que l’on croyait rangées au grenier avec les services en porcelaine de nos grands-parents. De ces moments où l’on partage davantage qu’une assiette.

Dans cette maison qui a vu passer des souverains, des artistes et quelques chapitres de la grande Histoire, le temps ne s’est jamais contenté de séjourner : il a laissé ses bagages. Le Beau-Rivage possède des étoiles. Mais surtout, il possède une mémoire. Chapeau bas.

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À Rome, en 2012, Marjane Satrapi troque le crayon pour la caméra. L’autrice de Persepolis poursuit alors son dialogue avec le monde, passant des cases de bande dessinée au grand écran sans rien perdre de son regard libre et acéré.
AFP PHOTO / TIZIANA FABI

Lorsque Persepolis paraît en 2000, le livre fait l’effet d’un pavé dans la mare — ou plutôt d’un encrier renversé sur des décennies de fantasmes occidentaux. D’un coup, l’Iran cesse d’être une abstraction géopolitique. Il retrouve des visages, des éclats de rire, des contradictions et une humanité. Une révolution à l’encre noire.

Crochets aux clichés
Pendant des années, les journaux ont parlé de l’Iran comme on regarde un pays derrière une vitre fumée. Marjane Satrapi, elle, a ouvert la fenêtre. Ses albums racontent les bombardements, l’exil, la répression, mais aussi les fêtes clandestines, les bêtises d’adolescente et les élans de liberté qui poussent toujours entre les pavés de l’autoritarisme. Son génie tenait dans cette capacité rare à faire entrer la géopolitique dans une cuisine familiale sans lui faire perdre son âme.

Le regard ailleurs, la cigarette suspendue entre les doigts. Une image presque cinématographique de Marjane Satrapi, dont l’œuvre n’a jamais cessé de naviguer entre insolence, mélancolie et liberté (c) DR

Ni case, ni cage
Au fond, le véritable tour de force de Marjane Satrapi n’était peut-être pas d’avoir conquis à la fois le 9e, le 7e, le 5e ou le 3e art. C’était d’avoir réussi à rester elle-même au milieu de tous ces territoires. Dessinatrice, autrice, réalisatrice, peintre, militante, elle refusait les étiquettes avec la même énergie qu’elle combattait les clichés. Son œuvre ressemble à son parcours : indisciplinée, curieuse, impossible à enfermer dans une seule case. À une époque obsédée par les spécialisations, elle avait choisi de prendre la tangente.

Marjane Satrapi appartenait à cette catégorie d’artistes qui refusent de choisir entre gravité et légèreté. Chez elle, un éclat de rire pouvait côtoyer une révolution. Une blague pouvait tenir tête à une dictature. Un simple dessin pouvait mettre en échec des années de propagande. À une époque où le monde adore les opinions prêtes-à-porter et les vérités sous vide, son œuvre rappelle une chose essentielle : penser reste un sport de combat.

Avec sa série “Femmes ou rien”, Marjane Satrapi troque le noir et blanc de Persepolis pour une palette éclatante. Dans “Atomic Women II”, les femmes occupent tout l’espace, entre douceur apparente et puissance contenue. Une manière de rappeler que les révolutions les plus durables commencent souvent par un regard (c) Marjane Satrapi

Cette liberté se retrouvait aussi dans sa manière d’être. Ceux qui l’ont côtoyée parlent d’une femme entière, chaleureuse, drôle, capable de passer d’un éclat de rire à une réflexion vertigineuse sur l’exil, la mort ou la condition humaine. Son immense succès ne lui avait jamais donné les manières d’une star. Marjane Satrapi préférait les conversations aux cérémonies, les idées aux décorations et l’humour aux postures. Une personnalité rare, dont le charisme tenait moins au bruit qu’elle faisait qu’à la lumière qu’elle dégageait.

Delshekasteh : le coeur brisé 
Et puis il y a cette ironie tragique, presque persane. Après avoir traversé les secousses de l’Histoire, l’exil, la censure et les révolutions, Marjane Satrapi aurait été emportée par une blessure infiniment plus intime : l’absence de Mattias Ripa, son mari et compagnon de vie. Comme si celle qui avait passé sa carrière à raconter les fractures du monde avait finalement succombé à la plus universelle d’entre elles. Les Perses ont un mot pour cela : delshekasteh, le cœur brisé. Un terme vieux de plusieurs siècles qui rappelle qu’avant d’être une autrice, une cinéaste ou une icône, Marjane Satrapi était aussi une femme qui avait aimé immensément. Et son crayon, jusqu’au bout, aura boxé dans la bonne catégorie.

Mattias Ripa et Marjane Satrapi. Producteur, scénariste, compagnon de route et amour de sa vie, il fut aussi l’un de ses plus proches collaborateurs. Une histoire d’amour qui a traversé l’art, le cinéma et les années, jusqu’à devenir l’un des chapitres les plus bouleversants de son histoire (c) DR

L’encre ne quitte pas le ring
À l’heure où les certitudes montent sur le ring plus vite que les idées, Marjane Satrapi nous laisse une œuvre qui n’a jamais esquivé le réel. Son crayon n’était ni une arme ni un bouclier. Plutôt une paire de gants. De ceux qui permettent d’encaisser l’Histoire sans jamais cesser de lui rendre coup pour coup.

Les grandes artistes ne gagnent pas tous leurs combats. Elles choisissent simplement les bons adversaires. Marjane Satrapi avait choisi l’oubli, les clichés et la peur. Trois poids lourds. Son œuvre continue de leur tenir tête.

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C’est précisément sur ce terrain que s’aventure BabyGlow de Teoxane. Un protocole qui ne cherche pas à changer un visage mais à rallumer la lumière dans les pièces où elle s’était doucement éteinte. Pas de révolution, pas de métamorphose. Plutôt un coup de plumeau sur les reflets du temps.

À la manœuvre? La Dre Meral Saglam chez Clinic IO, qui défend une médecine esthétique de précision où l’on préserve l’identité du visage plutôt qu’on ne la réécrit. Une philosophie qui relève davantage de la restauration d’une fresque ancienne que du coup de pinceau expéditif!

Le protocole repose sur huit points d’injection stratégiquement placés. Huit petites escales pour remettre du soleil dans le teint, lisser les zones d’ombre et redonner au visage ce fameux air de retour de vacances que même trois semaines à Mykonos ne garantissent plus forcément!

Ce qui séduit surtout, c’est sa légèreté. Le rendez-vous dure à peine plus longtemps qu’une pause-café et le temps de récupération est quasi inexistant. Entre les mains de la Dre Meral Saglam, l’expérience est fluide, rassurante et dénuée de toute dramatisation. Une sorte d’espresso esthétique : rapide, efficace et capable de remettre du courant dans un teint qui fonctionnait jusque-là sur batterie faible. Le résultat ne cherche pas à crier sa présence. Il s’installe doucement, comme une lumière que l’on augmente progressivement plutôt qu’un projecteur que l’on allume d’un coup.

Car au fond, le véritable luxe n’est peut-être plus d’effacer les années. C’est de donner l’impression qu’elles ont eu la délicatesse de passer sans laisser de traces. Comme un invité bien élevé qui quitte la soirée sans faire claquer la porte.

À défaut d’arrêter le temps, BabyGlow lui demande simplement de baisser un peu la lumière sur les cernes et d’augmenter le projecteur sur l’éclat.

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Rouge signature, bois clair et lumière douce : le specialty coffee shop prolonge la parenthèse bien-être jusque dans la tasse (c) Go Out! Magazine

Même son nom porte cette intention. Red & Red. Rouge, puis rouge encore. Comme un cœur qui bat. Une même énergie qui s’exprime de deux manières : l’une tournée vers soi, l’autre vers les autres. Le mouvement d’un côté. La rencontre de l’autre.

Le luxe de ralentir
Derrière le projet, Alexandra Andrei a puisé dans son parcours en psychologie et dans l’accompagnement humain pour imaginer un lieu qui ne cherche pas à optimiser ses visiteurs à tout prix. À l’heure où chacun semble devoir devenir une version toujours plus performante de lui-même, Red & Red propose presque un acte de résistance : revenir à soi.

Alexandra Andrei, fondatrice de Red & Red : une vision du bien-être qui privilégie l’écoute à la performance (c) Red & Red

Le studio mise ainsi sur des cours en très petits groupes où l’attention prime sur la démonstration. Ici, le Pilates retrouve son essence : respiration, précision, alignement, contrôle et intelligence du mouvement. Loin des effets de mode et des séances transformées en spectacle.

Même le programme Nervous System Reset semble avoir été imaginé pour notre époque. Un nom qui sonne moins comme une tendance wellness que comme une nécessité collective. Relâcher. Respirer. Décrocher. Réapprendre à habiter son corps avant de retourner affronter ses notifications.

Le calme se boit aussi
Et puis il y a le café. Pas un simple comptoir posé là pour compléter le concept. Un véritable lieu de vie. On y vient pour travailler, retrouver des amis, lire quelques pages ou simplement observer la ville ralentir autour d’un espresso. Les cafés de spécialité sont sélectionnés avec soin, le matcha provient de producteurs japonais perpétuant un savoir-faire transmis de génération en génération. Mention spéciale aux cookies et aux cinnamon rolls, de véritables arguments de poids — au sens propre comme au figuré. Ultra-délectables, dangereusement addictifs et suffisamment convaincants pour faire oublier toute notion de modération!

Cafés de spécialité, matchas de producteurs japonais et pauses assumées (c) Red & Red

Bientôt, les bowls viendront compléter l’offre avec une cuisine généreuse, colorée et voyageuse. Une bonne nouvelle dans une ville où l’on confond parfois encore alimentation équilibrée et punition gustative.

Une respiration dans un monde à bout de souffle
Ce qui séduit chez Red & Red n’est finalement ni une machine, ni un café, ni même une tendance. C’est son refus du spectaculaire. À l’heure où tant d’adresses sont pensées pour être photographiées avant d’être vécues, Red & Red choisit l’expérience plutôt que la mise en scène. Une présence plutôt qu’une performance. Une respiration plutôt qu’un effet d’annonce. Un lieu où l’on vient pour réaligner son corps, apaiser son esprit et reprendre contact avec quelque chose devenu rare : soi-même.

Et dans le monde actuel, c’est peut-être la définition la plus contemporaine du luxe.

Pilates Reformer, Tower et petits groupes : une approche attentive où chaque mouvement retrouve son sens (c) Red & Red

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(De gauche à droite) Harris Skandalakis, Malek Youssef et Thery Couturier dans leur capsule temporelle genevoise. Trois rétro-kids réunis par une même passion pour les objets qui ont déjà une histoire à raconter (c) DR

Van Brugel est né comme naissent souvent les plus belles histoires : sans business plan de cinquante pages ni brainstorming sous PowerPoint! Juste trois amis, beaucoup de passion et une fâcheuse tendance à s’échanger des montres, du mobilier, des œuvres et des idées à longueur d’année. D’un côté, Harris Skandalakis, fondateur de Mendel Watches, qui traque les garde-temps vintage avec l’enthousiasme d’un chercheur d’or. De l’autre, Malek Youssef, créateur de Cyclup Design, dont le quotidien consiste à dénicher des pièces que d’autres auraient laissées filer. Entre les deux, Thery Couturier complète le trio avec Hic & Nunc, son univers dédié lui aussi aux montres. À un moment, il ne manquait plus qu’un toit pour réunir toutes leurs obsessions.

« Nous sommes nostalgiques d’un passé que nous n’avons jamais vécu », résume Malek.

La formule pourrait sembler paradoxale. Elle est pourtant partout. Dans cette moquette qui n’essaie pas d’être discrète. Dans ces objets qui portent les stigmates du temps avec panache. Dans cette fascination assumée pour les années 70, 80 et 90. Là où certains voient de l’usure, eux voient du caractère. Là où d’autres cherchent le neuf, ils traquent l’histoire.

Montres, tableaux, luminaires et mobilier composent un cabinet de curiosités où l’art, le design et l’horlogerie vintage dialoguent sans complexe (c) DR

Car Van Brugel est aussi une petite déclaration de guerre à la dictature du parfait. Ici, les rayures ne sont pas des défauts. Elles sont des souvenirs. Une patine devient une signature. Une montre qui a traversé plusieurs décennies possède davantage de conversations à raconter qu’un modèle fraîchement sorti de son écrin. « Achetez ce qui vous touche », insiste Malek. Un conseil presque subversif à une époque où l’on parle parfois davantage de valeur de revente que de plaisir.

Cette philosophie se retrouve également dans la sélection artistique. Certaines œuvres sont signées par des artistes reconnus, d’autres beaucoup moins. Peu importe. Chez Van Brugel, le pedigree passe après l’émotion. Le trio préfère un tableau capable de provoquer un arrêt net qu’une signature achetée pour impressionner les invités au dîner. Une approche qui rappelle celle de leurs montres : ce qui compte n’est pas tant ce que l’objet vaut que ce qu’il raconte.

Une pendulette Cartier vintage parmi les trésors soigneusement sélectionnés par Van Brugel. Ici, le temps se collectionne autant qu’il se contemple (C) DR

Et c’est sans doute là que réside le charme du lieu. Dans cette capacité à faire cohabiter les passionnés d’horlogerie, les amateurs d’art, les amoureux du design et les simples curieux. On entre pour regarder une montre. On se surprend à parler peinture. On s’arrête devant un fauteuil. On finit par évoquer un souvenir d’enfance ou un film oublié. La galerie fonctionne moins comme un commerce que comme un salon où les objets servent de prétexte aux rencontres.

À l’heure où tout devient plus rapide, plus lisse et plus interchangeable, Van Brugel prend le contre-pied. La galerie célèbre les aspérités, les traces du temps et les objets qui ont déjà eu une vie avant d’atterrir entre ces murs. Une drôle d’idée dans un monde obsédé par le neuf. Pourtant, il suffit d’observer les visiteurs ralentir, s’attarder et repousser le moment de franchir à nouveau la porte pour comprendre que quelque chose fonctionne ici. À force de courir après le futur, on oublie parfois que le passé avait sacrément de l’allure.

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Anissa Bader, fondatrice d’AKHOR. Une Genevoise au parcours scientifique qui conjugue rigueur académique, passion des civilisations anciennes et amour de la Haute Horlogerie (c) AKHOR

Le nom de la maison en est la première illustration. AKHOR puise ses racines dans l’Égypte antique. « AKH » désigne la force immortelle de l’âme tandis que « OR » évoque la noblesse des matières tout en résonnant naturellement avec l’univers horloger. Un nom comme une profession de foi. Car pour Anissa Bader, une montre ne doit pas seulement mesurer le temps : elle doit lui donner du sens.

L’aventure prend véritablement forme en 2020 lorsqu’elle reprend la manufacture genevoise CLAMAX SA. Cette étape marque un tournant décisif. Forte du savoir-faire technique développé au sein de la manufacture, elle imagine progressivement un projet plus personnel, plus libre, capable de traduire sa propre vision de l’horlogerie. Une vision où la technique ne s’oppose jamais à l’émotion et où la précision devient le socle d’une expérience plus profonde. Trois années de développement seront nécessaires pour donner naissance à la première collection de la maison. Son nom : Le Temps en Équilibre.

Le modèle se pare ici d’une pluie de diamants : une interprétation scintillante où la lumière semble suspendue au-dessus du temps

À première vue, le concept intrigue. Deux disques superposés composent le cadran. L’un semble flotter au-dessus de l’autre dans un jeu de profondeur particulièrement hypnotique. Bleu Azur des Sommets, Émeraude des Cimes, brun soleil ou blanc lumineux : les différentes combinaisons permettent à chacun de construire sa propre lecture esthétique du temps. Mais réduire cette création à un simple exercice de personnalisation serait passer à côté de l’essentiel.

Chez AKHOR, le cadran devient une métaphore. Deux éléments distincts qui dialoguent sans jamais se confondre. Deux forces qui se répondent et trouvent leur équilibre. Une manière presque philosophique de représenter notre rapport au temps, toujours partagé entre ce qui passe et ce qui demeure. Cette impression de légèreté cache pourtant une véritable prouesse technique. Afin de donner vie à cette architecture suspendue, la maison a développé une construction brevetée reposant sur un système inédit de double disque. Une innovation qui constitue aujourd’hui la signature visuelle d’AKHOR et qui démontre déjà l’ambition de la marque malgré sa jeunesse.

Deux disques, deux couleurs, deux lectures du temps. La collection À Deux Mesures transforme le cadran en territoire d’expression personnelle

Au cœur de la montre bat le calibre manuel AK10, développé exclusivement pour la maison et fabriqué à Genève. Ce mouvement de 117 composants et 12 rubis offre plus de 60 heures de réserve de marche et a été pensé comme une véritable plateforme évolutive capable d’accueillir demain de nouvelles complications telles qu’une phase de lune, une grande date, un indicateur jour-nuit ou encore un tourbillon. Mais c’est peut-être dans les finitions que l’on mesure le mieux le niveau d’exigence du projet. Anglages réalisés à la main, Côtes de Genève en éventail, composants décorés jusque dans leurs parties invisibles, rouages minutieusement travaillés : chaque détail témoigne d’une volonté de placer la beauté au même niveau que la performance.

Cette quête d’excellence trouve son expression la plus prestigieuse dans le Poinçon de Genève. Toutes les montres AKHOR en bénéficient. Un fait particulièrement rare pour une jeune maison indépendante. Considérée comme l’une des certifications les plus exigeantes de la Haute Horlogerie suisse, cette distinction ne récompense pas uniquement le mouvement mais l’ensemble de la montre : sa fabrication, ses finitions, son assemblage, sa précision et son ancrage genevois. Pour une première collection, obtenir le Poinçon de Genève relève déjà de l’exploit. Le proposer sur l’ensemble de sa production ressemble davantage à une déclaration d’intention.

Au cœur de chaque création bat le calibre AK10, développé exclusivement pour AKHOR. Un mouvement pensé comme une fondation ouverte aux complications de demain

Cette dimension artistique dépasse d’ailleurs le cadre de l’objet lui-même. Pour accompagner le lancement de la collection, AKHOR a confié au réalisateur genevois Nicolas Haeni la création d’un film manifeste. À l’écran, le temps devient mouvement. Des corps flottent, se suspendent, défient la gravité dans une chorégraphie aérienne où l’équilibre semble toujours fragile mais jamais rompu. La montre apparaît alors comme un point de rencontre entre la matière et le vivant, entre la précision mécanique et l’émotion humaine. Une traduction visuelle particulièrement réussie de la philosophie de la maison.

Pour traduire visuellement sa philosophie, AKHOR a confié à Nicolas Haeni un film où les corps défient la gravité, à l’image de ses cadrans suspendus

Dans un univers horloger parfois obsédé par la démonstration, AKHOR choisit une voie plus subtile. Celle de l’émotion maîtrisée. Celle d’une montre qui ne cherche pas uniquement à impressionner mais à résonner. Car au fond, le véritable luxe n’est peut-être pas de gagner du temps. C’est d’apprendre à l’habiter.

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