Le dernier pour la route — 8 avril
Certains films ressemblent à des fins d’été. Le dernier pour la route appartient à cette catégorie rare : celle des récits qui s’effacent doucement, mais laissent une empreinte durable. Il y est question de départs, de ces moments suspendus où l’on retarde l’inévitable. Les corps sont encore là, les voix aussi, mais quelque chose s’éloigne déjà. Le film capte cette sensation avec une délicatesse presque tactile — comme si chaque scène était une tentative de retenir ce qui, par nature, échappe.

La corde au cou  — 15 avril
Plus radical, La corde au cou installe une tension sourde, presque physique. Ici, le récit avance comme une pression continue — invisible, mais impossible à ignorer.Le film explore ce moment précis où les choix deviennent irréversibles. Pas de grand éclat, mais une montée lente, maîtrisée, où chaque silence pèse davantage que les mots. Il en résulte une sensation d’étouffement maîtrisé, une forme de cinéma qui se vit autant qu’elle se regarde.

Michael — 22 avril
Avec Michael, Antoine Fuqua signe bien plus qu’un biopic : une tentative de capturer l’insaisissable. Comment raconter une icône sans la figer ? Comment approcher Michael Jackson sans en réduire la complexité ? Le film avance sur cette ligne fragile, entre fascination et vertige. Les performances musicales deviennent langage, presque mémoire, tandis que l’intime affleure — discret, mais essentiel. Derrière le mythe, il y a une solitude, une exigence, une démesure. Et c’est peut-être là que le film touche juste.



La fille du Konbini  — 22 avril 


Minimaliste, presque silencieux, La fille du Konbini impose une autre temporalité. Inspiré du roman de Sayaka Murata, le film suit une jeune femme qui trouve dans la répétition du quotidien une forme de stabilité. Chaque geste devient rituel, chaque journée se répète — et dans cette répétition naît une forme de poésie inattendue. Mais derrière cette harmonie apparente, une question persiste : faut-il forcément entrer dans le rythme du monde pour exister ? Un film délicat, presque contemplatif, qui s’inscrit dans une esthétique du détail et de l’épure.

Le Diable s’habille en Prada 2  — 29 avril 


Il y a des retours qui tiennent du fantasme collectif. Le Diable s’habille en Prada 2 appartient à ceux-là. Vingt ans après, l’univers de la mode retrouve ses lignes acérées, ses silences chargés de pouvoir, ses regards qui jugent en un instant. Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci — autant de silhouettes devenues iconiques, prêtes à réinvestir un monde où l’image n’a jamais été aussi centrale. Mais plus qu’une suite, c’est une relecture qui se dessine : celle d’une époque où le style est devenu langage, où l’influence redéfinit les règles, et où l’élégance reste, malgré tout, une forme de pouvoir.

Avril se referme comme une respiration retenue — entre éclats de lumière et zones d’ombre, ces films laissent derrière eux une empreinte discrète mais persistante, celle des récits qui continuent de vivre bien après la dernière image.

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Habiter le trouble
Il y a dans Submersion Games une tension qui ne se résout pas. Une manière d’habiter le trouble plutôt que de le dissiper. Le spectacle semble travailler ces zones intermédiaires où le sens n’est pas donné mais suggéré : entre le jeu et le sérieux, entre la douceur et la rudesse, entre la surface et la profondeur. Le corps y devient un lieu de résonance, traversé par des intensités qui ne demandent pas à être expliquées.

Une immersion sensorielle
La musique, la voix, les sons participent à cette immersion. Ils ne soulignent pas, ils enveloppent. Ils accompagnent cette sensation d’entrer dans un espace autre, où les repères se déplacent. On ne sait plus très bien si l’on regarde une fiction, une performance, ou une forme d’état prolongé. Peut-être un peu tout cela à la fois.

Cette représentation évoque alors moins une narration qu’un passage. Une traversée intérieure, faite de glissements et de résonances. Le titre lui-même suggère une mise à l’épreuve : il y a du jeu, mais aussi une forme de perte possible, un risque d’être englouti, absorbé par l’expérience. La submersion n’est pas seulement aquatique : elle est émotionnelle, sensorielle, presque existentielle.

Entre surface et profondeur
On peut imaginer que le spectacle travaille à cet endroit précis : celui où l’on accepte de ne pas tout comprendre immédiatement, de se laisser porter par une logique qui échappe, par une dramaturgie qui s’invente en direct. Une invitation à ralentir, à percevoir autrement, à accueillir l’incertitude comme une matière fertile. A la sortie, il est probable que quelque chose demeure. Une impression diffuse, une trace, peut-être un trouble. Comme lorsque l’on remonte à la surface après avoir plongé trop longtemps : l’air semble différent, le monde un peu déplacé, le regard légèrement transformé.

Submersion Games laisse entrevoir cela : un espace où l’on ne ressort pas indemne, non pas parce que l’on aurait été bouleversé de manière spectaculaire, mais parce que quelque chose, subtilement, se serait déplacé. Une variation imperceptible, mais persistante. Et peut-être est-ce là, précisément, que se joue la force de cette pièce : dans ce qui ne se dit pas tout à fait, dans ce qui affleure sans se résoudre, dans cette manière de faire exister un espace où l’on peut, simplement, être traversé.

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Rosalía dans la saison 3 d’Euphoria par Marcell Rév pour HBO

Retour vers le passé pour comprendre la prochaine saison
Dès la première saison, le spectateur est plongé dans l’univers de Rue Bennett, une adolescente en lutte contre ses addictions et contre elle-même. Son regard sert de porte d’entrée dans un monde où les émotions sont exacerbées, où les relations sont instables et où chaque personnage semble avancer sur un fil. À travers Rue, la série explore des thèmes aussi lourds que la dépendance, la recherche d’identité ou encore la violence des relations amoureuses et familiales. Ce qui frappe, au-delà de la narration, c’est l’identité visuelle : une photographie saturée, des jeux de lumière presque irréels, une esthétique qui transforme le quotidien en une sorte de rêve fiévreux. La relation entre Rue et Jules, empreinte de tendresse et de confusion, devient rapidement le cœur émotionnel de cette première saison, incarnant à elle seule les contradictions de l’attachement et de la dépendance affective.

Barbie Ferreira et Alexa Demie dans la série Euphoria. © HBO

La deuxième saison, quant à elle, marque un tournant plus sombre. Les personnages ne sont plus simplement en construction, ils sont confrontés aux conséquences de leurs choix. Rue s’enfonce davantage dans ses addictions, mettant à l’épreuve ses relations les plus proches. Autour d’elle, les trajectoires s’intensifient : Cassie se retrouve happée dans une spirale émotionnelle qui la pousse à franchir des limites inattendues, tandis que Nate continue de cristalliser les tensions à travers un rapport au contrôle et à la domination de plus en plus inquiétant. Maddy, de son côté, gagne en assurance, affirmant une personnalité qui semblait jusque-là contenue.

Cette deuxième saison est souvent perçue comme plus nerveuse, plus dérangeante aussi. Elle ne cherche pas à lisser les émotions, mais à les exposer dans leur forme la plus brute. Le style reste central, mais il s’efface parfois derrière l’intensité dramatique, laissant place à des épisodes marquants par leur mise en scène et leur densité émotionnelle. La performance de Zendaya y est particulièrement saluée, incarnant une Rue à la fois vulnérable et insaisissable, capable de basculer d’une extrême à l’autre en un instant.

Sydney Sweeney dans la saison 3 d‘Euphoria (2026). © HBO

Au-delà de son récit, la série a aussi imposé une véritable empreinte dans la culture contemporaine. Elle a influencé la mode, la beauté et même les codes esthétiques d’une génération entière, au point de devenir une référence visuelle immédiate. Euphoria n’est pas seulement regardée, elle est imitée, inspirée, reproduite.

Qu’en est-il de la prochaine saison ?
Alors que la saison 3 se fait attendre, les attentes sont à la hauteur de l’impact de la série. Peu d’éléments ont été dévoilés, mais une évolution naturelle semble se dessiner. Un saut dans le temps est évoqué, laissant imaginer des personnages désormais sortis du cadre du lycée, confrontés à de nouveaux enjeux, plus adultes, plus ancrés dans le réel. Cette transition pourrait offrir à la série l’opportunité d’explorer les conséquences à long terme des choix faits dans les premières saisons, tout en renouvelant ses dynamiques narratives.

De nouvelles présences, de nouvelles énergies
Et puis il y a les nouvelles présences, celles qui viennent troubler l’équilibre, introduire une autre tonalité, une autre énergie. Parmi elles, Rosalía, artiste aux contours multiples, et Sharon Stone, icône intemporelle. Deux noms qui résonnent comme des éclats inattendus, deux signatures qui promettent d’enrichir encore l’univers déjà dense de la série.

Dans un paysage télévisuel en constante évolution, “Euphoria” s’apprête ainsi à franchir une nouvelle étape. Reste à savoir si elle parviendra à conserver ce qui fait sa force : cette capacité unique à mêler beauté et chaos, et à capturer, avec une justesse parfois dérangeante, les turbulences de la jeunesse contemporaine.

La série revient, donc, non pas comme un simple retour, mais comme une continuité. Une suite attendue, désirée, presque imaginée par celles et ceux qui n’ont jamais vraiment quitté cet univers. Dans cette attente, il y a quelque chose de profondément humain : le besoin de retrouver ce qui nous a touchés, ce qui nous a traversés, comme si certaines histoires ne nous quittaient jamais vraiment. “Euphoria” s’est imposée comme un phénomène culturel autant qu’un drame générationnel. Elle ne se contente pas de raconter l’adolescence : elle la dissèque, la fragmente et la sublime, parfois jusqu’à l’inconfort.

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Aperture, ou l’art d’ouvrir la nuit
Dès les premières secondes, le morceau respire. Une nappe de synthé, presque diaphane, s’installe avec la délicatesse d’un lever de rideau. Rien de frontal. Rien de brutal. La lumière s’allume progressivement, comme si la chanson nous habituait à voir autrement. Puis la pulsation arrive — discrète mais irrésistible — une rythmique disco contenue, élégante, qui rappelle les nuits qui ne cherchent pas à être vues mais à être vécues. La production, façonnée avec Kid Harpoon, joue avec les textures plus qu’avec les effets. Une basse chaude qui enveloppe, des percussions feutrées qui battent comme un cœur un peu trop lucide, des respirations laissées volontairement audibles. Tout est question de retenue.

Le refrain ne surgit pas, il s’élève. Il ne cherche pas l’explosion mais l’élévation. Il ne hurle pas l’émotion, il la laisse monter, presque à contre-jour. Et au centre de tout, la voix d’Harry : plus grave, plus posée, presque fragile par moments. Une voix qui ne performe plus, qui confesse. Qui s’adresse à quelqu’un ou peut-être à nous.

Aperture n’est pas un single conçu pour saturer les playlists. C’est un morceau qui s’infiltre lentement, comme un parfum sur une veste qu’on garde trop longtemps. Il parle de distance, d’intimité, de regard, de ce qui s’ouvre quand on accepte enfin de voir clair, même dans la pénombre. On imagine la scène : lumières tamisées, silhouettes en mouvement, tissus fluides, paillettes qui captent juste ce qu’il faut de lumière. Ce n’est pas une fête tapageuse. C’est une communion douce, presque introspective. Une danse qui ressemble à une conversation.

Nos coups de cœur, là où Harry touche juste
Chez Harry Styles, certaines chansons dépassent le simple statut de succès pour devenir des refuges. Des morceaux qu’on écoute seuls, tard, quand la ville ralentit.

Sign of the Times (2017) ouvre le bal comme une déclaration d’indépendance artistique. Ballade dramatique, presque théâtrale, elle explose en crescendo rock avec une ampleur qui rappelle les grandes fresques des années 70. C’est une chanson d’adieu et de renaissance, portée par une intensité vocale brute. Dès ce premier single solo, Harry annonçait la couleur : il ne serait jamais là où on l’attend.

Avec Falling, extrait de Fine Line, il change radicalement de décor. Piano minimaliste, voix presque tremblante, confession sans filtre. Falling est une chute intérieure, une exploration de la culpabilité et de la solitude. Pas d’arrangements spectaculaires pour se cacher : juste l’émotion nue. On y entend les silences autant que les notes. C’est fragile, imparfait, et donc profondément humain.

Dans le même album, Fine Line agit comme une catharsis. Long morceau évolutif, il commence dans une douceur mélancolique avant de s’ouvrir progressivement vers quelque chose de presque lumineux. Les harmonies s’empilent, les instruments prennent de l’ampleur, comme si la tristesse finissait par se dissoudre dans l’acceptation. Fine Line n’est pas une chanson de rupture, c’est une chanson de passage — le moment précis où l’on comprend que la douleur fait aussi partie de l’équilibre.

Enfin, Matilda, issue de Harry’s House, est sans doute l’une des plus délicates. Ici, Harry se fait presque narrateur, consolateur. Sur une instrumentation douce et organique, il adresse un message à celles et ceux qui ont dû grandir trop vite, qui ont appris à se construire seuls. Matilda n’est pas une chanson spectaculaire — c’est une étreinte. Une manière de dire : “Tu as le droit de partir. Tu as le droit de choisir ta paix.”

Qu’il soit grandiloquent ou minimaliste, solaire ou introspectif, Harry Styles a cette capacité rare : transformer ses vulnérabilités en hymnes collectifs. Et c’est peut-être là, dans cet équilibre fragile — cette fine line — que réside toute sa force.

L’élégance du contraste
Avec ‘Kiss All The Time. Disco’ , Occasionally, Harry semble vouloir explorer les zones grises : la joie teintée de mélancolie, l’euphorie traversée par le doute, le désir mêlé à la pudeur. Il ne choisit pas entre la lumière et l’ombre. Il les fait cohabiter. Il ne revient pas pour occuper l’espace médiatique. Il revient pour créer une atmosphère. Et dans un monde qui crie plus qu’il n’écoute, cette délicatesse-là a quelque chose de radical. 2026 sera peut-être disco mais seulement occasionnellement. Le reste du temps, ce sera intime. Et infiniment vivant.

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La musique comme confession
Écouter Frank Ocean, c’est accepter de se perdre dans un flot de sensations et de souvenirs. Ses morceaux sont des confessions mises en musique, des lettres ouvertes qu’il adresse à ses propres émotions autant qu’à celles de ses auditeurs. Channel Orange ne se contente pas de raconter une histoire : il décortique la complexité des désirs, de l’amour et des ruptures. Blonde, plus introspectif encore, semble suspendu entre rêve et réalité, chaque note flottant comme un souffle fragile dans la nuit.

N. Rogès plonge dans ces univers sonores avec un regard attentif : il analyse la manière dont Frank Ocean déconstruit la structure même du R’n’B, réinvente la narration musicale et explore les espaces vides laissés par les silences. Ces silences, parfois, en disent plus que n’importe quelle parole.

Le retrait comme manifeste
Peu d’interviews, peu d’apparitions publiques… et pourtant, une aura immense. Frank Ocean défie les conventions, refuse le storytelling imposé par l’industrie, choisit de disparaître pour mieux exister dans la mémoire collective. Nicolas Rogès révèle que ce retrait n’est pas fuite mais stratégie : un moyen de protéger ce que sa musique et sa vie disent de plus intime et fragile, de préserver l’authenticité de son art dans un monde saturé de médiatisation.

Il y a quelque chose de radical dans ce choix : ne pas se plier aux exigences d’une industrie qui veut tout contrôler, et faire du silence lui-même un langage. À travers cette absence volontaire, Frank Ocean devient un artiste à la fois insaisissable et profondément présent, car sa musique et son aura occupent chaque espace laissé vacant par son retrait.

La fragilité comme force
Dans un milieu musical souvent codifié par des codes de virilité et de domination, Frank Ocean choisit la vulnérabilité comme arme. Déclarer son amour pour un homme au moment de Channel Orange, se montrer fragile dans ses visuels et sa voix, défier les clichés : tout cela fait partie d’une esthétique de la sincérité.

Chaque geste, chaque note, chaque silence semble calculé pour créer une intimité avec l’auditeur, une proximité rare et bouleversante. L’auteur nous guide dans ce cheminement, montrant comment cette fragilité n’est pas faiblesse, mais force : un moyen de réinventer la masculinité et de redéfinir ce qu’est un artiste noir à l’ère contemporaine.

L’homme derrière le mythe
“Les garçons ne pleurent jamais” dépasse l’artiste pour explorer l’homme derrière le mythe. La biographie tisse un lien entre la musique, l’époque, la culture et la société. Rogès s’attarde sur les identités fluides, sur la manière dont Frank Ocean réinvente le R’n’B, transforme la perception de la masculinité et nous oblige à réécouter le monde autrement. À chaque chapitre, on découvre un homme complexe : silencieux mais révolté, vulnérable mais courageux, discret mais influent. On comprend pourquoi son retrait, ses absences, sa manière de se montrer à travers ses œuvres et non à travers lui-même, renforcent sa légende.

Une lecture immersive
La biographie de Nicolas Rogès ne se lit pas seulement, elle se ressent. Chaque chapitre est ponctué d’analyses musicales, de souvenirs de proches, de fragments de la vie de Frank Ocean qui éclairent son art sans jamais trahir sa pudeur. Le lecteur est invité à marcher dans ses pas, à entendre ses silences, à comprendre le monde à travers sa musique. La couverture du livre, signée par Anthony Lee Pittman, évoque à elle seule cette idée de vulnérabilité et de puissance mêlées : un visage, un regard, une absence presque tangible. Le choix des images et des mots reflète parfaitement la dualité de Frank Ocean : à la fois artiste insaisissable et voix universelle, homme fragile et icône culturelle.

“Les garçons ne pleurent jamais” n’est pas seulement un portrait du chqnteur : c’est une ode à la sensibilité, à l’introspection et à la puissance de l’art. C’est une invitation à écouter autrement, à ressentir plus profondément, à comprendre que chaque silence, chaque souffle, chaque note a sa place dans la construction d’une identité artistique.

La musique de Frank Ocean reste un refuge et un miroir. Elle reflète nos émotions, nos contradictions, nos désirs inavoués. Et dans ce dialogue silencieux entre l’artiste et le public, se crée une intimité rare, que seule la poésie des sons et des mots peut restituer. Le 25 mars, cet ouvrage promet de nous offrir un voyage au cœur d’une œuvre et d’un homme qui a fait de la vulnérabilité une révolution et du silence une poésie.

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Oxmo Puccino : le poète urbain
Lorsque Oxmo Puccini s’empare de la scène, ce n’est pas seulement un concert qui commence, c’est un paysage entier qui se déploie. Sa voix grave ouvre des chemins, ses mots avancent avec la précision d’un poète et la douceur d’un conteur. On n’écoute pas seulement ses morceaux : on s’y laisse glisser, porté par un flow qui raconte, questionne et remue. Et lorsque les lumières retombent, ses phrases continuent souvent de tourner quelque part en nous. À retrouver le 17 mars à l’Alhambra!

Oxmo Puccino ©Jérémy Beaudet

Luiza : le soleil entre dans la salle
Quand Luiza monte sur scène, c’est comme si le soleil entrait dans la salle. Sa voix chaude et lumineuse, à la fois douce et puissante, vous enveloppe et vous emporte dans un voyage aux couleurs du Brésil et de la pop française. Chaque note raconte une histoire, chaque mélodie fait danser le cœur et sourire l’âme. Entre rythmes entraînants et moments suspendus, son concert est une célébration de la vie, de la joie et des émotions partagées. C’est un rendez‑vous à ne pas manquer : le 19 mars à l’Alhambra, pour se laisser porter par sa musique, vibrer, sourire, et peut‑être même danser pieds nus sur les nuages. Une soirée qui promet d’être inoubliable.

Astéréotypie : quand le chaos devient poésie vivante
Quand Astéréotypie apparaît sur scène, c’est comme si une tempête sonore s’échappait d’un poème habité! Né d’un atelier de poésie, ce collectif post‑punk a fait de ses mots mordants et de ses rythmes rugissants un univers où tout peut prendre feu, rire ou guérir : des textes qui frappent l’imaginaire, des voix qui scandent des vérités sans filtre, et une énergie brute qui vous emporte dès les premières secondes. Si vous aimez les concerts qui secouent, surprennent et restent gravés dans l’esprit, ne manquez pas Astéréotypie le 21 mars au Rez‑Usine à Genève. Une soirée qui promet d’être intense, vivante et profondément humaine.

Astereotypie @Zazzo

Piotr : quand le rap se fait miroir de soi
Lorsque Piotr investit la scène, ce n’est pas seulement un concert qui commence : c’est une rencontre intime avec soi‑même. Rappeur venu de Lausanne, il tisse ses textes avec une précision rare, où chaque mot pèse, respire, et semble sorti d’une pensée profonde et sincère. Ce concert sera un de ces moments où l’on sort bouleversé, touché, peut‑être transformé — comme si quelqu’un avait murmuré à notre oreille ce que l’on pensait sans oser le dire. Ne manquez pas cet instant de poésie urbaine le 20 mars à la Salle communale de Plainpalais à Genève

Bekar : entre souvenirs et émotions
Quand Bekar prend le micro, l’atmosphère se fait profonde et vraie — comme une nuit d’hiver où chaque souffle semble raconter une histoire. Originaire du nord de la France, l’artiste construit sa musique comme un paysage de souvenirs et de sentiments : des vérités murmurées, des questions intimes, des mélodies qui s’impriment dans le cœur. Ne manquez pas cet instant suspendu de rap et d’émotions — le 20 mars à la Salle communale de Plainpalais à Genève : une soirée où le son devient miroir, où les souvenirs se mêlent à la musique, et où chaque mot compte.

Un festival qui ne cherche pas à faire grand bruit, mais qui finit toujours par résonner longtemps.

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Nino : la fragilité comme force
Dans “Nino” de Pauline Loquès, Théodore Pellerin compose un personnage d’une délicatesse bouleversante. Le film avance comme une respiration : lente, parfois suspendue, toujours vibrante. Il parle de la maladie sans pathos, de la vie sans héroïsme, et trouve dans cette retenue une poésie rare. Pour nous, c’est l’un des portraits les plus touchants de l’année. Un cinéma qui murmure mais qui reste longtemps en nous.

NINO (c) Blue Monday Productions – France 2 Cinéma

La Petite Dernière : l’adolescence à vif
Avec “La Petite Dernière”, Hafsia Herzi signe un film d’une grande justesse sur la construction de soi. Nadia Melliti, l’une des Révélations 2026, y impressionne par une présence à la fois douce et tranchante. Le film interroge la foi, le désir, la famille et l’émancipation, sans jamais tomber dans la leçon morale. On en sort remué, habité par le regard de cette jeune héroïne.

L’Épreuve du feu : une génération sous tension
Porté par Félix Lefebvre, “L’Épreuve du feu” capte l’énergie d’un groupe d’amis pris entre désir de liberté et poids des responsabilités. L’été devient ici une métaphore de la montée des émotions : tout brûle, tout se transforme. Le film touche par sa sincérité, son rythme et sa capacité à traduire le tumulte intérieur d’une génération.

L’Epreuve du feu © Move Movie

La Pampa : une France périphérique
Dans “La Pampa”, révélé par la performance de Sayyid El Alami, le cinéma s’éloigne des grandes villes pour capter une France rurale souvent invisibilisée. Le film trouve une beauté brute dans les paysages, les silences et les relations humaines. C’est un cinéma social sans lourdeur, profondément humain, qui résonne particulièrement avec notre sensibilité helvétique aux territoires et aux marges.

Qui brille au combat : la lumière dans l’effort
Premier long métrage de Joséphine Japy, “Qui brille au combat” impose d’emblée une écriture sensible et un regard profondément humain. À travers le parcours de ses personnages, le film observe la quête de reconnaissance, le dépassement de soi et la solidarité au sein d’un univers exigeant. Loin du spectaculaire, la réalisatrice privilégie l’intime : des gestes, des silences, des regards qui disent tout.

La 51ᵉ édition des César s’annonce marquée par la transmission et le renouvellement. Entre la présidence de Camille Cottin, l’animation de Benjamin Lavernhe et le César d’honneur remis à Jim Carrey, la soirée mêlera prestige international et vitalité française.

L’affiche de la 51ème cérémonie des Césars 2026

Mais au-delà du tapis rouge, ce sont ces films — et ces visages nouveaux — qui font battre le cœur du cinéma. Pour nous, en Suisse, regarder vers Paris le 27 février, c’est célébrer un art que nous partageons, aimons et défendons aussi dans nos propres salles et festivals.

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Same Love – Company MEK / Muhammed Kaltuk
Le mercredi 11 février à 15h, commencez votre aventure par “Same Love”, un spectacle site-specific qui vous guide de Schlachthaus Theater à l’Aula du PROGR, transformant Berne en une scène vivante. Muhammed Kaltuk et la Company MEK explorent la diversité des expériences amoureuses, questionnent préjugés et relations familiales, et célèbrent tolérance et inclusion à travers des mouvements mêlant hip-hop et danse contemporaine. Chaque pas est un manifeste pour l’acceptation et la liberté des corps et des sentiments.

ODE – Vidmar + Catol Teixeira
Le mercredi 11 février à 16h00, direction les Vidmarhallen pour “ODE”, un solo signé Catol Teixeira qui transforme le corps en paysage et le geste en langage. Dans cette pièce, chaque mouvement est une poésie visuelle, un dialogue subtil entre l’espace, la lumière et la tension intérieure. Une expérience à la fois sensible, hypnotique et profondément humaine, parfaite pour plonger dans la richesse de la danse contemporaine suisse après l’énergie urbaine et immersive de “Same Love”.

Bl0Wn – Joseph Baan
“Bl0Wn”, présenté le vendredi 13 février au Tanzhaus Bern, est une plongée sensorielle dans l’ambiguïté et la déconstruction des cadres normatifs qui façonnent nos corps et nos identités. Joseph Baan, en collaboration avec Luc Häfliger, transforme l’espace du Tanzhaus en un terrain d’expérimentation où lumière, son et mouvement se chevauchent. C’est un moment déroutant mais captivant, une expérience où la danse devient expérimentation, résistance et beauté fragile, parfaitement adaptée au rythme intense et immersif des Swiss Dance Days 2026.

From rock to rock – Jeremy Nedd
Le samedi 14 février egalement, dans le Turbinensaal de la Dampfzentrale à Berne, “from rock to rock … aka how magnolia was taken for granite” de Jeremy Nedd propose un voyage chorégraphique où le geste viral devient langage et question sociale. Inspiré du mouvement de danse viral The Milly Rock et des débats autour de son appropriation culturelle, la pièce met en scène cinq interprètes qui explorent avec une précision hypnotique ces langages gestuels marginalisés et la poésie qu’ils contiennent. La performance fusionne culture urbaine et danse contemporaine. La répétition minimale devient un instrument de réflexion : qui possède un geste ? À qui revient‑il vraiment ? Chaque variation révèle une dimension sociale, expressive et politique du mouvement.

Untitled (Nostalgia, Act 3) – Tiran Willemse
Le samedi 14 février,en debut de soiree, dans la Vidmarhallen à Berne, “Untitled (Nostalgia, Act 3)” de Tiran Willemse prend place. C’est un solo poétique et intense. Le chorégraphe mêle gestes classiques inspirés du ballet Giselle et mouvements urbains du Kuduro et de l’Alanta. Son corps devient un terrain sensible où se croisent mémoire, identité et émotion. Chaque mouvement convoque des traces du passé et des histoires culturelles, créant un paysage intérieur riche et captivant. La performance se termine sur une note contemplative et presque cinématographique. C’est une expérience intime et profondément humaine, une invitation à ressentir la puissance narrative de la danse contemporaine suisse.

Aux Swiss Dance Days 2026, Berne devient un terrain de jeu pour le corps et l’émotion : diverses performances, divers univers, et autant de façons de ressentir, réfléchir et se laisser emporter par la danse contemporaine suisse.

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Portés par une rigueur journalistique qui rappelle le documentaire et une tension dramatique empruntée au thriller, ces mini-épisodes ont rapidement trouvé une communauté d’adeptes. Sur Apple Podcasts comme sur Instagram, les auditeurs parlent de “bonbons audio”, de “puissance narrative” et d’un “vrai talent pour raconter sans longueur”.

Le succès d’un format indépendant
Philippe Andoque s’inscrit dans cette génération de créateurs qui façonnent un paysage audio francophone plus libre, plus agile, plus organique. Une production autofinancée, une identité sonore parfaitement assumée, une diffusion internationale et une base d’abonnés qui ne cesse de grimper : Dossier Révélé coche toutes les cases du phénomène discret qui pourrait bien devenir un incontournable.

Saison 2 : le retour très attendu
Bonne nouvelle pour les curieux comme pour les addicts du format : la saison 2 est en préparation. L’auteur annonce une nouvelle salve d’épisodes toujours courts, toujours inspirés de faits réels, mais avec une dramaturgie encore plus maîtrisée et un travail sonore renforcé. Certaines histoires pousseront plus loin les zones d’ombre scientifiques ; d’autres exploreront des faits divers suisses et internationaux restés méconnus, parfois dérangeants, toujours réels. Les dix nouveaux épisodes sont annoncés comme “plus intimes, plus tendus, plus documentés”. Le genre d’évolution qui promet d’amener Dossier Révélé vers un ton plus mature, sans renier l’ADN du format : percutant, précis, addictif.

Pourquoi on l’attend ?
Parce que dans un océan de podcasts bavards, Dossier Révélé rappelle la puissance de la concision. Parce qu’on aime les formats qui laissent une empreinte immédiate. Parce qu’il y a, chez Philippe Andoque, une façon d’apprivoiser l’ombre, de la rendre audible, presque palpable. Et peut-être parce qu’on adore frissonner en deux minutes chrono.

La saison 2 s’annonce comme un rendez-vous incontournable pour les amateurs d’histoires vraies, de mystères documentés et de podcasts qui ne ressemblent à aucun autre.

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Plonger dans un monde intime
Avec cet album, Mitski ne revient pas seulement : elle nous tire dans son univers. Chaque morceau devient une pièce de théâtre miniature, un fragment d’histoire où le banal devient monumental. On y découvre des émotions brutes, des instants de solitude, de désir, de nostalgie, de panique douce.

Entre “In a Lake”, “Charon’s Obol” et “I’ll Change for You”, l’intime devient épique, le quotidien devient mythique. Le vent qui passe par les volets, la lumière qui se faufile entre les rideaux, le tic-tac obsédant d’une horloge — tout semble exister dans ces chansons, et pourtant chaque détail est transformé en émotion sonore. Mitski crée un espace où chaque respiration compte, où chaque silence pèse autant qu’un cri.

Un parcours de coups de cœur
Pour comprendre l’attente autour de ce nouvel album, il faut revisiter ses moments-icônes, les disques qui ont façonné une carrière à la fois intense et fragile.

2018 – Be the Cowboy

Un chef-d’œuvre instantané. Avec “Washing Machine Heart” et “Lonesome”, Mitski mêle théâtre, mélancolie et ironie. Chaque morceau devient une mini-pièce où l’amour, l’abandon et la solitude sont palpables. Cet album est un condensé d’indépendance fiévreuse et de poésie lumineuse. On y retrouve la femme forte, drôle, excentrique, mais toujours vulnérable. Un disque qui nous accompagne encore, des années après, comme une lueur dans l’obscurité.

2022 – Laurel Hell

Quatre ans plus tard, Mitski explore un électro-pop sombre et sensuel. Dans “Love Me More” ou “Everyone”, elle parle de désir, de reconnaissance, de vulnérabilité. L’intime devient universel, la fragilité devient puissance. Laurel Hell est un refuge pour celles et ceux qui veulent se perdre, un espace où les émotions complexes se transforment en beauté brute.

Et cette année déjà, depuis le 16 janvier, “Where’s My Phone?” nous fait trépigner. L’urgence est palpable, l’humour noir est subtil, la mélodie est obsédante. C’est une Mitski plus fébrile, plus vivante, plus imminente que jamais. Chaque note promet un album intense, chargé d’émotions et de tensions narratives, prêt à nous emporter loin, dans son univers labyrinthique.

Une narration musicale, presque poétique
Ce qui frappe avec Nothing’s About to Happen to Me, c’est sa construction narrative. Mitski nous enferme dans une maison désordonnée, dans un monde suspendu entre solitude et chaos. Chaque chanson agit comme un fragment de ce microcosme, oscillant entre introspection et urgence, théâtre et quotidien, fragilité et furie.

On sent le souffle du vent sur les volets, le frisson de lumière qui traverse les fenêtres, l’odeur de poussière et de papier ancien. On entend le tic-tac obsédant d’une horloge, le craquement du parquet, et tout cela devient musique. Elle transforme le réel en poème, le banal en intense, la vie en art sonore.

Avec elle, rien n’est jamais banal. Tout est émotion. Tout est immédiat. Tout nous happe. Nothing’s About to Happen to Me promet d’être un jalon, un chef-d’œuvre suspendu entre chaos et grâce, où le cœur et le désordre se rencontrent avec une violence douce et une beauté brute. Mitski nous invite à entrer dans son monde — fragile, électrique, et absolument nécessaire.

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